Siglo XX y XXI[editar]
Enrico Caruso con un gramófono.
Artículo principal: Música clásica del siglo XX
En el siglo XIX, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer
al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados de
clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con
la música del siglo XX, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la
disponibilidad de discos de gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones
sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en
su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y
piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó
popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras
que en el siglo XIX, el enfoque en las partituras restringió el acceso a la nueva música a las
personas de clase media y alta que podían leer música y poseían pianos e instrumentos, en el
siglo XX, cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes
bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que nunca
podrían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar esta música.
También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país, o
incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares.
Esto ayudó a difundir los estilos musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos
ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial influyeron en
muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar
sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales
como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Ígor
Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música
artística del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música
dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición
electrónica acusmática41 y música concreta. La grabación de sonido también fue una gran
influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las
grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema
de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía hacer mucho
más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y
su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces,
creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.
Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis
Armstrong, Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo delsiglo XX y
durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de
arte musical estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades
afroamericanas del sur de Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones
musicales africanas y europeas. El pedigrí de África Occidental del estilo es evidente en el uso
de notas de blues, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota swing.42
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a
partir del rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.43 El
sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo
de fondo establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y
la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. La sección rítmica
tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas
bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de
1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a
usar sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7, cajas de ritmos electrónicas como
el Roland TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-303) o teclados de
bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de
dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y software (por
ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los sintetizadores de
software y las aplicaciones de música de computadora hacen posible productores de
dormitorio para crear y grabar algunos tipos de música, como música electrónica de baile en
su propia casa, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación
digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu
metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando música
grabada en tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.
Cultura y música[editar]
Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la
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Violinista en la catedral de Dublín.
Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. La mayoría de las especies
animales también son capaces de producir sonidos de una forma organizada para comunicar
una gran variedad de mensajes. Lo que define a la música de los hombres no es tanto el ser
una combinación «correcta» (o «armoniosa» o «bella») de sonidos en el tiempo como el ser
una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas
tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos
utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las
formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la
música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una
celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se
baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música determinada
desempeña en un contexto social determinado, podemos ser más precisos a la hora de definir
las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las
músicas que no son las de nuestra sociedad.
La Música, representación alegórica de la música, diseñada por Józef Gosławski en un edificio
en Varsovia.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas
durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son «universales»,
es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos.
Dice Schopenhauer, «(la música) repercute en el hombre de manera tan potente y magnífica,
que puede ser comparada a una lengua universal, cuya claridad y elocuencia supera a todos
los idiomas de la tierra».44
Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», puesto que varios de sus
elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las
frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos
matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente
capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad
de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un
hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los
últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura
occidental[cita requerida] porque representa un estadio más «avanzado» o «superior» de la
«evolución» de la música.
Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es
la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo,
muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien
cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la
ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo
espacio físico en donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace
algunos siglos; lo más común (es decir, lo más «universal») es que creador e intérprete sean
la misma persona.
La notación musical occidental[editar]
Artículo principal: Historia de la notación en la música occidental
Fragmento de uno de los himnos dedicado al dios de la música Apolo, en Delfos, Grecia. El templo
oracular era una acrópolis y fue construido en su honor. Este fragmento contiene la notación
musical introducida por los helenos, situando las notas por sobre las estrofas (a modo de «cancionero
popular»).
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación
musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media (principalmente canto
gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al
actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo
conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades
expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del
tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en
relación a un pentagrama (del griego «πεντα», «penta»: cinco; y «γραμμa», «grama»: líneas),
que al comienzo tiene una clave que tiene la función de atribuir a una de las líneas del
pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la «clave de
sol en segunda línea» nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda
línea (contando desde abajo), como la el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda
y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan
fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de:
do en tercera línea (clave que toma como referencia al do4 de 261,63 Hz,
el do central del piano),
sol en segunda línea (que se refiere al sol que se encuentra una quinta por encima
del do central), y
fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por debajo del do central).