Música

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Atenea (Minerva) y las Nueve Musas inspiradoras. De la palabra «musa» proviene

«música».

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 La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas»)

es, según la definición tradicional del término, el arte de crear y

organizar sonidos y silencios respetando los principios fundamentales de la melodía,

la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos. El

concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se

reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias

décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que

destacados compositores en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas han

realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la

definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples

finalidades, entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de

expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cada vez más,

cumplir una importante función terapéutica a través de la musicoterapia.

La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del

ser humano. Está relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del

lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas

no nativas y a potenciar la inteligencia emocional, entre otros. Por este motivo, la música

debe estar presente en cualquier plan educativo moderno y ser reconocida como

una disciplina imprescindible dentro de la enseñanza obligatoria.

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo del individuo; así,

el flujo sonoro puede cumplir variadas funciones

(entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.). En muchas culturas, la

música es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que desempeña un papel

fundamental en rituales religiosos, en las ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la

graduación y el matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en las

actividades culturales que van desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar en una

banda amateur de funk o cantar en un coro comunitario. La gente puede hacer música por

afición, como un adolescente que toca el chelo en una orquesta juvenil, o trabajar como

músico o cantante profesional. La industria musical incluye a las personas que crean nuevas

canciones y piezas musicales (como los cantautores y los compositores), a las personas que

interpretan música (que incluyen a los músicos de orquesta, de bandas de jazz y de bandas

de rock, a los cantantes y a los directores de orquesta), a las personas que graban música

(productores musicales e ingenieros de sonido), a las personas que organizan giras de

conciertos y a las personas que venden grabaciones, partituras y partituras a los clientes.

Incluso una vez que se ha interpretado una canción o pieza, la crítica musical, el periodismo

musical y la musicología pueden valorar y evaluar la pieza y su interpretación.

Índice

 1Etimología

 2Definición

 3Parámetros del sonido

 4Elementos de la música

 5Historia
 o 5.1Prehistoria

o 5.2Antiguo Egipto

o 5.3Culturas asiáticas

o 5.4Referencias en la Biblia

o 5.5Antigua Grecia

o 5.6Antigua Roma

o 5.7Edad Media

o 5.8Renacimiento

o 5.9Barroco

o 5.10Clasicismo

o 5.11Romanticismo

o 5.12Siglo XX y XXI

 6Cultura y música

 7La notación musical occidental

 8Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico

 9Véase también

 10Notas y referencias

 11Bibliografía
  12Enlaces externos

Etimología[editar]

En la mitología griega, las nueve musas fueron la inspiración de muchos esfuerzos

creativos, incluidas las artes.

La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de las musas»)1 En

la mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y

las artes y eran la fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los cantos y los mitos de

la cultura griega.

Según el Diccionario etimológico en línea:

El término «música» deriva de «musike, de mediados del siglo xiii, del francés

antiguo musique (siglo xii) y directamente del latín musica "el arte de la música", que

también incluye la poesía (también la fuente del español música, italiano musica, alto

alemán antiguo mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés musik)». Se deriva del

«...griego mousike (techne) "(arte) de las musas", del femenino de mousikos «perteneciente

a las musas», de Mousa «Musa».

La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término

«música» se refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente la

música y la poesía lírica.2

 Definición[editar]

La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en

dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del sonido;

la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras musicales.

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las

expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e

históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas

en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser

considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad

organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición

parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar «música»— se

pueden percibir ciertos patrones del «flujo sonoro» en función de cómo las propiedades del

sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que

también por los animales). La definición que se atribuye a Edgard Varese de música como

sonido organizado,3 y también la de la Enciclopedia Británica que en su 15a edición

describe que «aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos como inherentmente no-

musicales, en cada cultura los músicos han tendido a restringir la gama de sonidos que
estaban dispuestos a admitir». John Blacking añadió este detalle importante a la definición

de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente».4

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos

esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y

que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos

de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función

«estética», se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un «jingle» publicitario

no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía).

Por otra parte, hablar de una función «estética» presupone una idea de la música (y del arte

en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal

como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot,

después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,5 la definió como el «arte de combinar

los sonidos de una manera agradable al oído».6

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas

expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y

su obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la

música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene

a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones «bien hechas» y otras que

no lo son, lo que es por lo menos discutible.

 Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos

ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que

debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las

aseveraciones del filósofo alemán Johann Wolfgang von Goethe cuando la comparaba con

la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como «música congelada». La

mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de

que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el

resultado deba ser placentero o agradable.

Parámetros del sonido[editar]

Véase también: Nota musical

Distribución de las notas musicales en el teclado de un piano. Cada nota representa

una frecuencia de sonido distinta.

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión

generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio

que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de

sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da

en la naturaleza.
 El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

 La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de

la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se

emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como graves y agudos.

Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de

onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos

puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos

y mínimos en el mismo instante. 7

 La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un

sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene

representada en la onda por los segundos que esta contenga.

 La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía.

La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.

 El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a

pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad.

Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un

conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros

percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de

armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno

de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por

el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se

representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de

 ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a

lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides

correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada

una al sonido resultante.

Elementos de la música[editar]

Un ejemplo de las escalas de la antigua Grecia es la octava hipofrigia de

género enarmónico (en mi). Ya existía el concepto fundamental de octava. La nota varía

según la armonía (αρμονία), transcritas como modos griegos. La polifonía y variedad de

instrumentos aerófonos, cordófonos y membranófonos, han sido documentadas en infinidad

de grabados y dibujos.

La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos

no se hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la música,

para formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual, el

material acústico experimenta una preparación pre-musical, mediante un proceso de

selección y ordenamiento.8

La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento

que la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un

entendimiento general previo, dentro del material acústico para la organización de la

música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en

ambientes académicos es la que divide la música en melodía, armonía y ritmo.9 La manera

en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay

variaciones temporales).

 La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro

particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción

horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también

forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al «discurso

melódico». El resultado es como una frase bien construida semántica y

gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica

podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías

simultáneas se denomina contrapunto.

 La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es

el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente

y su enlace con sonidos vecinos.

 El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones

muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de

generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas,

timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la

distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra

manera, su duración.

 La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre

dos (o más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de
 la historia, destacan principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto, el

acento, el marcato y el calderón.

Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-

cuerpo-mente) convierte el material acústico en arte, y así la música adquiere historia,

vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal.

La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo xx, produjo a veces

dificultades de información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es

por eso que otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el fenómeno

de la música, como son la forma, la instrumentación, la textura, etc. A partir de todos estos

elementos, se originan nuevos principios de ordenamiento y posibilidades de composición.8

Historia[editar]

Artículo principal: Historia de la música

Prehistoria[editar]

Artículo principal: Música en la Prehistoria

La flauta de hueso encontrada en Divje Babe (Eslovenia), con más de 40 000 años

de antigüedad.

La música prehistórica sólo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los

sitios arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos en los

que se han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en un extremo como

el shakuhachi japonés. Se piensa que la flauta de Divje Babe, tallada en el fémur de un oso

de las cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han recuperado instrumentos como la flauta
de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de los

yacimientos arqueológicos de la civilización del valle del Indo.10 La India tiene una de las

tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica

india (marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú.11 La

colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró

en China y data de entre el 7000 y el 6600 a. C.12 El «Himno hurrita a Nikkal», que se

encuentra en tablillas de arcilla que se remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la obra

musical escrita más antigua que se conserva.1314

Antiguo Egipto[editar]

Artículo principal: Música de Egipto

Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la

música, y Osiris, a su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La

evidencia material y representativa más antigua de los instrumentos musicales egipcios data

del período predinástico, pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en

el Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes dobles.15 Durante

el Imperio Medio se agregaron instrumentos de percusión, liras y laúdes a las orquestas.

Los platillos16 frecuentemente acompañaban a la música y danza, como lo hacen todavía

hoy en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr,

es el género musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto y han

conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.1718

Culturas asiáticas[editar]
 Mujeres indias vestidas con atuendos regionales tocando una variedad de

instrumentos musicales populares en diferentes partes de la India.

Categoría principal: Música de Asia

La música clásica india (marga) es una de las tradiciones musicales más antiguas

del mundo.19 La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas20

e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado

varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro mediante

excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler.21 El Rigveda tiene elementos de la música

india actual, con una notación musical para denotar la métrica y el modo de cantar.22 La

música clásica india es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga, organizada

rítmicamente a través de talas. Silappadhikaram de Ilango Adigal proporciona información

sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una

escala existente.23 La música hindi actual fue influenciada por la música tradicional persa y

por los mogoles afganos. La música carnática, popular en los estados del sur, es en gran

parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes.

También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
 La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene

una historia que se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de

notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y estilos musicales

o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, con una escala de doce

notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea.

Referencias en la Biblia[editar]

Artículo principal: Anexo:Música en la Biblia

David componiendo salmos, Salterio de París, c. 960 (Constantinopla).

El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias

literarias en la Biblia y fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert

Lockyer escribió que «la música, tanto vocal como instrumental, fue bien cultivada entre

los hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la iglesia cristiana a través de los

siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo Testamento revela cómo el pueblo antiguo de

Dios se dedicó al estudio y la práctica de la música, que ocupa un lugar único en los libros

históricos y proféticos, así como en el Salterio».24

 Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología de

la cultura semítica y judeocristiana temprana han descubierto vínculos comunes en la

actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las de

los griegos y romanos posteriores. El área común de actuación se encuentra en un

«fenómeno social llamado letanía», una forma de oración que consiste en una serie

de invocaciones o súplicas. Journal of Religion and Theatre señala que entre las primeras

formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica tradición musical»:25

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and

pipe", the Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music in the early

life of Israel. In I Samuel 10, there are more depictions of "large choirs and orchestras".

These large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This had led some

scholars to theorize that the prophet Samuel led a public music school to a wide range of

students.25

El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el arpa y

la flauta», el Pentateuco casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción de la música

en la vida temprana de Israel. En I Samuel 10, hay más representaciones de

«grandes coros y orquestas». Estos grandes conjuntos sólo podían ejecutarse con ensayos

extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a teorizar que el profeta Samuel dirigió

una escuela pública de música para una amplia gama de estudiantes.

Antigua Grecia[editar]

Epitafio de Sícilo
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La inscripción

cantada, según la

pronunciación del

griego koiné.

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Artículo principal: Música de la Antigua Grecia

La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua Grecia.

Los músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego.26 Se

realizaban interpretaciones de coros mixtos para el entretenimiento, la celebración y

ceremonias espirituales.27 Los instrumentos incluían el aulós de doble lengüeta y

un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial llamado kithara.

La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a

partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo

musical. La teoría de la música griega incluía los modos musicales griegos, que

eventualmente se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa occidental. Más

tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio

Bizantino cambiaron la música griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que

se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de

cualquier parte del mundo.28 La obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la

teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.29

Antigua Roma[editar]

Trío de músicos tocando un aulós, Cymbala, y tímpano (mosaico de Pompeya).

Artículo principal: Música de la Antigua Roma

La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos

más remotos. Las canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los eventos

sociales.30 El Carmen saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado por Augusto e

interpretada por un coro mixto de niños en los Juegos Seculares del 17 a. C.31 La música era

habitual en los funerales y la tibia (el aulós griego), un instrumento de viento-madera, se

tocaba en los sacrificios para protegerse de las malas influencias.32 Bajo la influencia de la

teoría griega antigua, se pensaba que la música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba

particularmente con las matemáticas y el conocimiento.33

La música etrusca tuvo una influencia temprana en la de los romanos. Durante

el período imperial, los romanos llevaron su música a las provincias, mientras que las
tradiciones de Asia Menor, África del Norte y la Galia se convirtieron en parte de la cultura

romana.34

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma

de artes escénicas llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana

de ballet narrativo que combinaba danza expresiva, música instrumental y

un libreto cantado.35

Edad Media[editar]

El introito de Gaudeamus omnes, escrito en notación neumática en el Graduale

Aboense de los siglos xiv y xv, rinde homenaje a Enrique, patrón de Finlandia.

Gaudeamus omnes
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Artículo principal: Música de la Edad Media

La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del

canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la Iglesia católica. La notación

musical se usó desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación

fue introducida por primera vez por la Iglesia católica para que las melodías de los cánticos

pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en

todo el mundo católico.a36 El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en

forma escrita desde antes del 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia

católica, cuya tradición central se llamaba canto gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de

canto secular. Ejemplos de compositores de este período son Léonin, Perotín, Guillaume de

Machaut y Walther von der Vogelweide.

Renacimiento[editar]

Artículo principal: Música del Renacimiento

Amicus meus

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 De Tomás Luis de

Victoria.

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La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares,

como el amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que

hacía partituras impresas mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa.b La

mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y

en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las

cortes y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió siendo

un mecenas importante de la música. A mediados del siglo xv, los compositores escribieron

música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes

líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Josquin des

Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Thomas

Morley y Orlando di Lasso. A medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a las

cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores.

Muchos compositores importantes provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte

de Francia. Se les llama compositores franco-flamencos y ocuparon cargos importantes en

toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una gran actividad musical

fueron Alemania, Inglaterra y España.

Barroco[editar]
 Johann Sebastian Bach fue un destacado compositor de la era barroca de la música.

Tocata y fuga en re

menor, BWV 565

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Artículo principal: Música del Barroco

La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico

barroco floreció en toda Europa y durante este tiempo la música se expandió en su rango y

complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las

primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la

época barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se utilizaban múltiples líneas

melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante.c Los compositores

barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que

incluían cuerdas, metales y viento-madera, así como para coros e instrumentos de teclado,

como órgano, clavecín y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas

musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y

evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto.37 El estilo

barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los

compositores importantes de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach, Georg

Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.

Clasicismo[editar]

1. Luigi Cherubini

2. Carl Philipp Emanuel Bach

3. Joseph Haydn

4. Johann Christoph Friedrich Bach

5. Ludwig van Beethoven

6. Franz Xaver Richter

7. Wolfgang Amadeus Mozart

8. Luigi Boccherini

9. Carl Friedrich Abel

10. Christoph Willibald Gluck

11. Maria Anna Mozart

12. Johann Christian Bach

Artículo principal: Música del Clasicismo

La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se

consideraba los elementos clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua

Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada.d La música del

período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente más simple que la

música barroca que la precedió. El estilo principal fue la homofonía,38 donde

una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinados son

claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y

cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor del piano moderno,

reemplazó al clavicémbalo y al órgano de la época barroca como principal instrumento de

teclado, aunque este último siguió utilizándose en la música sacra, como las misas.

Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor

desarrollo de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el

concierto y la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda,

la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque

los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es

completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica, desde

los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la

sonata. Los instrumentos tocaban música de cámara y la orquesta se volvió más

estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que consistía

en clavecín, órgano o laúd junto con varios instrumentos ba