Giacinto Scelsi
Tre Pezzi
Álvaro Madrigal
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1. Vida
Giacinto María Scelsi nació en La Spezzia, en una familia de la nobleza italiana con
raíces españolas por parte de madre, la marquesa Giovanna d'Ayala Valva. Scelsi
recibió en compañía de su hermana Isabella, una educación particular, que él
mismo calificó en un futuro de medieval. Sus clases de música fueron todas en
cursos particulares, primero con Giacinto Sallustio en Roma, y luego con Walter
Klein, un discípulo de Arnold Schönberg, en Viena. Se convirtió en uno de los
primeros adeptos del dodecafonismo en Italia y se interesó igualmente en las
teorías de Scriabin (compositor y pianista ruso considerado uno de los mayores
exponentes del postromanticismo y el atonalismo libre).
Pasó temporadas frecuentemente en Suiza y en Francia, donde hizo amistad con
Jean Cocteau (poeta, novelista, dramaturgo, pintor, diseñador, cineasta francés),
Norman Douglas (escritor inglés), Mimì Franchetti y Virginia Woolf (escritora inglesa).
De regreso a Roma en 1937, organizó, con sus propios fondos, conciertos de
música contemporánea en colaboración con el compositor Goffredo Petrassi, en
los que se interpretaron obras de Stravinski, Kodáli, Shostakovich, Schönberg y
Hindemith, en ese momento poco conocidos en Italia.
En 1940 se refugió en Suiza, donde se casó con Dorothy-Kate Ramdsen. Su
actividad artística, fuese como poeta o compositor, fue intensa. El pianista Nikita
Magaloff estrenó muchas de sus obras. En 1945, acabada la guerra, retornó de
nuevo a Roma. A finales de los años 1940, sufrió una profunda crisis moral que le
llevó a cuestionar todas sus composiciones anteriores, incluso las propias nociones
de composición y autor en favor de la improvisación. Durante un internamiento en
un hospital psiquiátrico, no tocó al piano más que una única nota (un la bemol) del
que exploró todas las posibilidades sonoras con los armónicos provocados por las
vibraciones por simpatía.
Hizo numerosos viajes a Oriente, en los que descubrió la espiritualidad. Después de
residir en varios lugares de Europa, se estableció definitivamente en Roma, donde
trabajó de manera solitaria. Se procuró uno de los primeros instrumentos
electrónicos, la ondiola, que tenía la capacidad de hacer intervalos inferiores a un
semitono. Incapaz física y psicológicamente de transcribir sus improvisaciones, las
grababa en cinta magnética. Scelsi destruyó todas sus obras anteriores,
consideradas como demasiado académicas, y no reveló al público su nueva
estética hasta 1961, con el estreno en París de Quattro pezzi su una nota sola, Esta
obra para orquesta, cuyos movimientos están construidos cada uno sobre una sola
nota (fa, si, sol# y la).
Scelsi llegó a ver la creación artística como un medio de comunicar una realidad
más elevada y trascendental al oyente. Desde este punto de vista, el artista se
considera un mero intermediario, y Scelsi se creía ante todo un mensajero
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2. Espectralismo
El espectralismo es un estilo musical originado en Francia en la década de los
sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l
´Itinarie. La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el
descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición
espectral del sonido.
El movimiento se ha ido ampliando e influye en las más importantes tendencias
contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes,
como Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie o Thierry Blondeau. Y
como en el caso del impresionismo, muchos compositores cuya música es
considerada espectral no aceptan que se le llame de este modo.
Esta música surge en la década de los setenta, creada para explorar el sonido de
una forma científica y musical. Las ideas de la música espectral puede ser vistas
como frutos tardíos del trabajo de compositores como Maurice Ravel u Olivier
Messiaen, que crearon armonías y orquestaciones basadas en los contenidos
armónicos y enarmónicos del sonido.
La música espectral intenta trasladar a la orquesta o a un conjunto instrumental las
evoluciones temporales del sonido y aplicó a la escritura de instrumentos
tradicionales algunas técnicas procedentes de los descubrimientos en
electroacústica, como la modulación de frecuencia, el bucle, la compresión del
espectro o la dilatación de un sonido en el tiempo.
En cuanto a Scelsi con el espectralimo, su música de tonos sencillos,
continuamente cambiantes en timbre y otros parámetros, fue una importante
inspiración en este tipo de música.
3. Obra de Scelsi
Escribió más de 150 obras y cultivó todos los géneros musicales a excepción de la
música escénica. Sus obras más destacadas son posteriores a 1950 y se
caracterizan por una focalización sobre el sonido. Sus nuevas ideas tomaron forma
en el curso de los años 1950, primero para un instrumento solo, aumentando luego
a pequeñas formaciones de música de cámara y abandonando poco a poco su
instrumento predilecto hasta entonces: el piano. Fue con las Quattro pezzi su una
nota sola (1959) cuando esta nueva concepción de la música y del sonido tomó su
forma más acabada. Cada una de estas cuatro piezas está basada en una única
nota tocada por una orquesta de cámara, apoyándose en tiempos y ataques
variados. Se nota en la obra una inspiración oriental, al igual que en Aiôn, en cuatro
episodios de la vida de Brahma (1961) y en Konx-Om-Pax (1968) (tres términos que
quieren decir paz).
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La autenticidad de su obra ha sido puesta en duda y a menudo de forma vivamente
contestada después de su muerte. El compositor Vieri Tosatti ha difundido en la
prensa que él era el verdadero autor de la obra de Sclesi, y esto sólo 6 meses
después de su desaparición. Hay que destacar que Scelsi trabajaba mucho con los
músicos que interpretaban sus obras, le daba mucha importancia.
Entre sus obras más destacadas, además de las ya citadas, se encuentran el ciclo
de cinco cuartetos de cuerda y varias de sus abundantes obras de cámara, como
Anahit, Pranam II, la Trilogía para violonchelo, Las tres edades del hombre o los
Canti del capricorno. Tanto sus técnicas compositivas como sus ideales artísticos
se hallan a medio camino entre su origen occidental y la poderosa influencia que
sobre él ejercieron las culturas orientales.
El ciclo “Conciertos al límite” presentará mañana sus Cantos del Capricornio,
composiciones realizadas entre 1961 y 1972 y en lo que supone su estreno en
España. Es una obra extremadamente compleja que demanda una soprano a
cappella, con la colaboración de un gong y una flauta, aunque dos de los cantos
incluyen saxo y otros dos, sendos percusionistas. Los intérpretes serán el Proyecto
Guerrero junto a Michiko Hirayama, soprano de origen japonés aunque radicada en
Roma, que grabó las obras y que desde los sesenta se convirtió en la principal
intérprete de las piezas pre-silábicas de Scelsi, a las que aportó inflexiones y
técnicas procedentes del No y del Kabuki. En estas canciones se prescinde de las
palabras y la vocalización se asocia a instrumentos de los que obtiene resultados
fascinantes.
Scelsi rechazaba los conceptos de composición y le gustaba la idea de la
improvisación, comprendiéndola como una canalización mediante la cual el oyente
es puesto en comunicación con una realidad superior de índole trascendente.
4. Tre Pezzi
- Primer Movimiento: en el primer movimiento de Tre Pezzi, Scelsi utiliza una
tonalidad muy simple. El fundamento de éste movimiento consiste en una escala
pentatónica: Re-Do-Sib-La-Fa#. En esta escala, los tres sonidos centrales (Do-Sib-
La) forman la voz principal. Es importante aclarar que ninguna nota se sale del
ámbito y que cada una tiene su propio papel dentro de la escala.
El Re agudo lo describe como un sonido chillón debido a su altura con el resto de
notas, al igual ocurre con el Fa#, aunque en este caso en el registro grave,
insistiendo en la diferencia de registros del saxofón. La importancia de estas dos
notas es evidente al comienzo de la obra, ya que es el motivo de su introducción.
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Además utiliza variaciones en el ritmo y en los matices para darle más color a este
comienzo.
Más adelante, este primer motivo, se desarrolla poco a poco con la llegada de otras
notas hasta desaparecer con las transiciones del registro medio. Se vuelve a
reconocer el motivo, pero ahora en una tonalidad diferente y con una nueva nota, el
Mib.
Tras estos motivos comienza el desarrollo de la improviación, con más movimiento
y tensión. Cada vez los movimientos son más rápidos y enérgicos hasta que llega o
vuelve tras un sforzando a un Re agudo, creando un momento de relajación en el
movimiento.
- Segundo Movimiento: el segundo movimiento de la obra es lento y
calmado. Los matices juegan aquí un papel esencial, con numerosas inflexiones
para ralentizar un movimiento por las notas largas y para mantener la línea melódica
repitiendo las notas base.
En la primera parte de este movimiento se encuentra una oscilación entre las notas
La b y Sol, lo que parece ser el elemento melódico principal. El La b da tensión y el
Sol lo usa como un reposo.
La segunda parte de este movimiento las frases melódicas modulan alrededor del
Si b, más tarde al Sol, pero sin dejar de lado el Si b, y termina en un reposo en el
Re. El ritmo es más agitado y crea tensión con las inflexiones.
La tercera parte es más tranquila que la segunda y se construye entre el Re medio y
el Sol grave, aunque su punto central es el Sol. Aparecen los dos elementos
temáticos de la primera parte de este segundo movimiento y conducen este
movimiento a la calma.
-Tercer Movimiento: el tercer y último movimiento tiene una estructura
definida de 7 frases delimitadas por la serie La-Si-Re-Mib_Fa-Sol y adornada por
tres notas de apoyatura , Do-Do#-Mi. El tema se desarrolla entre las dos notas
principales Re y La, que tienen valor de dominante y tónica- El resto de notas
también tienen valor, pero en periodos más cortos e insignificantes como para
valorarlas de notas principales.
El ritmo es variado y adornado, alterna una estructura binaria con una ternaria y
utiliza grupos de 5 notas. Los matices van de PP a F, usando un tiempo rápido para
la frase principal.
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