UN VIAJE EN EL TIEMPO

ANTIGÜEDAD
Clío Talía Erato Euterpe Polimnia Calíope Terpsícore Urania Melpómene
Historia Comedia Poesía Poesía Poesía Poesía Danza Astronomía Tragedia
amorosa lírica sacra épica
Papiro Máscara Lira Dos Cara Tabla de Cítara Globo Máscara
cómica flautas pensativa escritura celeste trágica

GRECIA

La historia de la música occidental comienza en la antigua Grecia. Entendían la música

como un arte de origen divino. La palabra música deriva de mousiké que significa arte de las
musas. Muchas leyendas de la mitología griega vinculan la música con los dioses. Se creía que
la música tenía poderes mágicos para curar enfermedades y modificar comportamientos. Por
esta razón se consideraba una disciplina esencial en la educación de la juventud.

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Características

 El concepto de música incluía música, poesía, teatro y danza.

 Ritmo: se organizaba en pies métricos.

1. Tróqueo: larga – breve

2. Yambo: breve – larga

3. Dáctilo: larga – breve – breve

4. Anapesto: breve – breve – larga

5. Espondeo: larga – larga

6. Tribraquio: breve – breve – breve

 Melodía: se basaba en modos. La diferente sonoridad de cada modo reflejaba

un ethos o sentimiento.

A) Modo dórico: (mi’-mi) adecuado para expresar lo sublime.

B) Modo frigio: (re’-re) modo calmado, adecuado para los afectos.

C) Modo lidio: (do’-do) adecuado para quejas, llanto y dolor.

D) Modo mixolidio: (si’-si) adecuado para expresiones apasionadas.

 Textura: la monodia con acompañamiento heterofónico era la textura principal.

 Notación musical: se utilizaba la notación alfabética de la altura del sonido.

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  Instrumentos:

- Cuerda: lira (1), cítara (2), barbitón (3), pandura (4).

- Viento: aulos (5), siringa (6), hydraulis (7).

- Percusión: tympanum (8).

Uno de los pocos fragmentos conservados de la música de la

antigua Grecia es el Epitafio de Seikilos.

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 EDAD MEDIA

1. INTRODUCCIÓN

La Edad Media es el periodo que va del siglo V al siglo XV (desde la caída del Imperio
Romano hasta el descubrimiento de América en 1492).

Este periodo se puede dividir en estas fases:

- Alta Edad Media (s. V – XI) asociada con el arte románico y la música monofónica.

- Baja Edad Media (s. XI – XV) asociada con el arte gótico y la música polifónica.

La iglesia cristiana dominó casi todos los aspectos de la vida, incluyendo la música.

Características

 Ritmo: el canto gregoriano no tenía pulso, pero la música trovadoresca y la

polifonía posterior sí lo tenían.
 Melodía: era modal, se basaba en un sistema musical derivado de los modos
griegos.
 Armonía: la música polifónica se apoyaba en las consonancias de 8ª, 5ª y 4ª.
 Textura: predominaba la monofonía que más tarde evolucionó hacia la
polifonía.
 Timbre: la música era principalmente vocal. Los instrumentos se organizaban
pequeños grupos de solistas, que sonaban agudos y penetrantes.
 Dinámica: no había cambios en la intensidad.
 Notación musical: la notación neumática evolucionó hacia la notación
cuadrada.

Compositores

 Francia: Leonin, Perotin, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut.

 Italia: Francisco Landini, Johannes de Garlandia.
 Alemania: Hildegard von Bingen, Franco de Colonia.
 España: Alfonso X el Sabio, Martín Codax de Vigo.

2. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

La música religiosa comenzó como canto gregoriano y después evolucionó para

convertirse en música polifónica. La iglesia cristiana prohibió el canto de las mujeres y el uso de
instrumentos, porque esto podía distraer a los fieles en su culto.

Monofonía

Canto gregoriano: es un repertorio de música destinado para la liturgia de la iglesia

cristiana, caracterizado por una sola línea melódica (monofónico) sin acompañamiento
instrumental (a cappella) y un ritmo libre, determinado por los acentos del texto en latín. El
Papa Gregorio I el Magno fomentó la organización y unificación de los cantos (de ahí el nombre
de "gregoriano").

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 Los cantos originalmente se transmitían por tradición oral, pero llegaron a ser tan
numerosos que hacia el siglo VIII los monjes empezaron a dibujar signos (neumas) por encima
o por debajo del texto para ayudar a recordar la melodía. La notación neumática evolucionó
hacia la notación cuadrada, logrando una indicación más precisa de la altura con líneas de
referencia (tetragrama) y claves.

Tipos de cantos según la forma de interpretación:

- Responsorial: alternancia entre un solista y el coro.

- Antifonal: alternancia entre dos mitades del coro.

- Directo: sin alternancia.

Tipos de cantos según la relación entre texto y música:

- Silábico: cada sílaba se corresponde con una nota.

- Neumático: cada sílaba se corresponde con un neuma (desde 2 hasta 6 notas).

- Melismático: cada sílaba se corresponde con un melisma (desde 6 hasta más de 60

notas).

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Polifonía

Polifonía primitiva (s. IX – XII)

La polifonía (diferentes melodías al mismo tiempo) apareció en la música occidental a finales
del siglo IX.
La polifonía primitiva se construía improvisando sobre la base del canto gregoriano.

 Organum: es la forma polifónica más sencilla.

o Organum paralelo: forma polifónica primitiva que consta de dos melodías en

movimiento paralelo.
- Vox principalis: es la melodía gregoriana original o cantus firmus (notas en
rojo).
- Vox organalis: es una segunda melodía que se añadía a distancia de 8ª, 5ª o
4ª.

o Organum melismático: forma polifónica primitiva en la que el cantus firmus va

en notas largas y sobre él la vox organalis canta melismas.

 Discantus: forma polifónica primitiva que consta de dos melodías, pero cuando una
melodía va hacia el agudo la otra va hacia el grave y viceversa. Evolucionó hacia el
contrapunto.

Ars Antiqua (s. XII – XIII)

La música empezó a medir el ritmo, usando los pies métricos griegos, debido a la necesidad de
sincronizar las diferentes voces de la polifonía. El centro era la Escuela de Notre Dame en
París; sus principales compositores eran Leonin y Perotin.

 Conductus: se construye sobre melodías de nueva creación (no gregorianas), con un

ritmo procesional.
 Motete: está escrito para 2 a 4 voces, cada una de ellas tiene un texto y ritmo
diferentes.

Ars Nova (s. XIV)

La música polifónica se hizo más compleja en sus ritmos y melodías. Surgieron nuevas formas
más elaboradas, que reflejaban la búsqueda del placer y del efecto puramente sonoro de la
música. Apareció la notación mensural, en la que se designaron valores particulares para cada
sonido.
Los compositores principales eran Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut y Francesco
Landini.

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3. MÚSICA VOCAL PROFANA

La música vocal profana se desarrolló a la vez que la música religiosa bajo la protección de los
señores feudales. Comenzó con música monofónica y después evolucionó para convertirse en
música polifónica.

 Juglares, jongleurs o joglars: eran músicos profesionales que viajaban de una

población a otra entreteniendo a la gente en castillos y pueblos con espectáculos
teatrales, acrobacias y música. Socialmente eran considerados marginados. Eran
solamente intérpretes, que cantaban canciones tomadas de otros compositores.

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  Trovadores: surgieron en el sur de Francia en el siglo
XI. Movimientos relacionados florecieron en toda Europa: troveros en el norte de
Francia; Minnesingers  en Alemania. Eran personas cultas y refinadas. Escribían
canciones en las lenguas vernáculas de cada lugar. Los textos trataban sobre temas de
amor cortés y caballería. Formas musicales principales: balada, virelai, rondeau,
pastorela. Trovadores famosos: Martín Codax de Vigo (Cantigas de amigo), Alfonso X
el Sabio (Cantigas de Santa María).

 Goliardos: eran clérigos estudiantes y vagabundos. Escribían e interpretaban

canciones monofónicas escritas en latín. Los textos se centran en dos
temas principales: las representaciones de la forma de
vida lujuriosa del vagabundo (comida, bebida, placeres carnales, etc.) y las
críticas satíricas de la sociedad y la iglesia. Algunas de estas canciones están
recogidas en un cancionero denominado Carmina Burana.

Las formas polifónicas profanas aparecieron en el Ars Nova (s. XIV). Ej. canon, balada,
chanson.

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4. MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental estaba prohibida en música sacra, pero se usaban instrumentos para
acompañar canciones y danzas profanas.
Danza
Las civilizaciones antiguas ejecutaban danzas en todo tipo de eventos sociales. El cristianismo
prohibió la danza porque se asociaba con ritos paganos. Pero, desde el siglo XII se encuentran
ejemplos de danzas, algunas de ellas cantadas y otras puramente instrumentales.

 Estampie: es el nombre genérico usado para las danzas en los manuscritos. Es

monofónica y se estructura en diversas frases que se repiten (puncta).

Instrumentos
- Cuerda: arpa (1), laúd (2), fídula (3), rabel (4), salterio (5), tympanon (6), zanfona (7).
- Viento: flauta (8), trompeta (9), dulzaina (10), corneta (11), serpentón (12), gaita (13), órgano
portativo (14).
- Percusión: pandereta (15), címbalos (16), castañuelas (17).

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AUDICIONES

MÚSICA VOCAL RELIGIOSA: "Crux Fidelis"

 Ritmo: ritmo libre.

 Textura: monofonía.
 Timbre: voces masculinas.
 Forma: himno de canto gregoriano.

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MÚSICA VOCAL PROFANA: Alfonso X – Cantiga 100 "Santa María Strela do día"

 Ritmo: compás binario (2/4).

 Textura: monofonía, con acompañamiento instrumental heterofónico.
 Timbre: voces masculinas, femeninas e instrumentos.
 Forma: cantiga.

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 RENACIMIENTO

1. INTRODUCCIÓN
El Renacimiento es el periodo artístico que va del siglo XV al siglo XVI (desde el
descubrimiento de América en 1492 hasta la primera ópera conservada en 1600).
El término Renacimiento indica el interés en recuperar el ideal de belleza y proporción de las
antiguas artes clásicas de Grecia y Roma. El teocentrismo medieval (Dios es el centro del
universo) fue sustituido por el humanismo o antropocentrismo (el hombre es el centro del
universo). La invención de la imprenta hizo que la difusión de la música fuera más fácil.
La música era una parte importante de la educación de la gente educada. Los compositores
empezaron a firmar sus obras con más frecuencia a finales de la Edad Media, en lugar de
dejarlas en el anonimato.
Características

 Ritmo: era regular y suave, salvo en las danzas.

 Melodía: era aún modal, se movía a lo largo de una escala con unos pocos saltos
grandes.
 Armonía: era modal y basada en la tríada. El intervalo de tercera como consonancia
era muy importante.
 Textura: la polifonía prevalecía, con equilibrio entre las voces, ninguna destaca más
que otra.
 Timbre: el concepto de orquesta no existía aún, pero aparecieron las primeras
agrupaciones de instrumentos.
 Dinámica: no se usaban indicaciones dinámicas en las partituras, pero al tocar se
realizaban cambios de intensidad para dar mayor expresividad.
 Figuralismo: las letras eran muy importantes y los músicos intentaban reflejar
musicalmente el significado del texto.

Compositores

 Escuela franco-flamenca: Orlando di Lasso, Josquin Desprez, Guillaume Dufay.

 Italia: Pierluigi da Palestrina, Carlo Gesualdo, Andrea Gabrieli, Giovanni Gabrieli.
 Alemania: Hans Leo Hassler.
 Inglaterra: John Dowland, Thomas Tallis, William Byrd.
 España:
- Escuela castellana: Juan del Encina, Tomás Luis de Victoria.
- Escuela andaluza: Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero.
- Escuela catalana: Mateo Flecha, Joan Pujol.

2. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

Durante este periodo la unidad de la iglesia se rompió.

Reforma protestante (Iglesia protestante)

En Alemania Martín Lutero rompió con Roma en 1510, estableciendo el Protestantismo. Lutero
consideraba la música lo más importante después de la teología.

 Coral: es una forma coral homofónica para 4 voces, escrita en alemán. Suele estar
basada en melodías populares. Estos rasgos facilitaron para la congregación entender
el texto y participar en el canto.

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Reforma inglesa (Iglesia anglicana)
En Inglaterra, Enrique VIII rompió con Roma en 1534 y se autoproclamó cabeza de la Iglesia
anglicana.

 Anthem / Himno anglicano: es una forma coral polifónica para 4 voces y escrita en
inglés.

Contrarreforma (Iglesia católica)

Roma reaccionó en el Concilio de Trento (1545-1563). Mantuvieron el canto gregoriano como
canto oficial de la Iglesia católica, pero también desarrollaron la polifonía. Intentaron simplificar
los textos y la polifonía. Los principales compositores eran Palestrina, Lasso, Morales y
Victoria.

 Motete: es una forma coral polifónica escrita en latín. El texto suele ser religioso pero
no específicamente conectado con la liturgia. El nombre viene del término francés
"mot" que significa "palabra".
 Misa: es una forma coral polifónica escrita en latín. El texto es religioso, resultado de
reunir todas las partes de la liturgia (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei).

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3. MÚSICA VOCAL PROFANA

Las formas musicales variaron dependiendo del país y se desarrollaron ligadas a la poesía de
la época. Estas formas utilizaban el cuarteto mixto (SATB) como su agrupación más frecuente.

Italia

 Madrigal: es una forma coral polifónica para 4 o 5 voces, escrita en italiano. Las letras
suelen tratar sobre el amor. Esta música intenta reflejar el texto utilizando elementos
expresivos conocidos como "madrigalismos". Los principales compositores
eran Marenzio, Gesualdo y Monteverdi.

Francia

 Chanson: es una forma coral polifónica, escrita en francés. Suele tener

acompañamiento instrumental. Las letras tratan sobre las virtudes del caballero y la
caballería. La música describe el texto usando onomatopeyas musicales como el canto
de pájaros, etc. Los principales compositores eran Desprez y Janequin.

España

 Villancico: es una forma coral homofónica para 4 voces. Se estructura  en estribillos y

"coplas", y el último verso de la "copla" actúa como una "volta" repitiendo la melodía del
estribillo. El nombre viene de "villano" que significa habitante de una villa. No es lo que
hoy conocemos como villancico navideño. Los principales compositores eran Del
Encina y Mateo Flecha.

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4. MÚSICA INSTRUMENTAL
El uso de instrumentos estaba prohibido en la iglesia. La música instrumental acompañaba la
música vocal profana. También surgió una música puramente instrumental independiente del

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canto. Desde entonces la música que solía ser improvisada o tocada de memoria, empezó a
ser escrita. La improvisación siguió siendo importante.
El concepto de orquesta no existía todavía. Los compositores no especificaban el número o tipo
de instrumentos que deberían tocar su música y era interpretada con los instrumentos
disponibles en cada momento. Aparecen las primeras agrupaciones musicales. Normalmente
se agrupaban por familia o por intensidad.
Un consort es una agrupación de instrumentos. Tipos:
- Whole consort: si todos los instrumentos eran de la misma familia.
- Broken consort: una mezcla de diferentes familias.

Conjuntos instrumentales en función de la intensidad:

- Haut (alto): conjunto formado por instrumentos de intensidad fuerte, destinado a
interpretaciones al aire libre.
- Bas (bajo): conjunto formado por instrumentos de intensidad suave, destinado a
interpretaciones en interior.

La mayoría de las formas instrumentales responden a tres tipos básicos de composición:

 Piezas basadas en obras vocales: mantienen la estructura y textura de la forma vocal,

pero adaptada para instrumentos.
Ej. ricercare o tiento en España (derivado del motete), canzona (derivado de la
chanson).

 Piezas basadas en la improvisación: pueden ser improvisadas sobre una melodía dada
(cantus firmus), o la música puede ser creada libremente.
Ej. fantasia, toccata.

 Piezas basadas en la variación: empiezan con un tema sencillo que después se repite
con modificaciones.
Ej. variaciones o diferencias en España.

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5. Danza
Los bailes de salón eran muy populares en esta época. Las danzas solían ser
presentadas en pares contrastantes:

 Primera danza: es una danza de pasos en ritmo binario y tempo lento.

Ej. pavana, alemanda.

 Segunda danza: es una danza de giros y saltos en ritmo ternario y tempo rápido.
Ej. gallarda, courante, sarabanda, gavota, branle, canario.

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Instrumentos
- Cuerda: laúd (1), guitarra (2), vihuela (3), viola da braccio (4), viola da gamba
(5), clavicordio (6), espineta (7).
- Viento: bombarda (6), cromorno (7), cornamusa (8), chirimía (9), sacabuche (10), órgano (11).

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AUDICIONES

MÚSICA VOCAL RELIGIOSA: Tomás Luis de Victoria - “Ave Maria”

 Ritmo: los acentos musicales vienen determinados por el texto.

 Textura: polifonía con partes contrapuntísticas y partes homofónicas.
 Timbre: 4 voces masculinas (SATB). Los hombres para cantar las notas agudas usan
la técnica de falsete. (Bee Gees)
 Forma: motete.

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MÚSICA VOCAL PROFANA: Juan del Encina - "Ay, triste que vengo"

 Ritmo: compás ternario (3/4).

 Textura: homofonía.
 Timbre: voces masculinas, voces femeninas e instrumentos
 Forma: villancico.

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 BARROCO

1. INTRODUCCIÓN
El Barroco es el periodo artístico que va del siglo XVII hasta mediados del XVIII (desde la
primera ópera conservada en 1600 hasta la muerte de J. S. Bach en 1750).
El término barroco deriva de la palabra portuguesa "barrueco" que alude a una perla
imperfecta.
La música está al servicio de las monarquías absolutas, la aristocracia y la Iglesia, que la
usaban como otra manifestación de su poder.

Características

 Ritmo: era más variado y con un pulso más rápido y más regular.
 Melodía: era más compleja y elaborada, porque había un gusto por los detalles y la
ornamentación.
 Armonía: era tonal. Se estableció el uso de la tonalidad.
 Textura: predominaba la melodía acompañada con basso continuo, que es una línea
de bajo sobre la que se construyen los acordes.
 Timbre: nació la orquesta.
 Dinámica: utilizaban dinámica por terrazas y efecto eco.
- Dinámica por terrazas: en esta era los matices se logran mediante cambios de grupos
instrumentales (fuerte = muchos intérpretes, tutti; suave = pocos).
- Eco: efecto sonoro que consiste en una presentación en forte y una repetición
en piano.
 Expresión de los afectos: los compositores trataban de expresar estados del alma
como rabia, alegría, dolor...
 El uso de contrastes en diversos elementos musicales (ritmo, tempo, melodía, timbre,
etc.).

Compositores

 ltalia: Vivaldi, Monteverdi, Peri, Frescobaldi, Scarlatti, Corelli.

 Alemania: J. S. Bach, Praetorius, Schutz, Telemann.
 Inglaterra: Handel, Purcell.
 Francia: Lully, Charpentier, Couperin.
 España: Juan Hidalgo, Antonio Literes, José de Nebra, Sebastián Durón.

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2. MÚSICA VOCAL PROFANA

Ópera: era la principal forma vocal profana y estaba escrita para orquesta, coro y solistas.
Orígenes: a principios del siglo XVII en Florencia un grupo de intelectuales alrededor del conde
Bardi conocido como la Camerata Fiorentina decidió revivir el teatro clásico griego, que era una
combinación de poesía, música y danza.
La primera ópera conservada es Euridice de Jacopo Peri (1600).
La primera ópera importante es L’Orfeo de Claudio Monteverdi (1607).

Partes fundamentales de una ópera:

Partes vocales
- Recitativo: a medio camino entre la palabra hablada y el canto. Facilita el avance de la trama.
- Aria: parte melódica cantada por un solista. Sirve para expresar emociones y

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para lucir las habilidades del solista.
Partes instrumentales
- Obertura: es la introducción a la ópera.
- Interludios: partes instrumentales que unen las diversas secciones.
Coros y ballets eran incluidos en ocasiones.

Los castrati eran cantantes masculinos famosos generalmente pertenecientes a las clases

más humildes, que eran elegidos por la belleza de sus voces. Eran castrados antes de la
pubertad para preservar sus voces de niños pero con la capacidad pulmonar de un hombre
adulto. Se convirtieron en los primeros ídolos musicales de la historia. El castrato más famoso
fue Farinelli, y había otros castrati conocidos como Ferri, Senesino y Pacchierotti.

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3. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

La ópera influyó decisivamente en las nuevas formas vocales religiosas. Todas ellas se
escribían para orquesta, coro y solistas; y estaban formadas por una sucesión de recitativos,
arias y coros.
Oratorio: es muy similar a la ópera, pero de tema religioso, y sin escenografía ni danzas.
Pasión: es un drama litúrgico sobre la pasión y muerte de Cristo, generalmente interpretado
durante Semana Santa.
Cantata: literalmente significa "cantada" en italiano. Puede ser una forma profana o religiosa.
El mayor compositor de oratorios fue George Friedrich Handel.
El mayor compositor de pasiones y cantatas fue Johann Sebastian Bach.

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4. MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental logra una independencia definitiva de la música vocal, debido a:
- La evolución de los instrumentos gracias a lutieres como Stradivarius, Amati o Guarnieri.
- El nacimiento de la orquesta barroca, formada por cuerda frotada y otros instrumentos que
tocaban el basso continuo como el clavicordio. También incluía viento madera, viento metal y
percusión.
Los músicos componían música específicamente para instrumentos y empiezan a aparecer los
primeros géneros instrumentales.

Concerto: es una forma instrumental altamente elaborada en la que el material musical va

pasando por diversos instrumentos. Se estructura en 3 movimientos: rápido - lento - rápido.
Tipos:

 Concerto grosso: es un diálogo entre la orquesta completa (tutti, grosso, ripieno) y un

pequeño grupo de instrumentos (concertino). El primer gran compositor en usar el
término concerto grosso fue Arcangelo Corelli.
 Concerto a solo: es un diálogo entre la orquesta completa y un solista. Ej. Las cuatro
estaciones de Vivaldi.

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Suite: es una forma instrumental que contiene varias danzas que contrastan en
carácter, ritmo y tempo. Viene de las danzas renacentistas. Las danzas más importantes eran:
- Alemanda: es una danza alemana majestuosa en 4/4 que literalmente significa "alemana".
- Courante / corrente: la courante  es una danza francesa animada en 3/4; la corrente  es una

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danza italiana muy animada en 3/4.
- Zarabanda: es una danza española lenta y solemne en 3/4.
- Gigue / giga: la gigue  o jig  es una danza inglesa rápida en 6/8; la giga  es una danza italiana
muy rápida en 3/8.

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Toccata: es una forma instrumental generalmente para instrumento de tecla,

caracterizada por su virtuosismo con rápidas escalas, arpegios y partes fugadas.

Fuga: es una compleja forma polifónica de un solo movimiento, que se construye sobre un
sujeto o tema que es presentado al principio y es imitado constantemente.

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Instrumentos
- Cuerda: violín (1), viola d’amore (2), tiorba (3), mandolina (4), clave (5).
- Viento: piccolo (6), flauta travesera (7), oboe (8), fagot (9), trompeta (10), trompa (11).
- Percusión: timbales (12).

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AUDICIONES
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA: Handel - "Aleluya" (del oratorio El Mesías)

 Ritmo: compás cuaternario (4/4).

 Textura: partes monofónicas, homofónicas y polifónicas.
 Timbre: coro y orquesta.
 Forma: coro de oratorio, forma binaria (AABB).

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MÚSICA INSTRUMENTAL: Vivaldi - "Primavera"

 Ritmo: compás cuaternario (4/4).

 Textura: melodía acompañada.
 Timbre: violín solista y orquesta.
 Forma: concerto a solo con ritornelli, forma rondó (ABACADA...).

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 CLASICISMO

1. INTRODUCCIÓN
El Clasicismo es el periodo artístico que va desde mitad del siglo XVIII hasta principios del siglo
XIX (desde la muerte de J. S. Bach en 1750 hasta el estreno de la Sinfonía n.º 3 Heroica  de
Beethoven en 1805).
El siglo XVIII fue el Siglo de las Luces, movimiento filosófico favorecido por la burguesía que
condujo a la Revolución francesa que acabó con el poder de las monarquías absolutas. Se
basaba en la idea de que la razón es la única herramienta para encontrar la verdad en todas
las cosas.
La música pasó a estar al alcance de un público más amplio. Se interpretaba en iglesias y
palacios, pero también en círculos burgueses como salones privados y conciertos públicos. Los
compositores empezaron a convertirse en artistas liberales, pero todavía se consideraban
sirvientes. Viena era la capital musical de Europa. Los principales compositores de la escuela
vienesa eran Haydn, Mozart y Beethoven.

Características

 Los compositores buscaban la perfección formal: orden, proporción, equilibrio y belleza.

 Ritmo: era muy regular y simple.
 Melodía era equilibrada y simétrica.
 Armonía: se volvió más simple y clara.
 Textura: la homofonía prevalecía, con una clara melodía sobre un acompañamiento
acórdico subordinado. El patrón de acompañamiento favorito era el bajo Alberti, que
incluía acordes rotos o arpegiados.
 Timbre: la orquesta aumentó en tamaño y registro.

Compositores

 Alemania: Beethoven, Gluck, Stamitz.

 Austria: Haydn, Mozart.
 Italia: Boccherini, Salieri, Clementi.
 España: Martín y Soler, Juan Crisóstomo Arriaga.

2. MÚSICA VOCAL PROFANA

Ópera: era el principal género vocal profano. La ópera del clasicismo eliminó los excesos del
Barroco y acercó los argumentos y personajes a la nueva audiencia burguesa. Se desarrollaron
dos estilos de ópera:

 Ópera seria: los argumentos se basan en temas mitológicos y heroicos. Gluck

comenzó la reforma del género usando música más sencilla y tramas más plausibles.
Ejemplo Orpheus and Eurydice.
 Ópera buffa / cómica: los argumentos se basan en la vida cotidiana. La audiencia
entendía mejor este tipo de ópera y se convirtió en el género operístico favorito. El
principal compositor fue Mozart con Las bodas de Fígaro escrita en italiano y La flauta
mágica escrita en alemán.

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 3. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA
Oratorio: era idéntico a la ópera a finales del siglo XVIII. El principal compositor era Haydn
(The Creation).
Misa: se convirtió en una pieza de estilo operístico escrita para orquesta, coro y solistas.
Algunas características barrocas como los coros fugados y las partes de basso continuo se
mantuvieron en la música sacra del clasicismo.
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4. MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental pasó a ser más importante que la música vocal.
Nació la orquesta sinfónica moderna, incluyendo un grupo más completo de cuerdas, flautas,
clarinetes, oboes y fagotes. Bartolomeo Cristofori diseñó el fortepiano, la versión temprana del
piano, hacia 1760. Este fue el instrumento para el que Haydn, Mozart y el Beethoven de la
primera época escribieron su música para piano.
La música de cámara está escrita para un pequeño grupo de instrumentos. También fue
importante en esta era. La principal agrupación para música de cámara era el cuarteto de
cuerda, formado por 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo.

Forma sonata: la estructura de todas las formas instrumentales de esta era se basaba en la
forma sonata. Tiene 3 secciones:
1. Exposición: presenta todos los temas y se suele repetir entera.
- 1er tema: es animado, rítmico y enérgico. Está en tónica (tonalidad original).
- Puente: que conecta ambos temas.
- 2º tema: es melódico, lírico y cantable. Está en dominante (una 5ª por encima de la tónica).
- Codetta: breve cadencia para cerrar esta sección. 
2. Desarrollo: el compositor altera los temas y puede incluir nuevo material. Es la sección más
libre.
3. Recapitulación / Reexposición: vuelve a presentar todos los temas de la exposición, pero
esta vez están todos en la tónica.
A veces la forma sonata incluye una INTRODUCCIÓN al principio y una CODA al final.

Sonata: está escrita para uno o dos instrumentos solistas. Tiene tres o cuatro movimientos
contrastantes.
1. Rápido (allegro), en forma sonata. 1. Rápido (allegro), en forma sonata.
2. Lento (adagio). 2. Lento (adagio).
3. Rápido (allegro). 3. Danza (minuet  / scherzo).
4. Rápido (allegro).

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Sinfonía: está escrita para orquesta. Tiene cuatro movimientos contrastantes.
1. Rápido (allegro), en forma sonata.
2. Lento (adagio).
3. Danza (minuet / scherzo).
4. Rápido (allegro).

Concerto: está escrita para orquesta y solista. Tiene tres movimientos contrastantes.
1. Rápido (allegro), en forma sonata.
2. Lento (adagio).
3. Rápido (allegro).

[Link] [Link]
[Link]

Instrumentos
- Cuerda: cuarteto de cuerda (1), arpa (2), pianoforte (3).
- Viento: clarinete (4).
- Percusión: triángulo (5), platillos (6).

[Link]

AUDICIONES

MÚSICA VOCAL PROFANA: Mozart - "Der Hölle Rache" (de la ópera La flauta mágica)

 Ritmo: compás cuaternario (4/4).

 Textura: melodía acompañada.
 Timbre: soprano y orquesta.
 Forma: aria de ópera.

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MÚSICA INSTRUMENTAL: Mozart - Eine Kleine Nachtmusik K 525

 Ritmo: compás cuaternario (4/4).

 Textura: melodía acompañada.
 Timbre: orquesta.
 Forma: forma sonata.

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ROMANTICISMO

1. INTRODUCCIÓN
El Romanticismo es el periodo artístico que abarca el siglo XIX casi completo (desde el estreno
de la Sinfonía n.º 3 Heroica  de Beethoven en 1805 hasta la publicación del poema sinfónico La
Mer de Debussy en 1905).
Con la Revolución francesa surgió una nueva sociedad que ensalzaba la libertad humana por
encima de todo. El Romanticismo surgió como reacción contra el Siglo de las Luces, exaltando
la libertad y las emociones. La música estaba al alcance de un público aún más amplio. El
compositor ya no era un sirviente de su patrón, sino que era admirado como "genio" por el
público.
 
Características

 Ritmo: se volvió más complejo e irregular, con presencia de polirritmias y síncopas.

 Melodía: era el elemento principal para expresar sentimientos, con creciente uso del
cromatismo.
 Armonía: se volvió más complicada, armonía cromática derivada de la escala
cromática.
 Textura: las texturas densas eran populares, explorando un rango más amplio de
alturas, dinámicas y timbres.
 Timbre: la orquesta se expandió, en ocasiones, hasta proporciones gigantescas.
 Forma: la expresión de sentimientos intensos condujo a la libertad de forma, desde
pequeñas piezas íntimas hasta enormes composiciones orquestales. 

Compositores

 Alemania: Wagner, Brahms, Schubert, Schumann, Liszt, Mendelssohn, Mahler.

 ltalia: Verdi, Rossini, Donizetti, Bellini.
 Francia: Bizet, Chopin, Franck, Berlioz, Dukas.
 España: Albéniz, Granados, Falla, Turina, Barbieri, Chueca. 

2. MÚSICA VOCAL
Formas grandes

Misa / oratorio: la música vocal religiosa mantiene estas formas, pero ambas están en
decadencia.
Ópera: sigue siendo popular pero con cambios significativos en cada país.
Italia: las principales escuelas son:
Bel canto: estas óperas están hechas para que se luzcan los cantantes, con pasajes exigentes
técnicamente. Representada por Rossini (Il barbiere di Siviglia), Donizetti (L'elisir d'amore) y
Bellini (Norma).
Verismo: estas óperas tienen argumentos más realistas, con escenas de la vida cotidiana
como pobreza, miseria, etc. Representada por Leoncavallo (Pagliacci) y Puccini (La bohème,
Tosca, Madama  Butterfly).
Verdi (Rigoletto, Il trovatore, La traviata) representa la cima de la ópera italiana. Sus óperas se
relacionan con el nacionalismo italiano post-napoleónico y él acabó convirtiéndose en un icono
del movimiento patriótico.

Alemania: los principales compositores son:

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 Carl Maria von Weber (Der Freischütz) es el iniciador.
Wagner (Tristan und Isolde, Der Ring des Nibelungen, Parsifal) es la gran figura.
Considera la ópera como una "obra de arte total", una fusión de música, poesía, danza,
etc. Desarrolla una "melodía infinita" borrando la distinción aria-recitativo, y desarrolla
los leitmotivs o temas recurrentes a menudo asociados con determinados personajes y
conceptos.

Francia: los principales compositores son:

Meyerbeer (Les  Huguenots) es el creador de la "grand opera", con enormes

escenografías y ballets.
Offenbach (Orphée aux enfers) es el principal representante de la "operetta", con humor
y diálogo.
Bizet (Carmen) sustituye la "grand opera" por la "opera comique", más realista con
temas populares.

Verdi - Il trovatore.  Coro di Wagner - Die Walküre. La cabalgata de Bizet

zingari  las valquirias - Carmen.  Habanera 
(ópera italiana) (ópera alemana) (ópera francesa)
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Formas pequeñas

Lied  (plural lieder): significa "canción" en alemán. Es una pieza breve y sencilla escrita para
voz y piano basada en un texto poético de tema pastoral o romántico. El acompañamiento de
piano realza el significado del texto por medio de material armónico, rítmico y melódico
independiente de la parte de la voz. Los principales compositores de lieder  son Schubert y
Schumann. Las formas más comunes son:
- Lied estrófico: A A' A''
- Lied binario: |: A :||: B :|
- Lied ternario: ABA
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3. MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental, como lenguaje indeterminado y libre, es considerada el perfecto
vehículo para la expresión romántica. Esta es la era de las grandes orquestas pero también de
los instrumentos solistas. La orquesta romántica multiplica el número de músicos aumentando
las familias de viento y percusión.

Formas grandes

Sinfonía / concerto: estas formas clásicas se siguen usando, pero desarrollando la riqueza

tímbrica de la orquesta. Las sinfonías alcanzan su momento de máximo esplendor con
Beethoven. El público aprecia los concertos a solo de virtuosos como Liszt (pianista) o Paganini
(violinista).

La música programática es una composición que está basada en una fuente externa (poema,
imagen). Fue cultivado a menudo por compositores nacionalistas. Las principales formas de
música programática son: 
- Sinfonía programática: tiene varios movimientos. Fue creada por Berlioz con su Symphonie
fantastique. 
- Poema sinfónico: sólo tiene un movimiento. Fue creado por Liszt con Les Préludes. Otro
famoso ejemplo es El aprendiz de brujo de Paul Dukas.
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Formas pequeñas
Pieza de carácter: formas para piano como nocturno, balada, preludio, rapsodia,
fantasía, impromptu, estudio, vals, polonesa, mazurka, etc.: los compositores desarrollan
formas para piano breves de un solo movimiento, que generalmente incorporan muchas
dificultades técnicas. El piano alcanza su máxima perfección técnica en este periodo y se
convierte en el "rey de los instrumentos" capaz de expresar una amplia gama de sonidos y
sentimientos. Entre los compositores más importantes de música pianística están Chopin,
Schumann y Liszt.

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Instrumentos
- Cuerda: piano (1).
- Viento: armonio (2), acordeón (3), piccolo (4), contrafagot (5), saxofón (6), trombón (7), tuba
(8).
- Percusión: bombo (9), caja (10).

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4. NACIONALISMO MUSICAL
Los nacionalismos surgen en mitad del siglo XIX, ya que esta fue una época de aspiraciones y
guerras territoriales. Muchos países recibían tradicionalmente la influencia de la música italiana,
alemana y francesa. Los compositores nacionalistas rompen con esa influencia y empiezan a
valorar sus propias tradiciones. Reflejan su identidad nacional utilizando canciones, danzas,
leyendas, etc. de su cultura. Utilizan el folklore de dos maneras diferentes:
- Copiando literalmente las fuentes.
- Imitando sus rasgos musicales característicos.

Compositores

 Rusia: Tchaikovsky, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov.

 Finlandia: Sibelius.
 Noruega: Grieg.
 Checoslovaquia: Smetana, Dvořák.

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  Hungría: Bartók, Kodály.
 Polonia: Chopin.
 Estados Unidos: Gershwin.
 Sudamérica: Villalobos.
 España: Albéniz, Granados, Pedrell.

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AUDICIONES

MÚSICA VOCAL PROFANA: Verdi - La donna è mobile (de la

ópera Rigoletto)

 Ritmo: compás ternario (3/8).

 Textura: melodía acompañada.
 Timbre: tenor y orquesta.
 Forma: aria de ópera, forma estrófica con ritornello orquestal.

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MÚSICA INSTRUMENTAL: Smetana - Moldava

 Ritmo: compás binario compuesto (6/8) pulso flexible.

 Textura: complejas texturas con cambios frecuentes de
tonalidad y nuevas disonancias.
 Timbre: orquesta.
 Forma: poema sinfónico, forma libre.

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Descripción del compositor:

La composición describe el curso del Moldava: el nacimiento
en dos pequeños manantiales, el Moldava Frío y el Moldava
Caliente,  su unión, el discurrir a través de bosques y
pastizales (caza), a través de paisajes donde se celebra
una boda  campesina, la danza de las  sirenas a la luz de la
luna; en las cercanías del río se alzan castillos orgullosos,
palacios y ruinas. El Moldava se precipita en los  Rápidos  de
San Juan, y después se ensancha  de nuevo y fluye apacible
hacia Praga, pasa ante el castillo Vyšehrad, y se desvanece
majestuosamente en la distancia,  desembocando  en el Elba.

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SIGLO XX

1. INTRODUCCIÓN
El siglo XX fue un periodo de rápidos cambios en el que aparecieron numerosos estilos
musicales. El desarrollo de sistemas de grabación y los modernos medios de comunicación
facilitaron la difusión de esta variedad de estilos.
- Finales del siglo XIX: postromanticismo, impresionismo, expresionismo.
- Primera mitad del siglo XX: futurismo, dadaísmo, dodecafonismo, neoclasicismo.
- Segunda mitad del siglo XX: serialismo, música concreta, electrónica, electroacústica,
estocástica, aleatoria, minimalismo.

Características

 Ritmo: era irregular, variado e impredecible, con la presencia de polirritmias y síncopas.

 Melodía: era compleja, abstracta y difícil de recordar.
 Textura: se exploraron la polifonía y el contrapunto y surgieron nuevas texturas:
micropolifonía, puntillismo…
 Forma: las estructuras tradicionales se rompieron y fueron recreadas usando técnicas
no occidentales.
 Timbre: la orquesta aumentó en tamaño y timbre. Se crearon nuevos instrumentos:
theremin, sintetizador... y los tradicionales se usaban de forma experimental para
obtener diferentes timbres. Se aceptaba cualquier fuente sonora.
 Notación musical: se volvió más abstracta y experimental usando nuevos signos, ej. la
notación gráfica.

Ejemplo de notación gráfica:

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2. FINALES DEL SIGLO XIX

 Postromanticismo: algunos compositores continuaron escribiendo en un estilo

básicamente romántico como Elgar y Vaughan Williams en Inglaterra, Rachmaninoff en
Rusia, Richard Strauss en Alemania, Sibelius en Finlandia y Puccini en Italia.

Dos movimientos relacionados con el Romanticismo se desarrollaron: impresionismo y

expresionismo.

 Impresionismo: fue un movimiento francés, relacionado con la poesía simbolista y la

pintura impresionista. Estos compositores buscaban el placer de los sonidos por medio
de melodías desdibujadas, acordes libres, tonalidad borrosa y un gran color tímbrico.
Escogían los instrumentos y acordes solamente por el sonido que hacían. Los
principales compositores eran Debussy y Ravel.
 Expresionismo: fue un movimiento alemán, caracterizado por la expresión del alma
humana de una manera muy dura y pesimista. Utilizaban disonancias constantes,
música atonal y un canto recitado llamado "Sprechgesang". El principal compositor era
Schoenberg.

 Nueva sonoridad: Stravinsky abrió un nuevo camino con obras como La

consagración de la primavera, que fue escrita para los Ballets Rusos dirigidos por

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 Diaghilev. Cuando se estrenó provocó un escándalo debido a sus violentos ritmos,
disonancias y a una coreografía audaz de Nijinsky.

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3. PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

Las primeras vanguardias (futurismo, dadaísmo, dodecafonismo) rompieron con la música
tradicional. Muchos compositores sintieron que el sistema tonal había sido utilizado durante
demasiado tiempo y que era hora de intentar algo diferente.

 Futurismo: fue un breve movimiento nacido en Italia. Introdujo el ruido y las máquinas
de las sociedades modernas en la música. Los principales compositores eran Russolo,
Varèse (Ionisation) y Honnegger.

"Un automóvil de carreras con su capó adornado de grandes tubos como serpientes de
aliento explosivo..., un rugiente motor de automóvil que parece correr sobre la metralla,
es más bello que la Victoria de Samotracia" decía Marinetti.

 Dadaísmo: fue un breve movimiento desarrollado en Alemania, Francia y EEUU.

Rechazó todas las formas de arte establecidas. Anticipó movimientos posteriores como
la música aleatoria. Destaca Kurt Schwitters.

 Dodecafonismo: fue una técnica de composición creada por Schoenberg en 1923.

Utilizaba las doce notas de la escala cromática ordenadas en series, sin relación
alguna entre ellas. Cada nota es tan importante como el resto. Estas series pueden ser
presentadas en tres tipos de formaciones: retrógrada (hacia atrás), inversión (en
espejo) o inversión-retrógrada. Los principales compositores eran Schoenberg y sus
discípulos Berg y Webern.

 Neoclasicismo: nació en la década de 1920 como reacción contra el romanticismo,

impresionismo y expresionismo. Supuso una vuelta a la claridad formal del Barroco y
Clasicismo; y un rechazo a la concepción expresiva de la música del Romanticismo.
Querían crear música agradable y fácil de escuchar. Recuperaron la tonalidad e
introdujeron influencias del jazz y el music-hall. Utilizaron la parodia y el humor. Los
principales compositores eran Satie (Gymnopédies), Hindemith, Kurt Weill y Carl Orff.

"Basta ya de nubes, olas, acuarios, ondinas y fragancias nocturnas.

Necesitamos una música con los pies en la tierra, una música cotidiana" dijo Cocteau.

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 4. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX
Las nuevas vanguardias (serialismo, música concreta, música electrónica, etc.) encontraron
nuevos lenguajes ampliando el concepto de música y utilizando tecnologías.

 Serialismo / serialismo integral: aplicó el concepto de las series dodecafónicas a

todos los parámetros del sonido y no sólo la altura. Los principales compositores eran
Messiaen y Boulez.

 Música concreta: está conectada con el futurismo. Utilizó cualquier sonido o ruido
grabado de la realidad y después manipulado en un laboratorio. No hay intérpretes ni
partituras porque la obra se muestra en una grabación. Los principales compositores
eran Pierre Schaeffer y Pierre Henry.
La modificación del sonido en un laboratorio puede llevarse a cabo de dos maneras:
- Manipulando físicamente la cinta: cambiando la velocidad, invirtiendo la dirección,
mezclando diferentes cintas, etc.
- Modificando electrónicamente el sonido: cambiando altura o timbre filtrando
frecuencias, aplicando efectos, etc.

 Música electrónica: está completamente hecha en un laboratorio, donde los sonidos

son creados, procesados y grabados electrónicamente. Intérpretes y partituras también
son eliminados. Los principales representantes eran Maderna y Berio.

 Música electroacústica: es una combinación de música concreta (sonidos grabados

de la realidad y manipulados) y música electrónica (sonidos puramente electrónicos).
Destaca Stockhausen.

Messiaen - Pierre Henry - Bruno Maderna Stockhausen - Song of

Mode de valeurs et Variations pour une - Notturno the Youth
d'intensités porte et un soupir (Música (Música electroacústica)
(Serialismo) (Música concreta) electrónica)
[Link] [Link]

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 Música estocástica: utilizaba computadoras. Utilizaba composición algorítmica,

cálculos estadísticos y matemáticos, para generar todos los detalles de la pieza. El
principal representante fue Xenakis.

 Música aleatoria: depende del azar y de la libertad del intérprete. Los compositores no
escribían una pieza terminada, se basaban en la independencia del intérprete de
convertir cada interpretación en una pieza única. El principal representante fue John
Cage (4’33).

 Minimalismo: surgió en la década de 1960 como reacción contra la música que se

había vuelto demasiado complicada de entender para la gente. Esta música se basa en
una idea simple que se repite una y otra vez pero que va cambiando gradualmente.
Destacan Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley y John Cage.

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