Bailes prehispánicos
La danza prehispánica es un concepto que se aplica a todos los tipos de bailes y
manifestaciones artísticas corporales que se daban en América antes de la época de la Conquista.
Esto incluye bailes populares y otros tipos de danzas utilizadas en rituales para venerar, alabar o
dar tributo a las deidades de antiguas religiones perdidas.
Pueden identificarse diferencias entre las tribus de la región americana mediante el estudio de su
danza. El baile era una herramienta social primordial en la mayoría de las agrupaciones tribales,
incluía un vasto rango de áreas culturales —principalmente enfocadas en la religión— y también
definía los roles sociales de los habitantes tribales.
Las danzas tribales se fueron creando progresivamente con el tiempo, tras milenios de residencia
de las tribus de la zona. Además del tiempo, el intercambio cultural y la migración fueron factores
claves en la expansión de las danzas entre las varias civilizaciones indígenas del continente.
Primordialmente, las danzas iniciales eran ritos de “transición de vida”, que servían para guiar a
una persona moribunda hacia el más allá.
En las zonas norteñas y en las áreas desérticas era común la realización de bailes en ritos
funerarios. Por otro lado, en Centroamérica e incluso más hacia el norte era tradicional realizar
ritos y bailes al momento de cazar o ir a la guerra.
La práctica más conocida en la cultura popular el día de hoy, es la que se denomina como
chamanismo. Surgió con base en los chamanes (médicos brujos) de cada región y se utilizaba para
la curación de los enfermos y para comunicarse, por medio del chamán, con el mundo de los
espíritus.
Estas danzas se utilizaron ampliamente a lo largo de todo el continente, extendiéndose desde
América del Norte hasta Brasil.
Quienes fuesen a danzar comúnmente se vestían con pieles de animales, a veces utilizando las
cabezas mismas como máscaras; pero la utilización de plantas y otros tipos de materiales
obtenidos de la flora local también eran costumbre en toda la región americana.
El plumaje de animales como el pavo real también era muy utilizado como vestimenta en la danza
prehispánica, particularmente en las civilizaciones de América del Norte y en América Central,
como México.
En México y América del Sur las poblaciones indígenas solían utilizar máscaras de madera en sus
ritos. La presencia de máscaras dependía del tipo de rito en curso: los ritos de caza acostumbraban
a ser realizados con máscaras.
Esto variaba mucho dependiendo de cada tribu, dado que la vestimenta estaba ligada
ampliamente a la cultura y creencias individuales de las civilizaciones indígenas.
La danza folclórica de México, cubre una amplia gama de formas de danza que se desarrollaron a
partir de la conquista española del imperio azteca hasta alrededor de 1750. Estas formas de baile
provienen de herencias, indígenas, europeas y, hasta cierto punto, africanas del país. Mientras que
la danza ha sido una parte importante de la historia pre hispana del país, la mayoría de estas
danzas fueron eliminadas, ya sea por la evangelización o modificadas siendo sólo pocas las formas
de baile que sobreviven casi intactas. Otros bailes realizados en México incluyen aquellos traídos
de Europa por los españoles, con algunos de estos también experimentando cambios.
La influencia africana en baile mexicano generalmente se limita a las zonas de Veracruz y la Costa
Chica de Guerrero y Oaxaca, donde la población afromexicana del país es prominente. La danza
folclórica, a pesar de la modernización y otros esfuerzos sociales, ha sobrevivido e incluso se ha
fortalecido desde el período colonial. Una razón para esto es el deseo de México de una identidad
nacional, por primera vez después de la Guerra de Independencia de México y de nuevo después
de la Revolución Mexicana. Estas oleadas de popularidad sirvieron para elevar una serie de
danzas a la prominencia nacional e incluso internacional, como el Jarabe Tapatío o la danza del
sombrero. Sin embargo, los esfuerzos para preservar y reconocer la diversidad étnica de México,
sobre todo desde finales del siglo 20, han incluido la preservación de muchos bailes locales y
regionales del mundo.
La tradición del baile folclórico moderno de México es una mezcla de elementos de su
patrimonio indígena y europeo. Antes de la llegada de los españoles, la danza indígena se
había desarrollado con fuertes lazos con las prácticas religiosas.1 Para los aztecas, había dos
niveles de la danza, una para la gente común, a menudo relacionada con el ciclo agrícola y la
de los élites . Después de la Conquista, los españoles inicialmente trabajaron en erradicar las
danzas indígenas, por considerarlas "demasiado paganas" y tuvieron éxito con una serie de
formas, especialmente las relacionadas con el sacerdote y las clases dominantes.12 Sin
embargo, no fueron capaces de erradicar las formas más populares, sobre todo en las
regiones rurales y más inaccesibles de la Nueva España. En cambio, los evangelizadores
trabajaron para adaptar las danzas al cristianismo, dándoles nuevos significados. Por esta
razón, la mayoría de estas danzas han sufrido al menos alguna modificación desde la época
prehispánica.13
Los instrumentos utilizados para acompañar a los danzantes han cambiado para incluir a los
de Europa, pero los prehispánicos, especialmente de tambores y flautas, todavía se utilizan.1
Sin embargo, como muchos bailes siguen ligados a eventos religiosos, el saber tocar las
canciones tradicionales y bailar las danzas tradicionales todavía da a los danzantes y músicos
estatura social, ya que son guardianes de la tradición y se espera que los pasen a la siguiente
generación.
Los bailes tradicionales son una oportunidad para ver algo diferente y revivir parte de la historia
de un pueblo, una sociedad o una cultura. Sus movimientos corporales que siguen un ritmo se
acompañan de música para expresar sentimientos y emociones que logran transmitir situaciones
concretas de cada grupo social. Las causas revolucionarias en México provocaron grandes cambios
sociales; en ese tiempo la danza fue la más representativa para el pueblo porque formó parte de
expresar la libertad como una celebración. Sus rápidos movimientos, la vestimenta adornada, el
vínculo con lo que existía antes de la colonización y los sonidos son características de los
bailes tradicionales que existen en el territorio mexicano.
Jarabe Tapatío, Jalisco. ...
Polka Norteña, Estados del Norte de México. ...
La Bamba, Veracruz. ...
Flor de Piña, Oaxaca. ...
Danza de los Viejitos, Michoacán. ...
Danza del Venado, Sonora. ...
Jarana, Yucatán
Bailes virreinales
II. Danzas de la conquista española
En la actualidad, las Danzas o Bailes de la Conquista constituyen un complejo
festivo-ritual con fuerte implantación en los altiplanos andinos de Perú y Bolivia, los
altos de Guatemala y diversos estados del área central mexicana. Su presencia
también se registra diseminada por varios otros países latinoamericanos.
A pesar de su lejanía y ausencia de contactos directos, entre sus respectivas
Danzas de la Conquista se aprecian las siguientes semejanzas:
1) Están arraigadas en comunidades indígenas.
2) Poseen un carácter sagrado, integradas a los festejos rituales que se celebran
anualmente en honor de los patronos tutelares comunitarios.
3) Exigen un elevado desembolso económico por parte de organizadores e
intérpretes, que lo aportan en concepto de «mandas» para cumplir promesas o por
devoción.
4) Constan de una vertiente teatral y otra bailada, requiriendo muchas horas su
ejecución completa.
5) Sus argumentos se adaptan bastante fielmente a los hechos históricos reflejados,
que consisten en: la llegada de los españoles; su toma de contacto con los altos
dignatarios incaicos, quichés y aztecas; el enfrentamiento entre los invasores y los
nativos; la imposición de la fe religiosa de los españoles.
6) Visiones y sueños con malos presagios para los monarcas indígenas al inicio de
las representaciones teatrales.
7) Destacada intervención de doncellas, princesas o malinches.
8) Algunos de sus elementos están relacionados con cultos prehispánicos.
9) Son exponentes de una autoafirmación grupal, reforzada por esta actualización
de la memoria colectiva (1).
En cuanto a las diferencias significativas, se pueden señalar:
a) En el ciclo andino:
-Incomprensión indígena del mensaje-embajada que les entregan escrito en un
papel.
- Castigo final de Pizarroy resurrección de Atahualpa.
b) En el ciclo guatemalteco:
- Peleas burlescas entre el brujo Ajitzy el español Don Quirijol, perdiendo siempre
éste, intercaladas entre los serios parlamentos.
- Entierro del valeroso caudillo quiché Tecum Uman.
c) En el ciclo centro-mexicano:
- Intervenciones de un negrito bufonesco.
- Invocación de Moctezuma a la Virgen de Guadalupe.
De hecho, salvo el lógico cambio de personajes (aunque Pedro de
Alvarado intervenga tanto en las obras guatemaltecas como en las mexicanas,
debido a su destacada participación en la conquista de ambos territorios), los
argumentos son prácticamente iguales. Y todos siguen el esquema argumental de
las obras de teatro popular de Moros y Cristianos, tal como he demostrado al aplicar
un método de análisis narrativo basado en la comparación de las acciones
significativas en el desarrollo de la representación teatral (2). Su evidente
dependencia de un modelo narrativo común, ampliamente aplicado a las
«relaciones» o embajadas de Moros y Cristianos, responde al mismo planteamiento
misionero de edificar el espíritu deleitando al espectador, o dicho de otro
modo, instruir con el espectáculo.
La intervención eclesiástica en ambos géneros de teatro épico es indudable. Y su
asimilación forzosa -como única posibilidad de pervivencia- a las ceremonias
paralitúrgicas, los dotó de tal rigidez formal que apenas han experimentado
variaciones a lo largo de más de cuatro siglos. Y así se entiende la causa de la
sorprendente similitud para estas representaciones rituales en áreas culturales tan
distantes.
III. La danza de la pluma
En lo que respecta a la Danza de la Pluma, que es considerada la «joya de las
tradiciones oaxaqueñas»,constituye una subvariante del ciclo azteca, con tal
vitalidad, difusión y espectacularidad coreográfica que se ha convertido en la más
conocida de las Danzas de Conquista mexicanas.
En idioma zapoteco la Danza de la Pluma se denomina zahatoviguetza, que se
traduce por fiesta(zaha) de plumas (tovi) brillante, colorista (guetza) (3), lo que
refleja el efecto causado por los danzantes «al brincar con tal ritmo y viveza que
semejan aves de bello plumaje» (4). En cuanto a sus pasos coreográficos, guardan
gran parecido con los de otras danzas indígenas de la Sierra de Oaxaca.
Su área de difusión son las comunidades zapotecas del valle (o más
apropiadamente valles) de Oaxaca, desde donde ha sido trasplantada por grupos
de emigrantes a otros estados. De los 56 grupos étnicos identificados en la
República Mexicana, el de los zapotecos es uno de los más numerosos, con cerca
de 600.000 miembros tan sólo en su Oaxaca natal.
Las localidades en las que se ejecuta actualmente esta danza son:
Cuilapan (25-I)
Jalpan ( ? )
Ocotlán (3-V)
San Agustín de las Juntas (28-VIII)
Santa Ana del Valle (26-VII:13-VIII)
San Andrés Zautla ( ? )
San Bartolo Coyotepec (24-VIII)
San Jacinto Chilateca (17-VIII)
San José el Mogote ( ? )
Santa María Atzompa (15-VIII)
San Martín Tilcajete (15-I)
Teotitlán del Valle (8-VII:8-IX:8-X)
Zaachila (6-I)
Zimatlán (20-I:10-V:10-VIII:1-IX)
El modelo canónico de esta danza se compone de dos bandos bien diferenciados:
- Por un lado, el grupo de los danzantes, entre 9 y 17, que representan a los
indígenas, encabezados por Moctezuma, al que siguen en escalafón jerárquico
dos teotilesy dos capitanes. Visten «camisa holgada, calzones blancos con varias
franjas de brocado de diferentes colores, capa corta con dibujos bordados y
sostienen sobre la cabeza un amplio y alto penacho semicircular cubierto de plumas
de guajolote (pavo) de vivos colores armónicamente combinados y sembrados de
pequeños espejos. En la mano diestra sostienen una especie de cetro de madera y
en la siniestra unas sonajas con las que sincronizan el ritmo de la música y el
movimiento de los pasos» (5). Normalmente cuentan con más de 18 años, aunque
se suelen formar nuevos grupos de danza con niños de alrededor de 11 años.
- Por otro lado está el bando de los soldaditos, que representan a los españoles,
encabezados por Hernán Cortés. Visten chaqueta y pantalón azul oscuro, imitando
el uniforme de los policías del porfiriato de principios de siglo, con espadas a la
cintura. Cortés lleva tricornio de plumas, una banda al pecho y un crucifijo en la
mano. El alférezenarbola la bandera nacional española. Actualmente apenas
intervienen en la función, limitándose a un papel casi decorativo. Forman parte del
grupo niños de edades entre 6 y 12 años, constituyendo su vía de inserción en el
complejo festivo-ritual. La tendencia general va en el sentido de suprimir los diálogos
o parlamentos y la presencia de los soldaditos, inponiéndose la pura danza sobre la
vertiente teatral del espectáculo ceremonial.
Cuando intervienen los dos bandos antagónicos, cada uno cuenta con su respectiva
doncella: la Malinche, con vistoso sombrero, en el grupo español, y la Cihuapilli, con
diadema de plumas y un carcaj con tres flechas a la espalda, de parte de
los aztecas. Si no actúa el bando de los españoles, ambas doncellas (menores de
15 años) se colocan a los lados de Moctezuma.
Otros personajes que aparecen son los dos camposo graciosos, especie de bufones
con máscaras atemorizantes de animales y vestimenta bicolor, encargados de
mantener el orden y evitar que los espectadores invadan el terreno de la
representación. Suelen burlarse de todos los presentes (tanto músicos y danzantes
como autoridades y público en general) y lo mismo se dedican a jugar al toreo,
simulando ser uno el toro y el otro el torero, que a «robar besos» de las mujeres
asistentes, que consiste en pasarles de improviso un pañuelo por la boca y salir
corriendo para restregárselo por la cara a algún hombre, bromeando con vínculo
que han establecido públicamente entre ambos.
El desarrollo íntegro de la función lleva como mínimo un día completo, aunque se
suele interpretar a lo largo de dos o tres días, alternándose una treintena de bailes
con los parlamentos o las frases sueltas que en su lugar pueden declamar alguno
de los danzantes. Los pasos coreográficos son bastante similares, basados en
los piquetes y las palancas con salto, combinados en figuras como la media
redonda, los rayoso el paso a tres. Varias de las figuras coreográficas
(especialmente cuando intervienen las doncellas) corresponden a bailes de salón.
Unido este aspecto al de las partituras musicales, que suelen ser polcas,
valses y chotis interpretados por bandas con profusión de instrumentos de viento,
denotan una recreación musical de la Danza de la Pluma durante el s. XIX,
posiblemente por influencia francesa. En su vertiente musical, lo único autóctono de
esta danza es el ritmo que imponen las sonajas que mueven los danzantes (6).
Entre los elementos rituales incorporados a esta danza destacan la ofrenda de
comida, bebida y tabaco efectuada por los mayordomos -para agasajar a las
autoridades, músicos, danzantes e invitados- y la oración a la que se entregan los
danzantes en el interior del templo parroquial antes de iniciar su actuación. En el
caso de Zimatlán, al oficiarse la misa mayor o «de función» el día de la fiesta
patronal, durante el ofertorio el Moctezuma, con su penacho puesto, interpreta el
primer baile, y al hincarse a su término, el resto de los danzantes exponen si piensan
seguir en el grupo, y en caso de comprometerse, su obligación será por un mínimo
de tres años.
A lo largo del siglo XVI se va gestando el en virreinato de la Nueva España la
formación de un modelo de espectáculo inspirado en los hechos sucedidos entre
los españoles y los últimos aztecas. Así, en 1566 celebró Martín Cortés (el hijo que
la Malinche diera a Hernán Cortés) el nacimiento de dos hijos mellizos con una
escaramuza festiva entre dos bandos de españoles, uno encabezado por él mismo
representando a su padre, y el otro bando simulando ser indios, encarnando Alonso
de Avila al desgraciado Moctezuma al frente de sus caciques. Y lo más
sorprendente de esta mascarada es que fue organizada para encubrir la
conspiración que estaban forjando ambos (9). Más adelante, en 1595, «lo
comisarios de la fiesta del Corpus en la ciudad de México gastaron seiscientos
pesos en la comedia de la conquista
Las Danzas o Bailes de la Conquista Española de América constituyen un
homogéneo complejo festivo-ritual de numerosas comunidades indoamericanas,
integradas al ceremonial callejero para-litúrgico en honor de los seres sagrados
protectores.
Dentro del ciclo azteca de estos bailes dramatizados, el subgrupo formado por las
zapotecas Danzas de la Plumade los valles de Oaxaca destaca por su simbolismo
y belleza estética. Representadas actualmente en más de una docena de pueblos,
son uno de los elementos culturales que reafirman su personalidad colectiva
indígena.
Rastreando la evolución histórica de esta popular danza-teatro oaxaqueño
encuentro como influencia genética más lejana al ritual funerario zapoteco, que tuvo
su máximo esplendor en el período clásico de Monte Albán, con un elaborado culto
a los antepasados y a un dios de la fertilidad y la muerte portador de un inmenso
tocado de plumas.
La ocupación de las ciudades sagradas zapotecas por parte de los militaristas
mixtecos, en el siglo XIV, propició la adopción por éstos de ciertos ceremoniales
autóctonos, y la influencia mutua de ambas culturas.
En los valles de la mixteca se adoraba al dios del baile, figurado como un danzante
con amplio penacho de plumas, que servía de modelo formal para la indumentaria
de los jóvenes danzantes. Y se conmemoraba la victoria alcanzada sobre los
zapotecos alrededor del 1500, con una representación dramático-ritual de los
sucesos, que incluía embajadas, batallas, muertes y cantares alusivos.
Inicialmente aceptada la sujeción a los invasores españoles que habían derrotado
a los dominadores aztecas, Cortés y Alvarado pronto impusieron en la Guaxaca su
férreo concepto del poder, al mismo tiempo que los frailes que les acompañaban
procedían a la conquista espiritual de las naciones sometidas. Una herramienta muy
eficaz en la estrategia misionera fue transformar los ritos religiosos prehispánicos
en formas de culto católico, sustituyendo los objetos de veneración.
Durante el siglo XVII los conquistadores españoles fomentan las representaciones
festivas de funciones de moros y cristianosy sus emparentadas comedias de
conquista. Los frailes dominicos de Antequera, o la Guaxaca virreinal, conocen los
dramas rituales representados por los mixtecos en honor de sus antepasados, así
como las danzas de plumas de los zapotecos, y las utilizan como vehículo de
evangelización. Y hacia 1700 escriben en su convento de Cuilapan el texto para un
baile-drama de carácter épico-doctrinal, metamorfoseando la significación de
aquellos rituales indígenas
Bailes populares
Danza Popular Las danzas populares de cada lugar son una expresión con la cual se
identifican las personas que allí viven, siendo parte de su idiosincrasia. La danza
popular es aquella que un pueblo asume como propia y está correlacionada con su
historia, política, economía y cultura sin dejar de lado las habilidades y destrezas
psicomotoras...esto último le da oportunidad al baile de ser más rico y vistoso
especialmente creativo.
Estos bailes son tan antiguos como la danza misma, ya que las primeras danzas
que se registran son justamente parte del folklore del lugar, por lo que se pueden
considerar populares.
Generalmente se diferencian bastante entre ellas dependiendo de cada país y el
momento histórico en el que surgen, donde también juega un papel importante la
música con la cual se acompañaban.
Las danzas modernas africanas por ejemplo tienen una fuerte presencia de instrumentos de
percusión, lo cual se ve reflejado en el espíritu de sus bailes y el modo de desarrollarlos.
Las danzas populares urbanas han recogido el antiguo legado y la única diferencia es que se crean
dentro de las grandes ciudades, por lo que algunos aspectos son muy distintos.
La mayoría de ellas son parte de la identidad únicamente de un sector de la sociedad y no de su
conjunto, siendo en ocasiones danzas más individuales que colectivas. Por otra parte tienen un
alto grado mercantil, ya que sus creaciones buscan la aprobación de las masas con el fin de
obtener ganancias, buscando la masividad a través de los medios como la radio, tele, Internet.
Bailes modernos
En la categoría bailes modernos se incluyen todos aquellos bailes no
estandarizados como bailes obligatorios y que siguen tendencias actuales de la
moda. Los Bailes Modernos se desarrollan espontáneamente de la música,
reflejan su época y son el documento del espíritu real de su tiempo. En los Bailes
Modernos, a menudo se hacen la vista gorda a normas rígidas y se rompen tabús
sociales.
A principios del siglo XX, los Bailes Modernos fueron importados de los Estados
Unidos y Sudamérica. En 1889 el director americano John Philip Sousa creó el
Washington Post March, un Twostep en compás 8/8 con pasos rápidos y saltos. El
Ragtime está basado en la música negra americana que nació a finales del siglo
XIX.
Tipos de bailes modernos
Algunos ejemplos de tipos de bailes modernos son los siguientes:
HIP-HOP:
El hip-hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años
1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares
neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn. El DJAfrika Bambaataa subrayó los cuatro
pilares de la cultura hip hop: MC, DJ, breakdance y grafiti. Otros elementos incluyen
el beatboxing. Para la década de los 80 el hip-hop comenzó a tener identidad.
Con los adelantos tecnológicos de la época comienzan a aprecer nuevas técnicas como es el
caso de lo que se conoce hoy en día como el "scratch", que es una técnica de DJ utilizada
para producir sonidos característicos a través del movimiento de un disco de vinilo.
El origen del hip-hop es principalmente urbano, su expresión máxima se da en la calle.
Mientras se libran las batallas sobre si eres de la vieja escuela o la nueva, de coreografía o
del estilo libre, el hip-hop sigue siendo una forma de danza vital y diversa.
FUNKY:
Este estilo de danza nació a partir de la música funk, a mitad de la década de los 60 entre la
población negra de las grandes ciudades de los Estados Unidos. Primero era considerada
una música marginal que expresaba una protesta contra la discriminación. Originariamente
era una fusión de las improvisaciones del jazz con los ritmos del rock.
Se podría decir que el funky es “aquello que bailaba Michael Jackson”. También es general
la consideración de que arranca con James Brown y temas como Please, please, please,
pero en realidad es mucho más: combina la fuerza física con el carácter y con una especial
atención en las coreografías; suma movimientos espectaculares, llenos de energía y ayuda
a aumentar el bienestar físico y psíquico con contundencia y armonía; trabaja la resistencia
cardiovascular, la coordinación, el equilibrio, la flexibilidad y el sentido del ritmo musical.
ELECTRO-DANCE:
El electro dance (también llamado baile electro) es un peculiar estilo de baile urbano que
generalmente se baila con música hard electro. Está basado en una mezcla de diferentes
estilos de baile, como el industrial, disco, vogue, waacking, hip-
hop, glowsticking popping y flexing dancing.
El electro dance se basa predominantemente en el movimiento de los brazos, tomando
elementos básicos del glowsticking como el concepto de manos libres, las figuras en forma
de ocho, y la idea de la mano líder en un esquema llamado liquid (una mano siguiendo a la
otra en movimientos geométricos).
Mientras mantiene muchos aspectos del baile disco, amplificando puntos y poses,
frecuentemente incluye también elementos del toprock y trabajo de pies similar a los b-
boy, prestados de las influencias del hip-hop en la música electro house.
En el electro dance cada bailarín tiene su propio estilo que lo personaliza. Puede bailar
desde suave hasta agresivo. Es muy común verlo bailado en equipos que imponen sus
propios pasos. En cada equipo hay 8 o 9 bailarines.
El electro dance tiene relación con la cultura rave.
SHUFFLE:
El baile Shuffle se originó en la discoteca del ambiente under de música rave y dance,
llamada ”Melbourne Shuffle” en Australia a finales de los años 80. Los
movimientos básicos del Shuffle consisten en movimientos rápidos de los talones y los
dedos de los pies, con música electrónica.
El Shuffle Dance se convirtió en una tendencia o moda mundial gracias al Internet. En
el 2006, junto con el nacimiento de YouTube, bailarines de todo el mundo comenzaron a
subir vídeos de sus presentaciones, de esta forma, comenzó la fiebre por este baile que se
contagió entre diferentes países de Europa y Asia, como en el Reino Unido,
Alemania, Malasia y Tailandia. Hoy ya es popular en Estados Unidos y recién comienza a
llegar a América Latina.
Este baile evolucionó en los diferentes clubs y en otras fiestas de Melbourne adoptando
movimientos de otros bailes ya establecidos como los "Slides" (deslizamientos), "Hand
movements" (movimientos de las manos), "Hat tricks" (manipulaciones de gorra), "Spins"
(giros) y "Running on the spot" (correr sin desplazarse).
Danza contemporánea
Para definir qué es danza contemporánea tendremos que valernos de algunas
ambigüedades: se trata de un género alternativo y diferenciado del ballet o danza
clásica. Hablamos de danza contemporánea desde la segunda mitad del siglo XX
(concretamente, desde los años 60), pero estas seis décadas han dado cabida a multitud de
estilos, técnicas y disciplinas.
De manera amplia, podemos decir que la danza contemporánea busca constantemente la
especialidad e innovación; tanto en la forma de los movimientos, como en las historias que
quiere contar, en su estilo de música o en la distribución en el espacio. La característica principal
es el eclecticismo, además de que cada autor tiene su estilo individual.
Especialidad danza contemporánea, breve historia
Para entender qué es danza contemporánea y de dónde viene, tenemos que remontarnos a los
Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí, de la mano de Isadora Duncan, surge la danza
libre: se rechazan las formas clásicas del ballet, y se buscan movimientos naturales y
sencillos, la improvisación y el contacto con la naturaleza.
Gracias a Duncan y Loie Fuller, se impulsa el desarrollo de la danza moderna y se fu nda la
primera escuela nacional: la Denishawn School, cuya dirección artística corre a cargo de Ruth
Saint Denis. De allí surge una nueva generación de bailarines, que cambiarán para siempre el
rumbo de la historia de la danza.
Entre ellos, destacan Martha Graham y Doris Humphrey; quienes sentaron las bases de lo que
hoy consideramos que es danza contemporánea. Ambas buscaban un lenguaje nuevo acorde
a todos los cambios (sociales, políticos, históricos…), que estaban teniendo lugar a principios
del siglo XX; y ambas coincidieron en que las técnicas del ballet no les ayudaban a expresar
las formas nuevas que querían desarrollar. El principio de la técnica Graham es el binomio
contracción-relajación; y en la técnica de Humphrey, el fall and recovery.
Por supuesto que a través de los siglos, la danza, como cualquier práctica humana fue
evolucionando, cambiando y adaptándose a las épocas. En el particular caso de la danza
contemporánea su nacimiento se debe a una reacción contra las formas clásicas y también a la
necesidad del hombre a expresarse de una manera libre.
En la danza contemporánea, el bailarín, expresará una idea, una emoción o un sentimiento, con
movimientos que son típicos de los tiempos actuales, es decir, que son característicos de los
tiempos que corren.
Se considera danza contemporánea a aquella expresión que respeta las condiciones
mencionadas y que nació hacia finales del siglo XIX ante la imperiosa necesidad de buscar otra
alternativa de danza frente al ballet clásico y su técnica tan estricta.
El ballet implicaba no solamente una técnica rigurosa sino también una puesta muy exigente y
limitada en el escenario mientras que la danza contemporánea se empezaba a asentar planteando
lo opuesto: mayor libertad de movimientos para el bailarín, incluso, muchos bailaban descalzos
y realizando saltos.
Ahora bien, debemos decir que es muy difícil definirla en un solo estilo, porque en realidad, la
danza contemporánea es una fabulosa mezcla de estilos que hasta es difícil determinar un
parámetro común entre todos ellos.
Podríamos decir que en la danza contemporánea no hay una definición concreta, todo se acepta y
todo cuenta mientras que lo prime sea el leitmotiv de expresarse de manera libre con el cuerpo.
Y como no podía ser de otra manera, una danza de estos tiempos no podía estar ajena a las
innovaciones tecnológicas y por ello es que buena parte de los intérpretes de la misma han
incorporado a la tecnología en sus presentaciones a través de video y de imágenes que se usan
como fondo de las coreografías.