Vasili Kandinski

Vasili Kandinski

Vasili Kandinski cerca de 1913

Nombre de
Василий Васильевич Кандинский
nacimiento

Nacimiento 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.

Moscú - Imperio Ruso

Fallecimiento 13 de diciembre de 1944 (77 años)

Neuilly-sur-Seine - Francia

Nacionalidad ruso-francés

Educación Academia de Bellas Artes de Múnich

  Universidad Estatal de Moscú
Alma máter
 Academia de Bellas Artes de Múnich

Área pintura, teoría

Empleador  Escuela de la Bauhaus

Movimientos Expresionismo, arte abstracto

Firma

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Vasili Kandinski (en ruso: , translit.: Vasíli Vasílievič

Kandínskij Moscú, 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg. – Neuilly-sur-Seine, 13 de
diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte,
se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.

Índice
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 1 Biografía
 2 Arte abstracto
 3 Juventud y la inspiración (1866-1896)
 4 Metamorfosis
 5 Periodo El Jinete Azul (1911–1914)
 6 Regreso a Rusia (1914-1921)
 7 La Bauhaus (1922–1933)
 8 La gran síntesis (1934-1944)
 9 La Concepción de Arte de Kandinsky
o 9.1 El artista como profeta
o 9.2 Teoría artística y espiritual
o 9.3 De lo espiritual en el arte
 10 Punto y línea sobre el plano
 11 Referencias
 12 Enlaces externos

Biografía[editar]
Vasili Vasílievich Kandinski nació en Moscú el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso:
4 de diciembre) de 1866, en el seno de una familia de clase media alta. Su padre Vasili
Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de Kiajta, una población
siberiana cercana a la frontera con China.1 2 La abuela de Vasili era una aristócrata mongola
de la dinastía Gantimúrov (en:Gantimurov family). Lidia Ivánovna Tijéieva, la madre de Vasili,
era de Moscú. 3 Pasó su infancia y juventud entre Moscú yOdesa, donde se trasladó la familia
en 1871.3 Tras el divorcio de sus padres vivió con su padre. Su tía Elizaveta Tijéieva también
lo cuidó.3 Su abuela materna era alemana y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de
piano y de cello.3 En 1886 Kandinsky comenzó sus estudios de derecho y económicas en la
Universidad de Moscú. También estudió etnografía.3 En 1892 se casó con su prima Anna
Chemyákina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado profesor asociado en la
Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le ofreció una plaza de profesor que
rechazó para dedicarse por completo al arte. Esta decisión estuvo influida por la exposición de
los impresionistas en Moscú en 1895, el golpe emocional al ver las obras de Monet y la
representación de Lohengrin de Richard Wagner en el teatro Bolshói.3
Se trasladó a Múnich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte de Múnich.
Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta que en 1900 fue admitido en
la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y, como consideró que la paleta de Kandinsky
era demasiado brillante, lo tuvo pintando en una gama de grises durante un año. 3
En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las
vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió una escuela en
la que daba clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo eran paisajes ejecutados con
espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi "fauve"; también
pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este
período estuvo marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso
del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente,
iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la
distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expuso por primera vez con la Secession de Berlín y realizó sus primeras xilografías.
En 1903 y 1904 viaja por Italia,Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón
de Otoño de París.
En 1903 se divorció de Anna Chemyákina y se casó con la joven artista Gabriele Münter.
Durante 5 años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en exposiciones.
Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de los Alpes.3
En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La
primera exposición del grupo tuvo lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año.
Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinsky denotan una gran tendencia a la plenitud
por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye
toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comenzaron en 1909
y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras
referencias espaciales.

Arte abstracto[editar]
Moneda rusa de 100 rublos dedicada a Kandinsky. Pertenece a la serie histórica de monedas.

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en

"Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer
argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es
válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero
con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades
menos materialistas.
Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida
como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones
del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una
obvia racionalidad al arte abstracto.
En 1912 publicó De lo Espiritual en el Arte, donde critica a las instituciones académicas
tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la fundación teórica
del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la
contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y
Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a
diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en
la respuesta del alma.3
En 1913 escribió sus memorias y una colección de poesías.3 En 1913 una obra suya se
presentó en el Armory Show de Nueva York.
Al estallar la Primera Guerra Mundial abandonó Alemania y junto a su esposa Gabriele se
mudaron a Suiza el 3 de agosto de 1914. En noviembre de 1914 Gabriele volvió a Munich y
Kandinsky volvió a Moscú. En el otoño de 1916 conoció a Nina Andreevskaya, que era hija de
un general ruso. Se casó con ella en febrero de 1917.3
A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinsky desarrolló un trabajo administrativo
para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo
estaba la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los
fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año
surgió el conflicto entre Kandinsky, Malévich y otros pintores idealistas frente a
los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último
grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las
autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propició la salida de Kandinsky
de Rusia.
En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde impartió clases teóricas para la Escuela de
la Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis
de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual
en el arte.
Hacia 1931 los nacionalsocialistas iniciaron una campaña a gran escala contra la Bauhaus
que llevó a su cierre en 1932. Kandinsky y su esposa emigraron a Francia y fijaron su
residencia en Neuilly-sur-Seine, suburbio de París. Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y
300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron después de que los nazis
declararondegeneradas sus pinturas.3 En 1939 se nacionalizó francés.4

Juventud y la inspiración (1866-1896)[editar]

Puerto de Odesa, óleo sobre lienzo, 1898, Galería Tretiakov

Kandinsky recuerda la fascinación y estimulado por el color como un niño. Su fascinación por
el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de
un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la región de Moscú.
En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan
brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su
estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo
oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero
comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar,
escribiendo, "El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano
que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano".
En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky abandonó una prometedora carrera docente ley y la
economía para inscribirse en la escuela de arte de Múnich. No se le concedió inmediatamente
la admisión, y comenzó a aprender el arte por sí mismo. Ese mismo año, antes de salir de
Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet. Se lo llevaron todo con el estilo impresionista
de Haystacks, lo que, para él, tenía un fuerte sentido de color casi independiente de los
objetos mismos.
Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este período por Richard Wagner que,
según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar. 3 Fue
también espiritualmente influenciados por Helena Blavatsky (1831-1891), la mejor exponente
conocida de la teosofía. La Teoría teosófica postula que la creación es una progresión
geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de la forma que se expresa mediante
una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. Los libros de Kandinsky De lo
espiritual en el arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hicieron eco de esta
doctrina teosófica.

Metamorfosis[editar]

Domingo. (Rusia antigua), óleo sobre lienzo,1904

La escuela de arte, por lo general se considera difícil, pero era fácil para Kandinsky. Fue
durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del arte, y como un pintor. El
número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo xx, queda mucho de los
paisajes y pueblos que pintó, con amplios sectores de formas de color y reconocible. En su
mayor parte, sin embargo, las pinturas de Kandinsky no cuentan con ninguna figura humana,
una excepción es el domingo, Domingo. (Rusia antigua) (1904), en la que Kandinsky recrea un
muy colorido (y de fantasía) vista de los campesinos y los nobles frente a los muros de una
ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, con una mujer con la
ternura y el cuidado que cabalgan junto a un pueblo ruso con paredes luminosas a través de
un río. El caballo está en silencio mientras las hojas de los árboles, la ciudad, y los reflejos en
el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo
en la forma en que se derrumbó la profundidad de campo en una superficie plana y
luminiscente. El fovismo es también evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan
para expresar la experiencia de Kandinsky de la materia, no para describir la naturaleza
objetiva.
Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década de 1900 fue El Jinete
Azul (1903), la cual muestra una pequeña figura envuelta en un caballo veloz corriendo por un
prado rocoso. El piloto manto es azul medio, lo que arroja una sombra más oscura de color
azul. En el primer plano son sombras azules más amorfos, las contrapartidas de los árboles de
la caída en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (aunque no claramente
definida), y el caballo tiene un andar anormal (que Kandinsky debía saber). Algunos
historiadores del arte creen que una segunda figura (tal vez un niño) se lleva a cabo por el
piloto, aunque esto puede ser una sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, lo
que permite a los espectadores a participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en
una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años siguientes, y
culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El Jinete Azul, Kandinsky muestra
el jinete más como una serie de colores que en los detalles específicos. Esta pintura no es una
excepción en este sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la
dirección Kandinsky tomaría sólo unos pocos años después.
Otoño en Baviera, óleo sobre lienzo, 1908, Centro Pompidou

Entre 1906 y 1908 Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (él era un asociado de
la Blue Rose grupo simbolista de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña ciudad bávara
de Murnau.5 El cuadro llamado La Montaña Azul (1908-1909) fue pintado en este momento, lo
que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña de azul está flanqueada por
dos árboles grandes, uno amarillo y uno rojo. Una procesión, con tres pilotos y varios otros, se
cruza en la parte inferior. Las caras, ropa y sillas de montar de los jinetes son cada uno un
solo color, y ni ellos ni las figuras caminando muestran cualquier detalle real. Los planos y los
contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en el Blue
Mountain ilustra inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta
independientemente de la forma, y que cada color se le da la misma atención. La composición
es más plano, el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el amarillo y el
árbol de la montaña azul con los tres pilotos.

Periodo El Jinete Azul (1911–1914)[editar]

Artículo principal: Der Blaue Reiter
En 1911, Vasili Kandinski y Franz Marc y otros artistas, fundaron en Munich un
movimiento expresionistas Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) el cual transformó el
expresionismo alemán.6 7

Regreso a Rusia (1914-1921)[editar]

Fuga, óleo sobre tela, 1914.

De 1918 a 1921, Kandinsky trata la política cultural de Rusia y colaboró en la educación

artística y la reforma del museo. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la
enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y del color, también
ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú. En 1916 conoció a Nina
Andreievskaya,8 con quien se casó al año siguiente. 4 Su punto de vista espiritual,
expresionista del arte fue finalmente rechazado por los miembros radicales del Instituto como
demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir a Alemania para
asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius.

La Bauhaus (1922–1933)[editar]

"En blanco II", óleo sobre lienzo, 1923, Centro Pompidou

Kandinsky no solo enseñó la clase de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría
avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que
aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. El
desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular en los puntos y formas
de línea, dio lugar a la publicación de su segundo libro teórico Punto y línea sobre el
plano en [Link] elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto
en su enseñanza y la pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas
rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus
obras por el tratamiento de los aviones rico en colores y matices -como en el amarillo-rojo-azul
(1925), donde Kandinsky ilustra su distancia desde el constructivismo y el suprematismo,
movimientos influyentes de la época.
Los dos metros de ancho amarillo - rojo - azul (1925) se componen de varias formas: un
rectángulo vertical amarilla, una cruz inclinada rojo y un gran círculo azul oscuro, una multitud
de líneas negras rectas (o sinuosa), arcos circulares, círculos monocromáticas y dameros de
colores dispersos, contribuyendo a su complejidad delicado. Esta simple identificación visual
de las formas y de las masas principales colores presentes en el lienzo es sólo una primera
aproximación a la realidad interna de la obra, cuyo reconocimiento exige la observación más
profunda, no sólo de formas y colores que intervienen en la obra, sino su relación, su absoluta
y las posiciones relativas en el lienzo y su armonía.
Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (Blue Four), formada en 1923 con Paul Klee, Feininger
y Alekséi von Jawlensky, que dio conferencias y exhibido en los Estados Unidos en 1924.
Debido a la hostilidad de la derecha, a la izquierda de la Bauhaus de Weimar y se
establecieron en Dessau en 1925.5 Después de una campaña de difamación nazi de la
Bauhaus Dessau izquierda en 1932 para Berlín, hasta su disolución en julio de 1933.
Kandinsky luego abandonó Alemania y se estableció en París.

La gran síntesis (1934-1944)[editar]

"Cielo azul", óleo sobre lienzo, 1940, Centro Pompidou

Al vivir en un pequeño apartamento en París, Kandinsky creó su trabajo en un estudio de la

sala. Con formas biomórficas, flexibles, no geométricos, los contornos de las formas que
aparecen en sus pinturas sugieren organismos microscópicos que no hacen sino expresar la
vida interior del artista. Kandinsky utiliza composiciones originales en color, que evoca el arte
popular eslavo. También en ocasiones mezclada con arena de pintura para darle una textura
granular, rústico a sus pinturas.
Este período corresponde a una síntesis de los trabajos previos de Kandinsky en el que utilizó
todos los elementos, enriqueciéndolas. En 1936 y 1939 pintó sus dos últimas composiciones
principales, el tipo de telas elaboradas no se había producido durante muchos años.
Composición IX tiene muy contrastado, diagonales poderosos cuya principal forma da la
impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores se
destacan sobre el fondo negro del Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos
), mientras enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubrir una gran masa marrón que parece
flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky, algunas
características son evidentes, mientras que ciertos toques son más discreto y velado, sino que
sólo se revelan progresivamente a los que profundizar en su relación con su trabajo. Tenía la
intención de sus formas (que él sutilmente armonizados y colocado) para resonar con el alma
del observador.

El museo Guggenheim de Nueva York posee muchos cuadros de Kandinsky.

En este período muchas de sus obras fueron adquiridas por Solomon Guggenheim, que fue
uno de sus apoyos más entusiastas.4

La Concepción de Arte de Kandinsky[editar]

El artista como profeta[editar]
Escribir que "la música es el maestro por excelencia" Kandinsky se embarcó en las primeras
siete de sus diez composiciones. Los tres primeros sobreviven sólo en negro y blanco
fotografías tomadas por Gabriele Münter. Si bien los estudios, bocetos y las improvisaciones
existen (en particular de la Composición II), un ataque nazi a la Bauhaus en la década de 1930
dio lugar a la confiscación de los primeras tres composiciones de Kandinsky. Ellas fueron
exhibidos en la exposición patrocinada por el Estado " Arte Degenerado ", y luego destruido
(junto con obras de Paul Klee, Franz Marc y otros artistas modernos).
Influenciado por la teosofía y la percepción de una Nueva Era, un tema común entre las
primeras siete composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo
conocemos). Redacción del "artista como profeta" en su libro De lo espiritual en el arte,
Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial
que muestra un cataclismo venidero que pudieran alterar la realidad individual y social. Criado
un cristiano ortodoxo, Kandinsky se basó en las historias judías y cristianas de Arca de Noé,
Jonás y la ballena, Cristo la resurrección, los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro de
Apocalipsis, cuentos populares rusos y las experiencias comunes mitológicos de la muerte y el
renacimiento. Nunca intentar imaginar cualquiera de estas historias como una narrativa, utilizó
sus imágenes con velo como símbolo de los arquetipos de la muerte-renacimiento y
destrucción-creación que él sentía era inminente en el pre- Primera Guerra Mundial el mundo.
Como se indica en De lo espiritual en el arte (ver más abajo), Kandinsky consideraba que un
artista auténtico parte de la creación como "una necesidad interna" que habita en la punta de
una pirámide de movimiento ascendente. Esta pirámide representa un progreso en el tiempo.
Lo que ayer era raro o inconcebible es algo común hoy en día, lo que es de vanguardia hoy en
día (y entendido sólo por unos pocos) será mañana conocimiento común. El artista moderno-
profeta está solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando
el comienzo de la realidad de mañana. Kandinsky estaba al tanto de los últimos desarrollos
científicos y los avances de los artistas modernos que habían contribuido a radicalmente
nuevas formas de ver y experimentar el mundo.
Composición IV y pinturas posteriores tratan principalmente de evocar una resonancia
espiritual en el espectador y el artista. Al igual que en su pintura de la apocalipsis por el agua
(Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos
épicos, traduciéndolas a términos contemporáneos (con un sentido de desesperación, ráfaga,
la urgencia y confusión). Esta comunión espiritual de Observador-pintor-artista/profeta se
puede describir dentro de los límites de las palabras y las imágenes.
Teoría artística y espiritual[editar]
Al igual que en las teorías de los ensayos Der Blaue Reiter Almanac y las indicaciones del
compositor Arnold Schoenberg, Kandinsky expresó también la comunión entre el artista y el
espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia).
Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky afirma que, por ejemplo, el amarillo
es el color del centro en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las
cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los
acordes tocados en un piano. Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras
geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y
representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea sobre el plano (ver más
abajo).
Durante los estudios que Kandinsky hizo en preparación para Composición IV, se sintió
agotado y se fue a dar un paseo. Mientras estaba fuera, Gabriele Münter arregló su estudio y
sin querer le dio vuelta el lienzo. Al regresar y ver la tela (sin reconocerla) Kandinsky cayó de
rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto nunca. Había sido
liberado del apego a un objeto. Como la primera vez que vio las Pilas de Heno de Monet,
experiencia que cambiaría su vida.
En otro episodio con Münter durante los años expresionistas abstractos bávaros, Kandinsky
estaba trabajando en su Composición VI que le tomó casi seis meses de estudio y
preparación. La obra pretendía evocar una inundación, el bautismo, la destrucción y
renacimiento al mismo tiempo. Después de describir el trabajo sobre un panel de madera de
tamaño mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que él estaba atrapado
en su intelecto y no alcanzaba el verdadero sujeto de la fotografía. Le sugirió que se limitara a
repetir la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centrara en su sonido y no su
significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra
monumental en un lapso de tres días.
El análisis sobre las formas y los colores de Kandinsky resulta, no de simples y arbitrarias
asociaciones con ideas, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas
abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con formas y colores sin descanso, observando
sus pinturas y las de otros artistas, teniendo en cuenta sus efectos sobre su sentido del color.
Esta experiencia subjetiva es algo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad
absoluta" o la "absoluta vida fenomenológica ".
De lo espiritual en el arte[editar]

Portada del libro "De lo espiritual del arte" de Wassily Kandisky

Publicado en 1911, el libro de Kandinsky compara el espiritual la vida de la humanidad a una

pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la
pirámide son esos pocos artistas, grandes. Se trata de una pirámide espiritual, avanzando y
ascendiendo lentamente, incluso si a veces parece inmóvil. Durante los períodos decadentes,
el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide, la humanidad sólo busca el éxito externo,
haciendo caso omiso de las fuerzas espirituales.
Los colores en la paleta del pintor evocar un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo
que está encantado por la belleza de los colores, de forma similar a la impresión alegre
cuando comemos un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, que
causa una vibración del alma o una "resonancia interior", un efecto espiritual en el que el color
toca el alma misma.
"Necesidad interior" es, para Kandinsky, el principio del arte y de la fundación de las formas y
la armonía de los colores. Él lo define como el principio de contacto eficaz de la forma con el
alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otro, sino que posee un
contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior
es el derecho del artista a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no
se funda en la necesidad. Arte nace de la necesidad interior del artista de una manera
enigmática, mística a través del cual adquiere una vida autónoma, se convierte en un sujeto
independiente, animada por un aliento espiritual.
Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un aislado de color y se deja
actuar solo, por un lado es la calidez o frialdad del tono de color, y en el otro lado es la
claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y la frialdad de
una tendencia hacia el azul, amarillo y azul, forma la primera gran contraste y dinámica.
Amarillo tiene un movimiento excéntrico y azul un movimiento concéntrico, una superficie
amarilla parece moverse más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece
alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser doloroso y
agresivo. El azul es un color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de los
rendimientos de azul y amarillo total de inmovilidad y la calma, que es verde.
La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro.
Blanco y negro forman el gran contraste segundo, que es estático. El blanco es un silencio
profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es nada sin posibilidad, un silencio eterno
sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena con fuerza en
sus vecinos. La mezcla de blanco con negro a gris, que no posee ninguna fuerza activa y cuya
tonalidad es cercana a la de verde. Gris corresponde a la inmovilidad sin esperanza, sino que
tiende a la desesperación cuando se pone oscuro, recuperando poco de esperanza cuando se
ilumina.
El rojo es un color cálido, alegre y agitada, es contundente, un movimiento en sí mismo.
Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con amarillo, gana en calidez
y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de irradiación en sus alrededores. Cuando se
mezcla con rojo azul que se aleja de hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo
fresco. Rojo y verde forma el gran contraste tercero, y naranja y púrpura del cuarto.

Punto y línea sobre el plano[editar]

Portada del libro "Punto y línea sobre el plano"

En sus escritos Kandinsky analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el
punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o
pinta el plano básico, o PB. Él no los analiza objetivamente, sino desde el punto de vista de su
efecto sobre el observador interior.
Un punto es un poco pequeña, de color formulada por el artista en el lienzo. No es ni un punto
geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la extensión, forma y color. Esta forma
puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es
la forma más concisa, aunque, de acuerdo con su ubicación en el plano básico, tomará una
tonalidad diferente. Puede ser aislado o resuenan con otros puntos o líneas.
Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza
ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas producidas lineales pueden ser de
varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicado en una sola dirección;
una línea angular, como resultado de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o
una curva (o en forma de onda) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan
simultáneamente. Un avión se pueden obtener por condensación (desde unos girar alrededor
de la línea de uno de sus extremos).
El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal
corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una
tonalidad afectiva oscura y fría similar a la de color negro o azul. Una línea vertical
corresponde con la altura, y no ofrece ningún apoyo, sino que posee una tonalidad luminosa
cálida próximo al blanco y amarillo. Una diagonal posee una más o menos caliente o frío
tonalidad, de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.
Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta se
corresponde con lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) sí forman un drama. El
ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálido y
cercano al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el frío y similar a azul por un ángulo
obtuso (un círculo), y similar al rojo por un ángulo recto (un cuadrado).
El plano de base es, en general, rectangular o cuadrada. por lo tanto, que se compone de
líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que
soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad se determina por la
importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales que dan una
tonalidad calma, frío al plano de base, mientras que las verticales impartir una tonalidad
calma, cálido. El artista intuye el efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él
elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky considera el plano básico
de un ser vivo, que el artista "fecunda" y se siente "respirar".
Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva, lo que influye en la tonalidad de
los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza de la composición
resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico se corresponde con
soltura y ligereza que, mientras que la continuación evoca la condensación y la pesadez. El
trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no son sólo
el resultado de un proceso al azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un
esfuerzo hacia la belleza interior.

Referencias[editar]
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