MARK ROTHKO    
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Nacido en 1903, en Dvinsk, Rusia, actual Letonia, 
QUIENES Marcus Rothkowitz, llegó con su familia siendo  
SOMOS   niño, huyendo de las persecuciones antisemitas
  para  instalarse en Portland (Oregón).  
CONTACTO
 
NUMEROS Estudió en la Art Students League de Nueva York,
ANTERIORES   aunque  siempre  se  consideró  un  pintor
autodidacta.  De  1929  hasta  1952  ejerció  como
  profesor  de  arte  en  algunos  centros  de  Nueva
  York,    implementando  un  particular  modo  de
enseñanza.
Para publicitar,
click aquí   En  1934  escribiría:  “El  expresionismo  se  parece
mucho al arte de los muchachos. Quizá su obra es
  más  expresionista  que  la  de  los  propios  artistas,
ya  que  es  un  intento  de  revivir  la  frescura  y  la  
ingenuidad de la visión infantil”.
 
Sus    reflexiones    han  llegado  a  nosotros  a  través
de  sus  textos  que,  ordenados    después  de  su
muerte,  permitieron  conocer  detalles  íntimos  de
su  pensamiento  y  sus  sentimientos,  muy
interesantes por cierto.

Durante  los  años  veinte  y  treinta  realizó  infinidad

  de  obras  figurativas  —desnudos,  retratos,
interiores  con  figuras,  paisajes  urbanos—  tanto
sobre  papel  como  sobre  lienzo.  A  lo  largo  de  la
década de los treinta, sus obras muestran rostros
planos  y  sin  rasgos  y  figuras  atenuadas  que  se
funden  con  el  marco  arquitectónico,  como  ocurre
en su exploración del metro de Nueva York.
 

Entrance  to  Subway  [Subway   Scene],1938,

Collection of Kate Rothko Prizel.

Formó  parte  del  expresionismo  abstracto

norteamericano  en  la  década  de  los  40  junto    a
otros  pintores  como    Motherwell,  Pollock,  De
Kooning, Barnett Newman, Clyford Still y Gottlieb,
que  abandonaron    la  tradición  y  rompieron  la
normativa  para  expresarse  en  otra  dirección,
justamente  la  opuesta.  Rothko  no  compartía  con Sin título ­ 1962
    sus compañeros el carácter gestual y espontáneo
  de su pintura.  
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Ritos de Lilit, de 1945, basada en mitos y símbolos
clásicos.

Sus obras de este período evidencian la influencia
de  las  teorías  de  Nietzsche  y  Jung,  e  incorporan
técnicas  e  imágenes  abstractas  propias  del
surrealismo,  llegado  a  [Link].  a  través  de  los
europeos  emigrados  y  de  artistas  americanos
formados en Europa.

Sin título ­ circa 1950­2

The Omen of the Eagle,1942,  
 
National Gallery of Art, Gift of The Mark 
Rothko Foundation,Inc., 1986.43.107  

A  finales  de  los  años  cuarenta  Rothko  elimina  de

su  pintura  cualquier  elemento  figurativo  dando
paso, con sus obras de transición realizadas entre
1946  y  1949  conocidas  posteriormente  como
Multiformas,  a  su  enfoque  basado  en  los  colores
puros en el espacio.

1959  
 

Multiformas­1940­   
 
Licensed by ARS & VISCOPY, Australia

A  comienzos  de  la  década  de  1950  Rothko  ya

había  alcanzado  un  lenguaje  abstracto  personal,
que  sometió  en  los  siguientes  veinte  años  a  un 1953
proceso de refinamiento y simplificación.
 
Explicaba  acerca  de  ests  formas:  "no  tienen
relación  directa  con  alguna  experiencia  particular
visible, pero en ellas se reconoce el principio y la
pasión de los organismos".
Sus  obras,  generalmente  de  gran  formato,  con  la
intención  de  lograr    un  estado  de  intimidad,  se
componen  de    varios  campos  de  color  de  formas
rectangulares,  más  o  menos  horizontales,  sin
ninguna  relación  con  la  geometría,  que  parecen
flotar sobre un espacio indefinido. Son  sucesivas
  y  finas  veladuras,  de  óleo  aplicado  como
acuarela, con la mínima textura. 
 
Decía  en  1951:  “  Yo  pinto  cuadros  muy  grandes.
Yo  sé  que,  históricamente,  el  objetivo  de  los
cuadros  grandes  es  pintar  algo  grandioso  y
pomposo. Pero, si los pinto, es justamente porque
quiero  estar  muy  cerca,  ser  muy  humano  ”  […]“
Pintar  un  cuadro  pequeño  es  ponerse  afuera  de
las  sensaciones  […]Cuando  uno  pinta  cuadros
grandes, […] uno está adentro ” 1949
«Detesto toda la maquinaria de popularización del
arte:  universidades,  publicidad,  museos...  y  a  los  
vendedores de la calle 57»

Durante  la  década  del  cincuenta  comienza  a

 
utilizar  tono oscuros ­rojos, granates, marrones  y
negros.

Una  de  las  piezas  de  esta  época,  Sin  título,  de

1952–53,  una  pared  de  luz  y  color  de  enormes
medidas,  representa  el  deseo  de  Rothko  de
abarcar  insospechadas  dimensiones  espaciales
con su arte.

1968

 
Rothko concebía sus obras como dramas, como la
representación  de  una  tragedia  sin  tiempo.  Sus
cuadros,  de  gran  intensidad  espiritual,  consiguen
envolver  al  espectador  con  una  gran  fuerza
emotiva,  invitándole  a  la  contemplación  y  la
meditación.

Robert  Rosenblum  calificó  su  pintura  como  la

"abstracción  de  lo  sublime"  y  la  relacionó  con  la
tradición  romántica  de  los  países  de  la  Europa
nórdica. Según este autor, los cuadros de Rothko,
como  sucedía  con  los  de  Friedrich  dos  siglos
antes, "buscan lo sagrado en un mundo profano".
   
El  artista  consideraba  que  el  color  puro  era  el
mejor  método  para  expresar  las  emociones  y,  en 1969
este sentido, podemos ponerle en relación con las
teorías  místicas  sobre  la  abstracción
desarrolladas  por  Kandinsky.  Como  él,  Rothko  
creía  que  el  color  actuaba  directamente  sobre  el
alma  y  era  susceptible  de  producir  emociones  
profundas en el espectador. 
   
En  los  primeros  años  de  la  década  de  1960,  las
tonalidades  fuertes  y  brillantes  de  sus  cuadros
anteriores,  que  producían  una  especie  de
radiación  expansiva,  son  sustituidas  por  colores
sombríos,  como  los  morados,  grises,  verdes
oscuros, marrones,  con  los  que  Rothko  consigue
obras  más  herméticas,  todavía  más
sobrecogedoras.
Sin título, 1960.    
 
Virginia Museum of Fine Arts,  Luz roja sobre negro ­ 1957
 
Gift of Sydney and Frances Lewis, 
 
Photo: Katherine Wetzel © Virginia Museum of Fine Arts
 
Despliega  su  idea  del  arte  como  un  modo  de
comunicación,  convertido  por  el  entorno  de  su
época,    a  su  pesar,      en  uno  de  los  pintores  más  
cotizados,    siempre    combativo  y  escéptico    diría
desde sus textos: «No soy un místico. Tal vez soy
un  profeta.  Pero  no  profetizo  las  desgracias  por
venir,  sino  que  pinto  las  que  ya  están  aquí».  «En
vez de ensayar respuestas a interrogantes que no
deberían  ser  contestados  me  gustaría  encontrar
un modo de señalar esas circunstancias reales de
mi vida de las que surgen mis cuadros y hacia las
que debería regresar», escribió en 1954.

"Ningún conjunto de anotaciones pueden explicar
nuestros cuadros.  La  explicación  ha  de  surgir  de
la  experiencia  consumada  entre  el  cuadro  y  el
observador.  La  apreciación  del  arte  es  un
auténtico matrimonio entre dos mentes, y en arte,
como en el matrimonio, la no consumación puede Marrón negro, 1958
ser causa de anulación"

"Un cuadro vive en función de quien le acompañe:
se ensancha y crece ante los ojos del observador
sensible, pero muere de la misma manera".

Su  obra  constituye  un  cambio  irreversible  en  la

pintura, un deslumbramiento por lo sublime y una
poética visual que dio orden a la naturaleza.

"Pretendo  eliminar  cualquier  obstáculo  entre  el

pintor  y  la  idea,  entre  la  idea  y  el  observador. Un
cuadro  vive  por  compañerismo  y  se  expande  y
aviva  a  los  ojos  del  observador  sensible.  Muere
por  la  misma  razón.  Es,  por  tanto,  un  acto
peligroso e insensible el exponerlo al mundo."

"No soy un pintor abstracto… No me interesan las
relaciones  del  color,  ni  de  la  forma,  ni  nada;  lo
único que me importa es expresar mis emociones
humanas  básicas:  tragedia,  éxtasis,  muerte.  La
gente  que  llora  ante  mis  cuadros  tiene  la  misma
experiencia religiosa que yo cuando los pinté."

Jeffrey  Weiss,  curador  de  la  retrospectiva  del

artista exhibida entre 1998 y 1999 en Washington,
Nueva  York  y  París,  subrayaba  la  gran  atracción
  ejercida  por  la  obra  sobre  el  espectador, 
generadora,  por  consiguiente,  de  una
contemplación    prolongada  por    la  dificultad  de
ser  descifrada.

Paradójicamente,  Rothko  siempre  aspiró  a  ser

comprendido, convencido de que "la evolución de
la obra de un pintor es un viaje en el tiempo hacia
la  claridad:  hacia  la  eliminación  de  todos  los
obstáculos entre el pintor y la idea y entre la idea y
el espectador"; y para él "alcanzar esa claridad es
sencillamente ser entendido".

Tras  sufrir  un  aneurisma  en  1968,  el  artista  tuvo

que  abandonar  el  gran  formato  en  favor  de  la
pequeña escala y utilizar el acrílico sobre papel. A
partir de este momento trabajó intensamente tanto
sobre  papel  como  sobre  lienzo,  incluso  cuando
retomó formatos más grandes en 1969.

Sin título,1969.  
 
John and Mary Pappajohn, Des Moines, Iowa

A partir de 1969 y 1970 produjo una serie de obras
en    marrón,  negro  y  gris,  dividiendo  la
composición horizontalmente y enmarcándola con
un  borde    blanco,  que  generó  enmascarando  los
bordes del papel o de la lona con cinta que luego
descartó.  La  serenidad  de  la  zona  oscura  se
contrapone  a  la  turbulencia  de  las  marcas  del
pincel  de  la    sección  gris.  El  borde  agudamente
definido establece  una  interacción  compleja  entre
la obra  y el espectador, que es, a la vez,  atraído
mediante  la  sensualidad  de  la  textura,  pero  a  la
vez mantenido a distancia, por el marco rígido.
   
Las  pinturas  de  negro  sobre  gris,  que  inicia  un
año  antes  de  suicidarse  en  1970,  confirman  la
creencia de Rothko de que su obra expresaba una
tragedia. Denominadas por el mismo artista como
Sin  título,  estas  pinturas  son,  al  mismo  tiempo,
comienzo y punto de inflexión en su carrera.

Mark  Rothko  se  aisló  de  su  familia  durante  sus

últimos meses de vida, para vivir solo en su taller
de Nueva York, suicidándose –con  barbitúricos y
cortándose las venas­  el 25 de febrero de 1970.

Hay  ciertas  teorías  al  respecto  y  cierta

coincidencia  sobre  su  carácter  melancólico  y
depresivo,  agravado  tal  vez  por  la  reciente
separación  de  su  segunda  esposa,  serios
problemas de salud y, dicen los que lo conocieron,
una profunda insatisfacción por el rumbo que iba
tomando  el  mundo  del  arte.  Fue  un  artista
apasionado  y  obsesivo,  azote  de  críticos, 
convencido del poder trascendental de su pintura, 
siempre  supervisó  meticulosamente  los  montajes
de  sus  obras,  pues  valoraba  mucho  la  forma  en
que  el  espectador  se  acercaba  a  ellas,  llegando
inclusive a  negarse  a venderla si pensaba que iba
a caer en malas manos.

Fuentes:
Periódico El Mundo ­España
[Link]  
Periódico La Jornada ­ Méjico: 
[Link]
Imágenes:
 
Photos of Artists Collection 1, Archives of American Art,
Smithsonian Institution, Washington, D.C.
 
Collection of Kate Rothko Prizel. Es este  un tema recurrente entre
las representaciones de los artistas de la época.
[Link]/feature/rothko  
[Link]/feature/rothko 
 
ARS & VISCOPY, Australia­ [Link]
 
Virginia Museum of Fine Arts, Gift of Sydney and Frances Lewis,
85.438. Photo: Katherine Wetzel © Virginia Museum of Fine Arts.
John and Mary Pappajohn, Des Moines, Iowa  

© Revista de Artes Nº 9 ­ Mayo 2008
Buenos Aires ­ Argentina