UNIVERSIDAD CATÓLICA

LOS ÁNGELES DE CHIMBOTE

DOCENTE : Ms. Favio Roncales Armas.

E-MAIL : froncalesa@[Link]

EDUCACIÓN ARTÍSTICA I (MÚSICA)

ESCUELA PROFESIONAL DE EDUCACIÓN
Ciclo II

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 Roncales Armas, Favio. Educación Artística I (Música). 1a edición
Ediciones de la Universidad Católica Los Ángeles de Chimbote. Chimbote. 2017.

Universidad Católica Los Ángeles de Chimbote

Jr. Leoncio Prado 443
Chimbote (Perú) [Link]
editorial@[Link]

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PRIMERA UNIDAD:

LA MÚSICA Y LA

EDUCACIÓN

MUSICAL

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¿QUÉ ES EL SONIDO?

Podemos definir el sonido como una sensación auditiva que está producida por
la vibración de algún objeto. Estas vibraciones son captadas por nuestro oído y
transformadas en impulsos nerviosos que se mandan a nuestro cerebro.
Observa el siguiente gráfico donde se muestra cómo se originan las ondas
sonoras:

Un objeto (el diapasón) vibra al ser golpeado.

Estas oscilaciones desplazan las moléculas de aire que tiene dicho objeto
alrededor formando ondas sonoras. Este efecto es parecido a las piezas de

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dominó que se empujan unas a otras. La primera no se desplaza hasta el final
pero transmite la perturbación hasta la última generando el movimiento.

Las moléculas vibran en la misma dirección de la propagación. Este tipo de

movimiento se denomina onda longitudinal.
La Acústica es la ciencia que estudia el fenómeno sonoro.

EL SONIDO

El sonido proviene de cuerpos que vibran. Estas vibraciones sonoras se

propagan comúnmente a través del aire, hasta llegar a los oídos. Sin embargo,
el medio por el que se propaga el sonido no se traslada junto con él, sino que
cada molécula vibra en su posición y transmite esa vibración a las moléculas
que la rodean, manteniendo su posición inicial.
A la propagación de las vibraciones en un medio cualquiera, sea éste sólido,
líquido o gaseoso, se la llama onda. Las ondas sonoras no pueden propagarse
en el vacío. La velocidad de propagación será diferente en cada medio. En el
aire su velocidad es de 340 metros por segundo.

Una vibración es un movimiento que

realiza un objeto alrededor de su punto
de equilibrio, sin trasladarse respecto
de su posición original.

En el gráfico anterior se esquematiza la fisiología del Oído.

La función principal del oído es la de convertir las ondas sonoras en
vibraciones que estimulan las células nerviosas, para ello el oído está
compuesto por tres zonas con funciones bien diferenciadas.
El oído externo
Es el encargado de captar dirigir las ondas sonoras, a través del orificio
auditivo, hasta el tímpano.

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El oído medio
En él, las vibraciones del tímpano se amplifican y transmiten hasta el oído
interno, a través de unos huesecillos denominados martillo, yunque y estribo.
El oído interno
Aquí reside la cóclea o caracol, donde las vibraciones se convierten en
impulsos nerviosos que el cerebro transforma en sensaciones auditivas.

CLASES DE SONIDO

Sonidos Determinados:
Son aquellos que permiten hacer ritmos y a la vez saber que nota se están
tocando, dentro de los sonidos determinados se encuentran los sonidos
producidos por instrumentos musicales (con excepción de los instrumentos de
percusión) y la voz humana, normalmente resultan agradables al oído y se
pueden ubicar en la escala de notas musicales DO, RE, MI, FA, SO, LA, SI.

Sonidos Indeterminados:
Dentro de esta clase de sonidos ubicamos a aquellos con los que podemos
hacer sólo ritmos, usualmente son desagradables al oído pues son producidos
por golpes, choques, caídas, etc. Además estos sonidos llevan este nombre
debido a que no se pueden determinar en la escala de notas musicales.

CUALIDADES DEL SONIDO

ALTURA O TONO

Está determinada por la velocidad de vibración del cuerpo. Medimos esta

característica en ciclos por segundos o Hercios (Hz). Los humanos podemos
percibir los sonidos comprendidos entre 20Hz y 20.000Hz. Por debajo
tenemos los infrasonidos y por encima los ultrasonidos.

INTENSIDAD

Nos permite distinguir si el sonido es fuerte o débil. Está determinado por la

cantidad de energía de la onda. Los sonidos que percibimos deben superar
el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral de dolor (140 dB). Este
parámetro lo medimos con el sonómetro y los resultados se expresan en
decibelios (dB).

DURACIÓN

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 Esta cualidad está relacionada con el tiempo de vibración del objeto. Por
ejemplo, podemos escuchar sonidos largos, cortos, muy cortos, etc..

TIMBRE

Es la cualidad que permite distinguir la fuente sonora. Cada material vibra

de una forma diferente provocando ondas sonoras complejas que lo
identifican.
¿Eres capaz de distinguir el sonido de una trompeta y de una flauta?

LA MÚSICA

Las definiciones parten desde el seno de una cultura, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales,
culturales e históricas. De ésta forma, surgen múltiples y diversas definiciones
que pueden ser válidas al momento de expresar lo qué se entiende por música.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada

(según una formulación perceptible, coherente y significativa). Ésta definición
parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar
"música" se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de
cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los
humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres

atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este
sentido, artificial) y que predomina la función estética (es decir, es un arte).

Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas

dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el
instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema
receptor.

Una de las definiciones más tradicionales es "la música es el arte de ordenar

los sonidos en el tiempo".

Las teorías de los antiguos filósofos griegos concuerdan con las

especulaciones de los eruditos en la época medieval, definiendo a la música
como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodías) y
vertical (armonía). Este orden o estructura que deben tener un grupo de
sonidos para ser llamados música esta por ejemplo presente en las
aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la
arquitectura, definiendo a la última como "música congelada". La mayoría
coincide en el aspecto de la estructura, pero algunos teóricos modernos
difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Para comprender
el desarrollo de esta maravillosa forma de arte, exploraremos su evolución en
occidente, tanto en su tradición clásica o docta y sus formas populares.

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Elementos de la música
La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los
silencios. A la vez la música tiene también otros elementos los que son
considerados por algunos autores como parámetros, estos son la melodía, la
armonía y el ritmo.

El sonido (que suena) es la sensación percibida por el oído, que recibe las
variaciones de presión producidas generadas por el movimiento vibratorio de
los cuerpos sonoros y que se transmiten por el medio que los separa que
generalmente es el aire. La ausencia perceptible de sonido es el silencio; que
es relativo, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza al haber
atmósfera.

El sonido tiene cuatro parámetros o elementos fundamentales:

Un elemento esencial de la música es el ritmo.

Ritmo es la sucesión de sonidos largos y cortos; fuertes y débiles.

Otros elementos esenciales de la música son la melodía y la armonía.

Se entiende por melodía la sucesión de sonidos de distinta altura, animados

por el ritmo.

Por armonía se entiende la combinación de sonidos simultáneos que sirven de

apoyo, de acompañamiento y de adorno a la melodía.

Melodía .- Es la sucesión de sonidos en forma ordenada, de diferente altura ,

que expresan una idea musical y que satisfacen al oído y a la inteligencia.

Armonía.- Es la combinación simultánea de dos o más sonidos que producen

un acorde.

Ritmo.- Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con

cualquier movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música
se lo divide por medio de la combinación de sonidos y silencios de distinta
duración.

IMPORTANCIA DE LA MÙSICA:

Mucho se habla de la importancia que tiene la música en la vida del ser

humano, al respecto consideraremos las etapas en la que la música interviene
para aportar su influencia y destacar su importancia.

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Gestación: se utiliza la músico terapia en el embarazo como terapia, para
estimular al bebe que está en crecimiento dentro del vientre de la madre.

Nacimiento: Las canciones de cuna para hacer dormir al bebe, son muy
comunes... ¿a quién no le han cantado una? (Quizá no lo recuerde... pero
puede preguntar a sus mayores)

Infancia: Canciones infantiles, para estimular a los niños, en juegos, o en

actividades variadas.

Adolescencia-Juventud: El factor común de muchos jóvenes y adolescentes

es la música. Juntarse a escucharla, ir a conciertos.

Una estadística recientemente realizada en América Latina, arroja el dato que

la industria discográfica, aumenta sus ingresos, gracias a que la mayor parte de
Consumidores ellos entre, 16 y 30 años de edad, hacen compras compulsivas
de Cintas y CDS.

Celebraciones Familiares: Bodas, Cumpleaños, aniversarios, graduaciones.

(Si hay celebración seguro, que hay música)

Vejez: La músico terapia, no solo se utiliza desde los comienzos de la vida,

sino también en el ocaso.

La Vida espiritual del hombre también ha encontrado en la música un lugar

para desarrollarse, ya que esta no solamente, tiene influencia sobre el cuerpo,
el alma sino también en el espíritu.

Entonces podemos ir concluyendo que:

La música también promueve el aprendizaje al incrementar el vocabulario y

lenguaje de los niños. También les permite incrementar su auto-competencia al
tener una voz en el medio ambiente y al ser capaces de expresarse. Aunque
los discos compactos de música son una excelente manera de involucrar a los
niños con las canciones, el cambiar las canciones tradicionales simples puede
enseñarles a los niños sobre repetición, lenguaje, destrezas sociales y maneras
emotivas de cómo expresar sus sentimientos.

La música posee la capacidad de despertar en las personas sentimientos de

diversa índole, experimentando reacciones de alegría, melancolía, tensión,
relajación etc. Ocasionando esta misma circunstancia en las personas que
bailan, produciéndole una enorme acción emotiva que le impulsa a expresarse
a través de sus movimientos. Tal es así que la música aporta al bailarín/a la
fuerza y la motivación que necesita para comunicarse. Pero para que la danza
fluya, es necesario realizar previamente un análisis de la música que va a
acompañar al movimiento, a fin de identificar aquellas estructuras que van a
permitir desarrollar al máximo la expresión y la interpretación del bailarín/a.

LA MÙSICA COMO ARTE

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La música es el arte de producir y combinar sonidos acordes de todos los
elementos de creación sonora: instrumentos, ritmos, sonoridades, timbres,
tonos, organizaciones seriales, melodías, armonías, etc., En su sentido más
primigenio, es el arte de producir y de combinar los sonidos de una manera tan
agradable al oído, que sus modulaciones conmueven el alma.
En todas las civilizaciones, la música cobra un papel importante en los actos
más relevantes, social o personalmente, donde ejerce un papel mediador entre
lo diferenciado (material) y lo indiferenciado (la voluntad pura), o entre lo
intelectual y lo espiritual. Por ello cobra especial importancia en las ceremonias
rituales, además de por su capacidad de promover las emociones. La música
representa el equilibrio y orden; es un lenguaje universal.
En la Masonería, la música representa una de las siete artes liberales,
simbolizando la armonía del mundo y especialmente la que debe existir entre
los masones. A través de la belleza de los sonidos y de la armonía de los
ritmos se llega a la sabiduría del silencio. La música es el arte de organizar los
sonidos. Todo arte consiste en organizar un material de acuerdo con las
«Leyes» y un propósito. La música es, en ella misma y por esencia, una
masonería, una construcción de carácter iniciático. Los elementos que la
componen no son los sonidos, piedras brutas, sino las notas, piedras talladas.
Los tres parámetros que precisa la talla de la piedra, la precisa el sonido:
La Fuerza, que reside en la densidad.
La Sabiduría, en su «tempo» o longitud.
La Belleza, en su altura o frecuencia.
Las piedras justas y perfectas del edificio musical deben ser ensambladas: la
música es una construcción, una arquitectura, un «arte real» que nos revela las
leyes universales de la «Gran Obra» que podemos organizar en tres etapas.
El Silencio, vacío necesario antes de la manifestación, es el estado de
aprendizaje. El Sonido, la manifestación, la toma de conciencia, el despertar
del compañero. La Melodía, la organización del sonido por el maestro.
Se puede encontrar otra analogía en tres etapas, entre el método de formación
del músico y del masón:
El Aprendiz: Estudia la música en sí mismo (canta). Aprende a descodificar
unos símbolos o signos (solfeo) y escoge su/s instrumento/s. Para ello precisa
de un maestro o instructor.
El Compañero: Alcanza la soltura en la interpretación de los signos y en la
utilización de su/s instrumento/s. Colabora con otros compañeros en el canto y
en la interpretación (polifonía, conjuntos instrumentales). Estudia la historia, los
estilos y a los grandes maestros. En esta etapa el compañero entra en un
proceso de auto-formación.
El Maestro: Su tarea es alcanzar una interpretación personal, una vivencia que
haga posible la transmisión de la obra. El maestro trabaja en soledad, pero
precisa de un aprendiz, del cual aprende todo lo necesario para alcanzar la
auténtica maestría. Con esta relación se cierra el ciclo.
La música en la Logia esta representada por la Columna de Armonía que es el
conjunto instrumental o reproductor musical destinado ala ejecución de la
música masónica en el curso de las ceremonias rituales.
En las logias, hasta que en el siglo XVIII empezaron a introducirse instrumentos
de cuerda, trompetas y tambores, sólo se empleaban voces. La designación de
«Columna de Armonía» aparece a finales del reinado de Luis XV para referirse
al conjunto de instrumentos que sonaban en las ceremonias, que contaba con

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un máximo de siete instrumentistas: 2 clarinetes, 2 cuernos, 2 fagots y 1
tambor. Luego, la competencia entre las logias por contar con los más virtuosos
instrumentistas originó que se admitiesen en las mismas músicos, que exentos
de cotización alguna prestaban estos servicios (aunque sólo podían aspirar al
grado de Maestro), y componían obras para las diferentes ceremonias
masónicas (tenidas, banquetes, fúnebres, iniciaciones, etc.); estos hermanos
artistas tenían el mismo derecho al voto que el resto de los hermanos y en las
grandes ceremonias, celebraciones y banquetes estaban obligados a contribuir
con su arte.
La Columna de Armonía tiene como misión aportar un complemento al ritual,
por lo tanto es una música funcional, cuyo valor no depende en primer lugar de
su valor intrínseco, sino de su adecuación al destino que se le asigna.
Quizá la más alta representación de la música masónica corresponda a W. A.
Mozart, fue iniciado como aprendiz masón el 14 de diciembre de 1784 en la
logia La Esperanza Coronada y con este motivo se interpretó en la logia su
cantata «A ti alma del Universo, OH Sol» (K. 429) en la que el aria del tenor es
un himno al sol y a la luz; cantata doblemente adaptada a la celebración de la
gran fiesta masónica de San Juan del verano (más conocida como del solsticio
de verano) y punto culminante del año masónico; y que encaja igualmente en la
ceremonia de iniciación del primer grado masónico, cuando el aprendiz,
después de haber sufrido las pruebas simbólicas, recibe la luz.
Agradecido y apasionado por su Logia, compuso para ella los más notables
cantos, en los que no se limitó a expresar de una manera sencilla y bella el
sentido de las palabras, sino que dio a las notas todo el calor de su fantasía,
todas las nobles y levantadas aspiraciones de un alma conmovida por lo bueno
y lo bello y ardiendo de amor por la humanidad. Con motivo de la ceremonia
del paso de su padre al grado de compañero, puso música a un poema de
Joseph Von Ratschky, «El viaje del compañero» (K 468) para canto y
acompañamiento de piano.
Unos meses antes de acceder al tercer grado de la masonería, asistió el 11 de
febrero de 1785, en la logia vienesa «La verdadera concordia», a la iniciación
masónica de su amigo Joseph Haydn en el grado de aprendiz, y a quien
Mozart, con este motivo, dedicó los «Seis cuartetos de cuerda».
Poco antes de la doble investidura que Mozart y su padre recibieron el 2 de
abril de 1785 como maestros masones en la logia vienesa «La esperanza
coronada», compuso para esta logia dos de sus más importantes
composiciones masónicas: «La alegría masónica, (K 471) y la «Música fúnebre
masónica» (K 477).
En 1786, con motivo de una reorganización de las logias vienesas ordenada
por el emperador José II, Mozart compuso para su logia «La nueva esperanza
coronada» dos cantatas masónicas: «Para la apertura de la logia» (K 483) y
«Para la clausura de la logia» (K 484).
Nos encontramos todavía con tres obras de Mozart ligadas a la masonería, y
en las que descubrimos a Mozart comprometido con la libertad y con los
ideales de la Revolución Francesa, especialmente en «Vosotros los que
honráis al Creador del Universo infinito» (K 619), que es un mensaje dirigido a
la juventud alemana en el momento en que componía la ópera de la fraternidad
universal. Las otras dos composiciones estrictamente masónicas a las que
Mozart puso música fueron una pequeña cantata masónica, «Elogio de la

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amistad» (K 623), fechada en Viena el 15 de noviembre de 179), y «Enlacemos
nuestras manos» (K 623a) y que se canta constituyendo la cadena de unión.
Su obra póstuma, su canto de cisne, fue la que tituló «Pequeña Cantata
Masónica», cuya audición dio en una tenida de su logia, dirigiendo él mismo la
audición, dos días antes de sentirse atacado por la enfermedad misteriosa que
le condujo al sepulcro.
Resulta emocionante ver a Mozart en el umbral de la muerte, olvidándose de sí
y de su angustia física, cantando la fraternidad unida en el trabajo, y la
presencia de la luz en el ímpetu y en el calor de la esperanza. Tres semanas
más tarde, fallecía.

LA INFLUENCIA DE LA MÚSICA EN EL DESARROLLO INFANTIL

La música tiene una importancia vital en el desarrollo de la personalidad.

Es más: una buena y adecuada educación musical potencia las facultades
innatas del ser humano; especialmente, las cerebrales. Música que
debería ponérsele incluso al feto mientras está en el interior de la madre.
La de Vivaldi y, muy especialmente, la de Mozart, son los más adecuadas.

"La música es el sonido de la tierra y del cielo, de las mareas y de las

tempestades; es el eco del tren en la distancia, las reverberaciones de los
martillazos del carpintero en acción. Desde el primer grito de vida hasta el
último suspiro de la muerte, desde los latidos del corazón hasta los vertiginosos
vuelos de la imaginación, estamos envueltos en el sonido y vibración en todo
momento de nuestra vida. Es el aliento primordial de la creación, la voz de los
ángeles y átomos; es, en último término, la materia de la que están hechos la
vida y los sueños, las almas y las estrellas".
Don Campbell

UN PLANETA PRIVILEGIADO
Dicen los expertos que vivimos en un planeta privilegiado, un lugar nacido por y
para la música. Según parece, las condiciones ambientales y la presencia de
agua en nuestra atmósfera y sobre todo en la superficie producen un fenómeno
de sonoridad difícilmente repetible.
Si rastreamos en el tiempo el origen de la música encontraremos que todas las
culturas y civilizaciones han utilizado el poder del sonido y de la música, a
veces como elemento mágico, religioso o curativo. De hecho, las primeras
referencias se remontan a los más antiguos textos de la tradición hindú.
Johannes Keppler, el astrónomo del siglo XVII que descubrió las leyes del
movimiento planetario, creía que cada planeta estaba vivo y emitía sonidos
mientras se desplazaba en su órbita alrededor del Sol. Apoyándose en escritos
de Platón y Aristóteles descubrió la música de las esferas.
Siglos más tarde, dos profesores de la Universidad de Yale, Willie Rull -
profesor de Música- y John Rodgers -profesor de Geología- aplicaron las
leyes y anotaciones de Keppler al movimiento de los planetas tal como se
proyectaría durante un periodo de 100 años a partir del 31 de Diciembre de
1976. Introdujeron entonces la información en un ordenador conectado a un
sintetizador musical y el resultado fue una grabación de media hora en la que
cada planeta de nuestro Sistema Solar generaba una vibración sonora única. E

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igualmente comprobaron que, al mezclarse todas, producían una melodía
armónica inigualable. Resultó que cada planeta emitía una nota diferente pero
que armonizaba con las del resto formando acordes en oleadas, sonidos
profundos y prolongados.

EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LA MÚSICA

La música es considerada hoy día el lenguaje más universal. De hecho, el ritmo
y la música han formado parte de la vida del ser humano desde su origen. Aún
más, tenemos muchas más capacidades musicales de las que imaginamos; al
punto de que podríamos decir que toda persona es musical como también lo es
el mundo que le rodea.
Sabemos que la música es un lenguaje que supera todas las fronteras, edad,
sexo, raza, religión y nacionalidad. Es algo que no diferencia entre niveles
económicos, clases sociales o formación académica. Es más, de la música
participan no sólo los seres humanos sino también el resto de la Naturaleza: los
pájaros hacen música, las ballenas y delfines se cantan serenatas y son
muchas las especies que se comunican a través de ella.
En los últimos tiempos, con la llegada de la era espacial, la música de las
esferas que Keppler intuía se ha hecho realidad. Como ejemplo baste decir que
la nave espacial Voyager llevaba a bordo un disco grabado con noventa
minutos de música en una selección de piezas de Bach y Beethoven así como
rock, jazz y música folklórica de varios países para disfrute y solaz de cualquier
civilización extraterrestre que pudiera escucharla. Además, en los últimos
cincuenta años la música se ha convertido en el idioma común del mundo
moderno.

CUANDO LA MÚSICA NACE CON NOSOTROS

"El alimento vocal que da la madre a su hijo es tan importante para su
desarrollo como su leche".
(Alfred Tomatis)

Durante mucho tiempo se pensó que el feto no podía oír sonidos durante su
permanencia en el útero materno. Sin embargo, en 1962 el doctor Lee Salk
demostró que el feto "oye" los latidos del corazón de su madre. En cualquier
caso, los estudios más completos corresponden al médico francés Alfred
Tomatis, quien dedicó buena parte de su vida a estudiar de forma científica el
mundo embrionario.
A pesar de las burlas de sus colegas, que intentaron desautorizarle, continuó
con sus experimentos y descubrió que, en contra de lo que se creía hasta
entonces, el oído comienza su desarrollo en la décima semana de gestación y
que a los cuatro meses y medio es un órgano que funciona perfectamente.
Su interés le llevó a apoyarse en los trabajos de V. E. Negus, un estudioso
británico que demostró en muchos casos que los pajaritos que habían sido
empollados por otros pájaros que no eran sus padres biológicos no cantaban ni
imitaban los sonidos de los pájaros adultos. El doctor Tomatis se preguntó
entonces si problemas como el autismo, los trastornos del habla o los
desórdenes emocionales podían ser debidos a una dificultad de comunicación
entre la madre y el feto o a un suceso traumático acaecido durante su vida
uterina.
Según parece, el feto está sumergido en un universo de sonidos que le llegan a

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través del cuerpo de su madre: los latidos acompasados del ritmo cardiaco, la
respiración, los sonidos de los movimientos intestinales, los pasos... pero sobre
todo la voz de su madre, algo que representa un alimento imprescindible para
el desarrollo del feto y más tarde del bebé.
Una amplia gama de sonidos llegan hasta él amortiguados por producirse en
un medio acuático, sonidos de baja frecuencia que le proporcionan
sensaciones de seguridad; sonidos que él identifica con el bienestar que está
disfrutando, con una temperatura constante, con el alimento que recibe a través
del cuerpo de su madre, con la penumbra en la que vive y con un montón de
sensaciones gratificantes sumergido como está en un baño de endorfinas (la
que se ha dado en llamar hormona de la felicidad).
Es un hecho comprobado que después del nacimiento el bebé se relaja cuando
escucha la voz de su madre, cuando ésta de modo instintivo le arrulla y le
acuna en sus brazos para colocarle la cabeza contra su pecho y éste comienza
a oír el ritmo familiar del corazón que le acompañó casi desde el comienzo de
su vida. También las canciones de cuna, las nanas, los susurros de la madre le
proporcionarán un ambiente familiar donde se sentirá seguro y protegido. El
ritmo y la música forman, pues, parte de su vida como uno de los estímulos
más primarios de su consciencia.
Acostumbrado a trabajar con discapacitados, el doctor Tomatis creó también un
método llamado Renacimiento Sónico que consistía en reproducir sonidos
similares a los que escuchaba el feto durante su gestación. Para ello realizó
grabaciones de la voz de la madre y la desfiguró usando filtros para simular
cómo la oiría el feto dentro del líquido amniótico... El resultado fue una serie de
sonidos suaves, ecos lejanos, rumores que parecían surgir de la naturaleza,
fluidos y sonidos que trasladaban a quien los oía a un mundo de ensueño. Y es
que mediante estas grabaciones lograba recrear en los pacientes el ambiente
intrauterino que habían disfrutado antes de su nacimiento.
Actualmente esta terapia se está utilizando con buenos resultados en niños
autistas o con problemas de parálisis cerebral así como en otros que no tienen
problemas físicos para oír pero sin embargo son incapaces de hablar. Mediante
diferentes sesiones se va consiguiendo que el niño participe de experiencias
similares a las que vivió durante su permanencia en el vientre materno.
Después, en sucesivas semanas, se van eliminando los sonidos acuáticos
sustituyéndolos por los aéreos del mundo exterior. Con ello se intenta despertar
en los niños afectados por esos problemas el deseo de salir de sí mismos y de
comunicarse con el entorno.

LA IMPORTANCIA DE COMUNICARSE CON EL BEBÉ QUE VA A NACER

Los ginecólogos, pediatras y neonatólogos aconsejan que tanto el padre como
la madre se comuniquen con el feto, hablen con él, le lean cuentos, le cuenten
sus planes para cuando nazca, le canten y pongan música agradable en el
ambiente para que la escuche... incluso alguna dirigida y dedicada
expresamente a él. Todas esas cosas favorecen lo que se conoce como
"localización auditiva" que es la capacidad que tiene el bebé para distinguir los
sonidos una vez que ha nacido.
De hecho, muchos niños de edades tempranas recuerdan y reconocen
canciones, piezas de música clásica, nanas o melodías que escucharon
mientras estaban en el útero materno.
Asimismo, son aconsejables las lecturas de cuentos clásicos, sin imágenes que

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infundan miedo; por ejemplo, de El Principito.
Otra práctica interesante es inventar canciones con letras cariñosas y repetirlas
a menudo. Una vez que el bebé haya nacido, cuando escuche esas palabras o
esas melodías que su inconsciente tiene registradas las reconocerá y le
producirán los mismos efectos placenteros: tranquilidad y confianza. Además,
desarrollarán su capacidad de escucha y favorecerán su desarrollo neuronal.
Experimentos realizados en 1993 y publicados por la prestigiosa revista
Science daban pruebas fehacientes de ello: en la Universidad de Greensboro,
en Carolina del Norte, los doctores Tony DeCasper y Melanie Spence hicieron
que un grupo de embarazadas en sus tres últimos meses de gestación leyeran
en voz alta un cuento clásico. Luego, poco después del nacimiento, se hicieron
pruebas que demostraban que los bebés reconocían determinadas frases o
pasajes pues "respondían" ante la lectura de ese cuento y no ante la de otros
textos.
La Psicobiología admite que las emociones intensas que vive la madre, sean
de la índole que sean, generan cambios hormonales e impulsos neurológicos
que afectan al feto. Estos "nuevos" planteamientos eran ya, sin embargo,
defendidos por culturas tan tradicionales como la japonesa. En ese sentido, la
educación embrionaria o tai-kyo defendía la preparación de toda la familia para
recibir al recién nacido no sólo durante el parto sino también durante la
gestación. Y es que asumían que el feto era capaz de captar todo lo que le
sucedía no ya a la madre sino a toda la familia: padre, hermanos, abuelos¼
Así, las voces, las emociones, los sentimientos, los pensamientos de todos
ellos eran objeto de atención a fin de evitar aquellos que pudieran provocar
desarmonía o cualquier perturbación en el feto y procuraban favorecer la
armonía, la paz y el amor en el seno familiar.

¿QUÉ MÚSICA ES MÁS BENEFICIOSA?

Con el desarrollo tecnológico se ha podido comprobar lo que los investigadores
de la primera mitad del siglo apenas intuían. Así, hoy sabemos que los fetos
muestran claras preferencias por la música de Mozart y Vivaldi. Ante esta
música se estabiliza su ritmo respiratorio, se relajan, dejan de patalear y tienen
sensaciones placenteras. Mientras que la música tipo rock duro les causa
alteraciones que muestran como pataleo, inquietud, movimientos bruscos, etc.
La utilización de técnicas de Musicoterapia durante el embarazo, parto y primer
año de vida están pues dirigidas a prevenir alteraciones emocionales y de
conducta posteriores y a mejorar la comunicación entre la madre y el niño.
Y aunque un grupo de investigadores norteamericanos ha afirmado hace tan
sólo unas semanas que el estudio que han llevado a cabo sobre la música de
Mozart no ha dado los resultados que se suponía debía tener, lo cierto es que
el mismo ha sido criticado abiertamente por los expertos. Son muchos los que
entienden que ese fue el resultado porque es lo que buscaban quienes hicieron
el estudio. No hubo objetividad ni ecuanimidad en el mismo.

LA ESPECIAL MÚSICA DE MOZART

A lo largo de más de cincuenta años de investigación el Dr. Tomatis comenzó a
incorporar en sus sesiones música de Mozart. "Mozart -afirma- es muy buena
'madre'. He probado todo tipo de música pero las propiedades que he
encontrado en la de Mozart, sobre todo en los conciertos de violín, generan el
mayor efecto curativo en el cuerpo humano".

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Son notables los resultados obtenidos en niños prematuros, hasta el punto de
que en algunas unidades de neonatos el personal médico pone música de
Mozart o nanas. A pesar de su escaso peso, los bebés muestran signos de
mayor actividad, son capaces de sonreír y su respiración y ritmo cardiaco se
estabilizan llegando a reducir en una media de cinco días su estancia en el
hospital. Sin embargo, lo más curioso es que estos efectos se multiplican
cuando la música es filtrada para simular los sonidos intrauterinos.
En los últimos tiempos se ha publicado gran número de noticias sobre distintos
experimentos realizados en universidades norteamericanas sobre los efectos
de la música como potenciador de determinadas áreas cerebrales y, como
consecuencia de ello, de un mayor cociente intelectual. Son conocidos en ese
sentido, por ejemplo, los estudios realizados en el Centro de Neurobiología,
Aprendizaje y Memoria de Irvine, en la Universidad de California, donde un
equipo de investigadores comprobó los efectos de la música de Mozart sobre
los estudiantes cuando les sometieron a distintas pruebas de inteligencia
(razonamiento, inteligencia espacial, etc.). Los resultados apuntaban a una
mejor organización neuronal de la corteza cerebral potenciando las facultades
de creatividad y el razonamiento espacio-temporal del hemisferio derecho.
Desgraciadamente, el efecto de mayor inteligencia no duraba mucho -algo más
de 15 minutos- cuando terminaban las audiciones musicales.
En cuanto a experimentos realizados a preescolares los resultados fueron aún
más espectaculares. Las capacidades despertadas por los niños que fueron
estimulados con música de Mozart y Beethoven se mantuvieron durante todo
un día. Se logró una mayor respuesta psicomotriz, una ampliación de su
capacidad para realizar tareas espaciales y una mayor atención y rendimiento
en cualquier actividad. Algo que no sucedió con los otros dos grupos de control
que se habían establecido: uno de ellos fue estimulado con clases de
informática y otro con la dinámica habitual de la escuela.
Estos estudios han llevado a los investigadores a apuntar que la música de
Mozart puede tener efectos especiales y más duraderos que no suceden con
otros autores. Esa música parece imbricarse en los canales neuronales y calma
el ánimo, mejora la percepción espacial, favorece la expresión oral, ayuda a
comunicar la mente y el corazón (razón y emoción), estimula la capacidad
creativa y activa la motivación.

MÚSICA ESPIRITUAL:
Según el músico Don Campbell, "tal vez el secreto de la grandeza de la
música de Mozart está en que todos sus sonidos son muy puros y simples.
Mozart no teje un deslumbrante tapiz como el gran genio matemático Bach.
Tampoco levanta una marejada de emociones como el torturado Beethoven.
Su obra no tiene la desnuda llaneza del canto gregoriano, una oración tibetana
o un himno evangelista. No calma el cuerpo como un buen músico folk ni lo
incita a moverse frenético como una estrella del rock. Es al mismo tiempo
misteriosa y accesible y, por encima de todo, es transparente, sin artificio. Su
ingenio, encanto y simplicidad nos permite acceder a nuestra sabiduría interior
más profunda".
Probablemente, para entender el por qué de la fuerza de la música de Mozart
tendríamos que remontarnos a su concepción. Desde el principio estuvo
inmerso en un ambiente musical. Su padre era violinista y su madre hija de
músico por lo que ambos tuvieron un papel fundamental en la vida del genio. Y

16
no cabe duda de que las notas emitidas por el violín de su padre debieron
favorecer su desarrollo neurológico mientras la estimulación de su madre
durante el embarazo con serenatas y canciones conformaron un buen caldo de
cultivo para que desde muy temprana edad -intérprete excepcional desde los
cuatro años, compuso su primera obra a los seis- se desarrollaran sus
increíbles facultades creativas. Dicen sus biógrafos que era capaz de "oír" una
sinfonía antes de transcribirla al papel y que imaginaba una mientras escribía
otra. Además, mantuvo durante toda su vida un carácter infantil e ingenuo que
nos lleva a pensar en la existencia de una conexión directa entre inocencia y
creatividad.
Es más, probablemente esa faceta tan marcada de su personalidad sea la
clave para entender el efecto que su música ejerce sobre los seres humanos
en general y los niños en particular. Al fin y al cabo, los niños "saben" mejor
que nadie qué tipo de música es la más adecuada a su desarrollo integral y
Mozart parecía ser ese niño grande que gustaba de crear una música que
sintonizara con la más profunda manifestación de su alma infantil.

LA MÚSICA EN EL DESARROLLO INFANTIL

La iniciación musical empieza en la propia casa del niño. Los padres pueden
introducirle en los placeres del ritmo y los sonidos. A los bebés y niños en sus
primeros pasos les gusta mucho bailar y dar palmas. Los bebés se serenan si
se les canta o si le tararea canciones con suavidad.

Tengamos o no sentido musical, parece ser que hay en nosotros una especie
de instinto que encaja con la propia capacidad del bebé para responder a los
sonidos y a los movimientos. Es divertido investigar qué clase de música le
gustan a tu hijo. Escoge un momento en el que esté despierto, atento y
mirándote admirado. Selecciona distintos tipos de música, desde clásica hasta
rock, y observa sus reacciones. Al niño le agradará seguramente la música
suave y fluida con una melodía definida; sin embargo, a medida que se haga
mayor, seguramente preferirá canciones con altibajos, con un buen ritmo, bien
marcado. Te darás cuenta de que los diversos tipos de música le atraerán en
épocas diferentes.

En cuanto tu hijo sea capaz de fijarse y concentrarse en tu cara durante algo

más que unos pocos segundos, a partir de las seis a siete semanas, atrae su
atención entonándole canciones y ritmos; haz también la mímica. A los bebés y
a los niños que comienzan a caminar, hasta que tienen edad de ir al colegio,
les encanta. Prueba con las que te son familiares de tu infancia. A medida que

17
tu bebé crezca intentará cantar contigo. Se mostrará emocionado cuando repita
una o dos palabras y dé palmadas con sus manitos o se ponga de puntillas.

La educación musical temprana para el buen desarrollo del bebé

Deja que tu hijo note que puede formar parte de la música. Cuando le cantes o
él cante contigo, dale palmadas en las manos y enséñale cómo puede él
también dar palmas. No esperes que lo haga sin ayuda hasta que no haya
cumplido un año; e incluso entonces, pasará algún tiempo antes de que
consiga un sonido de palmas propiamente dicho. No importa. Al animarle, a
que se una a ti, le estás ayudando a comprender que la música es una fuente
de diversión

La educación musical temprana, es decir, en niños de 2 a 5 años, tiene como

objetivo el descubrimiento y desarrollo de las capacidades expresivas,
musicales, y psicomotoras del niño, que permitan posteriormente la elección de
un instrumento, según sus preferencias y aptitudes. La música para ellos debe
ser tratada como un juego de sonidos y expresiones corporales, a través de los
movimientos, la sensibilización motriz, visual y auditiva, y el contacto con las
fuentes musicales. De una forma general, se trabaja con:

- El desarrollo de la voz, su lenguaje y canto.

- El contacto con las fuentes sonoras a través de materiales diversos, objetos e
instrumentos.
- El reconocimiento y la representación cuanto a la duración, intensidad, altura,
timbre, etc., del sonido.
- El desarrollo de la percepción auditiva y del pensamiento musical.
- La utilización del movimiento como medio de expresión y sensibilización
motriz, visual y auditiva, para conocer el propio cuerpo, desarrollar el sentido
rítmico y fomentar las relaciones sociales.

La música está siendo introducida en la educación de los niños en edades

preescolares, debido a la importancia que representa en su desarrollo
intelectual, auditivo, sensorial, del habla, y motriz.
La música es un elemento fundamental en esta primera etapa del sistema
educativo. El niño empieza a expresarse de otra manera y es capaz de
integrarse activamente en la sociedad, porque la música le ayuda a lograr

18
autonomía en sus actividades habituales, asumir el cuidado de sí mismo y del
entorno, y a ampliar su mundo de relaciones. La música tiene el don de acercar
a las personas. El niño que vive en contacto con la música aprende a convivir
de mejor manera con otros niños, estableciendo una comunicación mas
harmoniosa. A esta edad la música les encanta. Les da seguridad emocional,
confianza, porque se sienten comprendidos al compartir canciones, e inseridos
en un clima de ayuda, colaboración y respeto mutuo.

Los beneficios de la música en los niños

La etapa de la alfabetización del niño se ve mas estimulada con la música. A
través de las canciones infantiles, en las que las sílabas son rimadas y
repetitivas, y acompañadas de gestos que se hacen al cantar, el niño mejora su
forma de hablar y de entender el significado de cada palabra. Y así, se
alfabetizará de una forma más rápida.

La música también es beneficiosa para el niño cuanto al poder de

concentración, además de mejorar su capacidad de aprendizaje en
matemática. La música es pura matemática. Además, facilita a los niños el
aprendizaje de otros idiomas, potenciando su memoria.

Con la música, la expresión corporal del niño se ve mas estimulada. Utilizan

nuevos recursos al adaptar su movimiento corporal a los ritmos de diferentes
obras, contribuyendo de esta forma a la potenciación del control rítmico de su
cuerpo. A través de la música, el niño puede mejorar su coordinación y
combinar una serie de conductas. Túmbale boca arriba y muéveselos para que
pueda bailar mientras que tú le cantas. Le puedes cargar y abrazar en tu
regazo entonando otros ritmos infantiles.

Primer año y segundo año de educación básica

Investigaciones indican que la música continúa teniendo una influencia

maravillosa en el desarrollo de lenguaje del preescolar, así como sus
habilidades motoras, de memoria y oído. Sally Rogers, profesor asistente de
psiquiatría en el Health Sciences Center de la Universidad de Colorado,
considera que dar a un preescolar la oportunidad de experimentar una amplia
variedad de actividades musicales puede mejorar su aprendizaje del lenguaje.

Conforme un niño aprende a aplaudir al ritmo de la música, o usa triángulos,

bloques y palitos para llevar los ritmos, o marcha de acuerdo a distintas
cadencias, se desarrolla su coordinación física, sincronización y pensamiento,
según la Dra. Carla Hannaford, autora de Smart Moves. "El movimiento es
parte indispensable del aprendizaje y el pensamiento", afirma Asi mismo,
adquiere habilidades para memorizar conforme aprende a cantar con variedad
de canciones con diferentes ritmos y armonías en una multitud de canciones y
varias piezas musicales.

19
La educación musical a temprana edad ofrece una forma agradable y efectiva
de preparar a un niño para el aprendizaje de las tareas escolares.

Experiencia musical

1.- Proporcionar todo tipo de instrumentos de ritmo que se los puede realizar
en clase y comprarlos, ya que estos tendrán mejor calidad.

2.- Es importante que en las reuniones con los padres de familia se haga
énfasis de la importancia que tiene la música. A todo padre le gusta la idea de
que su hijo desarrolle su intelecto, esto motivará a los padres para que brinden
a sus hijos experiencias con la música, al asistir a conciertos y otras
actividades culturales.

3.- Tener a disposición en la clase objetos como bufandas, tules de colores

serpentinas, plumas, etc. Para realizar expresión corporal con estos elementos,
ya que tienen mucho movimiento y color.

4.- Leerles historietas de grandes compositores y de instrumentos de

orquestas.

5.- Hacerles escuchar grabaciones de música mientras están haciendo una

tarea, especialmente marchas infantiles. Es necesario que el profesor o la
institución coleccione varias obras que son enfocadas al grupo infantil, ya sea
repertorio clásico, folklore, rondas, cuentos etc.

6.- Ya se ha dicho la importancia de la música en la vida del ser humano, pero

hay otros elementos que también colaboran al desarrollo. El aspecto visual es
tan importante como el auditivo. Por esta razón la música al fusionarla con
otras enseñanzas artísticas en el niño le hará elevar su potencial aún más.

El dibujo, la pintura, la literatura infantil, la danza les da libertad a expresarse

con un sentido más creativo y aprender a descubrir la belleza de su entorno, ya
que vivimos en un mundo bombardeado de imágenes y sonidos por esto es
necesario darle las pautas para asimilar el lado estético y sutil de estas. Esto
ellos lo asimilan desde pequeños y queda gravado para el resto de su vida.

7.- Los niños a esta edad siente la necesidad de crear, por la razón de tener
en su realidad ese mundo irreal que lo ven en sus mentes. Incentivarles a que
expresen los ritmos que quiera, los sonidos que sientan que salen de su alma.
Además que ayudará al profesor a descubrir más al alumno al ver que es lo
que quiere expresar.

Así de esta forma alternando colores con sonido aprender a poner colores a los
sonidos; texturas al timbre que produce el sonido, porque van a percibir el arte
como un todo.

El trabajo manual, es la forma en que ellos aprenden a realizar los primeros

signos musicales, como la clave en el pentagrama, las figuras musicales,
silencios. Hacer la manualidad ya es un recuerdo que lo tendrá en su hogar, lo
20
cuidará porque el lo hizo o se lo obsequió a un familiar o amigo. Esta
experiencia múltiple le hará apreciar la tarea de que tiene que aprender códigos
de la música para entenderla y que la clase de música no es solo cantar y
cantar sino crear.

Relajación para los niños

Vale la pena resaltar en este capítulo que los niños se estresan se sienten
agobiados por problemas en sus hogares.

Para los niños es ideal practicar la meditación por medio de visualizaciones, la

práctica de esto ayuda a la memoria y concentración y en su rendimiento
mental en general.

La técnica no es muy difícil, hay que hacer cerrar los ojos a los niños. La
visualización se puede hacer con imágenes mentales en base de colores o
situaciones agradables para los niños, todo el proceso de la meditación la
dirige el profesor.

La esencia de la meditación es tener en estado consiente situaciones,

imágenes y utilizar los sentidos de una manera imaginaria, las imágenes
siempre van a ser positivas para el comportamiento del niño.

Visualización con colores:

Color amarillo.- Visualizar imágenes amarillas, nos da alegría, dinamismo,

calidez, por ser el color del sol nuestra mente la asocia con luz, inspiración, por
lo tanto aporta para el desarrollo mental en forma directa.

Color azul.- ES el color del cielo, el aire y la iluminación de los mares, ríos.

Es un color tranquilo, da a la mente reposo pero a la vez imaginación,

creatividad. Lleva a la mente a estados de ensueño, por esta razón toda
meditación con colores no debe ser exagerada, siempre estamos necesitando
de la fuerza de varios colores pero con control.

Color rojo.- El rojo es el color del fuego y la sangre, es símbolo de esfuerzo y

actividad, simboliza coraje, heroísmo y elevación.

Podemos utilizar los colores derivados del rojo para hacer más calmado al
dolor, como ejemplo tenemos las gamas de rosados, fucsias, naranjas suaves
y pasteles.

El rojo en exageración incita a la violencia por esta razón es bueno visualizar

objetos con todas las gamas como rosas, atardeceres con estos colores etc.

Colores secundarios.-

Color verde.- Color de la naturaleza, color positivo, absorbe energía solar,

simboliza progresos en la vida, crecimiento y fe.
21
Color morado.- Expresa espiritualidad y bondad, es el color que manifiesta más
propiedades creativas.

Color naranja.- Este color da un impulso al visualizarlo, por su mezcla de

colores, expresa amor e iluminación.

¿Cómo actúa el concepto " sonido" en el color?

Se han realizado experiencias, que pueden aparentar ser subjetivas, en las que
se asignaron colores a los sonidos. Es en verdad, un idea muy notable y
curiosa, aunque insuficientemente documentada para poder establecer una
exacta correspondencia entre el elemento visual y el auditivo.

Los mismos instrumentos de la orquesta son como la paleta del músico; los
timbres instrumentales son sus matices, así como la armonía es su forma y las
masas sonoras sus volúmenes, y ya sabemos cuál es el poder expresivo de lo
melódico, las inflexiones lineales del sonido.

El hecho, tan frecuente, de que con las mismas palabras se designen

sensaciones sonoras y coloreadas, ya parece prueba suficiente de la verdad de
tan estrecha relación sensorial.

Segundo año a cuarto año de educación básica

Cuando los niños entran en preescolar, empiezan la tarea inicial de aprender a

leer. Antes y durante la etapa preescolar, su exposición a la música puede
ayudar y facilitar esta tarea.

Conforme los niños memorizan tonadas melodiosas de rimas infantiles, usan

instrumentos de ritmos y tocan juegos musicales, aprenden los patrones que
formulan los sonidos el ritmo y la combinación de sílabas que forman las
palabras.

Esta asociación de ritmos con rimas va creando al cerebro la facilidad de

decodificar los signos del lenguaje y el modo de emplearlos.

"Un niño que absorbe una y otra vez, a través del oído, no la vista, las partes
comunes de una palabra así como la melodía de su lenguaje estadísticamente
está destinado a aprender a la leer con mayor facilidad"

Factores claves del aprendizaje en esta etapa

Emplear canciones con ritmos fuertes

Leer poesía con ritmos y rima musical definida

Escuchar la combinación de sonidos y sílabas

Poner como meta de la semana memorizar una poesía con ritmos y melodías .

22
La música junto con la rima y el lenguaje son los elementos principales en esta
etapa de aprendizaje

El Dr. Hannaford considera que la forma natural de que los niños aprendan al
empezar en la escuela es a través de "la imagen, emoción y el movimiento
espontáneo" que se encuentran en estas sencillas actividades musicales.

Estas actividades tendrán una influencia importante en la actitud del niño hacia
la música sobre todo a valorar la buena música, en especial la clásica.

Llevar a los niños a actividades culturales, conciertos, teatro, etc. Ver y

escuchar en forma directa para los niños es importante ya que en esta etapa
necesitan imitar y tanto el padre como el maestro debe darle motivarle hacia
ejemplos positivos para mejorar el aprendizaje y la percepción de entorno en
forma artística.

Las clases audiovisuales ayudan al maestro a variar las clases, siempre se

debe buscar la diversidad para enseñar.

Motivarlos con películas de compositores o videos de orquestas infantiles, etc.

El hecho que el niño vea a otro involucrado en el arte y la música le da
seguridad a este a seguir por un aprendizaje hermoso y que le brinda
vivencias, porque aprenderá de cada paso.

Organizar espectáculos cada mes con toda la seriedad de una gran obra, en
esto el niño debe estar involucrado, el profesor debe evaluar al niño dentro de
su capacidad para determinado papel.

Los espectáculos pueden ser formando pequeños coros junto a una orquesta,
se puede involucrar el teatro con títeres y hasta malabares, los niños siempre
están dispuestos a hacer algo diferente en clase y si informamos y enseñamos
de esta forma verá a la música como su alegría en su vida.

Cada niño puede involucrarse en diferentes actividades, si rinde en el coro y en

los títeres, es bueno que experimente su potencial en todo lo que se pueda
desarrollar para la creación de estos eventos en la escuela.

Es muy importante felicitar a los niños en cada esfuerzo para que sigan
predispuestos a todo en la clase de música.

Quinto año a séptimo de educación básica

Las forma de desarrollar en esta etapa no varían mucho, lo importante ya es

pensar que los niños se deben involucrar y tener pensamiento en grupo,
coordinar sus ideas con otras, desenvolverse ante otras opciones y forma de
comportamiento del compañero.

En la edad de 9 años a 11 los niños o preadolescentes son muy variables y

evolutivos el interés por la opinión de su pandilla es muy notorio, entonces de
estos intereses nos vamos a valer para llegar a ellos con la música, que la
23
asimilen como parte de su desarrollo en grupo, como personas con opinión en
esta etapa de transición en la que sino se controla se pueden llegar a tener
problemas. Con la música el preadolescente sentirá que su evolución para
llegar a ser adulta no es tan complicada y que apreciar y hacer música con
diversión va a ser su tarea más cómoda y divertida.

Hacer crear a los chicos darles responsabilidades en ciertas actividades en la

clase de música los hará personas con un criterio extenso.

El encuentro con la música los tendrá en movimiento, ya que su

comportamiento es muy inquieto y encuentra muy difícil no hacer nada.

Los preadolescentes son muy fantasiosos se dejan llevar por las ilusiones, que
les ayudan a enfrentarse con sentimientos nuevos o difíciles de expresar. La
formación del pensamiento creativo en esta etapa debe ser explotado al
máximo para que ellos se descubran como personas talentosas capaces de
innovar y crear.

Actividades en la clase de música

El canon, es una forma musical de origen religioso, se repite indefinidamente y

las voces van entrando sucesivamente y siempre es a una voz.

Usar el canon va a despertar el interés hacia el canto en todos los chicos.

Quizá unos niños tenga más aptitud hacia el canto y otros no mucho, lo
importante es que cada niño se expresa por medio del canto, que utilice su
cuerpo para expresar, su instrumento vocal.

Cuando el chico ya decodifica los signos musicales comprenderá mejor la

música, él debe comprender que la música no es solo cantar sino crear,
interpretar y conocer las técnicas adecuadas para determinada actividad
musical.

El chico debe ya sentir el pulso, el ritmo, los acentos, las frases, es decir el
dialogo que comprende una pieza musical por más sencilla que ésta sea.

Los ejercicios vocales y de respiración ayudan a controlar su pensamiento en

general, y QUE SE DAN CUENTA DE QUE PUEDEN DIRIGIR SU
RESPIRACIÓN.

El uso del silencio, ejercicios en que el niño se queda en silencio para apreciar
los sonidos escondidos en la bulla, en la atmósfera ruidosa de una urbe. La
actividad en sí les enseñará a escuchar, si aprecian diferentes sonidos y ruidos,
los diferencian y clasifican, será más fácil apreciar la belleza musical de cada
sonido y silencio en el repertorio clásico, folklórico etc.

24
Llevar en el grado una musicoteca es una buena idea para que los chicos se
motiven a tener música y que luego ellos en sus casas tengan su musicoteca y
que lleguen a tener un perfil crítico de buena música.

La música proporciona un a experiencia de aprendizaje con significado a lo

largo de la vida, ayuda a los niños a ser más perceptivos al mundo y a las
personas que les rodea, tendrá u a influencia profunda en lo que el decida
hacer, así no sea dedicarse a ésta.

La filosofía de Dalcroze, en la que el cuerpo es el medio de expresión y se lo

entrena como un instrumento, se requiere atención, concentración y memoria .

Cuando un niño escucha música, mueve su cuerpo en sincronización con los

ritmos. Fusionando los sentidos de la vista, olfato, sentido y el movimiento con
la música, disfruta una experiencia musical absoluta.

Desarrollar el pensamiento creativo, la imaginación y la inventiva

Nada se compara con la mete humana cuando se trata de pensar, crear,

imaginar y soñar e inventar, conforme crecemos nuestros sueños se van
definiendo cada vez mejor y están mejor planeados. Fue la imaginación la que
mostró al joven Albert Einstein cómo medir la distancia que un objeto recorre
en el espacio a la velocidad de la luz. El mundo de la luz la energía y las
comunicaciones constituía los pensamientos inventivos de Thomas Edison.
Thomas Jefferson siguió sus propios pensamientos creativos e innovadores
cuando escribió la constitución de los Estados unidos (como coincidencia los
tres fueron músicos). Era la imaginación de Miguel Ángel la que veía una
estatua en cada bloque de mármol que encontraba, y Leonardo da Vinci, uno
de los hombres más creativos que ha existido, tuvo sueños que nunca antes se
había conocido en la ciencia. La música, el arte, las matemáticas y la
ingeniería. Fue el representante del espíritu del renacimiento de curiosidad
intelectual y creatividad.

Todo gran logro es primero y durante un tiempo sólo un sueño y una parte de la
imaginación creativa de una persona. La historia del escultor Gutzon Borglum,
que trabajaba en la cabeza de Abraham Lincoln, es un ejemplo excelente. Una
mujer que hacía la limpieza barrían las piezas que no servían, estaba
sorprendida de cómo la cabeza surgía de la piedra con el trabajo del escultor,
hasta que el trabajo quedó terminado. Ya no pudo contener su sorpresa y dijo
"señor Borglum, Cómo supo que Lincoln estaba en esa piedra?"

Cuando pensamos que alguien es creativo pensamos que es una persona con
talento para el arte. Pablo Picasso dijo: "cada niño es un artista. El reto
consiste en seguir siendo artista" .

Al niño hay que nutrirlo y esto se hace con la enseñanza musical, como se ha
dicho el cerebro es un músculo que se desarrolla con la exposición de
experiencias agradables de aprendizaje.

25
El proceso mental de aprender música utiliza las partes del cerebro en una
forma interactiva, amplían sus pensamientos de originalidad independencia ,
flexibilidad y curiosidad conforme interpretan, analizan y estudian a la música
en formas nuevas e interesantes.

En 1972 Joseph Haydn empleó una forma innovadora de convencer a su jefe,

el pricipe Nicolás, de que el y los demás músicos de la corte necesitaban unas
vacaciones, Haydn compuso una pieza que transmitía éste mensaje, y la llamó
la sinfonía de los Adioses. Durante la interpretación los músicos dejan de tocar
uno por uno y salen de la habitación con el instrumento musical bajo del brazo
el príncipe entendió el mensaje y les dio vacaciones.

Formación de la confianza

La confianza se deriva de la creencia interna en uno mismo y en las propias

habilidades. Un niño que confía en sus habilidades demuestra optimismo y no
se deja vencer de los desafíos ni los problemas.

Cuando un niño domina la compleja tarea de aprender un instrumento musical

o a cantar en grupo coral su confianza aumenta que proviene de una
satisfacción en cada recital o presentación.

Un niño no puede tener habilidades en todas las áreas, pero necesita la

oportunidad de descubrir la unicidad sobre la cual basar su confianza.

Nada supera al sentimiento que experimentas cuando se ha practicado una

sesión difícil y luego se toca con tanta satisfacción. La clase de música ser` una
base para el desempeño del alumno en las otras asignaturas, entonces los
maestros de música debe llevar esa responsabilidad y orgullo de que se está
aportando no sólo en la enseñanza sino en la forma de vivir que tomará el
chico gracias a sus experiencias musicales.

Igor Stravinski era un compositor que confiaba en sí mismo, dispuesto a

desafiar las tradiciones de la composición musical al introducir una dirección
totalmente nueva en la música. Las acciones de Sravinshki demuestran que la
gente que tiene confianza en sí misma tienen el valor de "golpear la vaca
sagrada" de la tradición utilizando sus talentos de maneras innovadoras y
elevando así el nivel de la expresión creativa a alturas nuevas.

La música no es sólo el desarrollo de la coordinación ojo- mano ni el

reconocimiento de símbolos, sino también la interpretación, el pensamiento y la
solución de los problemas. El desarrollo de estas habilidades mientras son
jóvenes les proporciona las herramientas que necesitan para el futuro.

La música y otras artes producen pensadores críticos, gente que toma

decisiones.

Los científicos en el Salk Institute of Bilogical Studies de la Jolla. California,

descubrieron que el ejercicio mental intenso puede fomentar el crecimiento de
nuevas células cerebrales durante toda la vida. Los desafíos mentales que
26
requieren de relaciones espaciales y de tiempo que son necesarias en el
aprendizaje de un instrumento musical tienen mayor efecto en el desarrollo de
nuevas células cerebrales.

El estudio de un instrumento musical (que ejercita las partes laterales, anterior

y posterior del cerebro) actúa como un poderoso estímulo para el crecimiento
de las dendritas. Es importante que los niños superen por sí mismos los
problemas y las dificultades, de otro modo su aprendizaje sería deficiente.

Experiencias musicales de séptimo a décimo año de educación Básica

En esta etapa el preadolescente y adolescente se juegan muchos aspectos por

su comportamiento y forma de ver la vida. El adolescente busca su propia
identidad el necesita saber quien es y a donde va, la actitud del maestro debe
ser un poco como la de los padres, aceptar el comportamiento reverles sin
demasiada tolerancia, ni demasiados castigos.

El profesor de música debe llegar a ser su aliado en sus pensamientos

positivos y guía para esos pensamientos negativos, con la forma de que el
profesor llegue al grupo y cada uno de los alumnos les aporta a los chicos las
herramientas para seguir su identidad con inteligencia y buenos hábitos.

Hay que recalcar la importancia de la confianza y el valorarse a sí mismo, ya

que en esta etapa el ya comprende de la inmensidad de criterios que hay en el
mundo, criterios de personas adultas y niños y que ellos están en ese trance,
entonces. Esa persona adulta que es su profesor le brindará el apoyo e invitará
al chico a descubrir todo lo que encierra la música, hacerla sentirla y apreciarla.

La autodisciplina es una cualidad que se la adapta a la vida con la educación

musical y aprendiendo un instrumento, tener experiencias en grupo y aplicar la
música fusionándola con otras tendencias artísticas.

Hay que aprovechar que en la actualidad el arte se enfoca más con la libertad
de crear, es decir cualquier idea excelente la pueden elaborar los chicos
mismos.

La actividades tiene que hacerse con más entrega, con objetivos más grandes
a nivel del colegio y fuera, para darle a los chicos más responsabilidad. Crear
presentaciones para actividades importantes de la institución, ya que cuando
tienen estos objetivos ellos se sienten más importantes, ya que a esta edad
buscan sobresalir, tener una identidad y modelos de identidad para aferrarse a
ello

Las actividades fuera del aula son positivas, como asistir a los conciertos de
música de cámara o de orquestas sinfónicas, el maestro debe incentivar a los
padres.

Formar grupos de distintos géneros, contando con el criterio de lo que ellos

deseen hacer musicalmente.

27
Ver videos de repertorio clásico y contemporáneo, no sería bueno enfrascarse
sólo en la música clásica, sino en todos los géneros.

Lo importante es que ellos reaccionen que si nadie se motivara por la música, a

tocar un instrumento, a crear, no hubiera existido tantos géneros musicales e
inclusive no existiera quien tocara la música pop, rap. Rock etc..

Explicarles que en la actualidad otras sociedades surgen por el aprendizaje del

arte que luego se refleja en forma general en la sociedad. El diálogo entre
maestro y alumno es importante en esta edad con los chicos, esto hará que el
alumno manifieste todas sus dudas y deseos respecto a la materia.

LA MÚSICA EN LA ESCUELA

¿Por qué la música es importante? ¿Por qué todos los niños deben estudiar
música en la escuela? Prácticamente todos los que han aportado una
significativa contribución al pensamiento educativo desde Platón, han
coincidido en que la música debe ser parte integral de la educación básica de
cada niño. Pero entonces, ¿por qué todavía tratamos de contestar estas
preguntas? Porque algunas personas ven a la música no como una materia
para ser estudiada con seriedad, sino meramente como una forma de
entretenimiento. Otros creen que la música puede ser aprendida bastante bien
fuera del ámbito escolar. Otros, inclusive, si bien pueden reconocer el valor que
hay en la música, simplemente no la consideran de máxima prioridad.

Los educadores generalmente concuerdan en que hay cinco campos básicos

de estudio: matemáticas, lenguaje y literatura, ciencias físicas, estudios
sociales y las artes. Nadie que no tenga un conocimiento razonable de estos
cinco campos, puede afirmar que posee educación. Cada persona debería
tener la habilidad para ejecutar, para crear y escuchar música con
discernimiento. Para alcanzar esa meta, cada estudiante debe tener acceso en
la escuela a un programa destinado al estudio de la música amplio, equilibrado
y secuenciado.

Recientes investigaciones han sugerido que la enseñanza de la música puede

ejercer en los pequeños un efecto positivo sobre el funcionamiento del cerebro,
y que puede ofrecer otros beneficios educacionales y evolutivos de un alcance
mucho mayor aún. Estos resultados merecen nuestra atención, pero la razón
básica más importante para encarar el estudio de la música es que la música,
intrínsecamente, es digna de atención. Vale por sí misma. Es importante.

28
No obstante, no todo lo que es valioso e importante puede ser incluido en el
currículo escolar. ¿Por qué, entonces, incluir la música? Por muchas razones.
He aquí solo algunas:

1. Uno de los propósitos educativos más importantes y generalmente aceptado

ha sido siempre el de poder transmitir la herencia cultural de un grupo a las
subsiguientes generaciones. Y es justamente la música una de las más
poderosas, de las más precisas, y de las más gloriosas manifestaciones de
cada patrimonio cultural.

El rol fundamental y penetrante que la música juega en el negocio del

entretenimiento, a veces enceguece a las personas y no les permite ver ese
otro rol tanto más fundamental y penetrante que juega la música en toda la
cultura humana. Como consecuencia de la posición central que la música
ocupa entre las conductas esenciales del ser humano, cualquier alumno al que
se le permite dejar la escuela sin haber estudiado música, habrá sido engañado
tal como si se le hubiera permitido dejar la escuela sin haber estudiado
matemáticas o ciencia.

2. Otro propósito de la educación, es ayudar a los estudiantes a alcanzar su

potencial. El potencial musical es una de las habilidades básicas presente en
cada persona. La mejor manera de desarrollarlo es permitiendo que el estudio
comience a una edad temprana y continúe durante la adolescencia. Cada
individuo cuyo potencial musical no ha sido desarrollado, lo cual sucede con
demasiada frecuencia, se ve privado de una de las experiencias más
satisfactorias que la vida tiene para ofrecer. Las escuelas deben ofrecer a los
estudiantes oportunidades para que pongan a prueba los límites de sus
potencialidades en la mayor cantidad posible de ámbitos del esfuerzo humano.
Cuantas más oportunidades tengan a su disposición, mayores probabilidades
habrá de que la vida de los estudiantes sea lo más completa y rica posible.

3. Todos los días estamos rodeados de música. Si revolcarnos

indiscriminadamente en la superficialidad y banalidad de la cultura popular nos
da satisfacción, no habría, entonces, necesidad de estudiar música. Pero justo
por debajo de la capa superficial de la música trivial, a la cual estamos
involuntariamente expuestos día a día, existe un reino maravilloso e
increíblemente variado de música profunda y cautivante; pero una vez
desmanteladas las barreras del desconocimiento y de los prejuicios, la
exquisita belleza y el placer son de fácil acceso para todos. El estudio formal de
la música puede abrir la cerradura de esta puerta. Puede acrecentar la
satisfacción que los estudiantes obtienen de la música, permitiéndoles
comprender y disfrutar de la música más sofisticada y compleja. Cualquiera
puede “disfrutar” la música a un nivel rudimentario, pero el estudio secuencial
puede afinar la percepción de los estudiantes, elevar su nivel de apreciación, y
expandir sus horizontes musicales.

29
4. Una de las cosas que implícitamente se enseña en las escuelas, es que para
cada pregunta hay una respuesta correcta. Pero fuera de la escuela, raramente
existan respuestas bien definidas para los problemas más importantes con los
que la sociedad debe enfrentarse. Estos problemas no se prestan al formulismo
de soluciones graduales como aquellas que nos enseñan a aplicar en la
escuela. La música se diferencia de las otras disciplinas básicas en cuanto a
que no refleja una preocupación por respuestas correctas. Puede tolerar y
acomodar las ambigüedades con las que la vida está llena. Nos enseña a
manejarnos con la subjetividad. En este sentido, la música, más que otras
disciplinas, es la que más se parece a la vida misma. La música aporta un
balance al currículo que puede ayudar a compensar lo que, de otra manera, en
el mundo real, podría ser una visión distorsionada de resolución de problemas.

5. Cada estudiante debe tener una oportunidad para destacarse en algo. La

música en la escuela puede prevenir deserciones al ofrecer oportunidades para
que, algunos estudiantes con dificultades en otras disciplinas del currículo
puedan ser exitosos. Para algunos estudiantes, la música puede hacer que la
escuela les resulte más tolerable. La mayoría de los maestros de música han
conocido alumnos que permanecieron en la escuela únicamente por la alegría
y satisfacción que recibieron participando en la actividad musical. Sólo en la
clase de música se apreciaron sus talentos, se respetaron sus contribuciones, y
se valoraron sus logros.

6. Pero lo más importante de todo es que la música exalta el espíritu humano e

intensifica la calidad de vida. Muchas veces, en discusiones relacionadas con
el valor del estudio de la música, se ha enfatizado muy poco, o se ha
descuidado totalmente la vasta y singular habilidad que posee la música para
mejorar la calidad de vida. La música transforma la experiencia humana. Trae
alegría y placer a hombres, mujeres y niños en cada sociedad y en cada
cultura. Nos trae consuelo en nuestras actividades cotidianas, y es un atributo
indispensable, tanto para nuestra felicidad como para nuestras ocasiones más
solemnes. Representa uno de los instintos más básicos de los seres humanos.
Es por ello que la música ha jugado un rol tan importante en toda civilización
conocida; y es por ello mismo que lo seguirá haciendo allá lejos en el futuro en
tanto y cuanto cualquiera pueda percibirlo. La única pregunta es, si queremos
limitar el acceso al conocimiento y a las destrezas musicales a una reducida
elite, o si queremos que estas estén disponibles para que todos puedan
apreciarlas y disfrutarlas. Espero que la respuesta sea más que obvia.

Estoy cansado de las excusas que ofrecen los administradores de las escuelas
cuando tratan de explicar por qué sus escuelas no pueden ofrecer buenos
programas de música. Pero la excusa que más me cansa es la del reclamo de
que no hay suficiente tiempo para la música durante el día escolar. Esto es un
disparate. La falta de tiempo es un problema totalmente infundado. Es un tema
infundado.

30
La falta de tiempo está enmascarando, en realidad, la falta de voluntad. Existen
excelentes escuelas a nuestro alrededor que no tienen problema alguno en
encontrar tiempo para la música y pueden servir de modelo. Si en la escuela A
el tiempo no es un problema, ¿por qué habría de serlo en la escuela B? De
todos los recursos necesarios para manejar una escuela, el tiempo es el único
recurso distribuido con absoluta equidad en cada escuela de cada lugar.

Otro reclamo frecuente es que el horario no permite incluir la enseñanza de la

música, lo cual también es absurdo. En definitiva, ¿quién dirige nuestras
escuelas? ¿El horario o los educadores? ¿Cuál es nuestra mayor prioridad, el
horario o los estudiantes? ¿Debemos comenzar con un horario arbitrario, y
luego tratar de acomodar las experiencias educativas siempre y cuando
podamos? ¿O deberíamos comenzar por identificar qué es lo que queremos
que los niños aprendan y sean capaces de hacer, para recién entonces pensar
en cómo lograrlo? Repito, por todos lados hay buenas escuelas que no tienen
problema en incluir música en sus horarios. Sólo nos basta con mirar a nuestro
alrededor.

Cuando se pidió a adultos y a estudiantes que citaran sus experiencias

escolares más memorables, un número extraordinario de ellos citaron sus
experiencias musicales. Describieron, de manera inconfundible, el escalofrío
electrizante que corre por la columna vertebral durante una ejecución
exquisitamente emocional; la extraordinaria camaradería que se genera con
otros estudiantes en una ensamble; la amistad y el consejo de un maestro de
música en particular; la acariciada oportunidad de ejecutar un solo, o el
magnífico sentimiento de logro que uno experimenta luego de superar
intimidantes desafíos, para poder alcanzar un meta musical fervientemente
buscada. La educación consiste en todo aquello que nos queda, tras olvidarnos
de las cosas que aprendimos en la escuela. A menudo, son las experiencias
musicales atesoradas las que configuran los eventos más inolvidables de
nuestros años escolares, y al mismo tiempo, sientan las bases para un
permanente fluir de experiencias placenteras a lo largo de la vida. La música
marca una diferencia en la vida de las personas.

Quizá, hoy en día en las escuelas, la mayor amenaza para los programas de
música proviene de los directivos y de quienes toman las decisiones, ya que,
es posible que estas personas, cuando fueron a la escuela, no hayan
experimentado programas de música desafiantes y gratificadores. No se dan
cuenta de lo que un buen programa de música puede hacer por el niño, por la
escuela y por la comunidad. Sin embargo, sería terriblemente perjudicial, tanto
para la sociedad como para los individuos involucrados, privar a otra
generación de líderes de la educación y de la política de la enorme satisfacción
y alegría proveniente de participar en un programa de música de primera
calidad.

31
Los maestros de música nunca intentaron involucrarse para promover una
causa, y sin embargo tienen que hacerlo. Nuestros aliados más poderosos son
los padres de nuestros alumnos quienes están bien posicionados para ejercer
una presión efectiva sobre los dirigentes que ellos mismos votaron. Por otra
parte, debemos movilizar, a todo nivel, a nuestros aliados naturales, para que
apoyen un sólido programa de música en la escuela. Estos aliados naturales
incluye a educadores, artistas aficionados y profesionales, profesores
universitarios, políticos simpatizantes y graduados de nuestros programas,
como así también a cada grupo y a cada individuo que se considere a sí mismo
un defensor de las artes.

En estos últimos años, y en muchos lugares, se ha deformado peligrosamente

el énfasis tradicionalmente puesto en los valores humanísticos de la educación,
ya que dicho énfasis se ha ido desplazando hacia objetivos a más corto plazo y
estrechamente mecánicos. Muy frecuentemente, las escuelas han descuidado
importantes metas a largo plazo, buscando alcanzar las metas en boga y a
corto plazo. El propósito central de la educación no es, por ejemplo, ayudar al
estudiante a conseguir un trabajo. Una persona con una amplia educación va a
encontrar un trabajo, pero un enfoque limitado sobre la capacitación laboral
ignora las reales necesidades que los empleadores más desean: la habilidad
para pensar con claridad y la habilidad para comunicarse eficientemente. Los
empleadores quieren trabajadores familiarizados con los cinco campos básicos
de estudio, ya que ellos mismos prefieren aportar el entrenamiento específico
de su trabajo. Y las destrezas personales que más evalúan los empleadores –
creatividad, flexibilidad, disciplina, y la habilidad para trabajar en colaboración
con otros – son todas destrezas que se enfatizan en la música.

Tampoco es propósito de la educación preparar a los estudiantes para la

elaboración y el marketing de los productos del consumidor. La gente joven no
debe ser tratada meramente como peones en el gigantesco tablero de ajedrez
de la competencia económica internacional. Y por cierto que tampoco es el
propósito de la educación preparar estudiantes para aprobar exámenes
estandarizados. El mayor y verdadero propósito de la educación es la
búsqueda de la verdad y de la belleza, del desarrollo de las capacidades
humanas, y del mejoramiento de la calidad de vida. Nada mejor que la música
para contribuir con este propósito. Es una falta de previsión y un engaño
enfatizar que a los estudiantes se los prepara para hacerlos merecedores de
una vida mejor a expensas de prepararlos para que vivan una vida mejor.

La posteridad no juzga a una nación por la fuerza de su ejército, ni por el

superávit o déficit de sus negocios, ni por los resultados que sus estudiantes
obtienen en los tests estandarizados, sino principalmente por su contribución a
las artes y a las humanidades. Esto ha sido así a lo largo de la historia, y se ha
vuelto tanto más real, a medida que expandimos nuestro potencial para hacer
que nuestro hermoso planeta se torne cada vez más inhabitable a causa de la

32
polución y la guerra. Cuando el tiempo barre con todo, lo único que queda de
una civilización, son las obras artísticas y humanísticas.

Música es vitamina M. La música es la pepita de chocolate en la galletita de la

vida. Hay magia alrededor de la música. Nos permite expresar nuestros más
nobles pensamientos y sentimientos. Compromete a nuestra imaginación. Nos
proporciona oportunidades inigualables para afirmar nuestra unicidad. Estas
son funciones particularmente importantes en un mundo cada vez más
dominado por la tecnología electrónica. La música no es simplemente un
ornamento de la vida; es la manifestación básica del ser humano. Si insistimos
para que cada estudiante tenga acceso en la escuela a un programa de música
comprensivo, balanceado y secuenciado, es porque, simplemente, aspiramos a
proporcionar a los alumnos de todas las escuelas las oportunidades que al
presente reciben los alumnos en las mejores escuelas. No es nada menos que
esto es lo que necesita una sociedad democrática para consolidarse.

Traducción: Dina Grätzer

La educación musical

La música se aprende: Se afirma desde el comienzo que no existen defectos

genéticos o de la personalidad tales como "no saber cantar", "no tener oído" o
"ser desafinado". Estas es, simplemente, falta de habilidades.

Sería contrario a la lógica negar la posibilidad de aprendizaje y al mismo tiempo

educar. Pueden no encontrarse los métodos adecuados, pero este es el
desafío de la pedagogía. Aún siguen existiendo instituciones educativas que
"evalúan" las aptitudes musicales de los aspirantes a alumnos. Pero un
profesor debe tener mentalidad abierta; no debe descreer de su propio trabajo.
Además ¿quién puede creerse con derecho a dictaminar si alguien es apto o
inepto para alcanzar determinada meta?

La Educación Musical al alcance de todos: Aquí se presenta el principio que

es la base de la existencia de la Educación Musical. Sería impensable hablar
de Educación Musical sin entenderla como posible para cualquier ser humano.

La Educación Musical, como parte de la Educación general, debe ser un

instrumento que contribuya a la evolución cultural, al desarrollo integral de las
personas. Para ello debe estar al alcance de todos. En este capítulo hay
reflexiones acerca de los siguientes temas: Libertad y Creatividad, Qué es la
Cultura Musical, Necesidad de Educación Musical, el Educador Musical como

33
transmisor de cultura, y los profundos cambios en la historia de la música
durante el pasado siglo XX.

Se afirma que no siempre se tiene en claro que la música es objeto de estudio

profesional, lo cual deriva en situaciones injustas. También hay una
consideración acerca de la ética del ejercicio profesional del músico.

Los distintos niveles de Educación Musical: Se deben distinguir cuatro

niveles de educación musical, según los requerimientos de los destinatarios: 1)
Educación Musical en la Educación General; 2) Educación Musical especial; 3)
Educación Musical en contextos interdisciplinarios; 4) Formación de los
músicos profesionales. Cuando no se realiza claramente esta distinción se
puede caer en planteos pedagógicos absurdos.

Los músicos amateur: No deben confundirse los músicos amateur con los
profesionales. Tener difusión no es igual a ser profesional; saber tocar música
de un estilo no es ser profesional; participar de una banda que toca en un bar
no es ser profesional; recibir aplausos no es signo de calidad profesional. La
profesionalidad está dada por la profundidad e integración de los estudios
realizados, por la calidad de la producción y por la dedicación.

Aprendizajes ocultos: Se estudia aquí la forma en que adquieren

conocimientos y habilidades musicales aquellas personas que se autocalifican
como "músicos intuitivos".

El principio del proceso de aprendizaje

Dedicado a la descripción del mecanismo básico de apropiación de las

habilidades musicales, a partir de ciclos de audición y ejecución. También se
aclara que lo que comúnmente se llama "tener oído" no es más que un grado
de discriminación auditiva, y por lo tanto todos lo poseemos. Se entiende que
los conocimientos se adquieren por intermedio de la percepción, integración y
reacción producidas en nuestro sistema nervioso. El aprendizaje puede ser
detenido por un condicionamiento cultural, por una enseñanza musical negativa
o por falta de estímulos. Muchos niños son cruelmente descalificados por los
adultos con frases como "no cantes, vos cantás mal", lo cual crea inhibiciones y
detiene el proceso de aprendizaje. Las habilidades musicales se adquieren
practicando, las destrezas en la ejecución vocal o instrumental se ejercitan. La
improvisación es una importante herramienta para el aprendizaje. Finalmente
se define qué es la imaginación musical, la imaginación musical creadora, y se
explica cómo componer música está más al alcance de todos de lo que
habitualmente se supone.

La Educación artística real

Se afirma que no es posible basar un plan o una asignatura exclusivamente en

ejercicios, aunque estos sean necesarios: las obras musicales deben estar
presentes. Las obras didácticas sirven sólo si son obras de arte, y no meros
34
ejercicios disfrazados. Además, las obras de cualquier estilo son accesibles a
todas las personas de alguna manera. También se aclaran temas acerca de los
objetivos y contenidos de la música, especialmente para el nivel de la
educación musical en el marco de la educación general.

Educación Musical integral

La Educación Musical no es una parte meramente complementaria o auxiliar de

la educación general: sin Educación Musical la educación resulta incompleta,
deficiente. Saber música es un saber profesional, con múltiples conocimientos,
habilidades e información de diferentes tipos. Se debe conocer la música en
sus diferentes aspectos. La Educación Musical incluye a la Educación Sonora.
Este capítulo tiene amplios párrafos dedicados a este tema. También se
establece la necesaria relación entre expresión y técnica.

La Educación Musical en la Educación General

Este es uno de los capítulos más largos del libro. Aquí se analiza al área de la
música inserta en el sistema educativo, desde los jardines maternales hasta
escuelas primarias: la condición de los docentes de música, los diseños
curriculares que suelen estar condicionados por modas e intereses, las
características de la educación musical para diferentes edades, la escuela
como construcción de cultura, la apreciación de la música, las condiciones de
las aulas y la calidad de los instrumentos. También se estudian las funciones
de la ejecución rítmica, el uso que se pretende dar a la flauta dulce, el
desarrollo de la técnica vocal y la elección de un repertorio de canciones. Hay
enfáticos parrafos acerca de la necesidad del canto individual, y lo que
constituye la peor educación musical: la discriminación que se realiza en la
formación de los coros escolares, como si estos debieran ser la imágen de la
perfección. Además hay una lista con las causas de indisciplina en las clases
de música de las escuelas primarias.

En todos los casos analizados se presentan soluciones.

La importancia de la Educación Musical

La Educación Musical es esencial en la formación del

individuo por varios motivos.

Ya en la primera infancia, el sonido es juego y

necesidad de expresión, dándose con el balbuceo, la
risa, e incluso, el llanto. De la misma manera, el
movimiento constituye el ritmo, y así adquirimos, en
los primeros años de vida, las dimensiones
fundamentales de la música: sonido y ritmo.

35
Esta disciplina puede profundizarse en los años escolares, desde una
dimensión natural y percibida como un proceso sensible y cultural.

La escuela es uno de los lugares más indicados para potenciar el desarrollo de

la sensibilidad musical que posee cada individuo, ya sea para cubrir intereses
personales, o bien para ser enfocada hacia una perspectiva profesional.

La forma de disfrutar la música debe ser subjetiva, pero, a la vez, debe estar
orientada de modo que la formación que reciba el alumnado sea la correcta.

Educación Musical aplicada a las áreas de Inicial

y Primaria.

Daniel Brailovsky

Esta colaboración tiene el propósito de compartir con maestras/os de Nivel Inicial las
posibilidades de la música como recurso didáctico y con maestras/os de música, las
posibilidades de interrelación y articulación con las demás áreas que he desarrollado y
aplicado.

Conceptos y criterios:

Al abordar la enseñanza de la música en el Nivel Inicial y primaria, es preciso

establecer en una primera instancia cuáles son los elementos que están en
juego, desde una perspectiva ecológica, en la situación áulica.

Nuestra "materia prima" para desarrollar en los niños/as los saberes, destrezas
y actitudes respecto a la música, es el sonido. Abordémoslo, pues, con una
mirada analítica.

En todo fenómeno sonoro se pueden discernir distintos elementos. La altura del

sonido es la propiedad del mismo que permite reconocerlo como más grave o
más agudo. Su intensidad, es la cualidad que permite percibirlo como más
fuerte o más débil. Su duración, el período de tiempo comprendido entre el
momento en que el sonido comienza a percibirse, hasta su extinción, abrupta o
gradual. El timbre del sonido es aquella propiedad que nos permite distinguir la
fuente de la cuál proviene, aunque esto no alcanza para definirlo. Para no
abordar un análisis de los "armónicos superiores", que excede los propósitos
de éste texto, diremos que existen sonidos con diferentes grados de

36
"rugosidad", de diferentes texturas sonoras, y que son éstos atributos que se
definen genéricamente como timbre.

Estas propiedades del sonido, que no son de por sí un contenido de

enseñanza, sino un conocimiento orientador para el docente que ayudan a
organizar las actividades y experiencias episódicas y continuas, son percibidas
por los niños de maneras distintas y muy variadas. El primer paso para abordar
un plan de acción didáctica será, entonces, la tarea de investigación por parte
del docente de qué tipo de percepción tienen los niños/as del sonido,
percepciones éstas que ellos darán a conocer a través de sus
representaciones. Así, nos interesará saber qué atributos del sonido interpretan
los niños en función del carácter 2 , qué capacidad tienen para percibir las
alturas y representar tal percepción, en qué medida reconocen distintas fuentes
sonoras, etc.

Para lograr éste propósito es decir, dilucidar las características de la

percepción en los niños/as- se podrá echar mano a los más variados recursos:
la representación gráfica de sonidos, el intercambio oral, la pura observación
del docente, etc. A través de éste enfoque, descubriremos que las experiencias
previas de los niños como oyentes y productores de sonidos, serán el punto de
partida de nuestra acción. Sólo en la medida en que éste factor sea tenido en
cuenta el aprendizaje de los niños será significativo y adquirirá un carácter
funcional3 .Vayamos a algunas implicancias prácticas:

Si se propone a los niños la audición de un pasaje musical, por ejemplo, de una

orquesta, no lo haremos sin antes, o paralelamente, determinar ciertas
características de la percepción que los niños tienen de lo que es una orquesta
y de los elementos musicales que hay en juego. Buscaremos indicios de su
percepción de la densidad (cantidad de voces o instrumentos sonando en
forma simultánea), qué capacidad de discriminar los distintos timbres, alturas,
planos sonoros y fraseo. Trabajaremos entonces en forma individual éstos
elementos, proponiendo, por ejemplo, actividades de éste tipo:

• Escuchar varias veces un pasaje y determinar una característica

morfológica, como por ejemplo una "pregunta" (antecedente) seguida de
una "respuesta" (consecuente). Andamiar entonces la reflexión con
preguntas orientadoras: ¿duran lo mismo? ¿se parecen la pregunta y la
respuesta? ¿la semejanza/ diferencia se encuentra al principio o al final?
¿son iguales de "fuerte"? ¿tocan los mismos instrumentos en las dos
frases? ¿podríamos tocarlo con otros instrumentos en la sala? ¿O
cantarlo, inventándole una letra, o sin letra?
• El contacto directo experiencial con los instrumentos de la orquesta sería
también un buen punto de partida para el análisis.
• La posterior aplicación de estos criterios a otra música, a las canciones
del repertorio de la sala, irá delineando su internalización como saber
funcional.
• La representación gráfica de las frases nos dará también un buen
material de reflexión. Dibujar las línas sonoras, hacerlo según su altura o
intensidad. Esto nos permitirá saber qué parámetros del sonido son
percibidos como dominantes bajo determinadas condiciones. Generar

37
 luego "partituras" parciales, distinguir entre la notación gráfica de las
palabras y los sonidos.

Desde ya que, en todo momento, el abordaje de un fenómeno sonoro de

naturaleza artística es global. La tarea de análisis existe, desde una
perspectiva didáctica, para facilitarnos la comprensión del fenómeno y apreciar
la totalidad desde una conciencia profunda del hecho que se está enseñando.

En todo momento debemos tener en cuenta la importancia y prioridad de que

los niños logren identificarse a sí mismos como activos generadores y
productores de fenómenos sonoros, y en definitiva, como artistas. Del mismo
modo que incentivamos en niños que transitan la etapa del garabato 1 la
asignación de un significado a los mismos como condición de la ejercitación y
desarrollo de su capacidad de representar y comunicar, en el ámbito de la
música debemos lograr que experimenten con materiales sonoros y, a su
manera y con nuestro andamiaje, sean luego capaces de prever una resultante
sonora.

La voz:

Dentro de todas las fuentes sonoras, la más rica, cercana y de mayores

posibilidades y riqueza es la voz. El trabajo sobre la altura de sonido, por
ejemplo, adquiere una dimensión de gran campo de aplicación: la percepción
muscular de la altura. Lo mismo sucede con la intensidad, y es posible
también trabajar con las texturas de la voz desde el timbre y desde el carácter
musical.

En un cuento, cuando es narrado por el/la docente a sus alumnos/as, los

distintos personajes que aparecen suelen ser encarnados en distintas voces,
que tienen que ver con la especie, tamaño y características generales del
personaje. Es éste un punto de partida para trabajar , en interrelación con una
actividad esencialmente literaria, contenidos de música.

Siguiendo ésta línea, propondremos algunos ámbitos de las distintas áreas de

contenidos que se pueden enriquecer y complementar con actividades y
contenidos de la música.

Interrelación y trabajo interdisciplinario:

Literatura.

El parentesco entre la literatura y la música es evidente. Las canciones

tienen argumentos plasmados en el lenguaje, existen rimas tanto en el
plano de lo lingüístico como en el plano musical, y cada componente le
da sentido al otro. Más allá de las letras de las canciones, es una
actividad muy aceptada por los niños y muy rica en experiencias, la
"sonorización" de fragmentos u obras literarias. La trama argumental de
un cuento, los distintos pasajes de un poema, ofrecen climas que
pueden ser representados, enriquecidos y resaltados desde lo sonoro.

38
 Con instrumentos, con recursos corporales (aplausos, canto, silbidos,
etc.) con grabaciones y muchos otros recursos, la actividad de sonorizar
puede adquirir dimensiones excepcionales. Es también una manera de
visualizar el lenguaje musical como un tránsito entre momentos de
"tensión" y momentos de "reposo", al emparentar éstas características
con la tensión cambiante de la trama argumental de un cuento.

Los diálogos de los personajes pueden ser también, en todo o en parte,

cantados por niños y/o docente. O puede introducirse un narrador
omnisciente encarnado por un "coro", al estilo del antiguo teatro griego,
que estratégicamente intervenga dando cuenta del sentir de los
personajes. En estos casos, lo más recomendable es que las piezas
musicales sean compuestas por docente y alumnos, y aunque no es
éste un punto insalvable, es conveniente por dos motivos
fundamentalmente. En primer lugar, se asegura una coherencia interna
en la obra, en segundo lugar, la imagen del docente-compositor es un
estímulo importantísimo en la medida en que los niños se identifican con
sus maestros, convirtiéndolos en un muy importante punto de referencia
en lo que a pautas de conducta y valores se refiere. De igual modo, un
docente lector e investigador que se muestre permanentemente
interesado por los libros y su carácter de acceso a la información y al
goce literario, generará mayor interés en sus niños por la lectura y la
escritura que un docente indiferente o desinteresado por esa temática.

Ciencias Naturales y Tecnología

La ciencia y la música tienen un primer punto de encuentro en la mirada sobre

el sonido desde un punto de vista físico.

Reconocer la naturaleza del sonido como vibración, sus ámbitos de

propagación, las variables en juego, puede ser un proyecto válido y productivo
desde el punto de vista didáctico tanto hacia lo científico como hacia lo
artístico.

Distintos instrumentos musicales (como así también distintos materiales, en

general) producen sonido de manera distinta al se sacudidos, frotados,
raspados, percutidos, soplados, etc. La exploración tomará, pues, ese rumbo,
privilegiando las experiencias físicas con objetivos previamente establecidos
por docente y alumno, y la puesta en común.

Es importante destacar que, del mismo modo que la enseñanza de las ciencias
experimentales en el Nivel Inicial tiende a enriquecer y problematizar las
concepciones espontáneas de los niños antes que imponerles una muy poco
significativa "versión adulta" inapelable, en la dimensión artística ésta
metodología es especialmente importante al estar en juego criterios de
subjetividad y apreciación en cuanto a lo estético.

A la exploración de materiales sonoros puede seguir un trabajo generador: el

taller de lutería. Materiales descartables y cotidianos pueden ser la materia
prima de instrumentos musicales. Es importante el trabajo de selección de los

39
materiales puestos en función de los bosquejos que se quieren implementar. Y
ha de hacerse aquí una distinción: no es lo mismo dar la receta de "maraca de
arroz con vasito de yogurt" y concluir allí la tarea, pecando de el más insensible
activismo puro, que convertir la experiencias en un trabajo estructurado en
instancias necesarias y andamiado por una intervención docente apropiada.
Se propone, sólo a modo de ejemplo, un plan de trabajo para el taller de lutería:

• Selección y exploración de los materiales.

• Bosquejo y diseño de los instrumentos (tarea individual o grupal)
• Construcción de los instrumentos a través de un proceso de búsqueda
de la resultante sonora.
• Experimentación con los instrumentos en forma individual.
• Ensayos de ensamble.
• Aplicación al repertorio.

Todos los conceptos anteriormente desarrollados pueden y deben ser incluídos

en la planificación de contenidos de éste tipo de trabajos, que aceptan la
modalidad de taller o de proyecto, ya que ofrece un producto. NO obstante, la
prioridad no debe ser nunca el producto, sino el proceso, y dentro de ese
proceso, no es la actividad concreta el factor a privilegiar, sino la
intencionalidad y la lógica que subyace a ella. 1

Ciencias Sociales

En su dimensión de lenguaje, soporte de un mensaje desde lo comunicativo,

portador de un objeto desde lo psicológico y eje de una acción humana desde
lo social, la música es sin duda un eje de trabajo apropiado en el estudio de las
ciencias sociales y el desarrollo de las actividades vinculadas a ésta área
dentro del nivel en que nos manejamos.

Si ha habido una manifestación de protesta, los niños habrán visto que la gente
cantaba. Si un equipo de fútbol ganó un campeonato, habrán escuchado sin
duda a los simpatizantes entonar las más inspiradas coplas. En los actos
escolares se cantan himnos antes que nada. Cuando analizamos hechos de
otras culturas, encontramos que existen otros tipos de música, cantadas en
otros idiomas, interpretadas por otros instrumentos, en distintas circunstancias.
Cada época tuvo sus propias concepciones de la música, sus contextos
sociales que la definieron.

Tanto desde una perspectiva comunicativa (como crítica social, como

alabanza) como desde una perspectiva histórica (recordación, homenaje) la
música es un elemento que ofrece a la enseñanza de las ciencias sociales un
cúmulo de instrumentos didácticos muy interesante.

Caben, desde ésta visión, propuestas tales como el análisis de los himnos (se
verá que están escritos con una terminología particular, propia de una época y
un estilo) o de música proveniente de distintos géneros (folclore, tango, música
clásica, infantil, etc.) El análisis de distintos estilos da lugar a la reflexión sobre
los contextos de surgimiento y reproducción de cada uno de ellos. A través del
análisis comparado de la música infantil, por ejemplo, se puede llegar a un muy

40
interesante intercambio sobre las concepciones adultas de la infancia. Y todo lo
que de procedimental y actitudinal agrega al trabajo el elemento musical
enriquece de igual manera la tarea.

La planificación:

En tanto instancia intermedia entre la teoría y la práctica de la enseñanza, la

planificación es imprescindible para que nuestra concepción de la educación,
nuestros fundamentos teóricos y demás bagaje de instancias estructurales que
nos definen como profesionales, sean coherentes con nuestro accionar.

En el caso específico de la música, los contenidos y objetivos generales que

nos proporciona la documentación oficial (Diseños Curriculares, Anexos,
documentos sobre Contenidos) son interpretados por cada docente, desde su
autonomía profesional, en función de los criterios que decide implementar para
seleccionarlos, ordenarlos e impartirlos.

Un criterio lógico, en primer lugar, tiene por prioridad la lógica interna de la

disciplina que se enseña. Hemos visto que cierto trabajo de juego sobre los
parámetros del sonido destinado a desarrollar ciertas destrezas puede ser
conveniente antes de implementar proyectos más sofisticados, lo cuál no
significa que no pueda hacerse en forma simultánea. En uno y otro caso será la
planificación diferente según se elija un camino u otro.

Un segundo criterio psicológico, apunta a las capacidades reales de los sujetos

según su momento evolutivo, según sus estructuras cognoscitivas. Este criterio
es válido Tanto para la selección como para el orden de los contenidos.

El criterio sociológico, finalmente, pone el énfasis en las demandas sociales y

culturales de conocimiento. De alguna manera sustenta este criterio la
tendencia actual de poner gran énfasis en la enseñanza de la música regional
folclórica.

Las características propias de la planificación de contenidos de música, no

difiere en lo estructural de la planificación en otras áreas. Ya sea escrita o sólo
mentalmente concebida, y de una u otra manera comunicada, se hace evidente
su existencia o ausencia al presenciar una clase. La concepción de enseñanza
dinámica y no dirigida que estamos proponiendo, conlleva la necesidad de una
planificación flexible y permanentemente adaptable a los requerimientos del
grupo.

El cancionero:

Según su configuración morfológica, usos, propósitos, contextos de surgimiento

y demás variables, proponemos clasificar las canciones que suelen utilizarse
en el repertorio de las salas de jardín de la siguiente manera, sólo a fin de
estructurar nuestro conocimiento sobre ellas y saber recurrir a su uso con un
criterio más fundado.

• Vertiente tradicional y folclórica.

41
 • Vertiente escolar.
• Vertiente didáctica.
• Canciones no específicamente infantiles.
• La vertiente moderna.
• La canción funcional.

Las canciones provenientes del folclore ofrecen la ventaja de una gran riqueza
rítmica, apta para trabajar con instrumentación, etc. Y ser también un vehículo
cultural significativo. Es conveniente conocer y practicar previamente las
canciones de este tipo puesto que suelen tener una dificultad particular desde
las acentuaciones y el ritmo. Nos han acostumbrado a vincular ritmo con pulso
y acento. No obstante, muchos se sorprenderían al verificar que los niños
suelen tener una mayor facilidad para incorporar el ritmo desde las figuraciones
que desde las constantes de pulso y acento de compás, lo cuál es tan natural
como que aprendan a hablar y a utilizar las palabras antes que a analizar letras
y funciones sintácticas. Las figuraciones específicas y los incisos que se vayan
trabajando pueden ir insinuando el pulso o el acento en la medida en que esto
sea posible y necesario.

La vertiente escolar abarca a aquellas canciones que, más allá de su estructura

musical, tienen el propósito de servir a los actos escolares recordando ya sea
próceres, símbolos patrios o momentos y hechos históricos. Es preciso ser
extremadamente cauto al abordar éstas piezas, ya que su abuso podría recaer
en una contradicción sobre las concepciones de la música y la historia misma,
propiciando asociaciones negativas entre cierta "cultura escolar" y la actividad
artística, que es preciso librar de condicionamientos institucionales o
circunstanciales. La actividad episódica debe estar sustentada en un plan
permanente de intervención didáctica, y no en el plan de eventos institucionales
y las efemérides.

De todos modos, como ya hemos visto, la música y las ciencias sociales

pueden interrelacionarse en forma muy positiva. Todo depende del enfoque y la
intención que el docente proponga para las actividades. Se entiende que si
existe una intención verídica de recrear una cultura y generar sujetos
autónomos, libres de imperantes culturales inapelables, la canción escolar será
escogida o inventada por el docente de diferente manera que si responde a
una exigencia de la dirección de la escuela que para el caso interfiere con sus
proyectos y las necesidades del grupo.

La vertiente didáctica es aquella que pone el acento en los contenidos

específicamente musicales o en otros generales. Así, canciones que presentan
la característica de ir aumentando gradualmente la velocidad, o que entre
estrofa y estrofa incluyen la lectura de grafismos, etc..., son especialmente
útiles para trabajar en forma metódica ésos contenidos (tempo variable,
representación de sonidos). Es preciso, sin embargo, no perder de vista el
fundamento estético de la canción en pos del trabajo sobre esos contenidos.

Por último, merece especial atención la canción funcional, por ser un recurso
muy cuestionado en varios aspectos y sin embargo muy utilizado por los/las
docentes del Nivel Inicial. El tema "Un brochecito viene volando y a mi boquita

42
la vá cerrando" puede ser una manera divertida y efectiva de lograr un cierto
orden en el grupo para iniciar una actividad, pero nótese que posee ciertos
razgos que merecen una reflexión más profunda. Desde el punto de vista
artístico, la música se desvaloriza si se utiliza para suplir la falta de interés de
los niños por una propuesta (es decir, si se utiliza a la música como "moño" de
un paquete que a los niños no les gusta), y desde el punto de vista de la
consigna, en su dimensión de intención colectiva tendiente a lograr un fin, la
pérdida en también evidente y muestra que la canción funcional, con sus
atributos represivos, es un camino equivocado.

De todos modos, opuesta a ésta visión según la cual la canción funcional sirve
sólo en forma inmediata y efectista y con consecuencias negativas en el largo
plazo, la postura de muchos docentes es la de usuarios permanentes de ésta
técnica, con fundamento en su gran utilidad y la respuesta alegre de los niños.

Aportes de la teoría Vigotskiana:

¿Por qué la música es un lenguaje? Básicamente porque es un sistema

coherente de signos, formatos y estructuras que permite comunicar
experiencias humanas.

Los formatos que la constituyen como lenguaje no presentan una clara

correspondencia semiótica entre significantes y significados. Sería absurdo
creer que una nota musical significa algo por sí misma. Hemos de buscar las
unidades semánticas de la música en las estructuras rítmicas y melódicas
mínimas, a las que llamamos incisos, y en el sistema (modal, tonal, atonal) en
el que se encuentran inmersos. Al igual que cada cultura habla su idioma, la
música presenta en cada comunidad de personas los ritmos, giros
característicos, escalas, etc. que la naturaleza de la cultura le ha ido
confiriendo. La notación musical ha ido cambiando en cada período de la
historia, conforme las necesidades de la música de cada período lo ha ido
requiriendo.

De todos modos, aún tomando los incisos como unidad semántica mínima, el
significado de la música es relativo y no absoluto, ya que la música no es un
lenguaje de representaciones literales. Es el sentido y no el significado lo que
caracteriza a éste lenguaje en su dimensión comunicativa.1

Vigotsky caracteriza el aprendizaje a través de su teoría de la "doble formación

de los conceptos", donde existe un plano intersubjetivo, social, de adquisición
del concepto y una interiorización, que modifica al concepto en forma y función
y que a través de un proceso intrasubjetivo, interior y posterior al primero,
genera el aprendizaje así construído.

En el caso del lenguaje, sitúa al habla social en el plano intersubjetivo y al

habla interior en el plano intrasubjetivo. El momento de transición e
interiorización lo corresponde con el lenguaje egocéntrico.

Podemos, en alguna medida realizar una transposición de éstos conceptos en

el proceso de aprendizaje de la música. Comprender y vivir la música en un

43
sentido amplio, con la recepción e interpretación (reconstrucción, se podría
decir también) de las intenciones de la obra, implica una fuerte actividad
modelizadora1, en la medida en que demanda la percepción y decodificación
simultánea de varios factores que la componen (altura, intensidad, timbre por
un lado, y planos, fraseo, etc. por otro lado). En este sentido, podemos decir
que en el jardín de infantes, la música transcurre en un plano social, desde lo
lúdico y estético y como presencia transversal en el ritmo de trabajo, dando
lugar a la relación intersubjetiva a la que hacíamos referencia, al fenómeno
social que es punto de partida del aprendizaje. Antes de internalizar los
formatos que definen a la música en sus estilos y sutilezas expresivas, antes
de percibir claramente planos y timbres, el niño interactúa con la música.
Reacciona corporalmente ante estímulos sonoros, imita, explora. Esta
posibilidad de exploración es la característica del período egocéntrico en
relación al aprendizaje de la música, y es el punto intermedio de los procesos
intrasubjetivos a los que hacíamos referencia. De todos modos, el plano del
concepto internalizado es más difícil de definir, ya que existen distintos niveles
de dominio de la música, sin que uno sea definitivo o final. A un nivel más
práctico, digamos que la improvisación espontánea y la recurrencia a escalas,
formas y recursos en general es un índice de dominio del sistema musical e
implica la internalización de determinados "formatos" musicales, de ciertas
unidades básicas de sentido.

En tanto fenómeno lúdico las actividades musicales presentan características

que Vigotsky observa en forma genérica en el juego y que es interesante
puntualizar:

• La presencia de una situación o escenario imaginario, en la medida en

que existen roles o ejercicio de actividades vinculadas a contextos no
presentes.
• La presencia de ciertas reglas de comportamiento que tienen un carácter
social y cultural.
• Una situación socialmente definida.

Bruner: El andamiaje del aprendizaje.

El concepto de andamiaje como fundamento de la intervención docente nos

brinda un contexto ideal de trabajo, especialmente en el Jardín Maternal, donde
los objetivos de trabajo están más orientados a la estimulación de las
competencias perceptivas de los niños y a su capacidad exploratoria, su
"búsqueda de nuevos medios" en el decir de Piaget.

Los "formatos" que entre el niño pequeño y los adultos significativos que lo
rodean se establecen como unidades de sentido, soporte de la comunicación,
son un punto de partida para el trabajo compartido de exploración de los
sonidos. Vayamos a un ejemplo práctico: un niño de siete meses está sentado
en la sala de lactario, ya ha comido y dormido. El maestro, luego de captar su
interés con unos acordes en la guitarra y algunas canciones, le ofrece una
baqueta y coloca frente a él un celestín.1

44
El niño toma la baqueta y se la lleva a la boca. Luego de explorarla durante un
rato, sonríe y la agita con el brazo. El maestro la toma y percute sobre los
tubos, de los que surge un sonido envolvente que llama mucho la atención del
niño. Luego coloca la baqueta en la mano del niño y, sosteniendo su brazo,
realiza junto con él el movimiento de percusión sobre los tubos.

A los pocos minutos, el niño comienza a percutir él mismo, sin ayuda, y en los
días siguientes, cuando entra el maestro de música señala el armario de los
instrumentos pidiendo el celestín para tocarlo.

Este ejemplo de andamiaje muestra la capacidad del docente para introducir

instrumentos de conocimiento entre el niño y su objeto de aprendizaje. Es muy
amplia la teoría de Bruner y muchas de las investigaciones de éste autor sobre
el desarrollo del lenguaje serán de utilidad para los/las maestros/as de música
en el nivel inicial en general y en el jardín maternal en particular.

Ausubel y el aprendizaje significativo:

¿Cómo lograr que un aprendizaje sea significativo para los niños? D. Ausubel
define la significatividad del aprendizaje como la posibilidad de establecer
relaciones sustantivas entre el contenido que se aprende y los ya adquiridos
por el sujeto en instancias anteriores. La funcionalidad del conocimiento se
refiere a su cualidad de ser soporte de otros nuevos y de estar inmerso en un
sistema lógico.

Distingue también Ausubel entre la significatividad lógica y la significatividad

psicológica, en tanto la primera corresponde a cierta lógica interna del
contenido y a su presentación, y la segunda a la capacidad necesaria del niño
de asimilarlo en función de sus experiencias previas de aprendizaje.

Ausubel, frente a la encendida defensa de muchos autores del aprendizaje "por

descubrimiento", postula que el verdadero aprendizaje es "por recepción" y
revaloriza el lugar de los contenidos, en ese sentido.

En los días o semanas siguientes a la experiencia anteriormente narrada del

niño de sala de lactario, el mismo bebé ha de percutir con la misma baqueta
otras superficies. Un tambor, mesas, almohadas, etc., es decir, aplicará a otros
contextos el aprendizaje que en un primer momento estuvo restringido al
celestín: el acto de percutir con la baqueta se convertirá en un saber
procedimental de gran funcionalidad, que le facilitará nuevas búsquedas y
exploraciones de lo sonoro y del movimiento.

Construir instrumentos musicales en Educación

Inicial y Primaria

Desde los primeros momentos de nuestra vida, abrimos los oídos y

recibimos gran cantidad de información sonora: todo nuestro cuerpo se

45
convierte en un maravilloso receptor de cualquier manifestación sonora. Así, el
sonido pasa a ser compañero inseparable de nuestra realidad diaria.

Pero, ¿por qué no convertirnos también en “constructores, emisores de

sonidos”? Es necesario implicar al niño en su propio proceso de aprendizaje.
La experiencia se adquiere con la práctica diaria y es el núcleo central de los
contenidos, sobre todo en las primeras etapas del sistema educativo.

Piaget afirma que al niño hay que presentarle materiales que despierten
su curiosidad, les provoquen problemas y por medio de ellos se le debe
conducir a soluciones espontáneas; por ello es necesario disponer de un
material preparado por el educador.

Una manera para que el niño participe activamente en el proceso de

enseñanza-aprendizaje es construir los propios materiales que va a utilizar. En
la educación musical, podemos construir instrumentos musicales con
materiales de desecho.

Los niños pueden explorar materiales en instrumentos musicales, utilizar

el propio cuerpo como medio de representación y comunicación musical,
expresarse creativamente a través de diversos instrumentos musicales
reciclados, tener confianza en las elaboraciones musicales propias, conocer y
valorar la importancia del reciclaje...

Podemos trabajar la utilización adecuada de instrumentos sencillos de

fabricación propia para acompañar distintas canciones, reutilización y
aprovechamiento de los materiales de desecho contribuyendo a reducir el nivel
de contaminación y de residuos urbanos, exploración de las posibilidades
sonoras de los materiales de desecho, iniciativa para aprender habilidades
nuevas, disfrute con las propias elaboraciones y con las de los demás...

Algunos instrumentos musicales que podemos construir con los niños de

educación infantil y primaria son los siguientes:

- perchas sonoras (colgando en perchas tubos de carretes de

fotos vacíos o rellenos y en cantidades distintas),

- tambores de diferentes alturas (con globos y latas o tubos de

cartón),

- xilófonos (con palos de polos, que son cada vez más cortos y
mas chicos),

- palos de lluvia (tubos de cartón rellenos de semillas, piedras,

que tienen clavados clavos),

- maracas (envases de yoghurt rellenos de lentejas, garbanzos,

arroz...),

46
- guitarras (bote de suavizante con un agujero redondo en el
centro y chinchetas a ambos lados para apretar las cuerdas. Un palo
del polo se coloca debajo del agujero, quedando las cuerdas sobre
él),

- claves (limpiamos el interior de las cañas y rebajamos con lija

los extremos).

- guantes sonoros (guante con cascabeles en los dedos),

- baquetas (varillas de madera a las que se les pegan bolas de

madera, plástico, corcho u otros materiales cubiertas con fieltro,
goma, corcho, etc.)

- flautas de pan (cortando tubos de plástico en distintos tamaños,

con un corte inclinado y atándolos haciendo escala con un cordel),

- tapas sonoras (aplastando por la mitad tapas metálicas de

manera que atrapen un cordón, al que hacemos un nudo en el
extremo para que no se escape).

Estos instrumentos los podemos utilizar al:

- Imaginar que un niño es el director de orquesta y con su batuta,

se coloca en el centro de la clase; los demás, sentados en
semicírculo formarán grupos con un mismo instrumento. Al
señalarles con la batuta, sólo tocarán los del mismo instrumento
señalado, quedándose los otros en silencio y atentos cuando les
toque. También el director puede hacer gestos como si tocara un
instrumento, y los niños que tengan ese instrumento son los que lo
tocarán; los demás estarán atentos y en silencio.

- Cantar una canción en la que cada grupo toca con sus

instrumentos una estrofa distinta y el estribillo todos juntos.

- Bailar al ritmo de una canción que escuchemos, tocando todos

a la vez los instrumentos; al parar la canción todos nos
convertiremos en estatuas.

- Grabar los diferentes sonidos que hacen los instrumentos

musicales realizados, y jugar a acertar cuales son al volver a
escucharlos una vez grabados.

- Inventar una historia en la que aparezca su instrumento

musical y representarla.

- Taparse los ojos con un pañuelo y cuando escuche sonar un

instrumento musical debe acertar quién lo ha tocado y de qué
instrumentos se trata.

47
 - Etc.

La música resulta muy atractiva para todos los niños. Espontáneamente,

cantan y bailan cuando escuchan una melodía o bien improvisan, rápidamente,
sus propias canciones. Los niños de inicial y primaria experimentan con los
instrumentos musicales y con todos los objetos a su alcance que se presten a
ello.

Todas las actividades mencionadas anteriormente fomentan la

creatividad, la solidaridad, la socialización, son ricas en posibilidades de
integración de todo el alumnado, tienen un carácter lúdico y globalizador
porque con ellas no sólo se trabaja la expresión musical, sino también la
expresión plástica, dramática, el lenguaje...

Si entendemos la calidad de la enseñanza como la tarea de planificar,

proporcionar y evaluar el currículum óptimo para cada alumno, dentro de una
diversidad de alumnos que aprenden, la elaboración de los propios materiales,
(en este caso, los instrumentos musicales con materiales de desecho), es una
alternativa adecuada que nos permite mejorar la atención a esa diversidad de
individuos.

¡Qué tambor tan bonito!". "Sí, lo he hecho yo"

Una flauta hecha con un trozo de caña, un xilófono construido con vasos llenos
de agua o un tambor de cartón. Con instrumentos de elaboración casera tan
sencillos como éstos tu hijo pasará horas jugando y haciendo música. Y
además habrá aprendido a construirlos con sus propias manos y los valorará
mucho más que un juguete regalado. Compartir esta actividad contigo es
importante. Una vez acabado el instrumento tendrá entretenimiento para rato.
Cómo hacer sencillos instrumentos caseros es lo que te explicamos en esta
sección.

Maracas:

Se trata de un instrumento de percusión que sirve para marcar el compás o el

ritmo de una composición musical. Está formado por un espacio cerrado en
cuyo interior hay elementos sueltos que al agitarlos emiten cierto sonido.

¿Quieres aprender a hacer tus propias maracas?

Hay diferentes maneras de hacerlas, nosotros te enseñaremos dos para que

puedas combinarlas a tu gusto.
¿Qué necesitas?

48
 ▪ Vasos de papel o de plástico
▪ Botellas de plástico pequeñas
▪ Celo o cinta adhesiva (si hacemos las maracas con vasos)
▪ Canicas, botones de plástico, o cualquier tipo de legumbre (garbanzos,
lentejas, etc.)
▪ Tijeras.

¿Cómo hacerlas?

1. Coge uno de los vasos y llénalo, más o menos por la mitad, con los
botones, legumbres o canicas. En caso de utilizar la botella de plástico,
el proceso es el mismo. Rellénala con un puñado de arroz o cualquier
otra cosa que quepa por el orificio.
2. Cierra la botella con el tapón o coloca un vaso al revés, encima del otro,
y une ambos con la cinta adhesiva.
3. Puedes decorarlas a tu gusto, forrándolas con un papel que hayas
dibujado anteriormente, pintándolas con témperas, pegando papeles de
seda…
4. Por último, simplemente agítala y escucharás su sonido. Deja volar tu
imaginación y haz tus propias composiciones musicales.

Consejos:

▪ Cuanto más grandes sean los vasos o las botellas de plástico el sonido
será más grave. ¿Por qué sucede esto? Porque la cantidad de aire que
contiene es mayor. Y viceversa, las más pequeñas emitirán un sonido
más agudo porque la cantidad de aire que contiene es menor.
▪ De la misma manera, el sonido variará en función de cómo las rellenes.
Si lo haces con arroz sonarán más suave que si las rellenas de canicas.
▪ Si eres creativo podrás hacer multitud de maracas, cada una con un
sonido diferente, y enseñárselas a tus amigos.

Edad: De 3 a 9 años.

Flauta de pan:

La flauta de pan es un instrumento de viento compuesto por una serie de tubos,

cada uno de un tamaño diferente. El sonido que emite la flauta depende de la
longitud del tubo por el que se sople y de la fuerza con que se haga. Para
conseguir una melodía rápidamente no tienes más que empezar a soplar los
tubos de derecha a izquierda, o viceversa, de izquierda a derecha.

¿Qué necesitas para hacer tu flauta de pan?

▪ Cinta aislante de diversos colores

▪ 1,5 m de tubo fino de plástico

49
 ▪ Plastilina de diferentes colores (si es posible de los mismos colores que
los diferentes rollos de cinta aislante)
▪ Una cinta de colores más ancha que la cinta aislante.

Utensilios

▪ Tijeras.
▪ Pegamento.

¿Cómo hacerlo?

1. Corta un trozo de tubo de unos 4 cm de largo.

2. Después corta once tubos más, de manera que cada uno sea un
centímetro más largo que el otro.
3. Cuando tengas cortados todos los tubos, decóralos con dibujos en
espiral, con las cintas aislantes de colores. Si haces cada tubo de un
color diferente al juntarlos te quedarán muy bonitos.
4. Coloca los tubos de menor a mayor, uno al lado de otro.
5. Cuando lo hayas hecho corta un trozo largo de cinta aislante y colócalo
encima de la mesa por la parte que no pega.
6. Ahora intenta recomponer la posición de los tubos tal cual la tenías, es
decir, del más pequeño al más grande uno detrás de otro, sobre la cinta
aislante que tienes sobre la mesa.
7. Enrolla el resto de la cinta aislante alrededor de los tubos para que
queden totalmente sujetos entre sí.
8. Ahora enrolla la cinta de colores alrededor de los tubos, de manera que
puedas tapar la cinta aislante. Así tu flauta quedará más bonita.
9. Haz doce bolas de plastilina, cada una del color de la cinta aislante con
la que hayas decorado cada tubo. No deben ser muy grandes, lo
suficiente para tapar el agujero inferior de cada tubo.
10. Engancha bien cada una de las bolas al extremo inferior del tubo, para
que el aire no se pueda escapar.
11. Enhorabuena, ya tienes tu flauta de pan.

Consejos:

▪ El sonido de cada tubo dependerá de la longitud del mismo. Los tubos

más largos emitirán un sonido más grave que los cortos, que tendrán un
sonido más agudo.

Edad: A partir de 9 años.

Tam-tam:

El tam-tam es un instrumento de percusión similar al timbal sonoro o al tambor.

Se toca con las manos y sirve para marcar el ritmo de una composición
musical.

50
 ¿Qué necesitas para fabricar tu tam-tam?

▪ Dos maceteros de plástico

▪ 5 metros de cordón fino del color que quieras
▪ Dos papeles de charol de colores diferentes
▪ Cinta aislante de color (de un color que combine con el del papel charol)
▪ Muselina blanca.

Utensilios:

▪ Lápiz.
▪ Tijeras
▪ Cola o pegamento.

¿Cómo hacerlo?

1. Extender la muselina blanca encima de la mesa, poner los maceteros de

plástico boca abajo encima de ésta y señalar el contorno con un lápiz.
2. Una vez tienes los dos círculos marcados, señala un nuevo contorno
alrededor de éstos dejando un margen de 2 cm de ancho.
3. Recorta las circunferencias por el contorno más grande. Después haz 16
cortes verticales en cada una de las franjas de 2 cm, como si fuesen
unas pestañas.
4. Coge la cola o el pegamento y pega cada pestaña doblándola hacia
dentro de manera que te quede un trocito sin enganchar, como un
agujero por el que puedas pasar un cordón.
5. Coge cada uno de los maceteros de plástico y fórralos con el papel de
charol.
6. Una vez hecho esto debes unir con la cinta aislante los dos maceteros
por la base, es decir, que la parte de debajo de cada uno de ellos toque
con la del otro. Ya tienes el cuerpo del tam-tam.
7. A continuación, pasa el cordón por los agujeros de la muselina,
rodeando todo el círculo. Coloca el trozo de tela encima de la parte
superior del macetero y tensa el cordón hasta que quede adaptada la
tela. Haz lo mismo con los dos maceteros.
8. Para unir mejor los dos maceteros y tensar todavía más la muselina,
debes pasar un trozo de cordón largo desde uno de los agujeros de un
macetero hasta el correspondiente del otro macetero. Sin cortar el
cordón, une todos los agujeros de un extremo del tam-tam, con los del
otro extremo.
9. Tensa bien el cordón y luego hazle un nudo.
10. Pinta con cola diluida la parte superior de la tela y vuelve a tensar el
cordón. Debes tensar la tela al máximo que puedas, así conseguirás un
sonido más agudo. Luego, sólo te queda dejar que se seque la tela y ya
tienes tu propio tam-tam.

Consejos:

51
 ▪ Ahora sólo te queda saber como se toca: sujeta el tam-tam debajo del
brazo y golpea con la punta de los dedos uno de los extremos, picando
sobre la muselina blanca. ¿A qué es fácil?

Edad: A partir de 9 años.

Las Campanas:

Las campanas son uno de los instrumentos de percusión más tradicionales que
existen. Se componen de un caparazón de metal, en cuyo interior se encuentra
una pequeña barra de hierro que se tambalea de un lado a otro golpeando
dicho caparazón y emitiendo, de esta manera, ese sonido tan característico.

¿Qué necesitas para hacer unas campanas?

▪ Macetero de barro de un tamaño no demasiado grande

▪ Un cordón de zapatos, si es posible de colores
▪ Un lápiz de color
▪ Un abalorio de madera del color que más te guste con un agujero en
medio
▪ Dos gomas elásticas
▪ Pintura témpera de diversos colores
▪ Cinta aislante de colores.

Utensilios

▪ Tijeras
▪ Pincel
▪ Vaso de plástico para poner agua
▪ Plato de plástico.

¿Cómo hacerlo?

1. Coge el cordón de zapatos e inserta en él el abalorio de madera.

Cuando lo hayas hecho, haz un nudo en el extremo del cordón para
impedir que el abalorio se caiga.
2. Con un trozo de cinta aislante (del color que más te guste), pega el
extremo del cordón a la punta del lápiz. Puedes enrollar la cinta aislante
hasta cubrir todo ese trozo.
3. Sigue enrollando la cinta aislante sobre la punta del lápiz hasta
conseguir un grueso mayor que la anchura del agujero que hay en la
base del macetero.
4. A continuación, con la misma cinta aislante o con otro color, según
prefieras, cubre todo el lápiz haciendo un dibujo en espiral similar a las
barras que hay en los tiovivos.
5. Con las témperas, pinta el macetero de barro a tu gusto.
6. Cuando la pintura se haya secado, introduce el lápiz por el agujero del
macetero, de manera que el abalorio quede por la parte de dentro.

52
 7. Enrolla las gomas elásticas alrededor del lápiz y deslízalas hacia abajo
hasta que queden bien sujetas.
8. Ya tienes tu propia campana. Sólo te queda agitarla para ver cómo
suena.

Consejos:

▪ Si quieres utilizar varias temperas para pintar el macetero de barro,

espera a que se seque un color antes de empezar con el otro. Si no, se
te mezclarán los colores.
▪ Los maceteros de mayor tamaño nos darán un sonido más grave.
▪ Los maceteros de menor tamaño nos darán un sonido más agudo.

Edad: A partir de 9 años.

Tambor:

El tambor es un instrumento de percusión que se utiliza mucho, sobre todo en

las fiestas populares de los diferentes pueblos y ciudades de nuestro país. Se
trata de una caja cerrada al vacío que al golpearla emite un sonido potente que
marca el ritmo de los diferentes instrumentos dentro de una orquesta.

¿Qué necesitas?

▪ Una caja de galletas redonda

▪ Papel grueso o plástico
▪ Una cartulina
▪ Cola o pegamento
▪ Dos palos de madera.

¿Cómo hacerlo?

1. Coge la caja de galletas y quítale la tapa, de manera que quede abierta

por la parte superior.
2. A continuación, coge el papel grueso o el plástico y recórtalo con la
misma forma que la tapa de la caja de galletas, pero un poco más
grande.
3. Una vez lo hayas cortado de esa manera, hazle una serie de pestañas
alrededor. Esto formará la piel o membrana del tambor.
4. Cuando tengas hechas las pestañas pega el papel en la caja de galletas,
situando las pestañas en la superficie lateral, de manera que la caja
parezca completamente cerrada.
5. Para que las pestañas no se vean puedes utilizar una cartulina para
forrar la parte lateral de la caja. Luego puedes decorar la cartulina como
tú quieras, con tus propios dibujos quedará divertido.
6. Por último coge los dos palos de madera y golpea el papel grueso o el
plástico pegado en la caja y… ¡ya tienes tu propio tambor!

Consejos:
53
 ▪ Según lo grande que sea la caja de galletas, el sonido será uno u otro,
depende de la cantidad de aire que tenga en su interior.
▪ No sólo valen las cajas de galletas, también puedes utilizar latas de
conservas u otros envases similares.

Edad: A partir de 9 años.

Tambor (para menores de 9 años).

El tambor es un instrumento de percusión que se utiliza mucho, sobre todo en

las fiestas populares de los diferentes pueblos y ciudades de nuestro país.
Se trata de una caja cerrada al vacío que al golpearla emite un sonido potente
que marca el ritmo de los diferentes instrumentos dentro de una orquesta.

¿Qué necesitas?

▪ Una caja de jabón de lavar la ropa

▪ Papel grueso o cartulina
▪ Pegamento
▪ Dos cucharas de madera (o cualquier otro utensilio de madera que se
pueda utilizar como baquetas)
▪ Rotuladores, lápices de colores o ceras
▪ Un trozo de cuerda
▪ Tijeras.

¿Cómo hacerlo?

1. Coge la caja de jabón y corta el asa (si la tiene). Haz dos agujeritos en
ambos lados de la caja (cerca de la parte superior).
2. A continuación, coge el papel grueso y recórtalo de manera que puedas
forrar la caja con él.
3. Cuando lo tengas cortado, pégalo alrededor de la caja y recorta el papel
sobrante (en caso de que sobresalga por encima o por debajo). Espera
unos minutos hasta que se seque un poco.
4. Cuando veas que ya está bien pegado, coge los colores (rotuladores,
ceras, etc) y pinta el tambor como más te guste. También puedes hacer
un dibujo y luego colorearlo.
5. Pasa la cuerda por los dos agujeritos y haz nudos para que quede fijada
al tambor. Ahora ya puedes pasarte la caja por la cabeza.
6. Por último coge las dos cucharas de madera y la caja. Ahora ya no es
una caja… ¡es tu propio tambor! Y si te animas y haces varios, ¡hasta
podrás tener una batería!

Consejos:

▪ Según lo grande que sea la caja de jabón, el sonido será uno u otro,
depende de la cantidad de aire que tenga en su interior.
54
 ▪ No sólo valen las cajas de jabón, también puedes utilizar latas de
conservas u otros envases similares.

7. Edad: De 3 a 6 años.

Pandereta:

La pandereta es un instrumento de percusión sencillo de tocar, pero que da un

toque muy importante en ciertas composiciones musicales, por ejemplo en los
villancicos.

Es un instrumento en forma de círculo, formado por unos volantes de metal o

por cascabeles que al sacudirlos emiten un sonido determinado.

¿Qué necesitas para crear tu propia pandereta?

▪ Pinturas
▪ Barniz
▪ Un molde de hacer pasteles
▪ 8 cascabeles
▪ Periódicos viejos
▪ Vaselina
▪ Goma de empapelar
▪ Lana o cordón para colgar los cascabeles

Utensilios:

▪ Pincel
▪ Agua (para aclarar las pinturas)
▪ Un plato (para la goma de empapelar)
▪ Tijeras.

¿Cómo hacerla?

1. Extiende una buena capa de vaselina en la parte externa del molde de

hacer pasteles.
2. A continuación, pega los trozos de papel de periódico mojados en cola
de empapelar sobre el molde para pasteles. Vigila que no quede ningún
espacio vacío y que toda la superficie tenga, aproximadamente, el
mismo grueso de papel de periódico (más o menos de medio cm).
3. Déjalo secar un par de días y después saca el molde del recipiente.
4. Repasa el molde: corta los trocitos de papel que sobresalen y píntalo
con los colores que más te gusten.

55
 5. Una vez seca la pintura, barniza la pandereta.
6. Cuando se haya secado el barniz, puedes empezar a colgar los
cascabeles ayudándote de la lana o el cordón.
7. Y… ¡ya puedes empezar a tocar!

Consejos:

▪ Pide a una persona mayor que te haga el engrudo de empapelar.

▪ Lávate las manos después de utilizar el engrudo.
▪ Recuerda barnizarla, protegerá la pintura y fortalecerá la pandereta.

Edad: A partir de 9 años.

Xilófono:

El xilófono es un instrumento de percusión de origen asiático. Se compone de

una serie de láminas de madera de diferentes colores, que al golpearlas con
unos mazos producen diferentes tonos.

¿Qué necesitas para crear tu xilófono?

Para la caja:

▪ Cartulina gruesa
▪ Pinturas
▪ Cola líquida
▪ Fieltro
▪ 8 lápices de colores

Para los mazos:

▪ 2 palitos de madera de unos 30 cm

▪ 2 abalorios de madera
▪ Barniz.

Utensilios

▪ Unas tijeras
▪ Un pincel
▪ Una regla
▪ Un lápiz
▪ Agua
▪ Un sacapuntas.

¿Cómo hacerlo?

56
 1. Dibuja en la cartulina dos rectángulos iguales, de unos 25 cm x 4 cm, y
deja en uno de los lados largos de ambos rectángulos una pestaña
dentada de 1 cm aproximadamente.
2. Dibuja dos rectángulos más (sin pestañas dentadas), un poco más
pequeños: uno de unos 20 cm y el otro de 15 cm.
3. Pinta una de las caras de todas las cartulinas del mismo color.
4. Haz un corte en el extremo de cada cartulina para que puedan ser
encajadas entre sí. Las dos dentadas deben quedar paralelas entre ellas
y perpendiculares a las otras dos, de manera que te quede un espacio
cerrado.
5. A continuación recorta dos tiras de fieltro de 0,5 cm de ancho y 25 cm de
largo y las pegas encima de las dos partes dentadas.
6. Finalmente coge los lápices y hazles punta hasta conseguir que cada
uno sea unos 0,5 cm más corto que el anterior. Colócalos
ordenadamente encima de la estructura montada y… ¡Ya tienes tu
xilófono! Ahora sólo te faltan los mazos.

Los mazos:

1. Coge los dos palitos de madera y pega los abalorios en un extremo.

2. Pinta los palitos de un color y los abalorios de otro.
3. Barnízalo todo y déjalo secar.

Consejos:

1. Deja secar bien la cola y la pintura antes de continuar con tu creación.

2. Cuanto más corto sea el lápiz más agudo será el sonido que producirá.
Sin embargo, es muy importante que ningún lápiz sea más pequeño que
el ancho del xilófono, si no no se aguantarán encima.

Edad: A partir de 9 años.

Xilofóno (para menores de 9 años):

El xilófono es un instrumento de percusión de origen asiático. Se compone de

una serie de láminas de madera de diferentes colores, que al golpearlas con
unos mazos producen diferentes tonos.

¿Qué necesitas para crear tu xilófono?

Para la caja:

▪ 8 vasos o botellas de cristal grueso

▪ Agua
▪ Colorantes (opcional)

57
Para los mazos:
Un lápiz, bolígrafo o similar

¿Cómo hacerlo?

1. Ordena los vasos o las botellas una detrás de otra, formando una línea
sobre alguna superficie lisa, una mesa, el suelo…
2. Llena los vasos, cada vez con menos agua. Es decir, el primer vaso
estará completamente lleno, el segundo no tanto, el tercero menos… y
así hasta el último vaso, que tiene que quedar vacío.
3. Si tienes colorantes en casa, también puedes teñir el agua de cada vaso
de un color diferente.
4. Coge el lápiz o el bolígrafo y golpea suavemente cada vaso. Si
desciendes del primero al último comprobarás que puedes hacer ¡toda la
escala musical! Do, re, mi, fa, sol, la, si. Y a partir de aquí, ya puedes
componer tu propia música.

Consejos:

▪ Cuanto más corto sea el lápiz más agudo será el sonido que producirá.
Sin embargo, es muy importante que el lápiz o el bolígrafo no sean
pesados. Podrían romper el vidrio.

Edad: De 3 a 6 años.

APTITUDES DEL DOCENTE PARA LA EDUCACIÓN MUSICAL

Tradicionalmente, las prácticas musicales en nuestras escuelas han estado

principalmente como una forma de recreación y adorno. Aparece
"obligatoriamente" para las Celebraciones de Actos Académicos, Aniversarios,
Efemérides Nacionales, Ceremonias de Licenciaturas y también, para la visita
de algún "ilustre". Es decir, aparece la música como un evento artístico fugaz
"de relleno" y lo que menos tiene es un motivo o intento formativo-educativo. Al
parecer, y esto no ha cambiado, el Educador Musical y sus alumnos, siguen
rindiendo examen público cada vez que hay una presentación musical,
sometiendo al juicio eterno de quienes ven y escuchan el trabajo musical.
Se de muchos amigos y amigas Educadores musicales, entre los cuales mi
incluyo, que han buscado dignificar su trabajo dándole la real importancia
desde el punto de vista formativo. ¡¡¡ BRAVO POR ESO !!!

58
Sin embargo, las experiencias artísticas en educación, como prácticas
significativas de aprendizajes, no han sido valoradas. Porque se pone un
enfermizo énfasis en aquellas áreas que según el criterio imperante en las
sociedades modernas, potencian el uso de la Razón como único método válido
para comprender y explicar el mundo físico, social y cultural.

EL EDUCADOR MUSICAL

Maestro es aquella persona que siente el deseo y al mismo tiempo posee la

capacidad natural o adquirida de transmitir un conocimiento que le apasiona o
interesa profundamente.

El requisito que se debe exigir de un maestro de música en la escuela es ese

precisamente: ser "maestro". Maestro por su preparación pedagógica, por su
preparación cultural, por sus conocimientos de la sicología infanto-juvenil y
"maestro de música" al fin, por su especialización.
En cuanto a la preparación especial del maestro de música, existen otros
requisitos exclusivos de su especialización.
En primer término y con el título de indispensables, figuran tres cualidades
irrebatibles: afinación, oìdo musical y coordinación rítmica. Un educador
musical que toque mal el piano, por ejemplo, puede enseñar música cantando,
independizándose del instrumento que no domina. Pero lo importante es que
entone bien y luego que su oído sea capaz de juzgar si los alumnos han
repetido bien lo enseñado por él.
Otro elemento de la especialización lo constituye el dominio de un instrumento
musical. En Chile por lo general la preparación es en piano, guitarra y/o flauta
dulce.
Un pedagogo ha de ser además un sicólogo que represente, para los ojos del
niño, un ideal musical y humano. También debe dominar los elementos de la
sicología musical y la sicología infantil y juvenil. Para poder enseñar música a
los niños, ha de penetrar en la naturaleza íntima de la música y comprender su
rico contenido humano. La música es una manifestación del espíritu y con el
espíritu del niño estamos trabajando en la clase de música.
Quien está encargado de guiar musicalmente al niño, al púber o al adolescente,
debe estar animado de una vida musical en la que el sentido rítmico, la
sensibilidad auditiva y la inteligencia se unan en una síntesis viviente, pues
será esto lo que impulse al niño a sentir un real amor por la música.
Al educar musicalmente al niño o al joven, debemos desarrollar en él, ante
todo, el sentido del movimiento, la sensorialidad y la afectividad y,
posteriormente logrados estos dominios, desarrollar la instrucción, que
compromete en gran parte la actividad cerebral. Existen en el niño principios
musicales innatos. Por eso el profesor debe saber distinguir entre los
elementos inherentes a su naturaleza que solo basta desarrollar y aquellos que
es preciso enseñarle de acuerdo con una convención adoptada.

59
Un pedagogo esclarecido puede emprender la preparación de cualquier niño
normal al estudio de la música considerada a la vez desde el punto de vista
científico y artístico. Como ciencia la música se dirige al intelecto; como arte
requiere, además, la colaboración del dinamismo corporal y de la sensibilidada
afectiva.
Es necesario que tengamos en cuenta el claro convencimiento de la necesidad
de cuidar la educación musical a nivel de los más pequeños, jardines infantiles
y primer ciclo básico. Ya que de estas raíces se logrará una educación eficaz.

SEGUNDA UNIDAD:
TEORÍA MUSICAL EN LA
EDUCACIÓN

Teoría musical
El pentagrama
El pentagrama es el símbolo gráfico en el que se centra toda la grafía
musical. Es en él donde se escriben las notas musicales y otros signos
musicales como los compases o las fórmulas de compás. El pentagrama está
compuesto por cinco líneas horizontales y paralelas; además de
equidistantes.

Estas cinco líneas paralelas forman cuatro espacios entre ellas. En estos
espacios también se ubican las notas musicales. En la práctica, decimos que
hay cinco líneas y cuatro espacios Estas líneas y espacios se nombran de
abajo a arriba; así, por ejemplo, la línea de más abajo la podemos nombrar
como primera línea.

Figura 1. El pentagrama. 5 líneas, 4 espacios.

60
A este pentagrama musical se le pueden añadir más líneas y espacios a
través de lo que se conoce como líneas adicionales. Hay veces que las notas
exceden el ámbito del pentagrama, es por eso que es necesario el uso de
estas líneas adicionales.

Figura 2. Líneas y espacios adicionales.

Los sonidos más graves se escriben en la parte más baja del pentagrama.
Conforme un sonido musical se va haciendo más agudo, su nota va
ascendiendo a través del pentagrama musical. Por otra parte, no es
recomendable que las notas excedan en cuatro o cinco líneas de las del
pentagrama.

Las claves musicales

Las claves son una referencia para saber la ubicación de una determinada
nota musical. Por ejemplo: ¿cómo sabríamos que sonido musical es una nota
ubicada en la segunda línea del pentagrama?

No hay forma de saberlo, a menos que viniese indicado cual es esa nota por
medio de algún símbolo gráfico. Este símbolo es lo que se conoce como clave,
y es, precisamente, el que nos da la clave para discernir las notas en el
pentagrama.

Figura 3. las claves nos indican la ubicación de las notas.

Clave de Sol. Nos indica que la nota Do está en la 2ª

línea. Es la que más se utiliza.

Clave de FA en 4ª línea. La nota situada en la 4ª línea del

pentagrama es un Fa. Se utiliza mucho para piano.
Clave de Fa en 3ª línea. La tercera línea del pentagrama
contendrá un Fa
Clave de DO en 1ª. En este caso, es la primera línea la
que alberga a la nota Do. Se utiliza para instrumentos
graves.

61
Clave de DO en 2ª. En la segunda línea del pentagrama
se situará la nora Do.
Clave de DO en 3ª. Esta clave indica que es el Do la nota
de la 3ª línea. Se usa con instrumentos como la viola.

Clave de DO en 4ª. En este caso, el Do está en la 4ª línea.

Los compases
Para que la lectura de la música sea ordenada, necesitamos dividir la grafía
en una serie de porciones iguales. Estas porciones se llaman compases.
Dividen al pentagama en partes iguales, y agrupan a una porción de notas
musicales en el pentagrama.

El compás está dividido, a su vez, en partes iguales que se denominan

tiempos. Todas estas divisiones ayudan a la lectura de la música. Imagina un
pentagrama sin compases; sería imposible leer la música.

La figura 4 nos muestra las compases:

Figura 4. Los compases y líneas divisorias nos

ayudan a leer música

Como se aprecia en la figura, existe una línea divisoria o barra de compás

que separa un compás del siguiente. Esta barra de compás cruza
perpendicularmente al pentagrama.

Además está la doble barra que, básicamente, nos indica que en el próximo
compás se ha introducido un cambio significativo; como por ejemplo, un
cambio en el tempo. Por último, también está la barra final que, como su
propio nombre indica, señaliza el final de la lectura. Sería como el punto y
final en una obra literaria.

Figura 5. La doble barra y la final nos asisten

en la lectura musical.

Podemos señalizar con la doble barra:

62
 • La separación en partes de una partitura.
• Una modificación de la tonalidad, o una variación en el compás.
• Algún cambio en la partitura que queramos resaltar a partir de la doble
barra.

Figuras de valor y fórmula de compás

Los sonidos musicales deben tener una duración precisa en el tiempo; sino
fuera así, no sería posible la música. Las figuras de valor son las que
determinan la duración de los sonidos entre sí. Los silencios son las
pausas sonoras de los sonidos musicales.

Las figuras de valor son siete, y de mayor a menos son:

• REDONDA
• BLANCA
• NEGRA
• CORCHEA
• SEMICORCHEA
• FUSA
• SEMIFUSA

Cada silencio corresponde en duración al valor de una determinada figura

de valor; por lo que podemos decir que hay parejas equivalentes en duración
entre figuras y silencios.

Figura 6. Correspondencia entre figuras de valor y silencios.

La línea vertical que nace de la nota se llama plica, y la extensión superior del
extremo de la línea, corchete.

Existe una relación en la duración de las notas entre las figuras de valor;
esta relación se conoce como valor relativo, y es de 1:2. Esto quiere decir que
una figura de valor indica el doble de duración que la figura siguiente. Por
ejemplo, la redonda es igual a dos blancas, la negra vale dos corcheas...

1. Fórmula de compás

63
En la lección destinada al compás se ha dicho que éste se divide en una serie
de porciones iguales que se llaman tiempos. Para saber en cuantos tiempos,
y la duración de cada uno, se divide el compas tenemos un símbolo llamada
fórmula de compas.

Se trata concretamente de una fracción a continuación de la clave en cuyo

numerador se indica el número de tiempos, y en el denominador la figura
de valor que hace de unidad para medir la duración de dichos tiempos.

Figura 7. La fórmula de compás nos indica el número

de tiempos y su duración

• La figura de valor que equivale en duración a un tiempo se llama unidad

de tiempo
• La figura de valor que, en duración, coincide con un compás se llama
unidad de compás

Lo más corriente es que sea la negra la unidad de tiempo, ya que se usa

mucho el 4 como denominador en la fórmula de compás. Cuanto más usemos
figuras, como unidad de tiempo, cercanas a la redonda, menos figuras de corta
duración podremos usar.

Figura 8. Correspondencia entre figuras y denominadores

para fórmula de compás.

La ligadura de valor y el puntillo

La ligadura de valor es un símbolo que sirve para unir la duración de dos
figuras de valor que estén a la misma altura. Se trata de un pequeño arco,
paralelo al pentagrama que une a las dos notas musicales.

Cabe decir que mínimo son dos unidas, pero pueden ver más notas afectadas
por la ligadura. Por otro lado, en la práctica solo se toca la primera nota, y se
mantiene sonando durante la suma de las restantes.

En la siguiente imagen se ve esto más gráficamente:

64
 Figura 9. Las notas ligadas no se tocan; solo la primera
durante la suma de las demás.

En la figura 9 se muestran ligaduras de valor que están dentro de un compás;

no obstante, las ligaduras pueden exceder el compás, extendiéndose al
siguiente (incluso a alguno más allá). La ligadura de valor se renueva cuando
une una nota del siguiente compás.

Figura 10. La ligadura debe renovarse cuando exceda el

compás donde nació.

El puntillo

Seguramente, al observar una partitura, hayas visto un puntito al lado de la

nota musical, ese punto indica que hay que aumentar la mitad del valor de
la figura, o silencio si está al lado de un silencio.

Figura 11. Existe una equivalencia entre el puntillo

y la ligadura de valor.

La cifra indicadora en los compases

Para los compases simples, el numerador de la fórmula de compás nos dice el

número de tiempos en el compás. El denominador refleja la figura que valdrá
un tiempo; es decir, la unidad de tiempo. Para los compuestos es igual con la
salvedad de que el denominador refleja como unidad de tiempo la figura con
puntillo.

65
 Figura 14. Correspondencias entre fórmulas
de compás y figuras de valor.

Actividades musicales en Educación Inicial y primaria

La actividad musical había estado largo tiempo postergada en nuestras aulas.

En el momento actual, las asignaturas escolares se valoran según su
virtualidad y su capacidad de desenvolvimiento de la personalidad infantil.

A consecuencia de este cambio de criterio, las materias artísticas dejan de

tener ese carácter circunstancial o complementario para ocupar el lugar que les
corresponde en el programa escolar y en las actividades extracátedras.

Algunos resultados prácticos y significativos de la educación musical son los

siguientes:

*El Canto: Que es un medio excelente para el desenvolvimiento de la

capacidad lingüística del niño, en su doble vertiente: comprensiva y efectiva.

Por otra parte, a través del canto se logra suprimir los defectos de
pronunciación, gracias a un cuidado minucioso en la articulación y vocalización
de las palabras.

Por medio de la práctica musical, se crea toda una serie de lazos afectivos y de
cooperación, tan necesarios para lograr la integración en el grupo, con la
consiguiente pérdida de sentimientos contrarios tales como, recelo, timidez,
entre otros.

La educación musical, por desenvolverse en un ambiente de abierta

camaradería y de sana alegría, actúa como un verdadero relajamiento para el
niño y viene a romper ese tono de tensión y seriedad que pudiesen darse en
otras materias. Además es un magnífico recurso para desarrollar la semibilidad
estética del niño, a la vez educa el buen gusto.

La música, al cultivar los valores del alma, puede contribuir de un modo

efectivo al logro de un estado de equilibrio sentimental y afectivo. En este
sentido, el dominio de algún instrumento musical, el canto coral, y las

66
audiciones musicales, constituyen elementos de fundamental importancia en la
dirección y programación del ocio, tanto individualmente como colectivo.

¿Qué podemos lograr mediante una canción? Es una pregunta obligada cuya
respuesta permite valorar con objetividad y precisión la promoción de
actividades musicales en los centros educativos donde se atiende a los más
pequeños y aquilatar la importancia de poner en práctica un nuevo método de
educación musical que garantice el uso adecuado de la actividad musical y
contribuir así en el desarrollo integral de las capacidades musicales del
individuo y, por lo tanto, de sí mismo.

La actividad musical no sólo afecta cada una de las áreas que conforman a un
ser humano, mejor aún, las interrelaciona en lo que puede ser la máxima
muestra de integralidad; así, sus efectos se multiplican hasta el infinito: Es
posible ilustrar este concepto con el crecimiento de una semilla (experiencia
pedagógica) que requiere tres elementos sin los cuales es imposible que
subsista: el Sol (aspecto afectivo), la tierra (aspecto cognoscitivo) y el agua
(aspecto motriz).

Cuando la actividad musical hace su aparición en el aula, todo es posible. Cada

fundamento de la pedagogía moderna encuentra cabida y justificación, toda
meta educativa es alcanzada de manera integral y perfecta. Así, la teoría
pedagógica más actual encuentra un modo de expresión natural y congruente
con el desarrollo biopsicosocial del niño y viceversa.

Bien es sabido por todos que “la música es un lenguaje que desde los
tiempos más remotos ha servido al hombre para expresarse y comunicarse.
Este lenguaje universal, lleno de expresividad, sugerencia, y evocación es
eminentemente activo, globalizador e integrador. En el niño la música ejerce un
impacto tal que se convierte en fuente de energía, movimiento, alegría y juego”
(Bernal Vázquez, J. y Calvo Niño, Mª L. 2000. Didáctica de la Música. Aljibe.
Málaga).

Y somos nosotros, los que rodeamos al niño, tanto la familia como los
especialistas de Educación Infantil los que debemos saber despertar su interés,
su estímulo, su curiosidad y la atención auditiva de éstos hacia el fenómeno
sonoro; debemos proponernos como meta sensibilizar su oído y prepararlo
para la comprensión y ejecución musical.

La música siempre ha acompañado al hombre, reconociéndose su gran

potencial psicofisiológico desde las edades más tempranas. Si a esto le
añadimos que esta edad constituye uno de los periodos más fértiles y críticos
en el desarrollo intelectual y personal, los que estamos en contacto con la
formación del pequeño, necesitamos una fundamentación profunda de las
actividades musicales que se deben llevar a cabo para conseguir este
propósito.

67
 Algunos de los principios metodológicos de la Educación Musical en
infantil son los siguientes:

El entono sonoro como fuente principal de información. Hay que

partir de situaciones familiares próximas a la realidad del alumno.

Aprovechar la oferta musical de la sociedad, destacando el

folklore propio.

Relaciones con el resto de materias artísticas: La expresión

plástica y dramática nos ofrecen una gran cantidad de recursos que
ayudan a desarrollar una visión más completa de las
manifestaciones sonoras.

El juego, como base del desarrollo de las actividades: El

tratamiento de la educación musical en esta etapa debe ser
totalmente lúdico, se debe potenciar el goce y el divertimento en la
realización de las actividades musicales.

El carácter cíclico de los contenidos. Se debe partir de vivencias

y conocimientos propios y de contenidos tratados con anterioridad.

Desarrollo del “saber percibir” para “saber hacer” y “saber

analizar”: Este principio es la base del tratamiento metodológico y de
la realización de actividades musicales.

Podemos hacer uso de un extenso conjunto de actividades que sirvan

para:

La discriminación auditiva, localizando los sonidos en el espacio, y

reconociendo el silencio e identificando los objetos sonoros.

El fomento del desarrollo del sentido rítmico.

La desinhibición en el uso de la expresión corporal.

En esta línea algunas de las actividades que utilizamos en este cometido

son:

Realizar el ritmo con percusión instrumental: fuerte o piano, rápido

o lento.

Comparar los distintos sonidos producidos por el agua: vertida con

un jarro, echada con la regadera, y el chorro del grifo. Sobre el mismo
material, ¿cuál suena más fuerte?.

Decir nombres de flores y frutas dando una palmada a cada sílaba.

Repetir un esquema rítmico, primero con palmadas y luego con

gestos.
68
 Dividir a los niños en tres grupos. Un grupo sopla como el viento;
otro produce el sonido de gotas de lluvia al caer (chasqueando la
lengua contra la parte interna de los dientes superiores). El tercer
grupo marcará el mismo ritmo golpeando con un lápiz sobre la mesa.

Trabajar con distintos instrumentos musicales para ver sus

características.

Juego por parejas sentados o de pie, uno frente a otro, en espejo,

marcando pulsaciones con palmas.

Marcha al ritmo de la música, cambiando de sentido en el cambio

de frase.

Participar con alegría en los juegos, al ritmo de la canción o de la

música.

Caminar por toda la clase como si estuviéramos paseando por el

campo.

Instrumentalizar poesías.

Marchar siguiendo distintos ritmos.

Cantar canciones donde una frase se diga en voz alta y otra

interiormente.

Palmear palabras atendiendo a su sílaba.

Palmear las sílabas del nombre de cada niño.

Improvisar ritmos con distintos instrumentos.

Buscar y descubrir con la mirada el lugar de donde proviene el

sonido.

Buscar con los ojos cerrados de donde procede el sonido.

Cantar una canción mientras el maestro o un niño están de pie y

cuando se siente nos callamos.

Imitar sonidos de animales, objetos.

Cada niño tiene un objeto o instrumento distinto. El maestro de

espaldas a los niños hace sonar uno de ellos y el niño que lo tiene
igual, toca el suyo.

Todos los niños tienen los mismos objetos que el educador:

pandereta, maracas... Cuando el educador toca uno, todos los niños
hacen sonar el mismo objeto o instrumento.
69
 Formar dos grupos de niños: un niño escoge la forma de hacer
determinados ruidos con las manos, los pies, la boca. El otro grupo lo
imita.

Reconocer diferentes ruidos que pueden hacer los mismos niños:

arrugar una hoja de papel, silbar, repiquetear con los dedos en el
cristal de la ventana, rasgar una tela.

Reconocer sonidos producidos por objetos cotidianos. Ej: el ruido

de una puerta el que se produce al ser arrastrada una silla...

Reconocer sonidos producidos por agentes naturales: canto de un

pájaro, ladrido de un perro, sonido del viento, de la lluvia...

Distinguir voces e instrumentos.

Aplicar ritmo a una adivinanza.

Improvisar una pequeña orquesta: con instrumentos naturales, de

percusión u objetos cotidianos; con papeles de distinta textura...

Juegos de las estatuas con música...

Estas actividades, para que adquieran una lógica coherente, las podemos
fundir en canciones. Una canción que podemos trabajar es la siguiente: “En la
punta de un manzano”.

Para enseñar está canción a los niños habrá que hacerlo muy
despacio, es decir, ir frase por frase. De manera que iremos haciendo
el acento y el pulso de cada frase y hasta que no se aprenda no
pasaremos a la frase siguiente. Lo haremos dando palmadas con las
manos, palmadas con los pies, con los pies y el suelo, con las manos y
los muslos, etc., ya sean con las dos a la vez o bien alternándolos.
Como ya hemos adquirido el ritmo de la canción, ya podemos
cantarla.

Podemos ahora dividir la clase en dos grupos: unos cantarán la

canción y otros la dramatizarán. La dramatización cada uno la
realizará como quiera y posteriormente inventaremos una coreografía
para todos. Después los niños se intercambiarán los papeles.

La coreografía podría ser:

- Cuando se diga “pajarito” hay que agitar los brazos como si

estuviéramos volando.

- Cuando se diga “chirulirulí” haremos unas ondas con las

manos.
70
 - Cuando se siga “canta” cerramos la mano y nos ponemos el
puño delante de la boca y cantamos como si nuestra mano fuera
un micrófono.

Para aprender las notas de la canción, dibujarán caras poniéndole el

nombre de las notas musicales. Así los niños aprenden la escala al
relacionarla con nombres que empiezan por el de cada nota.

- Así, do, se llamaría Dorotea; re, Remigia; mi, Micaela; fa,

Faustina; sol, Soledad; la, Laura y si, Silvia.

- De este modo, hacen la primera asociación de cada nombre

con su forma correspondiente; que debe ser invariable.

- A esas siete señoras hay que darles una vivienda en la Villa

del Pentagrama, que así denominamos al conjunto de cinco
líneas y cuatro espacios. Resulta que las primeras eran los pisos
exteriores y las segundas los interiores. Y al pentagrama se le
dibuja su tejado.

- La clave de sol es la casera, encargada de dar piso a cada

una de las señoras que le piden vivir en su casa. A la señora que
se llamaba igual que ella, le dio su mismo piso, ya que le hizo
mucha gracia, era en la segunda línea donde se colocaba el sol.
Y así sucesivamente con todas, procediendo a dibujarlas.

- Conforme se acepten, se probará con las figuras musicales y

los silencios, dándoles también nombre.

Con esta práctica rítmica, que se inicia con fórmulas rítmicas encadenadas con
carácter vivo, apropiadas y que se repiten insistentemente, conseguiremos que
los niños se impregnen de ellas y tomen conciencia de la pulsación.
Estimularemos la imaginación creadora y la expresión gestual a través del
movimiento sonoro pretendiendo sobre todo buscar una manera de expresión
natural abogando por la educación sensorial como vía para llegar al intelecto.

EL CANTO EN EDUCACIÓN INICIAL Y PRIMARIA

El canto, el acto de transmitir la palabra mediante la música, es quizás la

expresión más bella y sublime de la comunicación. A lo largo de la
historia y a través de todas las culturas, el hombre siempre ha entonado
cantos. Por ello, los distintos tratamientos que ha sufrido este hecho
constituyen una de las facetas culturales más importantes de la
humanidad.

71
¿Qué es el canto?

Aunque el término canto tiene diversas acepciones, la más generalizada lo

define como el arte de emitir bien la voz mediante un perfecto impulso, una
dicción limpia y clara y una interpretación expresiva y musical. Desde hace
decenas de siglos la humanidad ha empleado el canto, si bien cada cultura ha
desarrollado sus particulares modos de hacerlo. La música, junto con a
palabra, ha sido considerada por toda las religiones como un eficaz medio de
comunicación con el cielo, con los hombres y con la creación. Al trascender la
realidad, el canto actúa sobre el psiquismo y el espíritu humanos y, si se
ejecuta con rigor, tiene gran poder espiritual. En un contexto sagrado, el canto
no es una finalidad en sí, sino el canal de una experiencia trascendente: el
encuentro con Dios y con uno mismo

En la educación inicial y primaria, los niños exploran su voz, van descubriendo

sus cualidades y posibilidades.
Prueban reiteran, renuevan y con esta actividad acrecientan sus repertorio de
sonidos.
El canto que comenzó con balbuceos en los bebés se va desarrollando y
encuentra a los niños de 2 y 3 años, con mayores posibilidades de aproximarse
a la entonación de ciertas canciones de su repertorio.
Esta lenta construcción demanda del maestro un buen acompañamiento,
buenos modelos, estímulos adecuados y repeticiones no rutinarias.
Algunos niños haciendo galas de sus avances, solicitan cantar solos, otros en
cambio, se inhiben frente a esta propuesta, negándose en ocasiones hasta a
cantar grupalmente. Se ha podido observar que cuando los niños cantan solos
y se sienten escuchados se impacienta, tienden a apresurarse, acortan las
pausas entre las frases. El docente deberá tener en cuenta estas
características alternando propuestas de canto a todo el grupo, a pequeños
grupos.
Hay niños cantores, suelen acompañar sus acciones con movimientos
corporales y dramatizaciones con cantos que improvisan o del repertorio
conocido. Para el docente será muy interesante observar las características
personales y la evolución de estos cantos espontáneos.
Cada canción “expresa algo”. Al cantar se puede caracterizar personajes,
interpretaciones que incluyan la imaginación y la fantasía determinan
diferencias evidentes en el canto expresivo.
El acompañamiento con palmeos, a todas las canciones, cuando solo algunas
veces dicha práctica es adecuada, o el cambio arbitrario de su velocidad y/o
velocidad, son dos factores esenciales para definir la expresión. Estas
ejercitaciones tan arraigadas, deberán ser examinadas por el docente.

Un hecho que siempre me ha sorprendido al trabajar con niños de

Educación Infantil, es verlos realizando cualquier actividad de clase, y de
repente, ponerse a cantar. Si uno o dos empiezan, al momento ya se han unido
todos sus compañeros a este canto colectivo. Para ellos es compartir algo que
aman, es un momento rico en emociones, que nos puede servir a los
educadores para la exploración de muchos elementos.

72
 Kodaly decía que la canción popular era la lengua materna musical del
niño y que de la misma forma que aprende a hablar debe aprender a cantar de
pequeño. El canto en general y la canción en particular, son una de las

primeras manifestaciones musicales de la humanidad, con las que ha querido

expresar situaciones, sentimientos y emociones.

Es muy positivo que las madres canten a sus hijos, incluso antes de
nacer. El niño oye la voz de su madre, y cuando éste ha nacido, la canción es
un medio de comunicación y de familiarización con él. Al igual que conocemos
la importancia de la palabra de la madre para desarrollar la futura actitud del
niño hacia la lengua, pasa lo mismo con la música, la actitud del niño hacia ella
será favorable si ha tenido experiencias musicales en la primera infancia.

Cuando los padres cogen al recién nacido y lo mecen cantando, le

transmiten: un desarrollo del sentido rítmico (por la sensación corporal global

del balanceo asociado al sonido), una sensación de seguridad (el sonido
musical unido al abrazo materno o paterno, representa el soporte del
sentimiento del amor y ternura que se desprende de los padres)... Las
canciones, el contacto corporal, van a ayudar al niño a establecer la función
simbólica.

El niño canta incluso antes de hablar, y es sumamente importante dejar

que su imaginación musical se desarrolle, dejar que improvise sus canciones
libremente y su lenguaje. A los más pequeños les encanta las cancioncillas que
sirven para hablarles del cuerpo, el placer de las palabras unido al
descubrimiento del lenguaje y del cuerpo, los balanceos, los juegos corporales,
las canciones acompañadas de gestos...

Hay adultos que consideran las canciones infantiles insignificantes, y se

abstienen de enseñarlas a los niños, pero están equivocados. Es muy positivo
el nacimiento de esta primera inscripción de las formas musicales en la

73
memoria del pequeño. No importa si las palabras no tienen mucho sentido, son
las sílabas quienes mantienen el recuerdo del ritmo y el encadenamiento de los
sonidos. El niño disfruta oyéndolas una y otra vez, las canta el mismo, y esto
constituye una fase importante de la evolución natural. Esta etapa puede ser
breve, pero nunca suprimirla

Violeta Hemsy de Gainza en su libro: "La iniciación musical del niño"

afirma que la canción infantil es el alimento musical más importante que recibe
el niño. A través de las canciones, establece contacto directo con los elementos
básicos de la música: melodía y ritmo. Por ese motivo hay que tener cuidado
en seleccionar el cancionero. Una canción es infantil cuando responde a las
necesidades musicales y espirituales más auténticas del niño a una edad y en
un ambiente determinados. Cuando cumple estas condiciones,

el niño la acepta y la hace suya, entrando desde ese mismo momento a

formar parte de su mundo interior.

Los primeros cantos, tan vacilantes como los primeros pasos que da el
niño, son imprecisos en lo que se refiere a entonación y ritmo. Nosotros
debemos elegir canciones infantiles sencillas, basadas en dos o tres notas,
cantarlas de forma alternada con una voz solista: la de la maestra, la de un
instrumento o una grabación que exprese de modo correcto lo que se canta...

Según Ana Lucía Frega en su libro: "Música para maestros", los objetivos
relacionados con el canto en el primer ciclo son:

- Respira costo-diafragmáticamente en forma espontánea.

- Se inicia en el control del soplo respiratorio.

- Canta con los músculos faciales relajados.

- Comprende la colocación de su voz.

- Entona adecuadamente al unísono, canciones sencillas.

- Pronuncia con claridad el texto de las canciones.

- Matiza cuando canta.

- Comprende y expresa el significado del repertorio que aborda.

74
 - Canta según el carácter de la obra.

- Demuestra que le gusta cantar...

Al enseñar una canción hay que tener en cuenta la respiración, la

emisión, la entonación, la articulación y la expresión. Podemos empezar con
ejercicios de respiración y relajación muscular de cara, cabeza y cuello,
vocalización con la vocal que resulte más sencilla, vocalización con todas las
vocales y consonantes, estudio de la canción popular...

La respiración es mucho más que la base para el canto: es la función

primordial del cuerpo humano. A veces practicamos una respiración muy
superficial y deficiente que no llega a hacer trabajar los pulmones debidamente.
Podemos aprovechar la educación musical para implantar al mismo tiempo una
enseñanza de la correcta respiración. El efecto sobre las voces será
sumamente beneficioso.

Hemos de enseñar al niño cómo inspirar sin esfuerzo la mayor cantidad

de aire posible; y cómo espirarla con la mayor lentitud y bajo el absoluto control
de nuestra voluntad. Una tercera fase de la respiración (la retención del aire en
el cuerpo) tiene importancia sólo en el deporte y no para el canto. La
respiración no debe constituir un esfuerzo, hay que graduarla de acuerdo al
físico y a la edad del niño. El canto, con el ejercicio de respiración constante
que administra, contribuye al desarrollo de los músculos y a la buena
respiración, necesaria para cantar y, por lo tanto, a la educación para la salud.

La canción aporta al proceso educativo-musical el desarrollo de

numerosas capacidades, como:

- Captación rítmica y melódica.

- Captación del pulso y del acento musical.

- Memorización melódico-rítmica.

- Expresión de matices, carácter y movimiento.

- Improvisación e imaginación creadoras.

- Expresión a través del movimiento corporal.

- Ejercitación de la propia voz al hablar y al cantar.

Orff basa su método o sistema en los ritmos del lenguaje, cuyas palabras
poseen una rica fuente de elementos rítmicos, dinámicos y expresivos, que
junto con el cuerpo forman la conjunción del ritmo (palabra- cuerpo –
movimiento) y la vivencia del mismo.

Dalcroze considera a la rítmica, o ritmo del cuerpo, como la base y punto

de partida de los estudios musicales, mientras que Orff toma como base los
75
ritmos del lenguaje. Para Orff, el cuerpo trabajará como un instrumento de
percusión de timbres variados, que emplea cuatro planos sonoros, pies,
rodillas, palmas y dedos, con los que se pueden conseguir distintas variedades
rítmicas y dinámicas.

Muchas son las actividades que podemos realizar con los niños a través
de la canción: realizar ecos (en lalaleos y con onomatopeyas, con palmoteos,
con los pies, con ambas manos simultáneamente sobre las rodillas, con manos
alternadas sobre rodillas y muslos); entonar con claridad, afinación; vocalizar
con suavidad y naturalidad, aplicando diferentes matices, como suave o fuerte;
inventar acompañamientos rítmicos; hacer tomar conciencia a los niños de todo
lo que pueden realizar vocalmente (modos de producir sonido con los labios,
con los dientes, con la lengua, combinando estos elementos...); tomar
conciencia del aire que hace vibrar las cuerdas vocales; reír, llorar, susurrar,
gritar; jugar con la voz como un instrumento, realizar en las canciones
ejercicios y juegos auditivos, visuales, motores, lúdicos, expresivos...

Las imágenes que se observan en este artículo son de una dramatización

realizada en un colegio con alumnos de seis años. Al tiempo que unos niños
cantan canciones que corresponden a cada estación del año, otros la
representan: primavera (una niña tocando la flauta juega con un pajarillo que
vuela alrededor de las flores que están naciendo), verano (con nuestra ropa de
baño, estamos preparados para irnos a la playa), otoño (las hojas de los
árboles empiezan a caerse) e invierno (jugamos con un muñeco de nieve). Los
niños disfrutaron cantando y dramatizando.

Como hemos podido ver, en el aprendizaje de canciones intervienen

muchos factores, como: auditivos, visuales, motores, memorísticos, sociales,
lúdicos, expresivos, etc, que al irse trabajando progresivamente, desarrollan las
capacidades del ser humano y al mismo tiempo su sensibilidad.

LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

Son objetos construidos con el propósito de producir sonidos que puedan ser
combinados por un intérprete para producir música.
Existen diferentes formas de clasificar los instrumentos musicales, la más
frecuente es aquella que nos agrupa los instrumentos en tres familias básicas:
viento, cuerda y percusión; sin embargo, esta clasificación tiene ciertos
defectos porque para clasificar no atiende a un único factor, y un mismo
instrumento podría pertenecer a distintas familia; por ejemplo, un piano podría
pertenecer a la familia de la cuerda, puesto que suenan las mismas, y por otro
lado, podría ser un instrumento de percusión, ya que es esa su forma de
producir los distintos sonidos. Por ello, el musicólogo Curt Sachs ideó un nuevo

76
método de clasificación que atendía únicamente a las propiedades físicas de
cada instrumento (es decir, únicamente a qué es lo que suena).

AERÓFONOS:
Son los llamados instrumentos de viento, donde el sonido es generado por la
vibración de una columna de aire. Son instrumentos de viento:

Familia de Viento de Madera

Familia de Viento de Metal: Los instrumentos de viento metal son aquellos

que el sonido es producido por una columna de aire que vibra y que están
construidos con diferentes metales. El orificio por el que introducimos la
columna de aire al instrumento se llama boquilla.
Son instrumentos de viento metal:

77
IDIÓFONOS: Un idiófono es un instrumento musical en el cual la totalidad del
instrumento produce el sonido.

MEMBRANÓFONOS: Los membranófonos son instrumentos musicales que

tienen como fuente sonora una membrana. Son instrumentos membranófonos:

CORDÓFONOS: Los instrumentos de cuerda o cordófonos son instrumentos

musicales que producen sonidos por medio de las vibraciones de una o más
cuerdas. Estas cuerdas están tensadas entre dos puntos del instrumento.
Los instrumentos de cuerda se dividen en tres subgrupos en función de cómo
son efectuados:

78
a) Instrumentos de cuerda frotada: Son los que la cuerda se pone en
vibración por medio del frotamiento con un arco. Se desliza un arco sobre
las cuerdas para hacerlas vibrar. Aunque en ocasiones estos instrumentos
también se pueden puntear con los dedos (lo que se conoce como
pizzicato).
Se sostienen debajo de la barbilla y con un brazo estirado, la viola y el
violín y se apoyan en el suelo el violonchelo y el contrabajo.
Son Instrumentos de Cuerda Frotada:

b) Instrumentos de cuerda pulsada o punteada: En los que la cuerda se

pone en vibración mediante la pulsación de la misma. La cuerda se puntea
con los dedos o con un plectro.
Son instrumentos de cuerda pulsada:

c) Instrumentos de cuerda percutida: Son los instrumentos que la cuerda

se pone en vibración al ser golpeada por un pequeño martillo. El
instrumento más conocido de este tercer grupo es el piano, en el que los
martillos, hechos de madera y forrados de fieltro, están controlados por un
mecanismo accionado por las teclas. Otro integrante, más antiguo, de este
grupo es el clavicordio.

79
ELECTRÓFONOS: Son los instrumentos musicales que producen
sus sonidos usando la electrónica, es decir, el sonido se genera o
se modifica mediante corrientes o circuitos eléctricos.

Los electrófonos se dividen en 2 grupos:

• Instrumentos tradicionales eléctricamente amplificados, el
instrumento es como el acústico, pero la amplificación del
sonido se realiza por medios electrónicos. Por ejemplo, la
guitarra eléctrica.

• Instrumentos con generación eléctrica completa. Tanto la

vibración inicial como la amplificación se realizan
electrónicamente. El generador sonoro acústico (cuerda, etc)
es sustituido por otro de tipo electrónico que produce una
señal oscilatoria armónica.

[Link]
LA QUENA, ZAMPOÑA, BOMBO Y GUITARRA.

La quena es una flauta originaria de América del sur, de la

zona andina (Bolivia, Ecuador, Perú, Chile y Argentina), que se
tocaba en el imperio Inca y ahora en todo el mundo; es, por esta

80
“universalidad”, por lo que aparece este método que intenta, con unos
ejercicios sencillos, enseñar a sacarle todo el sonido, del que es capaz de
ofrecer este instrumento, y poder ejecutar con él toda clase de músicas, ya que
hasta el momento sólo aparecían pequeños manuales donde se nos enseñaba
a hacerla sonar y a tocar con ella melodías pentatónicas y diatónicas. No se
aprovechaban todas las cualidades sonoras de este bello instrumento que mas
que sonar, podríamos decir, habla.
En sus orígenes era una flauta de cuatro a siete orificios de la familia de las
flautas verticales con muesca, con similitudes, aunque con marcadas
diferencias sonoras, con el Shakuhachi japonés, el material usado para su
construcción era, mayoritariamente, la caña aunque también las había de
hueso, barro cocido, plumas de cóndor… y era usada para ejecutar melodías
pentatónicas, posteriormente las diatónicas para por último pasar a interpretar,
con la escala cromática, cualquier clase de melodía.
La quena tiene las características necesarias para poder ejecutar cualquier
melodía y acompañado con toda clase de instrumentos; no como en un
principio, dónde sólo era acompañada por los de percusión, más tarde por
charangos y guitarras, para serlo hoy, en nuestros días, por violines, pianos,
flautas, oboes, …e incluso por toda una orquesta.

LA ZAMPOÑA

Las peculiaridades de éste y otros instrumentos son una ventana abierta al

proceso evolutivo del ser humano. Han sido herramienta y testimonio de las
más básicas necesidades existenciales, así como de las más depuradas
manifestaciones espirituales.

La zampoña es una flauta pánica (en honor del dios Pan), conocida también
con otros nombres como siku o antara, de acuerdo según su procedencia.
Mientras que zampoña proviene del griego, siku es de origen aymará y la
antara de origen quechua; estas dos últimas pertenecientes a la cultura andina.

Descripción

En términos generales la zampoña se compone de una serie de cañas

cerradas en sus extremos inferiores, atadas entre sí en forma de balsa, que se
soplan de manera vertical descendente por los bordes de los orificios
superiores. Es un instrumento que se ha extendido por todos los continentes y
a pesar de las diferencias que presenta, según el contexto cultural en que se
ha desarrollado, conserva rasgos comunes, no sólo en lo referente a su
construcción, sino también en su papel social relacionado con ceremonias,
rituales, poderes mágicos, hechizos de amor, etcétera.

Clasificación

Dentro de la clasificación general de los instrumentos, la zampoña es un

aerófono, es decir, un instrumento de viento. Los instrumentos de viento tienen
81
dos características esenciales: 1) Un tubo que encierra una columna de aire
producida por el soplo del ejecutante y 2) un elemento que ponga en vibración
dicha columna, que produce el sonido. Esta columna se puede poner en
vibración por los labios apretados de un trompetista, por la oscilación de una
lengüeta simple, en el caso del clarinete, doble en el caso del oboe, o por el
borde afilado de una flauta. Los instrumentos de viento se diferencian
precisamente por estas formas de poner en vibración la columna de aire, es
decir, de producir el sonido.

La zampoña es uno de los instrumentos más representativos de las culturas

andinas. Ha cumplido y cumple un papel polivalente y está presente en todo
tipo de tradiciones, ceremonias, celebraciones, bailes, homenajes, etc. Existe
una enorme cantidad de variaciones y nombres de acuerdo con el tipo y uso
que se les da; las hay de una y dos filas de tubos, en forma de escalera,
rectangulares o en escalera alterna, de uso solista o colectivo, con bisel o sin
bisel y con una gran variedad en la cantidad de tubos. También hay de dos filas
de tubos que combinan cañas cerradas en su extremo inferior con cañas
abiertas a manera de resonadores, ya sea en forma de escalera, rectangulares,
de uso solista y colectivo.

Es común ver en los grupos de música andina familias de zampoñas que, de la

grave a la aguda, están representadas básicamente por las llamadas:

• Toyos: sonido grave (su registro se extiende del re 1 al re 2).

• Zankas: una octava más alta que los toyos (su registro se
extiende del re 2 al re 3).
• Maltas: una octava más alta que las zankas (su registro se
extiende del re 3 al re 4).
• Chulis: una octava más alta que las maltas (su registro se
extiende del re 4 al re 5).

Muchas están hechas de dos hileras de tubos complementarias,

combinan una hilera de 6 tubos denominada ira con otra de 7 tubos
denominada arka, de forma tal que la escala se completa entre las dos
hileras. Arka e ira tienen un significado místico en el mundo andino; pueden
representar al hombre y la mujer, al día y la noche, a la luz y la oscuridad,
las fuerzas opuestas de la naturaleza que juntas representan la totalidad de
las cosas. Cuando la forma de tocar es alternada entre dos o varios
ejecutantes (a lo que se le llama ‘trenzar’), el hombre andino está
proyectando este principio místico.

82
 En Perú, el Instituto Nacional de Cultura ha llevado
a cabo un estudio sobre la variedad y cantidad de
instrumentos, clasificación y detalles de sus
características, construcción y ubicación geográfica.
Los resultados de esta investigación dieron un balance
de 350 instrumentos distintos que actualmente se usan
entre la sierra y costa de Perú. En ese estudio se
incluyen las variantes de los instrumentos en uso,
como los 71 tipos de flautas pánicas, 32 de quenas, 11
de charangos, 9 de flautas traveseras, 18 de flautas de
una sola mano, etc. A los anteriores hay que sumar los
de la selva amazónica peruana donde se detectaron
un total de 56 tipos de instrumentos musicales entre
idiófonos, membranófonos, cordófonos y aerófonos.

EL BOMBO
Es un tambor construido por un cuerpo cilíndrico de madera, sobre cuyos
extremos se extienden dos membranas de cuero de oveja o de cabra, que
llevan cosido un arquito en el borde. Una varilla de madera bordea por encima
el perímetro de cada parche, ajustándolo contra el cuerpo. Entre ambas
varillas o aros se realiza una atadura con tiento en forma de zigzag, de modo
de mantener estirados los parches. La tensión de los mismos se puede regular
por medio de anillos de cuero que unen de a dos las ataduras. Se percute con
dos mazos.
El cuerpo del bombo está constituido de madera de ceibo, de sauce de cardo
de árboles locales que una vez trabajados son difíciles de catalogar. La
fabricación del cuerpo es una tarea muy difícil ya que es necesario ahuecar el
tronco del árbol hasta lograr un espesor aproximadamente de un centímetro,
por ello los trabajos en serie de estas piezas han incorporado el empleo de
madera terciada.
Otro componente del bombo son sus membranas. Realizadas con cuero de
ovejas, cabras, vizcachas guanacos, puma, etc. Se extiende sobre un marco en
forma de aro al que van enrollados y cosidos.
Los tensores, presilla, afinadores, etc. son generalmente de cuero vacuno:
otros materiales accesorios son los clavos para unir el aro. El material del mazo

83
puede ser de cuero o lona, con rellenos de algodón, trapos o lana. Su función
es brindar una calidad de sonido más grave, siempre bien recibida en un
bombo.
El templado se realiza a través de los tensores, previamente condicionados los
parches (humedeciéndolos levemente), exponiéndolos a resplandor nunca
directamente al sol.

Este instrumento tiene una sonoridad capaz de oírse a varias leguas, de allí. El
bombo criollo, como es su denominación, se clasifica en membranófonos
de golpe directo enmarcados.

El modo de ejecución está sujeto a una forma determinada, pero

habitualmente el ejecutante, sentado, apoya el bombo, acostado sobre
sus piernas, y con palito y mazo percute el centro y el borde del parche.
Apoya su muñeca izquierda sobre el aro, mientras que su derecha actúa
libremente.

El bombo es un instrumento muy difundido en la región el noreste y en el centro

del país, generalmente se utiliza para acompañar canciones y danzas y su
función es eminentemente percutiva.
Forma parte, a menudo, de conjuntos instrumentales de carácter recreativo y
además acompaña las procesiones.

LA GUITARRA

La guitarra es un instrumento musical de cuerda

pulsada, compuesto de una caja de madera, un
mástil sobre el que va adosado el diapasón o
trastero, generalmente con un agujero acústico
en el centro de la tapa y seis cuerdas. Sobre el
diapasón van incrustados los trastes, que
permiten los diferentes tonos. Su nombre
específico es guitarra clásica, guitarra
española o guitarra criolla.

Es el instrumento más utilizado en géneros como

blues, rock y flamenco, y bastante frecuente en
cantautores. También es utilizada en géneros
tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.

Cuando el instrumento es más pequeño que una guitarra se denomina requinto

y cuando es más grande guitarrón. Este último es de uso frecuente por los
mariachis.

CLASES DE GUITARRAS

• “Guitarra española”.
• “Guitarra criolla”
• "Sonanta"

84
Conviene respetar esas denominaciones, para distinguirlas de otros
instrumentos con los que la guitarra está estrechamente emparentada y que
tienen un uso tanto o más extendido que la propia guitarra española.

Con independencia de la forma en que se designa, existen dos tipos básicos de

guitarra española:

• Guitarra clásica, que puede ser de estudio o de concierto, según

pequeñas variaciones en sus dimensiones, maderas y calidad de
construcción, que dan más sonoridad y calidad a la de concierto,
naturalmente.
• Guitarra flamenca, de tamaño ligeramente menor que la clásica, distintas
maderas y otras variaciones que la hacen menos resonante pero más
percusiva.

Existen otros dos instrumentos íntimamente emparentados con la guitarra

española, pues se afinan igual y se basan en los mismos conceptos
fundamentales, si bien cada modelo tiene un repertorio específico o cuando
menos preferente en cuya ejecución se usan técnicas a veces exclusivas:

• Guitarra acústica, podría decirse que es la versión norteamericana de la

guitarra española, ya que en su diseño original no se emplearon las
innovaciones de Antonio Torres Jurado, sino las de CF Martin. La
diferencia fundamental es que lleva cuerdas de metal en lugar de
cuerdas de tripa o nylon. Suele ser de mayor tamaño y su diseño es
mucho más variado que en la guitarra española

• Guitarra eléctrica, inventada en USA, es de una tipología de una infinita

variedad de tamaños, tanto sólidas como huecas, de madera o
materiales sintéticos, pero cuya principal característica es que su sonido
no sale del instrumento sino que se produce a través de un sistema de
amplificación alimentado por energía eléctrica.

Guitarras del Renacimiento y Barroco [editar]

Las guitarras del Renacimiento y Barroco son ancestros de las guitarras

clásicas. Son más delicadas y producen un sonido más débil. Son más fáciles
de distinguir de otras guitarras, ya que su cuerpo es más delgado y plano.

Guitarra acústica
Guitarra acústica
El adjetivo "acústica" es tomado directamente del
inglés (acoustic guitar) por el uso que de dicho
adjetivo hacen los anglófonos, para diferenciar la
guitarra de caja con respecto a la guitarra eléctrica.
Es claramente redundante, pues la guitarra, por
definición, es un instrumento acústico. La guitarra
acústica deriva de los diseños de C. F. Martin y Orville Gibson, principalmente,

85
luthieres estadounidenses que desarrollaron su actividad principalmente a
finales del s. XIX. Por ejemplo, para denominarlas los alemanes utilizan el
adjetivo western (literalmente ‘guitarras del oeste’, como las películas), lo que
se acerca más a su naturaleza y a la clase de música que las hizo populares.

La guitarra conocida comúnmente como "acústica" se caracteriza por tener

normalmente una caja más ancha con "hombros" más rectos y un mástil más
estrecho (aún admitiendo los innumerables tipos de guitarra acústica), pero su
principal característica es que usa cuerdas metálicas, de níquel o acero. Ello
produce una mayor resonancia y un sonido más agudo que una guitarra
española.

Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin
ningún tipo de amplificación eléctrica, sólo por transducción de la fuerza
mecánica. Así las cosas, esta catalogación lleva a confusión, pues entre las
guitarras "no eléctricas" hay dos tipos principales, que se distinguen por el tipo
de cuerdas y la construcción del cuerpo: las guitarras llamadas "españolas" o
"clásicas" (que tienen cuerdas de tripa, hoy nailon) y las llamadas "acústicas",
con cuerdas metálicas y el cuerpo normalmente mayor. Las clásicas se tocan
normalmente sentado aunque, como es usual en las acústicas y eléctricas,
también pueden colgarse mediante una correa si se adaptan. En México, éstas
son usadas en los mariachis y otras bandas.

Guitarra de flamenco
Guitarra flamenca con dos golpeadores
En España existe una variante muy extendida,
similar a la guitarra clásica, de la que es difícil
distinguirla a simple vista, conocida como guitarra de
flamenco o "guitarra flamenca". Realmente, el
repertorio clásico se incorporó a la guitarra
relativamente tarde y la guitarra fue desde su más
remota evolución un instrumento popular, por lo que
no sería descabellado admitir que la guitarra
auténtica es la de flamenco, mientras que la guitarra
clásica es la evolución.

Varía su sonido por una construcción ligeramente

distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La
guitarra flamenca tiene un sonido más percutivo, su caja es un poco más
estrecha, y generalmente las cuerdas están más cerca del diapasón.

La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una
guitarra española de concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución
es más fácil y rápida, debido a la menor altura de las cuerdas, lo que permite
que se pueda hacer menos presión con los dedos de la mano izquierda sobre
el diapasón.

Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de palo y se

embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella.

86
Suele llevar debajo de la roseta o agujero un guardapúas, golpeador o
protector (a veces también uno superior), para evitar que los rasgueos y golpes
que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el Flamenco, afecten a la
madera.

Partes de la guitarra española o clásica

Partes de la guitarra clásica y eléctrica

1. Clavijero
2. Cejilla
3. Clavija
4. Trastes
5. Tensor del mástil
6. Marcadores de posición
7. Diapasón
8. Cuello
9. Caja (clásica) o cuerpo (eléctrica)
10. Pastillas o micrófonos
11. Perillas o controles de volumen y tono
12. Puente
13. Protector o golpeador
14. Tapa
15. Tapa armónica
16. Aro
17. Roseta
18. Oído o boca
19. Cuerdas
20. Mástil

Algunas guitarras poseen más de un diapasón (máximo conocido 5 mástiles) o

sobrepasan las 7 cuerdas.

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