El diseñador de niveles es, ante todo, un arquitecto de

experiencias.
Toma las ideas abstractas del Game Designer —mecánicas, narrativa,
tono y objetivos— y las traduce en espacios interactivos jugables.
Su tarea es transformar el diseño conceptual en una experiencia
tangible, coherente y emocionalmente efectiva.

El Level Designer no solo construye entornos; construye ritmo,

progresión y significado. Evalúa qué mecánicas deben
implementarse, cuáles deben omitirse o ajustarse, y cómo integrarlas
orgánicamente dentro del flujo del juego.

A su vez, actúa como protector del equilibrio del nivel,

garantizando que cada decisión —desde la disposición espacial hasta
el posicionamiento de enemigos o ítems— mantenga la coherencia
con la intención del diseño original.

Es también un guía invisible: dirige la atención y las emociones del

jugador mediante composición, iluminación, ritmo y progresión
ambiental.
Su responsabilidad es lograr que el jugador se sienta inmerso,
desafiado y recompensado, sin percibir las costuras del diseño.

En resumen, el Level Designer es el puente entre la idea y la vivencia,

entre la teoría y la emoción; un creador de mundos que equilibra
estructura, ritmo y propósito para dar forma al corazón interactivo
del juego.

OCR: Objetivo, Desafío y Recompensa

El principio de OCR (Objective, Challenge, Reward) constituye la

base del diseño de progresión dentro de un nivel. Esta estructura
define cómo el jugador interpreta, ejecuta y recibe
retroalimentación dentro de la experiencia de juego.

1. Objetivo (Objective):
Es la meta clara o implícita que el jugador debe alcanzar. Puede
estar comunicada visualmente (un punto iluminado, un objeto
destacado, un NPC) o narrativamente (una misión, una pista
ambiental).
Su propósito es dar dirección y sentido a las acciones del
jugador.

2. Desafío (Challenge):
Es el conjunto de obstáculos, mecánicas o decisiones que el
jugador debe superar para lograr el objetivo. Estos desafíos
 pueden variar en tipo —físicos, mentales, tácticos o
emocionales— y deben mantener un equilibrio entre
dificultad, ritmo y satisfacción.
El desafío es lo que mantiene la experiencia significativa y evita
la monotonía.

3. Recompensa (Reward):
Es el refuerzo positivo que obtiene el jugador al completar el
desafío. Puede ser tangible (ítems, puntos, mejoras) o
emocional/narrativo (información, alivio, avance, satisfacción
estética).
La recompensa cierra el ciclo de motivación y refuerza el
comportamiento deseado, incentivando la exploración o el
progreso.

En conjunto, los OCR funcionan como microestructuras de flujo

dentro del nivel. Cada segmento de un escenario —ya sea una
habitación, un pasillo o una secuencia narrativa— puede diseñarse
bajo este principio, permitiendo mantener una progresión
coherente, rítmica y motivante.

El Level Designer utiliza los OCR no solo para marcar la dirección del
jugador, sino también para gestionar la tensión emocional del
recorrido: objetivos que despiertan curiosidad, desafíos que elevan la
adrenalina, y recompensas que ofrecen catarsis o alivio.

El diseñador de niveles tiene que poder crear estos OCR sin

perder el foco principal del nivel.

Ejemplo de OCR aplicado en un entorno cerrado

Imaginemos que diseñas un laberinto con múltiples secciones

interconectadas. En el centro del mismo, colocas una zona de
respiro: un espacio ligeramente más amplio que contrasta con la
sensación opresiva del entorno.
Dentro de esta área central, incluyes dos accesos restringidos,
cada uno bloqueado por un pequeño minijuego o puzzle ambiental. Al
completarlos, el jugador obtiene una recompensa (OCR), que puede
ser información de lore, munición, un objeto coleccionable o
una mejora de habilidad.

El propósito de este OCR no es desviar al jugador del objetivo

principal —salir del laberinto—, sino profundizar en su
motivación exploratoria, recompensando su curiosidad y
construyendo un sentido de descubrimiento dentro de un entorno
que, de otro modo, sería meramente de transición.

Este tipo de diseño mantiene el ritmo de juego equilibrado,

alternando entre tensión (navegar el laberinto) y alivio (zona central y
recompensa secundaria).

El diseñador como guía

El diseñador de niveles es, en esencia, un guía invisible dentro de

un mundo desconocido. Su labor no es decirle al jugador qué
hacer, sino mostrarle cómo moverse, interactuar y descubrir dentro
del entorno.
Debe enseñar las reglas del mundo sin romper la inmersión,
utilizando el lenguaje visual del propio nivel: formas, iluminación,
color, contrastes y ritmo espacial.

El buen diseño de niveles se basa en la sugerencia, no en la

imposición.
El jugador debe sentir que actúa por iniciativa propia, cuando en
realidad está siendo conducido cuidadosamente por el diseñador.

Ejemplo técnico:
El jugador se encuentra frente a un camino bloqueado por un gran
bloque de piedra. No hay un mensaje, ni un tutorial, ni una flecha que
indique qué hacer. Sin embargo, el entorno comunica la acción
esperada:

 La textura del bloque contrasta con las paredes circundantes.

 El suelo muestra marcas o arañazos que sugieren movimiento

previo.

 Un leve haz de luz cae sobre el borde del pasaje bloqueado.

Todo ello induce al jugador a intuir que puede empujar el bloque.

Cuando lo hace y el camino se abre, siente una satisfacción
genuina: no fue instruido, sino que descubrió la solución por sí
mismo.
Este tipo de aprendizaje empírico fortalece la inmersión, genera
confianza en la mecánica y refuerza el vínculo emocional con el
entorno.
Ingredientes del Level Designer

Un ingrediente es cualquier recurso u objeto interactuable que

forma parte del ecosistema jugable del nivel. Estos elementos son
concebidos inicialmente por el Game Designer, quien establece
el conjunto de recursos disponibles dentro del sistema de juego (por
ejemplo: llaves, armas, munición, escaleras, plataformas móviles,
vehículos, palancas, enemigos, etc.).

El Level Designer toma ese conjunto de ingredientes y decide, en

función de las necesidades narrativas y del flujo del nivel, cuáles
utilizar, cuáles descartar y cómo combinarlos.
Cada decisión debe estar documentada y justificada en el LDD (Level
Design Document), especificando por qué un ingrediente fue
elegido y qué propósito cumple dentro de la experiencia del
jugador.

El objetivo no es simplemente poblar el entorno con objetos, sino dar

sentido, desafío y coherencia a la interacción del jugador con
ellos.
Los ingredientes son, en definitiva, las piezas con las que se
construyen los sistemas de interacción, progresión y emoción
dentro de un nivel.

Ejemplo práctico

Imaginemos que el Game Designer define un conjunto de

ingredientes base:

 Tabla de madera

 Escalera
Como Level Designer, debes integrarlos en un nivel donde el jugador
debe atravesar una zona en ruinas.

El jugador encuentra una tabla de madera que puede levantar y

colocar sobre pequeños barrancos para cruzarlos. Al otro lado,
debe recoger la tabla y reutilizarla para cruzar nuevas aberturas, tal
vez entre contenedores o estructuras colapsadas.

Más adelante, el jugador encuentra una plataforma elevada

inaccesible. Esto crea una necesidad visual: la escalera.
Para encontrarla, el jugador deberá explorar usando nuevamente la
tabla como puente improvisado, alcanzando una zona secundaria
donde la escalera se encuentra.

Una vez adquirida, el jugador debe coordinar ambos ingredientes

(tabla + escalera) para avanzar, combinando lógica espacial y
memoria de entorno.
El diseñador puede reforzar este desafío agregando enemigos o
limitaciones de tiempo, aumentando la tensión y el dinamismo del
escenario.

Clave técnica

Cada ingrediente debe tener un propósito sistémico y

narrativo.
Si un objeto no genera decisión, interacción o aprendizaje,
probablemente no es un ingrediente funcional, sino un mero
decorado.
El buen diseño de niveles utiliza los ingredientes como
herramientas de progresión, no como adornos.
Mecánicas

¿Qué es una mecánica?

Una mecánica es el conjunto de reglas y sistemas que determinan

cómo funciona el juego y cómo el jugador puede interactuar con él.
Las mecánicas definen los límites de acción, los resultados posibles y
las condiciones bajo las cuales se desarrolla la experiencia jugable.

Desde el punto de vista del Level Design, las mecánicas son las
herramientas de interacción base sobre las cuales se construyen
los desafíos y la progresión.
El verdadero reto de un diseñador de niveles no está en inventar
nuevas mecánicas, sino en entrelazarlas de forma coherente y
progresiva para crear experiencias que sean comprensibles,
interesantes y emocionalmente impactantes.

Ejemplo conceptual

Supongamos que una mecánica base es caminar.

Si limitamos la cantidad de pasos que el jugador puede dar, esa
restricción convierte el simple acto de caminar en un sistema
estratégico.
Por ejemplo, en un laberinto donde el jugador solo dispone de 10
pasos para llegar a la salida, cada movimiento adquiere un peso
táctico: el jugador debe planificar, calcular y adaptarse.
De esta forma, una mecánica sencilla (moverse) se transforma en una
mecánica profunda gracias a la estructura del nivel y las
condiciones impuestas por el diseñador.

Tipología de Mecánicas

Las mecánicas pueden clasificarse según su naturaleza en tres

grandes grupos: Físicas, Mentales y de Control.

1. Mecánicas Físicas

Relacionadas con la habilidad motora y el rendimiento físico del

jugador (su capacidad de reacción, precisión y coordinación).

 Timing (sincronización): habilidad para anticipar y ejecutar

movimientos en el momento justo.
Ejemplo: esquivar un obstáculo que se mueve rítmicamente.

 Reflejo: capacidad de responder ante estímulos repentinos.

Ejemplo: contraatacar tras un ataque enemigo.

 Precisión: exactitud al ejecutar una acción dentro de

márgenes específicos.
Ejemplo: acertar un disparo o salto exacto.

 Resistencia: mantener la consistencia en acciones repetitivas

o demandantes.
Ejemplo: presionar botones para completar una secuencia o
mantener un combo largo.

2. Mecánicas Mentales

Asociadas al pensamiento lógico, la observación y la toma de

decisiones.
  Estrategia táctica: planificación de acciones antes de
ejecutarlas.
Ejemplo: elegir la mejor ruta para evitar enemigos o trampas.

 Asociación lógica: identificar patrones y relacionar

información.
Ejemplo: vincular símbolos o pistas para resolver un puzle.

 Observación: atención a detalles ambientales y

comportamientos del entorno.
Ejemplo: notar una sombra o textura diferente que indica un
pasadizo oculto.

3. Mecánicas de Control

Son las acciones directas del jugador mediante la interfaz o los

dispositivos de entrada (teclado, mando, joystick, etc.).

Incluyen acciones básicas y combinadas:

 Acciones simples: caminar, correr, saltar, disparar, empujar,

etc.

 Combinaciones: dos o más acciones simultáneas o

encadenadas.
Ejemplo: correr + saltar para alcanzar una plataforma o
esquivar + disparar para ejecutar una maniobra evasiva.

Estas mecánicas de control son las que el diseñador usa para

enseñar y reforzar la curva de aprendizaje dentro del nivel.
Su progresión y combinación deben ser planificadas cuidadosamente
para evitar saturar al jugador o romper la coherencia del diseño.

Clave técnica

Las mecánicas no son solo acciones aisladas, sino sistemas

interdependientes que definen la identidad del juego.
Un buen Level Designer comprende cuándo introducir una
mecánica, cómo combinarla y cuándo retirarla para mantener el
ritmo y la frescura de la experiencia.
Proceso de Creación de Niveles

1. Concepto y Emoción

El punto de partida de todo diseño de nivel es el concepto, la idea

central que da sentido a la experiencia.
Debe definirse con precisión qué emoción se quiere provocar en el
jugador —por ejemplo: opresión, paranoia, desolación o catarsis
— y mantener esa emoción como eje rector durante todo el
desarrollo.

El concepto es la brújula emocional y funcional del nivel.

Todo elemento visual, sonoro o interactivo debe reforzar esa emoción
inicial.

Ejemplo:

 Estación de policía: transmite opresión y desconfianza.

 Escuela abandonada: sugiere soledad, eco del pasado y

miedo infantil.

El concepto debe estar documentado y validado antes de pasar a la

fase de diseño tangible.

2. Boceto Rápido (Diseño en Papel)

El siguiente paso es realizar un boceto en papel.

Esta etapa no busca detalle, sino evaluar flujo y composición
espacial.
El diseñador dibuja zonas, rutas, puntos de interés y posibles OCR
(Objetivo, Desafío, Recompensa) para entender cómo se moverá el
jugador.

El boceto es un pensamiento visual. Permite experimentar y fallar

rápido, sin costo.

En Survival Horror:
Acompañar el boceto con un Mapa de Tensión —una representación
gráfica de los picos de miedo, pausas y clímax— para visualizar cómo
evolucionará la carga emocional a lo largo del recorrido.
3. Grayboxing (Prototipo Funcional)

El grayboxing consiste en trasladar el boceto a un entorno 3D básico

utilizando volúmenes sin detalle ni texturas.
Su objetivo es evaluar la jugabilidad, el ritmo y la navegación
espacial del nivel sin distracciones visuales.

 Colocar OCRs para establecer objetivos, desafíos y

recompensas.

 Medir distancias, tiempos de recorrido y relación entre zonas.

 Identificar espacios muertos o redundantes.

En esta fase debe sentirse el flujo del nivel, aunque aún no se vea
bien.

Ajuste para terror:

Desde esta etapa es recomendable probar iluminación provisional y
sonido placeholder.
En el género de terror, la atmósfera emocional es parte del diseño
jugable, no un adorno visual posterior.

4. Iteración con Primeros Assets

Una vez validado el prototipo, los artistas 3D realizan una primera

pasada visual: se añaden modelos básicos, texturas simples y
primeros elementos ambientales.
El diseñador de niveles analiza cómo los detalles afectan la
percepción del espacio y ajusta la estructura si es necesario.

Acciones clave en esta etapa:

 Ajustar proporciones y líneas de visión.

 Corregir ángulos de cámara, luces y sombras.

 Agregar rutas opcionales o pequeñas áreas narrativas.

 Testear el ritmo visual y el equilibrio entre exploración y

tensión.

El diseñador debe pensar como un director de cine: la cámara y la luz

son herramientas narrativas.
5. Nivel en Producción Final

Aquí el nivel adquiere forma casi definitiva.

Los artistas aplican texturas finales, iluminación coherente y efectos
atmosféricos, mientras el diseñador refina la jugabilidad y ritmo.

Checklist técnico:

 ¿El ritmo general se mantiene coherente?

 ¿La atmósfera aún transmite la emoción definida al inicio?

 ¿Las OCR están equilibradas y recompensan al jugador de

forma justa?

 ¿Los enemigos y NPCs refuerzan la tensión narrativa o la

rompen?

En terror:
No solo se testea jugabilidad, sino emoción.
Durante las pruebas, el diseñador debe observar la reacción del
jugador:
¿sintió miedo, ansiedad, alivio o curiosidad?
La respuesta emocional es el verdadero indicador de éxito.

6. Testeo y Pulido Final

El nivel se somete a varias rondas de testing interno y externo.

Esta fase es crítica: aquí se corrigen errores, se optimiza el
rendimiento y se equilibran las sensaciones.

Checklist:

 Eliminar zonas innecesarias o que rompan el ritmo.

 Ajustar iluminación para guiar mejor la mirada.

 Corregir picos de tensión mal distribuidos.

 Eliminar assets o áreas no visibles por el jugador.

 Refinar colisiones, IA, triggers y scripts narrativos.

El nivel está terminado cuando su flujo, ritmo y emoción son naturales

y coherentes, no cuando ya no hay bugs.
Perspectiva técnica adicional

 Iteración continua: cada fase debe retroalimentarse; no es

una línea recta, sino un ciclo.

 Colaboración interdisciplinar: el Level Designer debe

trabajar en sincronía con arte, sonido, IA y narrativa.

 Pruebas en contexto real: siempre testear desde la cámara

final del juego para entender la percepción del jugador.
Audiencias y Tipologías de Jugadores en el Terror Psicológico

El Level Designer debe comprender que cada jugador experimenta el

miedo desde un enfoque distinto.
Diseñar niveles de terror implica equilibrar emociones y estilos de
juego para que distintos tipos de jugadores encuentren satisfacción
dentro del mismo entorno.

Los jugadores pueden clasificarse en cuatro arquetipos principales

dentro del género de terror narrativo y psicológico.

1. El Narrativo / Inmersivo

Motivación principal: historia, personajes, coherencia interna y

ambientación emocional.
Este tipo de jugador busca comprender el “por qué” detrás del horror,
no solo experimentarlo.
Disfruta de los matices psicológicos, las revelaciones narrativas y la
atmósfera.

Cómo mantener su interés:

 Cortes narrativos o transiciones visuales potentes (por ejemplo,

viñetas de cómic, flashbacks o visiones distorsionadas).

 Documentos, diarios y archivos que expandan el lore o den

contexto al trauma del protagonista.

 Conversaciones, monólogos o pistas ambientales que cambian

la percepción del mundo.

Riesgo: si la narrativa se estanca o el gameplay se repite sin aportar

desarrollo emocional, el jugador se desconecta del juego.

Recomendación de diseño:
Integrar la narrativa dentro del entorno (environmental storytelling)
en lugar de imponerla mediante diálogos o cinemáticas.

2. El Explorador / Curioso

Motivación principal: descubrir lo oculto, observar los detalles y

obtener satisfacción al comprender un espacio en su totalidad.
Este jugador disfruta recorrer cada rincón, entender el nivel y ser
recompensado por su curiosidad.
Cómo mantener su interés:

 Diseñar caminos secundarios, atajos y áreas opcionales con

coleccionables significativos.

 Incluir secretos o eventos ambientales que no sean obligatorios,

pero sí aporten al contexto o la emoción.

 Usar contrastes de luz, sonido o color para sugerir rutas

secundarias sin indicarlas explícitamente.

Riesgo: niveles excesivamente lineales o sin zonas de exploración

provocan frustración o sensación de encierro forzado.

Recomendación de diseño:
El explorador disfruta del descubrimiento progresivo. Premiarlo con
una pequeña revelación, una nota escondida o una escena ambiental
vale más que un ítem genérico.

3. El Estratega / Superviviente

Motivación principal: la gestión de recursos y la toma de decisiones

bajo presión.
Este jugador quiere sentir que cada acción tiene un costo, que cada
error se paga caro y que su ingenio lo mantiene con vida.

Cómo mantener su interés:

 Implementar inventarios limitados y recursos escasos (baterías,

botiquines, munición).

 Incluir puzles o mecánicas que requieran priorizar entre riesgo y

recompensa.

 Crear momentos donde el jugador deba elegir entre avanzar o

conservar energía/ítems.

Riesgo:

 Si los recursos son demasiado abundantes, desaparece la

tensión.

 Si son excesivamente escasos, el jugador se frustra o

abandona.

Recomendación de diseño:
El equilibrio perfecto ocurre cuando el jugador siente que sobrevivió
por poco, no cuando el juego se lo permite fácilmente.
4. El Adrenalínico / Cazador de Sustos

Motivación principal: experimentar miedo directo, tensión

constante y picos de adrenalina.
Busca persecuciones, jumpscaresw bien colocados y enemigos
impactantes.

Cómo mantener su interés:

 Introducir secciones de persecución o aparición súbita de

enemigos (al estilo Némesis en Resident Evil 3 o Lisa en P.T.).

 Jugar con los estímulos visuales y sonoros: luces parpadeantes,

sirenas, pasos, respiración.

 Diseñar monstruos con identidad visual perturbadora y

comportamiento impredecible.

Riesgo:
Si el juego baja el ritmo durante mucho tiempo o se vuelve
predecible, el jugador pierde la sensación de amenaza.

Recomendación de diseño:
El terror efectivo no depende de sustos frecuentes, sino del contraste
entre calma y explosión. El timing es la herramienta más importante
del diseñador en este tipo de experiencia.

Equilibrio entre Audiencias

El desafío del Level Designer es construir niveles que alimenten

parcialmente a los cuatro perfiles sin saturar a ninguno.
Cada sección del juego debería ofrecer algo a cada tipo de jugador:

Tipo de
Elemento de diseño recomendado
jugador

Narrativo Cómics, diarios, recuerdos, revelaciones del pasado

Rutas opcionales, coleccionables ocultos, espacios

Explorador
ambientales

Recursos limitados, puzles de gestión, decisiones

Estratega
tácticas

Adrenalínico Persecuciones, sustos, criaturas, sonidos inesperados

Principio fundamental:
Un buen nivel de terror nunca depende de un solo tipo de jugador.
El miedo se construye con capas —narrativa, exploración, tensión y
estímulo— que se refuerzan mutuamente.
Fases de Producción en el Level Design

El proceso de creación de niveles se divide en tres etapas

fundamentales:
Preproducción, Producción y Postproducción.
Cada una implica distintos enfoques, responsabilidades y objetivos.
El Level Designer no solo diseña espacios: coordina la experiencia
del jugador dentro del tiempo y el espacio del juego.

1. Preproducción

En esta etapa se define la visión del proyecto y se sientan las bases

del diseño.
Los diseñadores de niveles cumplen un rol clave: son los arquitectos
conceptuales del mundo interactivo.
Durante esta fase, el equipo analiza la viabilidad de ideas, las
métricas del gameplay y la coherencia general del universo de juego.

Objetivos de la etapa:

 Comprender el concepto general del juego, su tono y ritmo.

 Analizar las mecánicas principales entregadas por el Game

Design Document (GDD).

 Seleccionar y testear los ingredientes que servirán como base

de la jugabilidad (objetos, enemigos, obstáculos, etc.).

 Definir qué secciones del juego serán asignadas a cada

diseñador y qué mecánicas deberán integrar.

 Identificar la emoción dominante del nivel (tensión, calma,

sorpresa, desesperación, etc.).

Consejos técnicos para el diseñador:

1. Experimentación constante:
Esta fase es ideal para probar combinaciones de mecánicas,
obstáculos y elementos visuales.
Nada está finalizado; el objetivo es descubrir posibilidades.

2. No apegarse a las ideas:

En preproducción se descartan y reemplazan muchos
conceptos.
Una buena idea puede no encajar en el conjunto del juego; lo
importante es mantener coherencia global.
 3. Prueba y observación:
Visualizar la experiencia desde la perspectiva del jugador.
Permitir que otros prueben tus prototipos y observar cómo
interpretan los espacios.
Comprender la psicología del usuario es tan importante como el
diseño en sí.

Entrega final de esta fase:

 Bocetos conceptuales.

 Primeras métricas del entorno (altura de saltos, distancia entre

coberturas, campo de visión).

 Diagrama funcional del flujo del jugador.

 Lista preliminar de ingredientes y mecánicas validadas.

2. Producción

La fase de producción es el núcleo del trabajo del Level Designer.

Aquí se consolidan las ideas, se coordinan los departamentos y se
comienza la construcción real de los niveles.

Antes de crear, se realiza una reunión interdepartamental con las

siguientes áreas:

 Programación

 Narrativa / guion

 Arte 2D / 3D

 VFX (efectos visuales)

 Sonido y música

 QA (Quality Assurance)

Temas clave a definir:

 Tema central y propósito del nivel.

 Contexto narrativo dentro del juego (qué ocurrió, qué ocurrirá).

 Duración estimada del nivel.

 Mecánicas, enemigos y herramientas disponibles en esa

sección.

 Integración de la cámara (visión en tercera persona, cenital,

etc.).
Proceso técnico:

1. Investigación visual:
Reunir imágenes de referencia sobre arquitectura,
ambientación, materiales y paletas de color.
Si el lugar se inspira en entornos reales, estudiar su
composición espacial y lógica arquitectónica.

2. Moodboard (tablero de ánimo):

Crear un collage visual que comunique el tono emocional y la
atmósfera deseada.
Este material guía a los artistas, músicos y guionistas para
mantener coherencia estética y emocional.

3. Documento de Diseño de Niveles (LDD):

El Level Designer plasma su visión técnica y narrativa del nivel.
Incluye:

o Descripción general del área.

o Enemigos y comportamientos.

o Curva de dificultad.

o OCR (Objetivo, Desafío, Recompensa).

o Flujo del jugador y puntos de control.

o Notas de iluminación, audio y narrativa ambiental.

4. Prototipado (2D o 3D):

Se construye un graybox del nivel en herramientas como
SketchUp, Unreal Engine, Unity o Blender.
Este prototipo no busca belleza visual, sino funcionalidad y
ritmo.
Debe comunicar escala, flujo, visibilidad y jugabilidad al resto
de los departamentos.

Meta final de producción:

Un nivel funcional, coherente con la narrativa, jugable y testeado en
iteraciones internas.
3. Postproducción

La fase de postproducción es la etapa de pulido y validación final.

Aquí se verifica que la experiencia del jugador sea fluida,
emocionalmente coherente y técnicamente estable.

Tareas principales:

 Revisión de feedback de testers y QA.

 Corrección de errores de colisión, iluminación y pathfinding.

 Optimización de rendimiento (reducción de polígonos, culling,

LODs, eliminación de objetos no visibles).

 Ajuste de curvas de tensión y ritmo según la respuesta del

jugador.

 Validación final del tono visual y sonoro del nivel.

Objetivo final:
Asegurar que el nivel transmita la emoción exacta para la que
fue diseñado, sin sacrificar jugabilidad ni rendimiento.

Resumen de Entregables por Fase

Fase Enfoque Entregables principales

Concepto, mecánicas, Mapas conceptuales,

Preproducci
bocetos, métricas diagramas de flujo, lista de
ón
iniciales ingredientes, prototipos 2D

Ejecución técnica y Documento LDD, graybox

Producción coordinación funcional, moodboard,
interdepartamental referencias visuales

Versión optimizada del nivel,

Postproducci
Pulido y testeo final balance de ritmo, control de
ón
calidad, iteraciones finales
Documento de Diseño de Niveles (LDD)

El Documento de Diseño de Niveles es la herramienta principal del

Level Designer.
Su propósito es organizar la visión, justificar las decisiones y
comunicar la experiencia del jugador al resto de los
departamentos.
Antes de abrir el motor de juego o colocar un solo bloque, se debe
escribir y estructurar este documento, ya que servirá como guía de
desarrollo, control de calidad y respaldo conceptual.

Propósito del LDD

El LDD define:

 Qué tipo de experiencia queremos generar.

 Cómo el jugador recorrerá el espacio.

 Qué mecánicas y elementos estarán disponibles.

 Qué emociones debe sentir el jugador durante el nivel.

 Qué componentes narrativos y visuales soportan esa emoción.

El documento debe responder de forma clara las siguientes

preguntas:

1. ¿Qué tipo de nivel estoy diseñando?

(tutorial, exploración, combate, transición, narrativa, boss fight,
etc.)

2. ¿Cuál es el propósito del nivel dentro del juego?

(introducir una mecánica, revelar historia, generar tensión, etc.)

3. ¿Cuál es la emoción central que quiero transmitir?

(angustia, esperanza, asombro, soledad…)

4. ¿Qué quiero que el jugador aprenda o sienta al finalizar

este nivel?

5. ¿El nivel es jugable y autocontenido?

Si es parte de un portfolio, debe mostrar una idea cerrada y
comprensible sin depender de otros niveles.
Presentación en Portfolio

Cuando el nivel es creado con fines de portfolio profesional, el LDD

debe incluir:

 Capturas de pantalla del recorrido principal.

 Minimap o plano esquemático.

 Flujo del jugador (Player Flow Diagram).

 Descripción de la atmósfera, luz y color.

 Video del recorrido (3–5 minutos) mostrando ritmo, OCR y

progresión.

Objetivo: demostrar comprensión del espacio, narrativa ambiental y

dominio técnico del diseño.

Flujo de trabajo del LDD

El proceso de creación del documento puede estructurarse en 6

etapas progresivas, antes de implementar nada en el motor de
juego.

1. Concepto inicial

 Generar una idea central o “núcleo emocional”.

Ejemplo: soledad en un pueblo abandonado.

 Definir entorno, ubicación, época y tono.

 Decidir cómo se moverá el jugador y qué tipo de cámara se

usará.

 Enumerar las características principales:

mecánicas, tipo de interacción, ritmo, tipo de enemigos,
sensación general.

Objetivo: tener una visión coherente antes de pasar al diseño físico.

2. Investigación y referencias

 Investigar la arquitectura, materiales, cultura, clima y

estética del entorno.

 Crear una carpeta de referencias visuales y auditivas

(música, sonidos, atmósferas).

 Si el entorno es real, estudiar su disposición espacial y lógica

estructural.

Resultado: moodboard y referencias visuales base.

3. Contexto narrativo y coherencia

 Desarrollar una historia que justifique el entorno.

Quién vive o vivió ahí, qué ocurrió, por qué el jugador está en
ese lugar.

 Definir el contexto con las 4 preguntas:

Quién, Qué, Dónde, Cuándo.

 La narrativa debe integrarse en el ambiente sin requerir texto o

diálogo directo.

Ejemplo:
Una escuela abandonada con pizarrones rotos y mochilas dispersas
cuenta su historia sin una sola línea de diálogo.

4. Dominante del nivel

El dominante es el punto visual o temático que guía la atención del

jugador.
Debe ser elegido con cuidado y coherencia con la emoción principal.

 Puede ser una estructura, personaje, luz o sonido

característico.

 Su propósito es orientar al jugador sin necesidad de señales

explícitas.

 Un buen dominante se apoya en la composición visual y las

líneas de fuerza.
Ejemplo: una torre iluminada al fondo del mapa que actúa como guía
visual constante.

5. Dirección de arte y atmósfera

La dirección de arte define la identidad visual y sensorial del nivel.

Debe especificar:

 Iluminación: tipo (natural, artificial), tono, intensidad,

contraste.

 Paleta de color: dominante, acentos, contrastes.

 Esquema de color: análogo, complementario, triádico, etc.

 Música y sonido ambiental: refuerzan la emoción base.

 Estilo visual: realista, caricaturesco, gótico, futurista, low-poly,

etc.

Ejemplo técnico:

“El nivel usará una iluminación cálida anaranjada en interiores para

transmitir opresión, contrastando con un azul frío exterior para dar
sensación de aislamiento.”

6. Creación del borrador (Graybox conceptual)

El borrador o graybox conceptual se realiza después de completar el

documento.
Se trata de una versión simplificada del nivel, hecha con bloques
básicos para testear:

 Escala, ritmo y flujo del jugador.

 Visibilidad del dominante.

 Colocación de OCR (Objetivo, Desafío, Recompensa).

 Claridad en la navegación.

Importante:
No se buscan detalles visuales, sino comprobación de
funcionalidad y legibilidad.
El objetivo es “probar la idea antes de embellecerla”.
Conclusión

El Documento de Diseño de Niveles no es solo un requisito formal,

sino la hoja de ruta de la experiencia jugable.
Cada decisión debe tener un motivo técnico o emocional detrás.
Un buen LDD anticipa problemas, comunica la intención del diseñador
y permite que el proyecto evolucione con coherencia.

Configuración del Tema

El primer paso en el diseño de un nivel es definir su tema: el núcleo

conceptual y emocional que determinará cómo se construye, percibe
y experimenta el espacio jugable.
Este tema surge de la unión de tres componentes esenciales:
entorno, ubicación y tono.

1️El Entorno

El entorno es el contexto físico y ambiental donde se desarrolla la

acción.
Determina la escala, el tipo de arquitectura, los materiales, los colores
y las condiciones naturales o artificiales del espacio.

Ejemplos de entorno:

 Bosque húmedo y cerrado → sensación de aislamiento.

 Ciudad abandonada → sensación de pérdida y memoria.

 Cueva o catacumba → sensación de claustrofobia y peligro

inminente.

Aspectos técnicos a definir:

 Tipo de terreno (natural o construido).

 Densidad visual (abierto o cerrado).

 Nivel de detalle esperado.

  Nivel de accesibilidad o exploración (libre, guiado, lineal,
circular).

Consejo:
El entorno debe estar diseñado para servir a las mecánicas y a la
emoción. No se elige solo por estética, sino por funcionalidad
narrativa y jugable.

2️La Ubicación

La ubicación define el espacio geográfico o arquitectónico

específico dentro del mundo del juego.
Mientras el entorno representa la naturaleza general del espacio, la
ubicación es su identidad concreta dentro de la historia.

Ejemplos de ubicación dentro de un entorno:

 Entorno: Ciudad abandonada.

o Ubicación 1: Hospital en ruinas.

o Ubicación 2: Estación de policía vacía.

o Ubicación 3: Apartamento del protagonista.

Cada ubicación cumple una función narrativa y jugable distinta.

Debe responder a qué sucede allí y qué emoción o mecánica
domina esa sección.

Preguntas clave para definir una ubicación:

 ¿Qué pasó aquí antes de que llegara el jugador?

 ¿Qué función cumple este lugar dentro del mundo del juego?

 ¿Qué elementos arquitectónicos o naturales definen su

carácter?

 ¿Qué obstáculos o ingredientes puede ofrecer?

3️El Tema

El tema es la fusión emocional y conceptual entre entorno y

ubicación.
Representa el estado de ánimo global que se quiere transmitir al
jugador en ese nivel.
Ejemplo técnico:

Entorno: Pueblo rural desolado.

Ubicación: Escuela abandonada.
Tema: Nostalgia, pérdida y memoria reprimida.

A partir del tema surgen todas las decisiones visuales y sonoras:

 Atmósfera: niebla, polvo, humedad, viento, oscuridad.

 Tono cromático: cálido, frío, monocromático, contrastado.

 Iluminación: difusa, direccional, puntual, parpadeante.

 Hora del día: amanecer, crepúsculo, noche cerrada.

 Clima: lluvia, neblina, tormenta, calma tensa.

Cada una de estas variables contribuye al estado emocional que

experimenta el jugador y debe estar en coherencia con el tono
narrativo.

Ejemplo práctico

Juego: Survival horror narrativo.

Entorno: Desierto rocoso.
Ubicación: Fortaleza en ruinas medio enterrada en la arena.
Tema: Desesperación y búsqueda de redención.
Aplicación técnica:

 Iluminación: baja, con reflejos dorados opacos al atardecer.

 Clima: viento seco y sonido ambiente de polvo arrastrado.

 Tono cromático: paleta monocromática cálida con contraste de

sombras frías.

 Narrativa ambiental: estandartes desgastados y esqueletos a

medio enterrar indican un pasado violento.

Conclusión

El tema es el esqueleto emocional del nivel.

Define cómo se verá, sonará y se sentirá el espacio jugable.
Un diseñador de niveles debe ser capaz de traducir el tono
narrativo a decisiones espaciales, lumínicas y de color, de
forma que el jugador sienta lo que la historia quiere transmitir sin
necesidad de palabras.
Elegir las Características del Nivel

Antes de comenzar la producción de un nivel, el diseñador debe

definir las características fundamentales que lo harán único y
coherente con la visión del juego.
Estas características sirven como guía estructural y creativa,
ayudando a mantener el enfoque del proyecto durante todo el
proceso de desarrollo.

Las características se dividen en cinco categorías principales:

1. Visuales

2. Técnicas

3. Jugabilidad (Gameplay)

4. Historia

5. Mundo

Además, cada nivel debe poseer un Toque Único, el elemento

distintivo que lo diferencia del resto.

Toque Único

El Toque Único es la identidad esencial del nivel, aquello que lo

hace memorable.
Puede ser un elemento visual, una mecánica inesperada, un ritmo
narrativo, o una situación emocional específica.

Preguntas para definir el toque único:

 ¿Qué experiencia quiero que recuerde el jugador de este nivel?

 ¿Qué sensación o emoción será la dominante (tensión, alivio,

sorpresa, nostalgia)?

 ¿Qué elemento visual o mecánico no se repite en otros niveles?

Ejemplo técnico:
En un survival horror, el “toque único” puede ser una secuencia de
persecución sin música, donde el jugador solo escucha su
respiración y los pasos del enemigo detrás, generando terror puro a
través del sonido y el silencio.

Consejo:
El toque único debe poder describirse en una sola frase clara.
Si no podés resumirlo fácilmente, es probable que el concepto aún
necesite pulirse.
1. Características Visuales

Las características visuales definen cómo se ve y se percibe el

nivel.
Engloban el arte, la iluminación, los efectos visuales y la paleta
cromática.

Elementos clave:

 Arte / Color: elección de tonos, contraste y saturación

coherente con la emoción del nivel.

 Efectos Visuales (VFX): polvo, partículas, fuego, humo,

iluminación dinámica, lluvia.

 Iluminación: define la atmósfera y guía al jugador (luz cálida =

seguridad, luz fría = peligro).

Ejemplo:
En una cueva subterránea, la iluminación tenue y los tonos verdosos
con partículas suspendidas refuerzan una atmósfera enfermiza y
húmeda, mientras el contraste de una luz cálida al fondo indica el
camino a seguir.

2. Características Técnicas

Estas características establecen cómo se comporta el nivel dentro

del motor del juego, qué limitaciones tiene y qué herramientas se
usarán para su construcción.

Aspectos técnicos importantes:

 Diseño modular: construir el nivel con piezas reutilizables

para facilitar iteraciones.

 Colocación de assets: distribución inteligente de objetos para

guiar la mirada y optimizar el rendimiento.

 Interactividad: qué partes del entorno reaccionan a las

acciones del jugador (puertas, objetos destructibles, iluminación
dinámica).

 Optimización: nivel de detalle (LOD), streaming de assets,

control de draw calls.

Ejemplo:
Un nivel de ciudad abandonada con niebla dinámica y luces de neón
intermitentes requiere ajustar el post-process y la densidad de
partículas para mantener un rendimiento estable sin perder
atmósfera.

3. Gameplay (Jugabilidad)

La jugabilidad está determinada por las mecánicas principales y

cómo se combinan para ofrecer desafío, ritmo y satisfacción al
jugador.

Tipos de mecánicas:

 Físicas: saltar, empujar, esquivar, correr, ocultarse.

 Mentales: resolver puzles, descifrar patrones, tomar decisiones

bajo presión.

 De control: combinaciones o acciones que dependen de

reflejos o precisión.

Ejemplo:
Un pasillo con luces parpadeantes donde el jugador debe esconderse
cada vez que escucha pasos mezcla mecánicas físicas (moverse y
ocultarse) con mentales (anticipar el patrón del enemigo).

Consejo:
El gameplay debe reforzar la emoción del nivel. En terror psicológico,
incluso un puzle puede generar ansiedad si está acompañado de
sonido ambiental opresivo o tiempos límite.

4. Historia

La historia es la onda expansiva narrativa que le da propósito al

nivel.
Cada área debe contar algo, aunque no haya diálogos o texto: la
arquitectura, la decoración y los objetos deben hablar por sí mismos.

Estructura narrativa ideal:

1. Acto I – Introducción: plantea la situación y despierta

curiosidad.

2. Acto II – Conflicto: aumenta la tensión y presenta el desafío

principal.

3. Acto III – Resolución: ofrece un cierre o deja una revelación.

Ejemplo:
Una escuela abandonada:
  Acto I: el jugador encuentra mochilas y pizarras con mensajes
extraños.

 Acto II: aparecen figuras infantiles distorsionadas.

 Acto III: descubre que el protagonista fue alumno de esa

escuela.

Consejo:
Cada nivel debería poder narrar su historia sin necesidad de texto
explícito: “mostrar, no decir”.

5. El Mundo

El mundo es el ecosistema donde ocurre la historia.

Debe sentirse coherente, aunque el jugador solo explore una parte de
él.

Claves técnicas:

 Coherencia visual entre niveles.

 Escala y proporción realistas.

 Transiciones naturales entre zonas.

 Detalles ambientales que sugieren historia (carteles, ruinas,

cadáveres, sonidos).

Ejemplo:
En una ciudad devastada, las calles bloqueadas, los autos oxidados y
los avisos de “cuarentena” comunican más sobre el mundo que
cualquier diálogo.

Consejo:
Mantené el mundo simple y legible: demasiados estímulos visuales
pueden saturar y hacer que el jugador pierda la dirección emocional.

En resumen

Cada característica (visual, técnica, jugable, narrativa y ambiental) es

una capa del diseño.
El equilibrio entre ellas determina la fuerza del nivel.
Un Level Designer debe pensar como un arquitecto emocional,
capaz de combinar la lógica del diseño con la sensibilidad del arte.
Referencias y Moodboard

Antes de comenzar la producción de un nivel, es fundamental

recopilar referencias visuales, arquitectónicas y ambientales
que sirvan como guía estética, emocional y técnica durante todo el
proceso de diseño.
Estas referencias constituyen el punto de partida del moodboard,
una herramienta esencial que permite comunicar la dirección artística
y emocional del nivel tanto al equipo como al propio diseñador.

Propósito del Moodboard

El moodboard es una colección visual organizada de imágenes,

videos y materiales de inspiración que expresan la atmósfera, tono,
color, iluminación, arquitectura y estilo del nivel.
Sirve como documento de referencia continua durante el desarrollo,
garantizando coherencia entre arte, narrativa, composición e
iluminación.

Objetivos principales:

1. Visualizar la emoción que debe transmitir el nivel.

2. Definir el estilo artístico general (realista, estilizado, surrealista,

etc.).

3. Unificar la dirección visual entre diseñadores, artistas y

programadores.

4. Mantener consistencia durante iteraciones o revisiones.

🏛️Referencias Arquitectónicas

Estas referencias definen la estructura física y espacial del

entorno.
Permiten entender proporciones, distribución, materiales y
sensaciones del espacio.

Recomendaciones:

 Recolectar imágenes de exteriores e interiores relacionados

con el tipo de ambiente que se desea representar (una mansión
victoriana, una escuela abandonada, un hospital deteriorado,
etc.).

 Analizar elementos recurrentes: tipo de materiales, formas

de ventanas, columnas, techos, escaleras, y cómo contribuyen
a la sensación general del espacio.

 Observar cómo la arquitectura influye en la atmósfera

emocional:

o Espacios amplios → sensación de vacío o exposición.

o Espacios estrechos → sensación de opresión o

claustrofobia.

Ejemplo técnico:
Para un juego de terror psicológico, una referencia arquitectónica útil
puede ser la mezcla de estructuras victorianas (para generar
nostalgia y elegancia decadente) con pasillos hospitalarios fríos e
industriales que transmitan deshumanización.

Referencias Ambientales

Estas referencias representan el contexto natural o geográfico en

el que se desarrolla el nivel.
Permiten comprender la escala, composición y color del entorno
exterior.

Ejemplos de categorías:

 Montañas, ríos, lagos, desiertos, selvas, campos.

 Condiciones climáticas específicas (niebla, lluvia, tormenta,

nevada).
  Vegetación y fauna local que aporten verosimilitud al mundo.

Importancia:
El ambiente refuerza la atmósfera emocional del juego.
Un bosque húmedo con poca luz y árboles torcidos genera tensión
psicológica, mientras que una pradera abierta puede transmitir
libertad o melancolía.

Referencias de Iluminación

La iluminación es una de las herramientas más poderosas del

diseñador de niveles para controlar emociones, ritmo visual y
dirección del jugador.

Qué deben incluir las referencias:

 Escenarios diurnos y nocturnos.

 Diferentes intensidades de luz y sombras.

 Fuentes de luz artificial (bombillas, antorchas, focos, neón).

 Cómo la luz interactúa con los materiales (reflexión, difusión,

color).

 Momentos del día y clima: amanecer, tarde, noche, tormenta.

Ejemplo técnico:
En un nivel de catacumbas, una referencia puede mostrar fuego y
luz cálida contrastando con la oscuridad azulada del fondo,
guiando al jugador sin necesidad de HUD o flechas.

Referencias de Props (Utilería)

Los props o elementos de utilería son los objetos interactivos o

decorativos que habitan el entorno.
Dan vida y credibilidad al espacio, además de contribuir a la narrativa
ambiental.

Ejemplos:

 Objetos cotidianos: sillas, mesas, botellas, libros, herramientas.

 Elementos narrativos: diarios, juguetes, fotografías, señales,

ropa.

 Detalles ambientales: polvo, basura, sangre, moho, manchas,

grafitis.
Consejo técnico:
Los props deben respetar la coherencia contextual y temporal del
mundo del juego.
Por ejemplo, una lámpara moderna en un entorno de los años 40
rompería la inmersión.

Referencias de Estilo Visual

Estas referencias definen cómo se verá el arte general del juego

o nivel.
Se busca establecer una guía estética para el modelado, texturizado,
postproceso y tono narrativo.

Fuentes posibles:

 Videojuegos (Silent Hill 2, Inside, Control, Alan Wake II).

 Películas o series (Hereditary, The Lighthouse, Stalker).

 Pinturas, fotografía o cómics (Francis Bacon, Moebius, Junji Ito).

Claves de selección:

 No limitarse solo a juegos: el arte clásico o el cine expresionista

pueden inspirar atmósferas únicas.

 Analizar qué transmite cada obra (luz, color, textura, encuadre).

 Crear combinaciones visuales que comuniquen un tono

emocional claro (ej. melancólico, agresivo, decadente).

Recomendación práctica

1. Crear carpetas separadas para cada tipo de referencia

(Arquitectura, Luz, Props, etc.).

2. Compilar todo en un moodboard digital (PureRef, Milanote o

Photoshop).

3. Acompañar cada imagen con una breve nota que indique por
qué fue elegida (ej. “refleja claustrofobia”, “buen contraste
cálido/frío”, “detalle narrativo en las paredes”).
4. Mantener este documento actualizado a lo largo del proyecto.
Historia y Narrativa Ambiental en el Level Design

El diseñador de niveles no escribe necesariamente la historia

completa, pero traduce el guion en espacio, ritmo y emociones.
Cada pasillo, sala o transición cuenta algo sobre el mundo y su
contexto.
Por eso, la historia dentro del Level Design debe abordarse desde dos
planos complementarios: el conceptual y el ambiental.

1️El Concepto

El concepto narrativo es la idea base o premisa del nivel.

Debe ser breve, clara y fácil de resumir en una frase.
Este concepto guiará todas las decisiones de diseño, desde la
arquitectura hasta la iluminación.

Ejemplo técnico:

Concepto: “Una estación de metro colapsada donde el jugador

experimenta el aislamiento y la desesperación”.
Este enunciado define atmósfera, tono y ritmo: pasillos oscuros,
sonidos metálicos, luces parpadeantes, respiración pesada.

El concepto debe transmitir la emoción central que queremos que el

jugador sienta al recorrer el nivel.
Si no puede resumirse en una línea, el diseño probablemente esté
sobrecargado o difuso.

2️Existente vs No Existente

En toda narrativa de nivel hay elementos que existen, pero no

están presentes activamente.
El diseñador puede usarlos para construir profundidad sin mostrarlos
de forma directa.

Ejemplo técnico:
En Silent Hill 2, el jugador nunca ve directamente a la esposa del
protagonista hasta el final, pero su presencia se siente en cada
habitación, carta y objeto.
Eso es un elemento existente pero no visible, que genera tensión
y curiosidad.
Aplicación práctica:

 Un cadáver cubierto con una manta (sugiere algo sin

mostrarlo).

 Un cuarto sellado con sonidos provenientes del interior.

 Cartas que hablan de un evento que nunca vemos.

Usar lo “no existente” refuerza el misterio ambiental y la narrativa

implícita, pilares del diseño narrativo en juegos de terror o
exploración.

3️Narrativa Explícita

La narrativa explícita dice directamente al jugador lo que debe

entender o hacer.
Es el modo más claro de comunicación, usado principalmente para
objetivos o progresión.

Ejemplos:

 Un texto en pantalla: “Encuentra la llave del sótano.”

 Un personaje que te explica la misión.

 Un diario que detalla lo que ocurrió en un lugar.

En términos de diseño, esta narrativa debe ser usada con

moderación.
Un exceso de información explícita rompe la inmersión y elimina
la curiosidad.
El ideal es combinarla con elementos ambientales que refuercen lo
que se comunica.

4️Narrativa Implícita

La narrativa implícita no se dice, se sugiere.

El entorno, los objetos, la disposición del espacio y la iluminación
cuentan la historia.
El jugador la interpreta por sí mismo, generando una experiencia más
inmersiva y emocional.

Ejemplo técnico:
Una habitación con platos aún servidos, sillas volcadas y un televisor
encendido habla por sí sola: algo abrupto y violento ocurrió allí.
No hace falta texto.

Elementos narrativos implícitos comunes:

 Arquitectura (espacios rotos, colapsados, sellados).

 Props (cartas, juguetes, sangre, fotos, marcas en paredes).

 Iluminación (áreas oscuras para sugerir peligro o duelo).

 Sonido (ruidos distantes, susurros, viento, relojes).

Consejo técnico:
Combinar ambos tipos de narrativa —explícita e implícita— logra un
equilibrio entre claridad y misterio, ideal para mantener al jugador
comprometido emocionalmente.

5️Las Cuatro Q del Diseño Narrativo

Estas preguntas son el esqueleto de cualquier historia, y también

aplican al diseño de niveles narrativos.
Antes de construir un espacio, el diseñador debe poder responderlas
con precisión:

Pregun
Propósito Ejemplo
ta

Define al protagonista o ¿El jugador es un periodista, un

¿Quién?
entidades del nivel. prisionero, un explorador?

Define el conflicto o tarea ¿Sobrevivir, escapar, investigar,

¿Qué?
principal. liberar algo?

¿Dónde ¿Un hospital, una mina, una

Define el espacio narrativo.
? iglesia abandonada?

¿Por Define la motivación o el ¿Busca redención, verdad,

qué? trasfondo emocional. venganza o libertad?

Estas preguntas deben reflejarse visualmente en el nivel.

Si el “por qué” es el remordimiento, el entorno debería transmitir
culpa: espacios cerrados, tonos fríos, símbolos religiosos o
penitenciarios.
Ejemplo de Aplicación

Nivel: Mansión Forense

 Quién: El jugador, un periodista lobotomizado que busca

recuperar su pasado.

 Qué: Investigar las causas de la lobotomía y escapar del

edificio.

 Dónde: Una mansión abandonada que antes funcionó como

clínica psiquiátrica.

 Por qué: Descubrir si realmente cometió el crimen que lo llevó

allí.

 Explícito: Diarios de médicos y fichas de pacientes.

 Implícito: Salas de operaciones cubiertas, paredes con

mensajes grabados, mobiliario desgastado.

 Existente/no existente: La presencia del “médico jefe”,

nunca visible pero sugerida constantemente.
Dominantes (versión técnica extendida)

Los dominantes son elementos visuales, sonoros o estructurales que

el diseñador de niveles utiliza para guiar al jugador a través del
entorno sin necesidad de indicaciones explícitas.
Funcionan como anclas de atención dentro de la composición general
y determinan el ritmo y la dirección del recorrido.

1. Tipos de Dominantes

Existen varios tipos de dominantes, cada uno con un propósito

distinto:

 Dominante principal: es el punto focal más fuerte del nivel;

atrae la mirada del jugador y define hacia dónde debe dirigirse.

 Dominantes secundarios: refuerzan la lectura del entorno,

complementan el principal y ayudan a distribuir el interés visual
de manera equilibrada.

 Dominantes múltiples: se utilizan en mundos abiertos o

zonas amplias donde el jugador puede desplazarse libremente;
sirven como faros visuales que destacan ciudades, puntos de
interés o misiones.

2. Creación de un Dominante

Un dominante puede construirse mediante:

 Escala: objetos o estructuras de gran tamaño (una estatua, una

torre, una montaña).

 Contraste: uso intencional del color, luz o textura para resaltar

un punto específico.

 Movimiento o sonido: elementos que capturan la atención

dinámica del jugador (una puerta que se abre, una bandera
ondeando, un foco que parpadea).

 Composición: líneas, ángulos y ritmo visual que conduzcan la

vista hacia ese punto.

Ejemplo:
Un camino con una estatua imponente al fondo que guía la mirada del
jugador y sugiere el siguiente destino. Aunque no haya señales ni
interfaz, el jugador siente que debe avanzar hacia esa dirección.
3. Dominante Único

El dominante único marca de forma clara y directa hacia dónde

debe ir el jugador. Suele estar integrado en el fondo de la escena y
se apoya en la composición del entorno.
Ejemplo: un faro iluminado visible desde varios puntos del mapa o
una puerta luminosa en un pasillo oscuro.

4. Dominantes Múltiples

Los dominantes múltiples se aplican principalmente en niveles

abiertos o semiabiertos, donde el jugador necesita varios puntos
de referencia simultáneos.
Estos dominantes ayudan a estructurar el mundo, separando
visualmente zonas importantes como pueblos, ruinas o puntos de
misión.

5. Dominante de Nivel

El dominante de nivel es el que guía la progresión inmediata del

jugador dentro de una sección concreta.
Debe ser coherente con el ritmo y la narrativa del nivel,
marcando objetivos locales (una puerta, un enemigo, una luz, un
objeto clave).
Dirección de Arte (versión técnica extendida)

La dirección de arte es el marco estético y emocional que define la

identidad visual del nivel.
Es la encargada de traducir el tono narrativo y la intención del
diseñador en atmósfera, color, iluminación y estilo visual,
logrando coherencia entre todos los elementos perceptibles.

En el diseño de niveles, la dirección de arte no se limita a lo visual;

también involucra cómo el jugador siente el espacio que recorre.
Cada textura, color o fuente de luz debe responder a una emoción o
propósito narrativo.

1. Elementos Clave de la Dirección de Arte

 Referencias visuales:
Se recopilan imágenes, fotografías, películas o artworks que
reflejen la sensación o ambientación deseada.
Estas referencias son la base del moodboard del nivel,
herramienta visual que guía a todos los departamentos (arte,
iluminación, VFX, narrativa).

 Estilo visual:
Define la estética general del proyecto: realista, estilizada,
caricaturesca, gótica, minimalista, etc.
Este estilo determina la escala de detalle, el uso de color y la
coherencia entre los assets.

 Iluminación:
Es uno de los pilares más importantes de la dirección artística.
Permite controlar la atmósfera, el contraste emocional y el
foco visual.
Una iluminación fría y tenue puede transmitir soledad o
misterio, mientras que una luz cálida puede generar seguridad
o nostalgia.

 Atmósfera:
La atmósfera es la síntesis de color, iluminación, niebla, sonido
y ritmo ambiental.
Es el “alma” del nivel: determina el estado emocional que el
jugador experimenta (opresión, calma, esperanza, miedo).

 Paleta de colores:
Selección intencionada de tonos y saturaciones que refuerzan la
emoción general.
En terror psicológico, por ejemplo, se utilizan gamas
 desaturadas con acentos rojos o verdes para generar tensión o
repulsión visual.

 Esquema de colores:
Estructura cromática que mantiene armonía o contraste entre
los elementos.
Los esquemas más comunes en diseño de niveles son:

o Complementarios (alta tensión visual).

o Análogos (armonía y fluidez).

o Tríada o tetrádico (variedad controlada).

o Monocromático (minimalismo o ambientes opresivos).

2. Propósito Emocional

La dirección de arte debe responder a una pregunta esencial:

¿Qué sentimiento quiero que experimente el jugador en este
nivel?

Cada decisión visual debe tener una justificación emocional:

 Colores fríos → aislamiento, tristeza.

 Colores cálidos → protección, refugio.

 Contrastes duros → tensión, peligro.

 Luz tenue o parpadeante → incertidumbre, ansiedad.

El diseñador de niveles trabaja en conjunto con el director de arte

para asegurar que la composición visual y la emocionalidad
sean coherentes en todo momento.
Consejos Técnicos para el Diseño de Niveles

El diseño de niveles no se limita a la creatividad, sino también a la

organización, planificación y análisis del tiempo de juego. Un
buen diseñador de niveles debe medir la duración, dificultad y
progresión de su nivel, asegurándose de que cada segmento tenga un
propósito claro y un ritmo equilibrado.

1. Uso de ACRÓNIMOS Y MAPEO VISUAL

Durante la etapa de planeamiento, se recomienda utilizar acrónimos

o iniciales para identificar los elementos dentro del mapa o del
documento de diseño.
Esto simplifica la lectura y permite tener una visión rápida del flujo
del nivel.

Ejemplo de acrónimos comunes:

 E: Enemigo

 O: Objeto

 P: Puzzle

 NPC: Personaje no jugable

 R: Recompensa

 D: Desafío

 G: Gate o puerta de progresión

De esta forma, los esquemas en papel o en software (Miro, [Link],

Illustrator, etc.) pueden leerse como una especie de mapa funcional
que resume toda la lógica de diseño.

2. Objetivo y OCR del Nivel

Antes de construir el nivel, se deben definir claramente los OCR

(Objetivo, Desafío y Recompensa) principales.
Estos serán los ejes que guiarán al jugador y darán estructura
narrativa y lúdica al recorrido.
Preguntas guía:

 ¿Cuál es el objetivo central del nivel?

 ¿Qué desafíos intermedios lo separan del objetivo principal?

 ¿Qué recompensa obtiene el jugador (progresión, historia, ítem,

alivio emocional)?

3. División Estructural del Nivel (Ejemplo Lineal)

Una práctica común es dividir el nivel en 5 secciones (o “bloques

rítmicos”), cada una con su propio mini-objetivo.
Esto ayuda a mantener el interés, escalonar la dificultad y medir el
tiempo.

Ejemplo:

1. Encontrar la brújula.

2. Destruir la red eléctrica.

3. Liberar a los prisioneros.

4. Recuperar la llave.

5. Destruir la torre de vigilancia.

Cada sección debe tener su propio OCR local que contribuya al

objetivo global.
Esto evita niveles monótonos y facilita el control de ritmo.

4. Medición del Tiempo y Ritmo

Para determinar la duración del nivel, se realizan pruebas internas

de recorrido (playtesting) o estimaciones basadas en la complejidad
de las tareas.

Ejemplo de estimación por tipo de desafío:

Tipo de Duración
actividad estimada

Puzzle fácil 2 minutos

Puzzle medio 6 minutos

Puzzle difícil 10 minutos

Tipo de Duración
actividad estimada

Enemigo tipo 1 1 minuto

Enemigo tipo 2 3 minutos

Enemigo tipo 3 5 minutos

Enemigo tipo 4 7 minutos

Consejo:
El tiempo debe medirse entre OCR → OCR.
Esto ayuda a detectar tramos vacíos, picos de dificultad o zonas de
baja interacción.

5. Contexto del Nivel

El contexto de dónde ocurre el nivel dentro del juego afecta

directamente la dificultad, el tipo de enemigos y el ritmo narrativo.

Preguntas clave:

 ¿Dónde está ubicado el nivel dentro del mapa general?

 ¿Es el primer nivel, uno intermedio o el final?

 ¿Qué rol cumple en la progresión de la historia y de las

mecánicas?

Ejemplo:
Un nivel inicial debe enseñar las mecánicas básicas y tener desafíos
simples; uno avanzado puede ser más punitivo o emocionalmente
intenso.

6. Escalado de Dificultad

La dificultad no debe aumentar añadiendo más enemigos o más

puzzles, ya que eso genera repetición, no desafío.
El aumento debe ser cualitativo, no cuantitativo.

Ejemplos de escalado inteligente:

 Cambiar el entorno para limitar el espacio de movimiento.

 Introducir una mecánica ya conocida, pero bajo una condición

nueva (oscuridad, presión de tiempo, ruido ambiental).
  Forzar al jugador a combinar dos habilidades que antes usaba
por separado.

7. Organización y Seguimiento

Toda esta información debe registrarse en una planilla de Excel o

Google Sheets, donde se detallen:

 Sección del nivel.

 OCR asociado.

 Tiempo estimado.

 Dificultad percibida.

 Elementos principales (enemigos, puzzles, recursos).

 Observaciones tras testeo.

Esto permite tener una visión global del flujo del nivel, detectar
desbalances de ritmo y justificar decisiones de diseño.
Capas de Composición

Cómo guiar la mirada y la emoción del jugador

¿Qué es una composición?

En diseño de niveles, una composición es la organización intencional

de los elementos visuales dentro del entorno. Su propósito es dirigir
la atención del jugador, mantener la claridad espacial y
reforzar la narrativa visual del nivel.
Cada objeto, luz o sombra forma parte de un arreglo jerárquico que
debe comunicar qué es importante, qué no lo es y hacia dónde debe
moverse el jugador.

Reglas fundamentales de composición

1. Dirección ambiental:
Los elementos del entorno deben guiar de manera natural al
jugador.
Ejemplo: un camino roto, una cerca abierta o un cable colgando
que apunta visualmente hacia una puerta.

2. Líneas de composición:
Las líneas diagonales, perspectivas o formas geométricas del
escenario deben apuntar hacia el punto de interés.
Las líneas de fuga son herramientas clave para reforzar la
dirección visual.

3. Iluminación como guía:

La luz es una de las herramientas más poderosas para controlar
la atención.
Un punto de luz sobre una puerta o un pasillo oscuro que
desemboca en un foco iluminado indica al jugador hacia dónde
avanzar.

4. Sombra como refuerzo:

Las sombras eliminan el ruido visual y aíslan el foco principal.
Si la luz guía, la sombra encuadra.

5. Composición por capas:

El entorno debe organizarse en tres planos visuales principales:

o Primer plano (Foreground)

o Plano medio (Midground o capa de interés)

 o Fondo (Background)

Esta estructura crea profundidad, coherencia visual y un recorrido

fluido para la vista del jugador.

1. Capa de Primer Plano (Foreground)

Esta capa está más cerca de la cámara o del jugador. Su función

principal es enmarcar la escena y crear sensación de inmersión,
pero sin competir con el punto focal del nivel.

Reglas prácticas:

 Evitar elementos que llamen demasiado la atención (colores

brillantes, objetos contrastantes).

 Mantener una paleta coherente con la del entorno general.

 Utilizar esta capa para dar contexto (rejas, ramas, columnas,

ruinas, paredes parciales).

Ejemplo:
Si tu escena es nocturna, no coloques papeles blancos o superficies
reflectantes cerca de la cámara: el jugador desviará su atención del
verdadero punto de interés.

2. Capa Central de Interés (Midground)

Es el corazón de la composición. Aquí se encuentra el dominante

principal, el punto donde queremos que el jugador fije su mirada o
hacia donde se dirija.

Claves de composición:

 Evitar colocar elementos que compitan en forma, color o

iluminación con el dominante.

 Usar la luz para resaltar el foco y dirigir el recorrido.

 Mantener coherencia dimensional: el dominante debe tener

escala, contraste o movimiento que lo diferencie.

 Un mismo nivel puede tener un dominante principal y uno o

más contrapuntos, pero estos deben complementarse
visualmente y contar una historia conjunta.

Ejemplo:
Un molino iluminado en la colina es tu dominante. Un cartel caído o
una torre rota puede servir como contrapunto que refuerce la
dirección visual hacia ese molino.

3. Capa de Fondo (Background)

El fondo proporciona contexto y atmósfera. No debe competir por

la atención, sino reforzar la lectura del dominante y dar
profundidad escénica.

Claves:

 Elegir paletas que contrasten sutilmente con el dominante (por

ejemplo, dominante amarillo oscuro con cielo azul pálido o
noche fría).

 Mantener las formas simples y no recargadas.

 El fondo debe enmarcar al dominante, no eclipsarlo.

Ejemplo:
Un cielo grisáceo y una tormenta lejana enmarcan un edificio
iluminado por un foco cálido: la mirada del jugador irá directamente
al edificio.

Capa adicional: Staffage o “Ambient Life Layer”

El staffage es una capa opcional que añade vida y movimiento a la

escena.
Se compone de personajes, criaturas o elementos dinámicos que no
alteran la jugabilidad, pero sí refuerzan la narrativa y el realismo
ambiental.

Ejemplo:
Un tornado a lo lejos (dominante) mientras unos ciervos corren en
dirección contraria.
El jugador percibe la urgencia y la escala del evento sin necesidad de
texto o diálogo.

Usos comunes:

 Aves huyendo de una explosión.

 Hojas movidas por el viento.

 Sombras humanas en segundo plano.

 Criaturas que reaccionan al entorno.

Conclusión

La composición es una herramienta narrativa.

Cuando un nivel está bien compuesto, el jugador no necesita HUD,
flechas ni indicaciones: el entorno mismo lo guía.
Cada capa (primer plano, interés y fondo) cumple una función
específica que, al combinarse, genera claridad, dirección y emoción.

“Un buen diseñador de niveles no le dice al jugador qué mirar, lo hace

mirar naturalmente hacia donde quiere.”

Combinación de Capas de Composición según el Género

Cómo adaptar la estructura visual a la intención emocional del

juego

Cada género utiliza la composición de manera distinta porque busca

provocar emociones específicas en el jugador.
A continuación, se presentan ejemplos de cómo combinar
foreground, midground, background y staffage para reforzar el
tono, la narrativa y la lectura visual de diferentes géneros.

1. Survival Horror

Objetivo emocional: Opresión, miedo, tensión, vulnerabilidad.

Composición recomendada:

 Foreground: Objetos cercanos, borrosos o que obstruyen

parcialmente la vista (puertas, rejas, paredes). Crean
claustrofobia.

 Midground: Dominantes fuertes y oscuros, con zonas de

sombra y luz que sugieren peligro o refugio.

 Background: Profundo, pero poco legible; debe sugerir

incertidumbre.

 Staffage: Movimiento leve: luces parpadeantes, humo,

cortinas que se agitan, sombras de figuras que no están
realmente ahí.
Efecto combinado:
Guía la vista entre claroscuros, genera ansiedad por lo desconocido y
da sensación de encierro.
Ejemplo: Pasillo hospitalario oscuro — foreground con camillas y
cables; midground con una puerta iluminada; background con una
silueta borrosa.

2. Acción / Shooter

Objetivo emocional: Claridad táctica, energía, ritmo rápido.

Composición recomendada:

 Foreground: Obstáculos que cubren parcialmente la visión

(cajas, columnas) para crear cobertura visual y táctica.

 Midground: Dominantes bien definidos (enemigos, vehículos,

objetivos marcados).

 Background: Amplio y claro, permite leer el campo de batalla

completo.

 Staffage: Explosiones, fuego, NPCs corriendo o interactuando

con el entorno.

Efecto combinado:
La claridad y contraste guían decisiones rápidas y mantienen el flujo
del combate.
Ejemplo: Campo urbano destruido — foreground con escombros;
midground con enemigo destacado por contraste cálido; background
con edificios y helicópteros.

3. Puzzle / Aventura lógica

Objetivo emocional: Curiosidad, atención, claridad visual.

Composición recomendada:

 Foreground: Mínimo o limpio, evita distracción.

 Midground: Dominante nítido (puzzle, puerta, mecanismo).

 Background: Suave, sin contrastes excesivos.

 Staffage: Movimiento ambiental leve (agua, niebla, luz que

atraviesa cristales).

Efecto combinado:
La composición centra la atención en el desafío, eliminando ruido
visual.
Ejemplo: Sala con maquinaria — foreground despejado; midground
con engranaje iluminado; background con una gran ventana o mural
simbólico.

4. Mundo Abierto / Aventura Exploratoria

Objetivo emocional: Libertad, escala, descubrimiento.

Composición recomendada:

 Foreground: Elementos naturales o ruinas que enmarquen la

vista.

 Midground: Dominantes múltiples (torres, montañas,

estructuras visibles desde lejos).

 Background: Muy amplio, horizonte claro y atmósfera ligera.

 Staffage: Vida ambiental abundante (fauna, viento, nubes,

hojas moviéndose).

Efecto combinado:
Da dirección sutil sin imponer, fomentando exploración y orientación
visual a larga distancia.
Ejemplo: Valle abierto — foreground con rocas y vegetación;
midground con un templo en ruinas; background con una montaña
nevada.

5. Fantasía Épica / RPG

Objetivo emocional: Asombro, grandeza, misticismo.

Composición recomendada:

 Foreground: Elementos ornamentales o mágicos que

enmarquen (runas, pilares, plantas brillantes).

 Midground: Dominantes monumentales (castillos, portales,

criaturas gigantes).

 Background: Colorido, con gradientes atmosféricos o cielos

dinámicos.

 Staffage: Partículas flotantes, aves, luces mágicas en

movimiento.

Efecto combinado:
Crea sensación de mundo vivo y majestuoso, donde cada plano
cuenta parte del mito.
Ejemplo: Puente suspendido — foreground con antorchas; midground
con castillo flotante; background con auroras o tormenta mágica.

🏎️6. Carreras / Velocidad

Objetivo emocional: Adrenalina, flujo, movimiento continuo.

Composición recomendada:

 Foreground: Movimiento borroso o en desenfoque (velocidad).

 Midground: Pistas o rutas con curvas bien marcadas.

 Background: Desenfocado o acelerado, sugiere dirección y

velocidad.

 Staffage: Elementos móviles (carteles, público, viento, polvo).

Efecto combinado:
El entorno guía el movimiento y mantiene la sensación de flujo sin
interrupciones.
Ejemplo: Carretera nocturna — foreground con luces de neón;
midground con curvas marcadas; background con ciudad iluminada.

7. Plataformas / Puzzle-Acción

Objetivo emocional: Precisión, progresión, ritmo.

Composición recomendada:

 Foreground: Detalle leve para enmarcar el área de juego.

 Midground: Dominante claro (plataforma principal, punto de

salto).

 Background: Profundo y con contraste moderado para no

interferir con el gameplay.

 Staffage: Movimiento de engranajes, partículas o criaturas que

indican dirección.

Efecto combinado:
Guía la ruta óptima de salto o avance sin usar indicadores artificiales.
Ejemplo: Fábrica abandonada — foreground con cables, midground
con cintas transportadoras, background con luces rojas intermitentes.

Cómo combinarlas correctamente

Objetivo Foregroun Backgrou
Midground Staffage Resultado
del Nivel d nd

Generar Obstruido, Contraste de Movimiento Claustrofobia,

Difuso
tensión oscuro luz leve ansiedad

Múltiples
Fomentar Limpio, Horizonte Fauna y Libertad,
puntos de
exploración natural claro viento curiosidad
interés

Enfatizar Coberturas Enemigos bien Abierto, Explosiones, Ritmo,

combate y ángulos definidos legible movimiento claridad

Inspirar Decorado Dominantes Amplio, Partículas, Épica,

asombro brillante monumentales colorido criaturas misticismo

Composición de Ángulos

Control de perspectiva y emoción a través del punto de vista

El uso de los ángulos de cámara y composición define cómo el

jugador percibe el espacio, la escala, la tensión y el poder dentro de
un entorno.
Cada tipo de ángulo altera la psicología del jugador, refuerza la
narrativa visual y contribuye a la atmósfera general del nivel.
Su correcta aplicación permite dirigir la atención, crear impacto
emocional y reforzar la intención del diseñador.

Ángulo Bajo (Low Angle)

Descripción:
La cámara o punto de vista se sitúa por debajo del dominante,
mirando hacia arriba.
Transmite vulnerabilidad, asombro o anticipación.
El jugador observa algo que lo supera física o emocionalmente.

Usos típicos:

 Mostrar la magnitud de estructuras (castillos, torres, enemigos

gigantes).

 Preludio de un enfrentamiento (el jugador ve al enemigo en una

posición de poder).

 Reforzar jerarquía o escala.

Ejemplo por género:

  Horror: ver una silueta inmensa recortada contra la luz de un
pasillo.

 Acción: mirar hacia un helicóptero o base enemiga desde una

colina.

 Aventura: contemplar una estatua ancestral o puerta

monumental.

Recomendación técnica:
Evitar exceso de elementos en foreground; mantener la línea de
horizonte baja para acentuar verticalidad.

Ángulo Plano (Flat Angle)

Descripción:
La cámara se mantiene a la altura del jugador, en el mismo eje
horizontal.
Transmite naturalidad, neutralidad y presencia directa.
Ideal para interacción narrativa o navegación equilibrada.

Usos típicos:

 Exploración interior o conversación.

 Presentación de objetivos inmediatos al mismo nivel.

 Transiciones entre escenas sin carga emocional extrema.

Ejemplo por género:

 Survival Horror: pasillo largo con puerta iluminada al fondo.

 Puzzle: interacción directa con un mecanismo.

 RPG: diálogo o enfrentamiento con NPC frente a frente.

Recomendación técnica:
Jugar con luz y color para dirigir la atención, ya que el encuadre es
simétrico y no jerarquiza naturalmente.
Ángulo Alto (High Angle)

Descripción:
La cámara observa desde arriba hacia abajo.
Causa sensación de pequeñez, vulnerabilidad o control externo.
Puede expresar opresión o dominio.

Usos típicos:

 Mostrar la soledad del jugador en un entorno vasto.

 Reforzar la debilidad ante una amenaza.

 Brindar una vista táctica en momentos de planeamiento.

Ejemplo por género:

 Horror: el protagonista visto desde una cámara de seguridad

(mirada vigilante).

 Acción táctica: observar una base enemiga antes del asalto.

 Plataformas: mostrar la trayectoria completa del salto.

Recomendación técnica:
Mantener contraste entre foreground y background para evitar
pérdida de lectura visual.

Ángulo Frontal (Front Angle)

Descripción:
El dominante se ubica frente al jugador a su mismo nivel, creando
una relación directa.
Transmite claridad, confrontación o neutralidad.

Usos típicos:

 Encuentros importantes o diálogo cara a cara.

 Escenarios sin riesgo inmediato.

 Enfrentamientos 1v1 o presentación de enemigos principales.

Ejemplo por género:

 Survival Horror: aparición de un enemigo principal al fondo de

un pasillo.

 Acción: entrada a una arena de combate.

 Cinemática: confrontación moral o emocional.

Ángulo Medio Frontal (Half-Front Angle)

Descripción:
La vista está ligeramente desplazada del frente, manteniendo
una perspectiva parcial.
Ideal para transición de tensión a revelación, porque deja al
jugador entre lo visible y lo oculto.

Usos típicos:

 Pasillos estrechos, esquinas, giros de cámara lentos.

 Construcción progresiva de tensión visual.

 Desvelar elementos gradualmente (enemigo, puerta, evento).

Ejemplo por género:

 Horror psicológico: giro lento y revelación de algo inesperado.

 Exploración: primer vistazo a un área nueva.

Recomendación técnica:
Acompañar con sonido direccional o iluminación que anticipe la
revelación.

Ángulo de Medio Lado (Half-Side Angle)

Descripción:
Ubica el dominante a 90° del eje visual del jugador, fuera de
campo.
Se usa para impacto, sorpresa o redirección repentina de
atención.

Usos típicos:

 Jumpscares o revelaciones repentinas.

 Enemigos emboscando desde un lateral.

 Introducción de eventos imprevistos.

Ejemplo por género:

 Terror: figura aparece de golpe al girar.

 Acción: explosión lateral que cambia el ritmo.

Recomendación técnica:
Evitar abuso del recurso; debe reservarse para momentos clave de
sorpresa o tensión narrativa.

Ángulo Lateral (Side Angle)

Descripción:
El dominante o evento ocurre en un lateral del campo visual,
mostrando la profundidad y volumen del entorno.
Permite leer las dimensiones espaciales y construir tensión con lo
que no está del todo visible.

Usos típicos:

 Mostrar enemigos en paralelo al camino del jugador.

 Resaltar amplitud o distancia.

 Escenas de desplazamiento lateral o persecución.

Ejemplo por género:

 Horror: criaturas moviéndose en paralelo al jugador.

 Aventura: vista lateral de un puente o abismo.

 Shooter: enemigos patrullando en zonas altas.

Puntos de Observación (Viewpoints)

Descripción:
Los puntos de observación determinan desde dónde el jugador verá
 el dominante o evento.
Cada punto debe diseñarse para maximizar impacto visual y
claridad.

Tipos de enfoque:

 Lineal: control total del punto de vista (cinemáticas, pasillos,

pasarelas).

 Semi-lineal: puntos de observación múltiples que mantienen

coherencia del dominante desde distintos ángulos.

 Abierto: el diseñador debe usar composición y luz para que el

jugador intuya hacia dónde mirar.

Recomendación técnica:

 Planificar los puntos de vista desde el boceto inicial.

 Usar líneas visuales, luz y movimiento para guiar la

atención.

 Si el juego tiene cámara libre, reforzar con marcos naturales

(puertas, rocas, columnas) que encuadren el dominante.

Combinación de Ángulos según Intención

Ángulo
Intención del Nivel Secundario Efecto Emocional
Principal

Mostrar poder o escala Bajo Frontal Admiración, respeto

Crear tensión progresiva Medio frontal Lateral Ansiedad, expectación

Generar vulnerabilidad Alto Medio lateral Opresión, debilidad

Fomentar claridad táctica Plano Alto Control, dominio

Provocar susto o impacto Medio lateral Frontal Sorpresa, adrenalina

 Ejemplos prácticos aplicados

Combinaciones entre Ángulos (por género y función narrativa)

Estas combinaciones buscan generar emociones específicas y

mantener el ritmo visual del nivel.
Un mismo ángulo puede tener resultados opuestos según con qué
otro se combine y en qué género se aplique.

Survival Horror

Objetivo general: vulnerabilidad, tensión y control visual del peligro.

Efecto
Combinación Uso Práctico Ejemplo
Emocional

El jugador ve al enemigo En Resident Evil 2, el jugador

desde arriba (seguridad Alternancia de observa a Mr. X desde un
Low Angle +
momentánea), luego el poder → miedo y balcón (control visual), luego
High Angle
enemigo domina desde un sumisión. baja al pasillo y lo enfrenta
ángulo alto. desde abajo (amenaza).

Pasillo oscuro: se muestra una

Revelación gradual seguida
Half-Front + Tensión creciente silueta parcial (half-front),
de susto o aparición fuera de
Half-Side + impacto. luego el enemigo aparece por
cuadro.
un lateral (half-side).

El jugador ve sombras en
Enemigos moviéndose paralelo tras una ventana
Side Angle + Preludio →
paralelos al jugador antes del (side), luego gira y enfrenta al
Front Angle confrontación.
enfrentamiento frontal. enemigo frente a frente
(front).

En The Evil Within, vista del

Vista cenital del área → Contraste entre
High Angle área con trampas (alto), luego
cambio a plano para sentir observación y
+ Flat Angle se entra al nivel (plano) con
cercanía. vulnerabilidad.
cámara pegada al hombro.
 Acción / Aventura

Objetivo general: escala, dinamismo, claridad espacial.

Combinación Uso Práctico Efecto Emocional Ejemplo

El jugador sube por un

Mostrar un objetivo o boss de
Low Angle + Admiración + puente y ve al jefe al fondo
forma épica antes del
Front Angle desafío. iluminado por el sol (low →
combate.
front).

En Uncharted, el jugador
Explorar un entorno a ras del Transición entre
Flat Angle + escala una montaña
suelo y luego tener una vista intimidad y
High Angle (plano), llega a la cima
panorámica. amplitud.
(alto) y observa el paisaje.

Secuencia de acción donde el Combate en un pasillo

Ritmo visual +
Half-Front + movimiento lateral se percibe lateral donde la cámara se
sensación
Side Angle fluido, pero con foco en el mueve a media altura
cinematográfica.
personaje. lateral.

Puzzle / Aventura narrativa

Objetivo general: comprensión espacial, lectura visual clara y

ambientación coherente.

Efecto
Combinación Uso Práctico Ejemplo
Emocional

Alternar entre En The Witness, el jugador resuelve

Flat Angle + Claridad +
exploración y vista paneles a nivel del suelo (plano) y
High Angle anticipación.
general del puzzle. luego observa el entorno (alto).

Introducir un puzzle a
Half-Front + Descubrimiento Se revela una puerta con símbolos
través de una transición
Flat Angle + lógica. al girar una esquina.
suave.

Mostrar progresión y En un puzzle de mecanismos

Side Angle + Fluidez + avance
jerarquía visual entre verticales, el jugador ve las partes
Low Angle controlado.
elementos del entorno. moviéndose desde un lateral bajo.
 Mundo Abierto / Exploración

Objetivo general: monumentalidad, descubrimiento y ritmo visual

variable.

Efecto
Combinación Uso Práctico Ejemplo
Emocional

En Zelda: Breath of the Wild,

Presentar un punto de interés Escala +
Low Angle + ves la torre desde abajo (low)
lejano y luego contemplarlo recompensa
High Angle y luego observas el mundo
desde arriba. visual.
desde su cima (high).

Mostrar al jugador viajando en

Camino de montaña donde se
Side Angle + movimiento lateral y Continuidad +
abre el horizonte a medida
Half-Front revelando progresivamente el descubrimiento.
que avanza.
paisaje.

Marcar objetivos distantes que

High Angle + Planeamiento + Vista aérea de una fortaleza →
luego se enfrentan
Front Angle logro. llegada al portón principal.
directamente.
 Combinaciones entre Ángulos + Capas de Composición

Aquí la intención es enseñar cómo usar la profundidad y las

capas visuales (foreground, midground, background) para
reforzar los efectos creados por los ángulos.

Survival Horror

Ángulo + Capa Aplicación Resultado

Revelar un enemigo o evento en el punto

Half-Front + Tensión progresiva, enfoque en
medio de la escena mientras el foreground
Midground el “descubrimiento parcial”.
permanece en sombra.

Low Angle +
Mostrar una estructura enorme que Sensación de opresión,
Background
domina el horizonte. insignificancia del jugador.
profundo

High Angle +
Iluminación superior que deja el entorno Vulnerabilidad, desorientación,
Foreground
inferior en penumbra. atmósfera claustrofóbica.
oscuro

Vida aparente en la escena,

Side Angle +
Movimiento de sombras o NPCs laterales. refuerzo del miedo a lo
Staffage
desconocido.

Acción / Aventura

Ángulo + Capa Aplicación Resultado

Personaje ascendiendo o Sensación de progreso

Low Angle + Midground
enfrentando un obstáculo. y fuerza.

Front Angle + Background Claridad visual,

Combates con horizonte visible.
iluminado epicidad.

High Angle + Foreground Escena masiva vista desde Control y escala

dinámico (explosiones o NPCs) arriba. cinematográfica.
 Puzzle / Aventura narrativa

Ángulo + Capa Aplicación Resultado

Interacción con objetos o Claridad funcional y

Flat Angle + Midground estático
mecanismos. lectura limpia.

High Angle + Background de Puzzle visual con lectura Comprensión de

patrones geométricos global. estructura.

Half-Front + Foreground parcial

Revelación progresiva. Curiosidad y enfoque.
(columnas, puertas)

Mundo Abierto / Exploración

Ángulo + Capa Aplicación Resultado

Low Angle + Background lejano Presentar destino o punto de Objetivo visible,

y claro interés en la distancia. motivación de viaje.

High Angle + Staffage Sensación de mundo

Vista panorámica viva.
(animales, viento, NPCs) habitado y real.

Side Angle + Capas sucesivas Transición natural entre biomas Narrativa ambiental
(bosque → ruinas → ciudad) o zonas. fluida.
 Recomendación práctica para el manual

Podés incluir una tabla de referencia rápida tipo “hoja de diagnóstico”

(como haría un médico) para tus sesiones de diseño:

Síntoma visual Diagnóstico Tratamiento

Escena plana sin Falta de contraste Agregar ángulo medio lateral o alto + luz focal
dirección visual angular en midground

Pérdida de escala en Falta de fondo Aplicar low angle + background con horizonte
entorno dominante vertical

Ángulo fijo Combinar flat angle con half-front para

Falta de ritmo visual
prolongado reintroducir dinamismo
Composición Visual en el Level Design

Las composiciones son el “ritmo visual” de un nivel.

Cada tipo de composición —simétrica, asimétrica, balanceada o
desbalanceada— no solo estructura el espacio, sino que controla el
flujo de atención y la emoción del jugador.
El diseñador de niveles debe pensar en ellas como un método
narrativo silencioso.

1. Composición Equilibrada (Simetría Perfecta)

Definición técnica:
Distribución de peso visual igual a ambos lados del eje vertical o
horizontal. El dominante se encuentra centrado.

Usos recomendados:

 Ambientes de calma, solemnidad, autoridad o control.

 Introducciones, salas principales o espacios sagrados.

 Ideal para juegos narrativos o cinematográficos.

Ejemplo práctico:

 En Dark Souls, las puertas de los templos o catedrales son

completamente simétricas; transmiten poder y reverencia.

 En Zelda: Breath of the Wild, la entrada a los santuarios

mantiene simetría axial para guiar la vista y centrar el objetivo.

Efecto psicológico:
Orden, equilibrio, serenidad.
El jugador siente que todo está “bajo control” o ante un espacio
importante.

Riesgo:
El exceso de simetría puede resultar monótono si se usa
repetidamente.

2. Composición Dinámica (Asimétrica Balanceada)

Definición técnica:
El dominante se ubica en uno de los laterales (izquierda o derecha) y
se equilibra mediante elementos secundarios de peso visual similar
en el lado opuesto.
También se conoce como asimetría balanceada o dinámica
equilibrada.

Usos recomendados:

 Crear movimiento y dinamismo sin perder armonía.

 Guiar la vista del jugador hacia una dirección sin generar caos.

 Ideal para niveles de exploración o aventura narrativa.

Ejemplo práctico:

 En The Last of Us Part II, la cámara suele mostrar a Ellie en un

lateral (dominante) con edificios o calles abiertas en el otro.
Esto dirige la vista hacia la ruta a seguir.

 En Resident Evil 4 Remake, las escenas de combate en aldeas

usan este tipo de composición para mantener el foco del
jugador, pero con libertad de movimiento.

Efecto psicológico:
Movimiento visual y naturalidad.
El jugador se siente guiado, pero no forzado.

Riesgo:
Si el equilibrio entre pesos visuales no está bien medido (por luz,
color o forma), el dominante puede perder jerarquía.

3. Composición Desbalanceada (Asimétrica Dinámica

Descentrada)

Definición técnica:
Predominio de peso visual en un sector de la composición, con
ausencia de equilibrio.
El ojo del jugador es atraído fuertemente hacia un lado.

Usos recomendados:

 Momentos de caos, peligro o impacto emocional.

 Transiciones tensas o escenarios donde el jugador se siente

fuera de control.

 Muy útil en terror psicológico o survival horror.

Ejemplo práctico:

 En Silent Hill 2, cuando James entra en habitaciones con

mobiliario volcado, la composición suele ser desbalanceada
hacia un extremo para generar incomodidad.

 En Control, las zonas donde se distorsiona la arquitectura usan

desbalance visual para romper la estabilidad perceptiva.

Efecto psicológico:
Tensión, desequilibrio, ansiedad.
El jugador percibe la escena como insegura o perturbadora.

Riesgo:
Usarla constantemente puede fatigar al jugador y hacer que pierda
orientación visual.

4. Composición Balanceada (General)

Definición técnica:
Relación armónica entre todos los elementos, donde el dominante se
mantiene jerárquicamente visible y los secundarios acompañan su
lectura sin competir.

Usos recomendados:

 Niveles tutoriales o zonas de calma entre secuencias intensas.

 Escenarios donde queremos que el jugador contemple el

entorno.

 Ideal para momentos de transición o narrativa ambiental.

Ejemplo práctico:

 En Journey, los entornos desérticos tienen composiciones

balanceadas: dunas y ruinas compensadas por el horizonte
central.

 En Zelda: Ocarina of Time, el Lon Lon Ranch utiliza equilibrio

entre molino (dominante secundario) y pista (dominante
principal).

Efecto psicológico:
Calma, contemplación, claridad visual.
 Riesgo:
Puede volverse “demasiado neutra” si no hay ritmo o dirección visual
clara.

Combinaciones entre Tipos de Composición

Combinación Efecto Aplicación ideal Ejemplo

Simétrica → Transición de Introducción tranquila Resident Evil Village: entrada

Asimétrica calma a que evoluciona en simétrica al castillo → interiores
Balanceada movimiento acción o exploración con composiciones dinámicas.

Asimétrica Aumento de Secuencias de Outlast: pasillo ordenado →

Balanceada → tensión o persecución o eventos enemigo rompe una pared y el
Desbalanceada peligro inesperados plano se vuelve caótico.

Salida de una zona de Silent Hill 2: habitación

Desbalanceada → Resolución y
peligro a un espacio distorsionada → pasillo recto
Simétrica alivio
seguro iluminado.

Relación con Capas de Composición

Integrar capas (foreground, midground, background) refuerza la

lectura visual del tipo de composición que aplicamos.

Tipo de
Distribución recomendada Efecto visual
Composición

Simétrica Foreground y background centrados, Claridad jerárquica,

equilibrada midground dominante monumentalidad

Foreground con detalle lateral + midground

Asimétrica Dirección de lectura suave,
dominante opuesto + background
balanceada sensación de fluidez
compensado

Caos visual,
Foreground saturado + background
Desbalanceada desorientación, tensión
irregular
ambiental

Balance Foreground neutro + midground Lectura cómoda,

general protagonista + background armónico estabilidad
 Aplicación por género

Tipo de composición
Género Propósito Ejemplo
dominante

Asimétrica desbalanceada Transmitir desorden, Silent Hill, The Evil

Survival Horror
+ dinámica opresión, peligro Within

Acción / Dirigir al jugador con Uncharted, Tomb

Asimétrica balanceada
Aventura naturalidad Raider

Puzle /
Claridad y legibilidad
Aventura Simétrica equilibrada The Witness, Inside
espacial
narrativa

Balanceada + transiciones Naturalidad y variedad Zelda BOTW, Ghost

Mundo Abierto
a asimétrica visual of Tsushima

Consejos para aplicar en el manual:

1. Diagnóstico visual: cuando sientas que tu escena “no

comunica”, revisa si el tipo de composición se corresponde con
la emoción del momento.

2. Usa la luz y el color como pesos visuales secundarios: no

solo los objetos crean balance o desbalance.

3. Combina composición + ángulo: un plano low angle +

asimetría balanceada genera dirección sin perder fuerza.

4. No temas romper la regla: las composiciones

desbalanceadas pueden ser las más memorables si están
justificadas emocionalmente.
GUIAR AL JUGADOR (ORIENTACIÓN VISUAL)

Uno de los pilares fundamentales del Level Design es la orientación

visual, es decir, cómo el entorno comunica al jugador hacia dónde ir,
qué explorar y cómo sentir el espacio.
El jugador debe entender el nivel sin necesidad de texto ni interfaz,
solo a través del lenguaje visual del entorno.

PRINCIPIO GENERAL

Cada elemento que colocamos —desde un mueble hasta una farola o

una montaña— debe tener un propósito dentro del flujo visual.
Todo lo que está en pantalla debe colaborar para dirigir la mirada del
jugador hacia el dominante, el objetivo o el camino narrativo que
queremos que siga.

Para esto, el diseñador dispone de un conjunto de herramientas

conocidas como “kit de guía visual”:

 Líneas (horizontales, verticales y curvas).

 Luz y sombra.

 Color y contraste.

 Movimiento (elementos animados).

 Sonido (apoyo contextual).

LÍNEAS EN EL LEVEL DESIGN

Las líneas son la herramienta más básica y poderosa para guiar la

atención del jugador.
No hablamos solo de líneas físicas, sino de líneas implícitas que se
forman con la disposición de elementos, arquitectura o iluminación.

Cuando los objetos, estructuras o elementos del entorno apuntan

hacia el dominante o el camino deseado, el jugador sigue esas líneas
de forma natural.
1. Líneas Horizontales

Función:
Transmiten calma, estabilidad y amplitud.
Sirven para establecer el horizonte, mostrar profundidad o dirigir la
mirada a larga distancia.

Aplicaciones:

 En juegos de mundo abierto o exploración (Zelda: Breath of the

Wild, Red Dead Redemption 2), se usan para reforzar la
sensación de espacio y libertad.

 En secuencias narrativas, ayudan a transmitir serenidad antes

de un conflicto.

Efecto psicológico:
Tranquilidad, reposo, contemplación.

Riesgo:
El abuso de horizontales puede generar escenas “planas” o
monótonas si no se equilibran con verticales o diagonales.

2. Líneas Verticales

Función:
Transmiten poder, grandeza o claustrofobia, dependiendo del
contexto.
Refuerzan la escala y profundidad del entorno.

Aplicaciones:

 En Dark Souls o Bloodborne, se usan para reforzar la

monumentalidad de las catedrales o torres.

 En Dead Space o Alien Isolation, la repetición de columnas y

ductos verticales genera sensación de opresión.
Efecto psicológico:
Dependiendo de la proporción del jugador frente a los elementos:

 Si los elementos verticales son más grandes → sensación de

pequeñez o sumisión.

 Si son proporcionados → sensación de control y seguridad.

Riesgo:
Si el entorno tiene demasiados elementos verticales sin una jerarquía
visual clara, puede “aplastar” al jugador visualmente y perder
legibilidad.

3. Líneas Curvas

Función:
Conducen la mirada de forma orgánica y fluida.
Suelen utilizarse para guiar el movimiento a través de caminos
naturales o secuencias de descubrimiento.

Aplicaciones:

 En Uncharted 4, las curvas de los caminos y muros en ruinas

dirigen visualmente hacia el objetivo sin marcarlo
explícitamente.

 En Silent Hill 2, los caminos curvos del bosque guían al jugador

a la ciudad sin flechas ni marcadores, generando una sensación
de viaje natural.

Formas comunes:

 Curva en S: la más equilibrada; da ritmo y elegancia a la

composición.

 Curva en C: dirige rápidamente la mirada hacia un punto de

atención.

 Curva espiral: muy usada en interiores o laberintos para guiar

de manera envolvente.

Efecto psicológico:
Fluidez, descubrimiento progresivo, sensación de control.
En terror, puede generar desorientación controlada si se interrumpe
la curva con luz o sonido.
 COMBINACIONES Y SU USO SEGÚN EL GÉNERO

Combinación Género
Efecto Ejemplo práctico
de líneas recomendado

Horizontales + Orden y RPG / Aventura / Skyrim, arquitectura de castillos con

Verticales monumentalidad Shooter táctico líneas cruzadas.

Resident Evil 2 Remake: pasillos

Verticales + Tensión + Survival Horror /
altos curvados que se cierran
Curvas dirección fluida Acción
visualmente.

Curvas + Ritmo de Mundo abierto / Zelda BOTW: caminos curvos entre

Horizontales exploración Plataformas praderas planas.

Curvas + Silent Hill 2, The Medium:

Desorientación y
Verticales Terror psicológico estructuras torcidas, caminos
caos
rotas deformes.

COMBINACIÓN CON CAPAS DE COMPOSICIÓN

Integrar las líneas con las capas de composición (foreground,

midground, background) multiplica la eficacia del diseño visual.

Línea Capa más efectiva Resultado

Horizonta Refuerza horizonte, sensación de escala y dirección

Background
l global.

Vertical Midground Enfatiza altura, profundidad o presión sobre el jugador.

Foreground y
Curva Guía el recorrido inmediato y progresivo del jugador.
midground
Ejemplo práctico (Survival Horror):
Un pasillo oscuro con luces parpadeantes al fondo (líneas horizontales
en background), columnas verticales a los costados (midground) y
una curva de sangre o huellas que lleva al fondo (foreground).
Guía instintiva + tensión psicológica.

CONSEJOS DE IMPLEMENTACIÓN

1. Piensa en líneas invisibles: antes de modelar, dibuja sobre el

boceto las direcciones en las que querés guiar al jugador.

2. Usá contraste y luz para reforzar la línea dominante.

3. No sobrecargues la escena: más líneas no significan mejor

composición; la claridad siempre prima sobre el exceso.

4. Prueba tus líneas en movimiento: las líneas que funcionan

en captura pueden perder legibilidad en gameplay real.

5. Rompe la regla para generar impacto: interrumpir una línea

curva con una vertical puede generar shock visual útil para el
terror o los momentos de sorpresa.
COMPOSICIÓN SENSORIAL EN EL LEVEL DESIGN

Cada nivel comunica a través de los sentidos.

El color, la luz, el sonido, el movimiento y la escala conforman el
lenguaje emocional del espacio.
Estas herramientas no solo decoran, sino que dirigen, informan y
generan emoción en el jugador.

1️COLOR

El color define la atmósfera, el tono emocional y la legibilidad visual

de un entorno.
Una buena gestión del color permite que el jugador entienda qué es
importante, qué debe sentir y hacia dónde moverse.

1.1 Colores Básicos

Los primarios (rojo, azul, amarillo) y sus combinaciones determinan el

tono psicológico del nivel:

 Rojo: energía, peligro, urgencia, pasión.

 Azul: calma, tristeza, seguridad, misterio.

 Amarillo: esperanza, advertencia, atención.

Ejemplo práctico:

 En DOOM (2016) el rojo intenso guía a zonas de combate.

 En Journey, los amarillos suaves marcan esperanza y avance

espiritual.

1.2 Colores Armónicos

Son aquellos que comparten valores similares de brillo, saturación o

temperatura.
Transmiten coherencia, paz visual y continuidad.

Uso típico:

 Ideal para niveles de exploración, plataformas o mundos

abiertos donde se busca serenidad o inmersión (ej. The Legend
of Zelda: Breath of the Wild).
1.3 Colores de Contraste

El contraste destaca un elemento entre otros.

Podemos contrastar mediante:

1. Luz (claro/oscuro).

2. Temperatura (frío/calor).

3. Saturación (vivo/apagado).

4. Tono (diferencia cromática directa).

5. Tamaño o distancia.

6. Complementariedad (colores opuestos en el círculo cromático).

Ejemplo:
Un entorno azul con una puerta roja → el ojo va directo al rojo
(dominante).
En Inside de Playdead, los tonos grises contrastan con luces cálidas
para guiar el recorrido.

1.4 Esquemas de Color

Estructuras visuales basadas en combinaciones que mantienen

armonía.

Uso en
Esquema Descripción Efecto
juegos

Opuestos en el Portal Alta legibilidad,

Complementario
círculo cromático (azul/naranja) tensión visual.

Abzû (azules y Fluidez,

Análogo Colores adyacentes
verdes) naturalidad.

Energía,
Tres colores
Tríada Overwatch variedad
equidistantes
controlada.

Complementario Un color base y dos Horizon Zero Armonía con

dividido opuestos suaves Dawn contraste leve.

Dos pares Estilo vibrante,

Tetrádico Fortnite
complementarios artístico.
 2️LUZ

La luz es una de las herramientas más poderosas del diseñador.

Guía, destaca, da ritmo y establece el tono emocional del espacio.

Usos Principales

Uso Descripción Ejemplo

Iluminar puntos de escape o Luz cálida sobre una puerta en The Last
Salidas
transiciones. of Us.

Camino Secuencias de luz progresivas que Antorchas en Dark Souls o farolas en

s dirigen el flujo. Bloodborne.

Enemig
Luz puntual que anticipa peligro. Luz roja intermitente en Resident Evil 2.
os

Tip: La luz debe estar en coherencia con la paleta del entorno.

No se trata de iluminar más, sino de iluminar con intención.

3️ESCALA

La escala define cómo se percibe la grandeza o intimidad del

espacio.

Tipo de
Uso Efecto
escala

Monument Grandes espacios, estructuras Impone respeto o miedo (Shadow of

al titánicas the Colossus).

Tamaños proporcionales al
Humana Inmersión realista (Half-Life 2).
jugador

Tensión o vulnerabilidad (P.T., Dead

Intimista Espacios cerrados, ajustados
Space).
Consejo: La escala debe mantener coherencia visual con la cámara y
la jugabilidad.

4️DETALLES

Los detalles comunican historia ambiental y foco visual.

Funcionan como pequeños dominantes dentro de áreas secundarias.

Ejemplo práctico:

 The Last of Us Part II: paredes con grafitis, fotos rotas o carteles
→ cuentan el contexto del mundo.

 BioShock: objetos decorativos que revelan ideología o pasado

de los habitantes.

Uso en diseño:

 Marcar direcciones (una flecha en un cartel).

 Romper monotonía (elementos que contrastan).

 Crear puntos de interés local (un escritorio con notas, una

ventana iluminada).

5️MOVIMIENTO

El movimiento llama naturalmente la atención.

Usado de forma precisa, refuerza el foco visual y da vida al
entorno.

Tipos de movimiento:

1. Ambiental: viento, fuego, agua, humo.

2. Reactor: movimiento causado por el jugador (puertas,

interruptores).

3. Narrativo: NPCs o criaturas en acción.

4. Efectista: destellos, parpadeos, explosiones.

Ejemplos prácticos:

 Fuego y humo que guían hacia un punto (Far Cry 5).

 NPCs huyendo hacia una dirección específica (Uncharted 2).

 Luz parpadeante en un pasillo oscuro (Alien Isolation).

 Consejo: controla el timing del movimiento.
Demasiado rápido = distracción.
Demasiado lento = irrelevante.

6️AUDIO

El audio amplifica la atmósfera y refuerza la guía espacial.

Puede funcionar como navegación emocional o direccional.

Aplicaciones:

1. Guía auditiva: ruidos o voces que atraen la atención.

Ej: Hellblade: Senua’s Sacrifice, donde el sonido guía sin HUD.

2. Tensión y alerta: sonidos súbitos para redirigir la mirada.

Ej: pasos detrás del jugador, Dead Space.

3. Narrativo/ambiental: música que cambia según progreso o

peligro.
Ej: Resident Evil en salas seguras vs combate.

Consejo:
Cada sonido debe tener una intención: advertir, atraer o
emocionar.
El silencio también comunica —especialmente en terror psicológico.

COMBINACIONES EFECTIVAS ENTRE ELEMENTOS SENSORIALES

Combinación Efecto emocional Géneros ideales Ejemplo

Color cálido + Luz

Sensación de avance Aventura, Zelda BOTW,
direccional + Movimiento
y recompensa plataformas templos.
leve (humo)

Color frío + Luz baja + Soledad, Exploración, terror SOMA, Silent Hill
Audio ambiental distante introspección psicológico 2.

Contraste de color + Luz

Shooter, acción, DOOM, Dead
puntual + Movimiento Alerta, peligro
terror Space.
súbito

Escala monumental + Luz Elden Ring,

Épico, místico RPG, fantasía
cenital + Audio coral Skyrim.

Detalle narrativo +
Melancolía, Walking Sim, What Remains
Iluminación lateral +
contemplación drama of Edith Finch.
Música suave
TRIGGERS Y EVENTOS

(Lógica de juego aplicada al Level Design)

¿Qué es un Trigger?

Un trigger es un área o punto invisible dentro del nivel que, al ser

activado por el jugador o un evento, ejecuta una acción o secuencia
programada. Es una herramienta esencial del diseñador de niveles
para dar vida al entorno, guiar al jugador y controlar el ritmo
emocional del juego.

Los triggers pueden generar desde un sonido ambiente hasta un

cambio completo en la escena. En diseño, su función principal es
sincronizar la narrativa, la jugabilidad y la emoción.

Tipos de Triggers

1. Triggers narrativos:
Se utilizan para activar cinemáticas, diálogos, secuencias de
historia o recuerdos.
Ejemplo: el jugador cruza una puerta y se reproduce una escena
que revela información del pasado del protagonista.

2. Triggers de gameplay:
Manipulan elementos del entorno o las reglas del juego.
Ejemplo: al entrar en una zona, se genera una oleada de
enemigos o se desbloquea una compuerta oculta.

3. Triggers de tensión o psicológicos:

Se utilizan para alterar la atmósfera y provocar una reacción
emocional.
Ejemplo: al pasar junto a una ventana, se escucha un golpe
fuerte y se apaga una luz del pasillo.

4. Triggers ambientales:
Modifican el entorno para mantener la coherencia visual o
sonora.
Ejemplo: cruzar un umbral cambia el clima de lluvia a niebla
densa.
Cómo diseñar un Trigger correctamente

1. Claridad del propósito: define qué debe provocar el trigger

(una emoción, una acción, una respuesta).

2. Contexto visual: el jugador debe sentir que “algo lo activó”,

incluso si no lo ve.

3. Evita el abuso: demasiados triggers generan ruido sensorial y

restan impacto.

4. Sincronización: deben estar alineados con el ritmo y la curva

emocional del nivel.

Ejemplo práctico

Juego de terror en un hospital abandonado:

 Trigger 1: al abrir una puerta, se escucha una respiración

detrás (audio trigger).

 Trigger 2: al girar el pasillo, cae un objeto al suelo (visual +

sonido).

 Trigger 3: al recoger una llave, se activa una persecución

(gameplay + tensión).

Cada evento mantiene al jugador en alerta, sin romper el flujo del

nivel.

🔹 DISEÑO DE PUZZLES

(Del concepto a la implementación)

El diseño de puzzles dentro de un nivel debe mantener el equilibrio

entre desafío, comprensión y ritmo. Un puzzle bien diseñado no
solo ofrece una pausa jugable, sino que profundiza la conexión del
jugador con el entorno y la narrativa.
Etapas del diseño de un Puzzle

1. Concepto:
Define qué emoción o aprendizaje se busca generar.
Ejemplo: un puzzle puede enseñar cómo manipular la luz para
avanzar.

2. Reglas:
Todo puzzle necesita límites claros.
Ejemplo: “solo puedo empujar cajas, no arrastrarlas” o “la
puerta solo se abre si las luces están encendidas en orden”.

3. Señales visuales (Feedback):

El jugador debe recibir información sutil de si va bien o mal.
Ejemplo: un sonido leve indica que activó correctamente una
pieza del mecanismo.

4. Progresión:
El nivel de complejidad debe aumentar gradualmente.
Ejemplo: primero una puerta con una palanca, luego dos
palancas y un temporizador.

5. Integración narrativa:
Cada puzzle debe tener sentido en el contexto del mundo.
Ejemplo: un puzzle de símbolos antiguos dentro de un templo
perdido.

Tipos de puzzles comunes

 Ambientales: manipular elementos del entorno (luces,

sombras, peso, sonido).

 De lógica: conectar patrones o secuencias.

 De recursos: decidir qué objeto usar o conservar.

 De exploración: encontrar piezas ocultas para resolver un

objetivo.
Ejemplo práctico

Juego: Supervivencia psicológica

Objetivo: abrir una puerta eléctrica sin energía.

Diseño paso a paso:

1. El jugador encuentra un generador con fusibles faltantes.

2. Cada fusible está en una habitación distinta.

3. En cada habitación se introduce una micro-mecánica (uno

requiere sigilo, otro resolución de patrón).

4. Al restaurar la energía, una luz parpadeante activa un trigger

sonoro de pasos acercándose.

→ El puzzle se combina con narrativa, tensión y ritmo.

AUMENTAR LA TENSIÓN EN JUEGOS DE TERROR

(Diseño emocional y control del ritmo)

El terror no se basa únicamente en los sustos, sino en la

anticipación. La tensión es el resultado del control emocional sobre
el jugador mediante la ambientación, el sonido, la cámara y la
incertidumbre.
Herramientas principales

1. Audio:

o Ruidos lejanos, pasos, respiraciones.

o Silencios prolongados que anteceden eventos.

o Música que sube y corta repentinamente (efecto de

sobresalto).
Ejemplo: caminar en un pasillo sin música, escuchar un
golpe seco detrás.

2. Iluminación:

o Oscuridad parcial o luz intermitente.

o Guía visual sutil: una luz cálida atrae, una fría repele.
Ejemplo: un foco parpadeante ilumina una figura inmóvil
en la distancia.

3. Cámara:

o Restringir el ángulo de visión aumenta la vulnerabilidad.

o Moverla ligeramente ante eventos crea realismo.

Ejemplo: cámara fija que se sacude al pasar una sombra
detrás del jugador.*

4. Velocidad y control:

o Limitar movilidad o recursos para generar impotencia.

Ejemplo: caminar lento con linterna temblorosa mientras
algo te sigue.*

5. Narrativa ambiental:

o Objetos fuera de lugar, mensajes en paredes, sombras

proyectadas.
Ejemplo: encontrar una nota con tu nombre antes de
llegar a cierto punto.*
 Curva de tensión (ola emocional)

Toda experiencia de terror debe fluir entre momentos de calma y

tensión creciente:
Calma → Sospecha → Amenaza → Clímax → Descanso → Nueva
Tensión.

Ejemplo básico:

 Calma: silencio en pasillo.

 Sospecha: una puerta entreabierta.

 Amenaza: sonido de respiración.

 Clímax: persecución breve.

 Descanso: zona segura con luz cálida.

 Nueva tensión: un ruido detrás al salir.

Este ritmo mantiene la mente del jugador activa sin saturarlo.

COMBINACIÓN DE ELEMENTOS SEGÚN GÉNERO

Tensión /
Género Uso de Triggers Tipo de Puzzle Ejemplo Práctico
Ritmo

Terror Auditivos, de luz, Lógicos y Onda lenta y Silent Hill 2,

psicológico movimiento ambiental ambientales opresiva Amnesia

Spawns, scripts de
Uncharted, Doom
Acción enemigos, eventos Temporizados Rápido, rítmico
Eternal
destructivos

Aventura Diálogos, coleccionables, Secuenciales y Medio / The Last of Us,

narrativa cambios de entorno simbólicos pausado Tomb Raider

Puzzle / Visuales, mecánicos, de Sistema Constante / Portal, The

lógica cámara jerárquico progresivo Witness

Firewatch, What
Exploración / Lento /
Ambientales, narrativos Descubrimiento Remains of Edith
Walking Sim contemplativo
Finch