“Una historia de seis ideas”, capítulo 1:

El arte: la historia de un concepto

1.​ EL CONCEPTO DE ARTE EN LA ANTIGÜEDAD
La expresión <arte> deriva del latín que también es una traducción del griego.
El concepto de arte tanto en Grecia, como en Roma y en la Edad Media, significaba
destreza, que se necesitaba para construir un objeto, una casa, un recipiente, una
prenda de vestir, etc. y también la destreza para dirigir un ejército, para medir un campo,
para dominar una audiencia. Todas estas destrezas se denominaron artes: el arte del
arquitecto, del escultor, del sastre, del geómetra.
Una destreza se basa en el conocimiento de reglas, no existía ningún tipo de arte sin
reglas (el arte del arquitecto tiene sus reglas, distintas a las del escultor). De este modo
el concepto de regla se incorporó al concepto de arte.
Hacer algo sin reglas, que fuera producto de la inspiración no era considerado arte para
los antiguos, eso era la antítesis del arte. (la poesía no era considerada arte por los
griegos porque pensaban que provenía de la inspiración de las Musas)
Platón: “El arte no es trabajo irracional”
Galeno: define al arte como un conjunto de preceptos universales, adecuados y útiles
para un propósito establecido. (esta definición se conservó no sólo en el Medioevo sino
también en el Renacimiento, que Goclenius lo incluye en su enciclopedia de 1607).

El concepto de arte en la antigüedad y en la Edad Media comprendía no sólo a las bellas

artes sino también a los oficios manuales, la pintura era un arte al igual que la sastrería.
No se consideraba sólo el producto de una destreza sino también la destreza de la
producción en sí, el dominio de las reglas, el conocimiento experto. También se
consideraban como arte a la lógica y la gramática ya que son un conjunto de reglas,
tipos de habilidades. De este modo el campo del arte se amplió mucho más ya que
no sólo eran oficios manuales sino también parte de las ciencias.

Los antiguos nunca dividieron las artes en bellas artes y artesanías, dividieron si
requerían un esfuerzo mental o físico.
1.​ Esfuerzo mental: artes liberales (superiores a las comunes)
2.​ Esfuerzo físico: artes vulgares/comune (o artes ‘mecánicas’ según la Edad
Media)

Tampoco se creía que todas las bellas artes eran liberales; el escultor, que requiere de
un esfuerzo físico, para los antiguos era un arte vulgar, como podría serlo también la
pintura.

EDAD MEDIA
Arte: la clase de arte más perfecta, como un arte liberal.
Arte Liberal: se referían sólo a las ciencias, como la gramática, retórica, lógica,
aritmética, geometría, astronomía y música.
Estas artes liberales se enseñaban en las Universidades, en la facultad de las artes; las
de segunda clase apenas formaban una escuela de destrezas prácticas o bellas artes,
sino una de ciencias teóricas.

Se distinguieron siete artes liberales, intentando considerar a las mecánicas de forma

simétrica a las artes liberales y reducirlas igualmente a siete, esto no fue fácil, ya que
existían muchas, así que sólo mencionaron las siete más importantes.

LAS SIETE ARTES LIBERALES

Según Hugo de San Víctor: Según Radulf de Campo Lungo:

1.​ Lanifium 1- Ars victuaria: para alimentar a la gente

2.​ Armatura 2- Lanificaria: para vestirlas
3.​ Navigatio 3- Architectura: les daba cobijo
4.​ Agricultura 4- Suffragatoria: que les daba los medios de
5.​ Venatio transporte
6.​ Medicina 5- Medicinaria: que curaba las enfermedades
7.​ Theatrica 6- Negotiatoria: el arte de intercambiar mercancías
7- Militaria: arte de defenderse del enemigo

La poesía sigue sin aparecer en ninguna clasificación, ya que era considerada como un
tipo de filosofía o profecía y no como un arte. El poeta era un profeta, no un artista.
Tampoco aparecen la pintura ni la escultura, que sí eran consideradas artes, eran el
producto de una destreza que era llevada a cabo según ciertas reglas. Sin embargo, no
siempre se pensaba que eran artes liberales, porque exigían un esfuerzo físico. (no
fueron incluidas en las listas de arriba porque sólo menciona a las 7 más importantes)
Lo que definía la importancia de las artes mecánicas era la utilidad, y la utilidad de las
artes visuales (pintura, escultura) era algo marginal. Por esto no fueron incluidas en las
listas.
Las artes a las que nosotros llamamos artes se pensaban que eran mecánicas y poco
importantes.

2. LA TRANSFORMACIÓN EN TIEMPOS MODERNOS

Ocurre una transformación del concepto del arte:
-​ Se eliminaron los oficios y las ciencias del ámbito del arte y se añadió a la
poesía.
-​ Tomar conciencia de lo que queda de las artes una vez eliminados los
oficios y las ciencias, era una unidad coherente, una clase separada de
destrezas, funciones y producciones humanas.
Cuando Aristóteles estableció las reglas de la tragedia, ya se había planteado a la poesía
como una destreza y, por lo tanto, un arte. Esto fue olvidado durante la Edad Media, pero
a mediados del siglo XVI (1549), cuando se publica la Poética de Aristóteles, dejó de
ponerse en duda la inclusión de la poesía entre las artes.

La situación social facilitó la separación de los oficios con las bellas artes, por el
impulso de los artistas de mejorar su situación.
La belleza comenzó a valorarse más en el Renacimiento y a cumplir un rol que no
tenía desde los tiempos antiguos: sus productores fueron más valorados, y querían que
se los diferencie de los artesanos ya que eran superiores. La crisis económica debilitó el
comercio y la industria, y puso en duda todas las formas de inversión del capital. Se
comenzó a pensar que las obras de arte eran buenas formas de inversión (e incluso
mejores que otras), mejorando la situación económica y social de los artistas, y
aumentando sus ambiciones; querían ser distinguidos, separarse de los artesanos y
ser considerados representantes de las artes liberales. Y lo consiguieron, de manera
gradual, antes que los artesanos.

La separación de las bellas artes de las ciencias fue más compleja. El gran
impedimento eran las ambiciones de los pintores y los escultores. Entre ser tratados
como artesanos o como eruditos, elegían la segunda opción, pues la situación social de
los eruditos era superior. Se hallaban dispuestos a tomar esa dirección debido a la
concepción tradicional del arte (estudio de las leyes y reglas). Muchos artistas pensaban
que el arte debía regirse por leyes y reglas como si fuera una ciencia. Que sean obras
armónicas, proporcionadas y calculadas matemáticamente.
EJEMPLO
Luca Pacioli en 1497 publica De divina proportione, que habla sobre la “proporción
perfecta”, basada en el número áureo y cómo aplicarla en el arte, reflejando la obsesión
por la perfección matemática.
En el Renacimiento se critica a esta concepción precisa, científica y matemática: el arte
puede hacer más que la ciencia, pero no puede hacer lo mismo.
Por mucho tiempo no existían conceptos y términos con los cuales referirnos a todas las
bellas artes y fue necesario crear los siguientes:
a.​ En el Renacimiento no existía el concepto de escultor tal y como lo conocemos
hoy. Angelo Poliziano, en su enciclopedia, utilizó cinco conceptos para definir a
cada uno según el material que trabaje: statuarii (piedra), caelatores (metal),
sculptores (madera), fictores (arcilla), encausti (cera). El arte de cada uno se
consideraba uno distinto, ya que trabajaban con diferentes materiales y
métodos. En el siglo XVI cuando comenzó el proceso de integración conceptual
y surgió uno nuevo que abarcaba estas cinco categorías.
 b.​ Se comienza a entender que las obras del escultor están relacionadas con la
destreza. Lo llamaron arte del diseño (arti del disegno), porque el diseño, el
dibujo, era lo que tenían en común.
c.​ Las artes del diseño no se habían unificado todavía con la música, la poesía y el
teatro. Se pensaba en cierta relación que unía a estas artes pero no estaba claro
qué. Se realizaron muchos estudios entre los siglos XV y XVIII.

3. LAS BELLAS ARTES

Artes ingeniosas o intelectuales: (mediados del siglo XV, Florentino Giznozzo Manetti)
Eran aquellas artes que son producto de la mente y que se dirigen a las mentes, y se
creía que se trataba de un producto especial, insólito e ingenioso. Pero simplemente fue
otra nueva definición para las artes liberales, abarcando las ciencias como lo hacían
antiguamente, pero sin incluir a la poesía.

Artes musicales: (Marsiglio Ficino, director de la Academia Platónica de Florencia)

conservó el antiguo nombre de artes liberales, pero incluyó la arquitectura, la pintura y la
poesía. Basó todo esto en que es la música la que inspira a los creadores, oradores,
poetas, escultores y arquitectos. Así descubre que el vínculo que había entre ellos era la
música y esas artes que él aísla, podrían considerarse como musicales.

Artes nobles: (Giovanni Pietro Capriano) separó a un conjunto similar de artes

llamandolas <nobles>.
“El nombre de artes nobles corresponde sólo a aquellas artes que son objetos de
nuestros sentidos más nobles, de nuestras facultades más amplias, cuya característica
más común es la permanencia: estas son la poesía, la pintura y la escultura.” Estas artes
integran un grupo separado porque son más nobles y más duraderas que otras.

Artes memoriales: (Lodovico Castelvetro) distinguió un grupo de artes y las opuso a las
artesanías, que producen cosas que el hombre necesita, mientras que las artes como la
pintura, la escultura, la poesía para mantener en la memoria cosas y acontecimientos.
Estas, a diferencia de las <nobles> y las <musicales>, no incluían a la arquitectura.

Artes pictóricas: (Claude Francois Menestrier) lo que las distingue de las artes <nobles>
y las <memoriales> es su carácter pictórico, emplean representaciones concretas y no
abstracciones o esquemas. Es el carácter pictórico lo que unifica a las artes que son tan
diversas, como la poesía y la pintura.

Artes poéticas: la cualidad poética, el parentesco con la poesía, es lo que separa a

artes como la pintura de las artesanías. Por <poético> se designaba lo figurativo, lo
metafórico. La cualidad figurativa es el común denominador de las artes nobles. Toda
sutilidad es figuración, no hay metáfora en los productos manuales, mientras que sí la
hay en las obras literarias y teatrales, en cuadros, esculturas y bailes.
Bellas artes: (1765, Francois Blondel) incluyó junto a la arquitectura, la poesía, la
elocuencia, la comedia, la pintura y la escultura, a las que más tarde añadió la música y a
la danza; todas en una palabra. Blondel se dió cuenta que en virtud de su armonía
representaban una fuente de placer para nosotros, entonces señaló la idea de que
actúan por medio de su belleza, que es lo que las unifica.

Artes elegantes y agradables: En 1744, Giambattista Vico sugirió el nombre <artes

agradables> y en ese mismo año, James Harris <artes elegantes>, para luego tres años
más tarde, en 1747 Charles Battcux las llamó <bellas artes>.

El término bellas artes se incorporó al habla de los eruditos del siglo xviii y siguió
manteniéndose en el siglo siguiente. Se trataba de un término que tenía un campo
bastante claro: Batteaux presentó la lista que incluía a cinco de las bellas artes: pintura,
escultura, música, poesía y danza, añadiendo dos más, la arquitectura y elocuencia. Esta
clasificación fue aceptada universalmente, estableciéndose el concepto y la
clasificación de las bellas artes.
Desde el siglo XVIII había quedado claro que los oficios manuales eran oficios y no artes,
lo mismo con las ciencias, de este modo sólo las bellas artes eran realmente artes. El
nombre <bellas artes> se fue achicando, las <artes visuales> (antiguamente artes del
diseño), apareció la Escuela de Bellas Artes y la Sociedad para el estímulo de las Bellas
Artes, que designaban escuelas y sociedades relacionadas únicamente con la
pintura y la escultura.
Antes de esto, a mediados del siglo XVIII, luego de establecer el concepto de las bellas
artes, se establece la teoría de estas artes, aquello que hace referencia y constituye su
esencia. Batteux afirma que las artes imitan la realidad, todas las artes eran miméticas.

4. NUEVAS DISPUTAS SOBRE EL CAMPO DEL ARTE

El significado de arte se mantuvo tal y como lo expresó Batteux, comprendiendo las
siete artes. Pero surgieron nuevos cuestionamientos sobre distintas áreas; ¿la fotografía
es un arte?, luego también de la cinematografía y de la profesión del jardinero paisajista.
Diferentes interpretaciones del arte:
1.​ Interpretación liberal del arte: las siete artes de Batteux, la fotografía, el cine y
varias artes mecánicas, utilitarias y aplicadas.
2.​ El concepto es lo bastante amplio como para incluir la música, la poesía y la
literatura en general, como las artes visuales. A veces sólo se limita a las artes
visuales.
3.​ Un objeto puede ser o no arte dependiendo el propósito o el logro de su
productor. Aunque a veces puede hacerse arte sin querer hacerlo.
4.​ Dependiendo del contexto, <arte> puede significar una destreza determinada o,
los productos de la actividad realizada con destreza. Ej: “el arte de los
holandeses” nos referimos al primero, pero “arte holandés” es el segundo.
 5.​ Puede tener un significado general y muchos significados particulares. El arte
como un todo, un arte único de muchas formas, un arte particular (pintura,
música, etc) .

5. DISCUSIONES SOBRE EL CONCEPTO DEL ARTE

“El arte es la producción de belleza” , “El arte imita a la naturaleza”. Ninguna de estas
definiciones ha demostrado ser la adecuada y esto ha impulsado la búsqueda de nuevas
y mejores definiciones.

1.​ El rasgo distintivo del arte es que produce belleza. El arte es aquella clase de
actividad humana consciente que aspira, y logra belleza.

La belleza es un concepto muy ambiguo, la palabra puede significar cualquier cosa que
agrade. Además, sólo es aplicable al reino del arte clásico, y no incluye al arte gótico o al
barroco.

2.​ El rasgo distintivo del arte es que representa o reproduce la realidad. Esta
definición sólo aplica al arte mimético, como la pintura, la pintura o la poesía. En
el siglo XVIII Batteux concluye diciendo que la imitación de la naturaleza es tarea
común de todas las artes.

Sucede lo mismo en el caso de la imitación, la palabra tiene muchos significados

diferentes.

3.​ El rasgo más distintivo del arte es la creación de formas. El arte es la

construcción de cosas. Aristóteles decía “nada debe exigirse de las obras de arte
excepto que tengan forma”. Recién en el siglo XX se incorporó esta definición y
fueron los ingleses Clive Bell y Roger Fry, y el polaco Stanislaw Ignacy Witkiewicz
en llevarla a cabo. Según Witkiewicz, “la creación artística quiere decir lo mismo
que construir formas”.
Esta es la definición más moderna. Algunos artistas dicen que el arte se ocupa de la
pura forma. La pura forma es la que independiente de su función figurativa, representa y
habla por sí misma. Esta definición es muy restringida. La forma de las obras de arte no
tienen por qué ser la pura forma: puede ser figurativa o funcional

4.​ El rasgo distintivo del arte es la expresión. Se concentra en la intención del

artista.
La expresión es sólo el objetivo de algunas escuelas artísticas y no puede ser el rasgo
definitivo de todo el arte.

5.​ El rasgo distintivo del arte es que este produce la experiencia estética. Se
concentra en el efecto que la obra produce en el espectador.
La experiencia estética puede producirse por otras cosas que por el arte.

6.​ El rasgo distintivo del arte es que produce un choque. La función del arte no es
expresar algo sino impresionar.

6. RENUNCIA A UNA DEFINICIÓN

M. Weitz llega a la conclusión de que el arte es un concepto abierto.
“Cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica.”
“Los artistas pueden crear siempre cosas que no se han creado antes y por eso las
condiciones del arte no se pueden establecer nunca de antemano”
Según Weitz, ninguna definición del arte es necesaria y se puede tratar perfectamente el
tema sin tener una.

Kennick: el arte no cumple con una función determinada por eso no puede definirse. No
existe ningún tipo de regla o ley que sea tan amplia que puedan aplicarse a todas las
obras de arte.

El arte no sólo adopta formas diferentes dependiendo del contexto, sino también
funciones diferentes. Surge de motivos diferentes y satisface necesidades diferentes.

7. UNA DEFINICIÓN ALTERNATIVA

Una definición del arte debe tener en cuenta tanto la intención como el efecto, y aclarar
que tanto la intención como el afecto pueden ser de un tipo o de otro.
El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir
formas, o formas una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción o
expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque.

Una obra de arte es la reproducción de cosas, la construcción de formas, o la expresión

de un tipo de experiencias que deleiten, emocionen o produzcan un choque.

La definición aquí propuesta hace referencia al arte en el sentido más amplio.

8. DEFINICIÓN Y TEORÍAS
Si el arte es imitación, construcción y expresión, ¿por qué y con qué fin realizamos esas
funciones? Existen 3 respuestas:
1.​ La imitación, construcción y expresión son una tendencia natural y una
necesidad del hombre. No necesitan demostrar otra causa o propósito.

2.​ Imitamos, construimos y nos expresamos porque nos causa placer hacerlo y al
hacerlo producimos objetos que proporcionan placer a otras personas
también.
 3.​ Esta se trata de una respuesta escéptica. No se ha elaborado ninguna teoría del
arte y no es necesario hacerlo, es suficiente con experimentar el placer que el
arte produce.

Otras teorías:
1.​ (Witkiewicz) El arte sirve para descubrir, identificar, describir y fijar nuestras
experiencias, nuestra realidad interior.
2.​ (Przybyszewski) El arte es la presentación de lo eterno. La presentación de lo
esencial, del alma, de la vida.
3.​ (Zamoyski) El arte es la descripción de aquellas cosas que no caen bajo nuestros
sentidos, que exceden a la experiencia humana.
4.​ (Loos) El arte es la libertad del genio, saca a la luz lo que el hombre normal nunca
descubre, y puede llevar a la gente más lejos y más alto.

9. LA SITUACIÓN ACTUAL
Para comprender el estado actual del arte debemos volver al pasado.
a. Siglo XIX: sus características eran opuestas a las del arte actual. El arte se dedicaba a
producir cosas bellas y no nuevas, tenía que agradar al público y no alterarlo. Surgió el
nuevo arte a modo de oposición y se dividió en tres etapas: la vanguardia
anatematizada, la militante y la victoriosa.

●​ La vanguardia anatemizada tuvo lugar en el siglo XIX, durante el reinado del arte
convencional, incluyendo a los escritores aislados y los artistas independientes,
que en aquella época fueron anatemas.
A finales del siglo, los rebeldes aumentaron y se organizaron mejor: se formaron
las escuelas de los simbolistas e impresionistas.
(Varguardia militante) En el siglo XX, la vanguardia se convirtió en un fenómeno
que poco a poco fue menos reprimido, y cada vez más admirado. Aparecieron
grandes grupos vanguardistas: el surrealismo y el futurismo, y entre los artistas
visuales el cubismo, el abstraccionismo y el expresionismo.

●​ Luego de la Segunda Guerra Mundial (período postmodernista) , la vanguardia

alcanza su victoria. Los artistas al transgredir las convenciones se hicieron
solicitados y muy bien pagados. Los artistas conservadores fueron obligados a
cambiar su postura y comenzaron a imitar a la vanguardia.
Actualmente ya no existe ningún tipo de vanguardia, ya que todo lo que hay es
vanguardia.

b. La vanguardia obtuvo su victoria gracias al talento de sus artistas pero también

gracias a propia diferencia, su atractivo. Esto fue la que elevó a la vanguardia a las
alturas. Se había diferenciado a sí misma; debía ser incesantemente nueva.
 ●​ Vanguardia victoriosa: los cambios de formas son constantes, cambios de
conceptos, de programas, de teorías, de nombres e ideas.
●​ “La esencia del arte es la novedad. Asimismo, las opiniones del arte deben
también ser nuevas. El único sistema que beneficia al arte es la revolución
permanente” (Dubuffet).
●​ La vanguardia actúa por medio de la construcción y de la expresión, puede
adoptar una postura constructiva o expresiva. Es un arte que aspira a una serie
de reglas y se somete a los temperamentos, depende de la generación artística y
del medio ambiente.

El concepto que se estableció después de dos mil años poseía varias propiedades:
1.​ El arte forma parte de la cultura.
2.​ El arte surge gracias a las destrezas.
3.​ Constituye una región separada en el mundo.
4.​ Su objetivo es dar vida a las obras de arte, en las obras se encuentra su sentido,
el arte se valora a través de ellas. Se llama arte a las obras del artista y no sólo a
su destreza.

Algunas oposiciones a esta tesis:

1.​ Teoría de que la cultura es dañina para el arte. Jean Dubuffet dice que la cultura
anula a todo el mundo, especialmente a los artistas.
2.​ El concepto griego antiguo permanece (el arte era una destreza), a pesar de
todos los cambios: el arte es la capacidad de producir cosas
bellas/impresionantes.
Dentro de la actual vanguardia victoriosa surge una oposición contra esto:
●​ “El arte ha muerto”, la muerte del arte realizado con destreza, y que
puede ser practicado por cualquiera.
●​ “El arte está en las calles”, cualquier persona puede ser poeta
(Lautréamont).
●​ “Todo es arte” (Hans Arp).
●​ “Una obra de arte es cualquier cosa capaz de llamar la atención sobre
sí misma” (M. Porebski).
3.​ La creencia de que el arte es una región separada de nuestro mundo, lleva a la
teoría de que el arte debe ser aislado. Se ponen marcos a los cuadros,
pedestales a las estatuas y cortinas al teatro.
Actualmente ha surgido la teoría opuesta, el arte actúa como debe cuando se
fusiona con la realidad (naturalización del arte).

Estas tres tesis determinan cómo debe practicarse el arte con éxito.

La cuarta tesis nos muestra el problema verdadero del arte:

4.​ El arte no significa sólo la producción, sino también su producto.
 ●​ Los surrealistas se interesan exclusivamente por la creatividad y no por el
objeto producido.
●​ Dubuffet cree que la vida de las obras de arte es breve y sólo tienen
efecto si son nuevas y asombrosas.
●​ J. Dibbbets dice que no le interesa construir objetos.
●​ Robert Morris dice que no es necesario producir una obra de arte, que el
diseño y la intención son suficientes.
●​ A. Moles escribe que ya no existen obras de arte, sólo situaciones
artísticas.
●​ J. Leymarie afirma que lo que cuenta es la función creativa del arte, no los
productos artísticos.

Nuestra época se inclina a la oposición. En contra de los museos de la estética, de la

diferenciación de las diversidades artísticas, contra la forma, el trato social del arte,
contra el público de la obra de arte, los espectadores y los auditores, contra el artista y
el concepto de autor, contra las obras de arte en sí mismas, contra la institución de las
artes, e incluso con el concepto de “arte”.

En 1919, Witkiewicz “predijo el fin del arte”, porque la humanidad ya había perdido la
“inquietud metafísica” que es la principal fuente del arte, y porque el ser humano se
estaba acostumbrando a no reaccionar ante los estímulos del mundo que lo rodeaba.