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MODULO 1 EL RENACIMIENTO, PRIMERA PARTE
Introducción al Renacimiento.
El término Renacimiento engloba un amplio proceso cultural que se desarrolla en la Europa de los siglos XV y XVI. Este
momento cultural, implica una ruptura con la tradición medieval y una recuperación de los valores antropocéntricos basados
en la Antigüedad y en oposición, de una manera sutil, a los valores teocéntricos del medievo.
Estamos en el inicio de lo que fue conocido como la Edad Moderna , la era de los descubrimientos, de los viajes de
portugueses y españoles, la era de la reforma protestante y en cierta manera una época de avances y de expansión de
ciertos valores.
Culturalmente, hay una disgregación, ya no hay unos valores universales como había en el medievo sino que cada modelo
político, basado en la ciudad o el pequeño estado, facilita unas propuestas y un apoyo a la cultura diferentes, esto va a
propiciar que el Renacimiento surja en primer lugar en Florencia y antiguos estados italianos y países como España se unan
de una manera más tardía a este fenómeno. Por lo tanto, el desarrollo del Renacimiento no es algo simultáneo o lineal, sino
algo que ocurre en diversos sitios y aun ritmo completamente diferente.
Los rasgos principales que definen a este periodo son, en primer lugar, el desarrollo del Humanismo entendiendo este como
el desarrollo cultural del hombre en todos los sentidos, una recuperación del concepto de filantropía de la antigüedad donde
se buscaban los valores a seguir y las teorías sobre muchos aspectos, no sólo los científicos, sino los artísticos también. El
resurgir de las teorías humanistas por personalidades tales como Dante Alighieri, Petrarca o Bocaccio, desemboca en un
antropocentrismo que sin restar importancia a la religión, la cual sigue vigente, abre nuevas vías de entender el mundo
desde un punto de vista más pragmático y menos espiritual, hecho que desembocará en un arte de formas, menos
espirituales y más racionales, más relacionadas con el hombre. Como apunte, el desarrollo de la arquitectura civil que
comienza sin precedentes, después de la antigua Roma, en este período.
Como consecuencia, hay una separación bien clara entre lo civil y lo religioso y no sólo desde el punto de vista de las
tipologías artísticas, sino desde un punto de vista social, lo que implica el desarrollo de nuevas temáticas de interés y nuevas
disciplinas artísticas.
Surge el concepto de escuela como núcleo artísticos, escuelas relacionadas con ciudades concretas y sobre todo, con el
apoyo de la figura del mecenas. El mecenazgo, tanto político como religioso, se erige como un elemento fundamental dentro
del impulso de las artes, artes que comienzan a pensarse, no desde un punto de vista funcional, sino desde un punto de
vista económico, representativo de ciertas ciudades, iglesias, familias de mecenas, etc.
Este fenómeno curioso dota a la figura del artista de un valor inusitado, e incluso, algo histórico, el artista, ahora mezcla de
científico y creador, comienza a firmar sus obras, e incluso a rechazar proyectos que no le simpaticen lo suficiente. ¿Por qué
científico denominamos al artista como un científico?
Hay una recuperación y un estudio profundo de el arte de la Antigüedad, en concreto de Roma y Grecia con la recuperación
y análisis de diferentes tratados como el de [Link] artista reglamenta sus obras basándose en estas características e
intenta llevar a cabo un arte en el que el espíritu y la racionalidad de la antigüedad se pueda ver plasmado. Hay una vuelta a
la figura humana como canon de proporción y una recuperación de la racionalidad en la decoración, convirtiéndose las
formas clásicas en decoración por sí mismas.
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Podemos distinguir principalmente dos periodos, el siglo XV conocido como Quatrocento y el Cinquecento o siglo XVI,
aunque como hemos dicho antes, en cada zona, funcionará diferente y habrá diversos puntos de desarrollo. El Cinquecento
se divide en dos mitades, una primera, con manifestaciones de estilo clásico y otra menos contenida llamada Manierismo
que desemboca en el desarrollo del Barroco. Ambos periodos tienen una ciudad insignia, el primero en la próspera Florencia
y el segundo en Roma, la sede Papal a la que debe la mayoría de sus grandes obras.
ARQUITECTURA ITALIANA DEL QUATROCENTO
El desarrollo de la arquitectura se puede considerar tardío con respecto a otras disciplinas como la pintura y la escultura.
Italia es verdaderamente precursora en este aspecto a finales del siglo XV, ya que el resto de Europa se hará esperar unos
pocos años más y continuarán las muestras de un gótico tardío que poco a poco va adquiriendo tientes clásicos. Esto no
significa que en el resto de Europa se consiga un estilo homogéneo con respecto al italiano, sino que las ideas
arquitectónicas renacentistas, tendrán una materialización bastante diferente basadas en las características autóctonas.
Características que derivan de la política, el desarrollo de cada región, el comercio etc. Por eso Italia, y en este primer
momento, Florencia, es más avanzada culturalmente y donde primero se desarrolla el estilo como tal. Además, en Italia hay
gran cantidad de ruinas antiguas con lo cual, el estudio de la arquitectura clásica se puede hacer in situ y el legado es
mucho más claro que en otras zonas como el norte de Europa, por poner un ejemplo
[1].
Es muy importante también recalcar ese estudio de la arquitectura clásica a través del rescate de tratados como el de
Vitrubio, De Architectura, 10 libros escritos entre el año 27 y 23 A.C.. En esos 10 libros, habla de todo, de los órdenes, del
color, de ingenios mecánicos etc. y fue reimpreso en Roma en el año 1486 debido al gran interés por la cultura griega y
romana.
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Los cambios en la concepción de la arquitectura fueron evidentes, en primer lugar, se evoluciona desde una arquitectura
contemplada en altura, gótica, hacia una arquitectura más horizontal, donde por regla general la planta tiende a una
centralización, desapareciendo naves y simplificándose muchísimo la planta, ganando claridad y modificando por ello el
culto, un culto mucho más abierto.
Predominan las capillas entre contrafuertes, las cúpulas centrales y una planta mucho más parecida a los templos de la
antigua Roma. En alzado se impone la bóveda de cañón y de arista, los arcos de medio punto, muchas veces adosados a
un muro como elemento decorativo también. No sólo estructural. En cuanto a decoración, el arco de triunfo en fachadas y el
orden corintio como el más utilizado en Roma abogan por un ornamento ordenado, sobrio, geométrico y sometido a los
requisitos del canon, dando en sí, una arquitectura racional, basada en la recreación de las proporciones clásicas pasadas,
evidentemente, por el tamiz de la historia y el desarrollo de la nueva cultura humanista, diferente por supuesto de la de la
Edad Antigua.
Filippo BRUNELLESCHI (1377-1446)
Formado como escultor y orfebre, fue el arquitecto más famoso de la Florencia del Quatrocento. Hombre de ciencia, poseía
un gran conocimiento de matemáticas y un gran estudio sobre la arquitectura de la antigüedad, conocimientos que trasladó a
sus obras arquitectónicas, mezcla de románico toscano con un gran estudio de la perspectiva y de la relación de las partes
con el todo. Su decoración, discreta, se basa en la aplicación de ciertas reglas matemáticas y su desarrollo a través de
elementos geométricos.
La cúpula de la catedral Santa María del Fiore (1420-1461), Florencia
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Brunelleschi venció sobre Ghiberti en el concurso que se hizo en 1418 para saber quien iba a ser el encargado de realizar la
cúpula de la catedral, comenzada en 1296. La principal dificultad del encargo, estribaba en la gran superficie a cubrir y que
el empuje de esa cúpula que cubría todo el crucero, iba a ser enorme. Inspirado algo en la cúpula del Panteón, se le ocurre
realizar una cúpula apuntada sobre el cimborrio octogonal que estaba construido con anterioridad. Basado en la cúpulas
bizantinas que incorporaban nervaduras y pechinas para soportar la carga, dispone una cúpula de doble casco y 24 nervios
de ladrillo. Lo que consigue es una estructura muy ligera de unas 27.000 toneladas tan solo.
La cúpula incorpora una linterna de enormes dimensiones, algo muy novedoso para la época y sea como fuese, esta cúpula
reunifica y continúa perfectamente la antigua catedral con lo que el artista destaca y se convierte en el autor de tal prodigio,
al contrario de los maestros de la edad media carentes del concepto o de la personalidad científica para salvar estas cosas
Capilla Pazzi (1429-1430)
Es una obra adyacente a la Iglesia de la Santa Croce, en Florencia. La familia Pazzi, encargó a Brunelleschi la obra que no
pudo acabar, como una capilla mortuoria
Planta centralizada de cruz griega e integrada estéticamente por una cúpula, huye completamente del concepto gótico de
planta longitudinal. Su sencillez es remarcada por el pórtico de cinco tramos cuyo desarrollo recuerda en exceso al de un
arco de triunfo romano. Las proporciones, completamente estudiadas se articulan en torno a módulos y la decoración,
expresamente geométrica le da un aspecto de sobriedad y racionalismo bastante característico.
Volviendo al interior, la unidad visual se consigue con la eliminación de los apoyos y el juego discreto de rectángulos y los
tondos o medallones entre tramos de pilastras de orden corintio, así como la inclusión de casetones en los arcos, una
decoración muy clásica presente en el Panteón.
Palacio Pitti 11446 - 458
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Un ejemplo de obra civil de capital importancia ya que a través de este palacio, Brunelleschi, sienta las bases de la
arquitectura civil y palaciega renacentista. Recordando a una fortaleza, simbología de poder y protección, fue construido
para la familia de banqueros florentinos Pitti.
Levantado en torno a un patio, la vida privada giraría en torno a éste, en altura presenta tres niveles con una clara
diferenciación horizontal y utiliza en la fachada el sillar almohadillado de tradición romana y en la parte baja un sillar sin pulir,
llamado sillar rústico que le da textura y variante a la fachada. Los vanos de medio punto y un interior que recuerda a un
claustro, son también distintivos de la sencillez y racionalidad de esta obra.
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León Battista Alberti. (1404 1472)
El genovés es considerado uno de los primeros, sino el primer gran teórico del Renacimiento entre otras muchas cosas ya
que fue también sacerdote y secretario personal de al menos tres Papas.
Como teórico y artista multidisciplinar, estableció las bases de múltiples reglas aplicadas al arte, entre ellas todo lo que tenga
que ver con el canon o la aplicación de normas matemáticas a todas las expresiones artísticas. Escribió teorías sobre
múltiples disciplinas, De estatua, sobre las proporciones del cuerpo humano, De pictura, sobre perspectiva y la más famosa
y que nos ocupa en este apartado sobre arquitectura, De re aedificatoria (1450) donde reúne todas sus disertaciones en
torno a la arquitectura concibiéndola como una ciencia basada en el número y en la proporción. Así fachadas como la de
Santa María la Novella, se desarrollan en torno al cuadrado que se constituye como módulo para definir sus proporciones.
Una característica típica de su arquitectura es la utilización de una nave única con contrafuertes internos que no sólo
refuerzan la estructura, sino que permiten la construcción de capillas entre los mismos, lo que facilita el culto múltiple y
simultáneo dentro de un mismo templo.
Evidentemente, tanto la estructura, como la decoración, denotan una integración de todas las ideas desarrolladas como
teórico, ideas de gran trascendencia y derivadas de estudiar las obras de la antigua Roma, sobre todo del Coliseo
Fachada de Santa María la Novella 1420.
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Alberti tuvo que hacerse cargo de finalizar la fachada que había quedado incompleta en esa iglesia florentina levantada en
1049 y ampliada en 1279. Tuvo que integrar la construcción anterior, de estilos románico y gótico con la fachada que creó
basándose como hemos dicho anteriormente en el cuadrado como módulo. Con gran influencia florentina en su decoración,
las bandas y alternancias de dovelas de dos colores, se construyó en mármol blanco y verde. Alberti comenzó a construir a
partir de los seis nichos del estrato inferior, obra anterior, por lo que construyó el gran arco de acceso el entablamento, las
dos volutas de los lados, el inmenso óculo y el frontón de clara inspiración clásica.
La gran geometrización tienen que ver con lo que Alberti concebía como una simplicidad que resumen las verdades de la fe,
algo que Wittkower, ya señalaba que no descristianizaba completamente las intenciones y teorías del arte renacentista[2].
Además. Como hemos señalado anteriormente, la decoración geométrica es algo característico de la arquitectura románica
florentina, en concreto en el monasterio de San Miniato, donde se inspiró Alberti.
Palacio Rucellai (1446 1451)
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Aunque fue construido por Rosellino bajo el mecenazgo de la familia Rucellai, el diseño íntegro fue hecho por Alberti
basándose en su tratado De re Aedificatoria. Lo más destacado, fue sin duda, la incorporación de elementos arquitectónicos
como decoración de la fachada, pilastras entre ventanales y entablamentos entre pisos.
En este palacio continua la división en tres niveles de altura, niveles que van ganando complejidad según se asciende. El
sillar es un sillar almohadillado de volumen leve y los tres niveles se dividen por entablamentos a la par que el orden de las
pilastras va cambiando según el piso. Un elemento quizá algo medieval son las ventanas geminadas, es decir, divididas en
dos por una columna.
La decoración además de las pilastras mencionadas, se complementa con el escudo de los Rucellai y una potente cornisa
con voladizo sujetada por ménsulas. Se dice que aquí la influencia del coliseo es enorme.
ARQUITECTURA ITALIANA DEL CINQUECENTO
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El principal cambio proviene del tralaso de la importancia como ciudad de Florencia a Roma. Por otro lado tenemos dos
periodos como hemos señalado antes, uno bien clásico que ocuparía la primera mitad del siglo XVI y el denominado
manierismo. Es la era de Papas poderosos como Julio II, León X y Sixto V, por lo que la atención de desvía a Roma. Es la
época de genios como Leonardo o Miguel Ángel y veremos una gran proliferación de plantas centralizadas basadas
formalmente en algunos templos antiguos como el de Apolo en Delfos, pero sumando una gran simbología cristiana como la
alusión a la planta octogonal tradicional de los baptisterios.
Parece que la sobriedad y solidez de la arquitectura en sí misma y sus elementos prevalece sobre la decoración, al menos
en esa primera mitad. El resultado son obras de gran equilibrio y proporción. El manejo de la luz y los contrastes generados
por volúmenes son el principal juego estético en las obras de este periodo.
Debido a la gran pujanza económica de la sede papal, será momento también para la construcción de grandes proyectos y
suntuosos palacios.
DONATO BRAMANTE. (1443 1514)
Gran arquitecto, considerado uno de los mejores del período clásico renacentista italiano, deja entrever en sus obras
influencia de Alberti. Trabajó para el Papa Julio II como supervisor de las obras del Vaticano e incluso construyó el templo de
San Pietro bajo el mecenazgo de los Reyes Católicos .
Bramante asimilaba los conceptos de la antigüedad y les daba un nuevo sentido, un nuevo estilo. Por lo tanto, no se limitaba
exclusivamente a copiar o incorporar esos elementos sin más, sino darles un nuevo lugar en la arquitectura de esa época. El
concepto de la perspectiva fue transportado con éxito a la construcción de espacios con una gran sensación de profundidad
y movimientos de planta muy interesantes.
Santa María de la Gracia, Milán 1482, 1490)
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Una de sus primeras obras, en este caso en la Lombardía, en Milán. Se aprecia el estilo temprano y las influencias de la
arquitectura regional, la división en bandas en la fachada, los colores, etc.
La cabecera, obra encargada a Bramante por la familia Sforza, fue construida para rematar el cuerpo de naves góticas
construido con anterioridad en este convento.
Bramante concibió la cabecera a través de dos rectángulos, uno más ancho que funciona como crucero y otro más alargado
para el coro. Rodeó la cabecera con dos ábsides.
La parte clásica se corresponde sobre todo con la decoración externa de la cabecera con pilastras sobre un entablamento
que proporciona una división lateral en niveles, óculos en los paños entre pilastras. Por otra parte, los arcos geminados
sobre columnas que rodean y ocultan la cúpula, son un elemento arcaizante, heredado de las obras del medievo lombardo,
de clara influencia bizantina.
San Pietro en Montorio. 1502
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Templo ordenado erigir por lo Reyes Católicos donde supuestamente fue ejecutado el Apóstol San Pedro, El arquitecto
elegido fue Bramante y el templete levantado, recuerda muchísimo a obras como el templo de Apolo en Delfos y si fuera
poco, el templo tiene acceso por cuatro puertas[3] como si se tratase de una antigua ciudad romana.
La cuestión es que este templo toma los elementos comunes de la antigua arquitectura romana y les da un nuevo uso, Se
levanta sobre una escalinata circular y la planta circular se rodea de columnas de orden toscano, variación del dórico
realizada en Roma, que sujetan un entablamento que alterna frisos y metopas y que sostienen una balaustrada. Ésta rodea
el tambor que sujeta la grácil cúpula.
En el interior, encontramos un altar sobre el orificio donde supuestamente fue clavada la cruz donde fue crucificado San
pedro.
Proyecto para San Pedro del Vaticano. 1505 1506.
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Recibió el encargo del Papa Julio II de realizar la iglesia de San Pedro en el vaticano, la gran central de las iglesias de la
cristiandad. En contra de lo habitual, Bramante se plantea crear una gran planta centralizada rodeada de capillas. Este es el
planteamiento sobre el que se continuará el proyecto ya que Bramante no llevará a cabo la obra debido a la crisis del
papado que precipitaría la reforma. Lo valiente del proyecto eran los enormes arcos sobre los que levantar la gigantesca
cúpula,
Rafael Sanzio 1483 1520
No sólo se conoce por su gran obra pictórica, sino también por una excelente obra arquitectónica basada en el estudio
pormenorizado de la arquitectura grecorromana. Heredó el trabajo de Miguel Ángel en la construcción de San Pedro del
Vaticano y tuvo importantes obras diseminadas entre Florencia, donde residió un buen tiempo, Roma y demás.
Capilla Chigi. 1511 1516
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Ubicada en el interior de la iglesia de Santa maría del Pópolo en Roma. Una iglesia erigida sobre la tumba de Nerón en el
siglo XI. La iglesia, de tres naves, tiene cuatro capillas, una de ellas construida por Rafael. La capilla fue un encargo del
banquero Agostino Chigi para que sirviese como capilla funeraria.
Simplifica y dota de lenguaje clásico a la antigua capilla gótica. Por un lado el frente, dividido en dos niveles, el inferior con el
retablo correspondiente y el superior con un arco decorado con casetones en el intradós. Por otro lado, la cúpula que unifica
y da sentido al espacio, decorada con mosaicos diseñados por el mismo.
Palacio Farnesio. Antonio Sangallo el Joven y Miguel Ángel. 1515 - 1541
La arquitectura civil, sufre un cambio. Los muros se aligeran, se elimina de cierta forma el sillar almohadillado que sólo se
concentra en las portadas. Sigue la división en tres niveles, pero más diáfanos, los arcos se eliminan y proliferan los vanos
cuadrados rematados por frontones. Hay un gran equilibrio entre frontones y vanos. Este palacio es un claro ejemplo de esta
arquitectura del Cinquecento, mucho más ligera.
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Este palacio fue un encargo del Cardenal Farnesio, posterior papa Pablo III. El proyecto inicial arranca en 1514 bajo el
mando de Antonio Sangallo El Joven quien al morir en 1546, da el relevo a Miguel Ángel y posteriormente Vignola y
Giacomo della Porta.
El largo proyecto de San Pedro de Roma.
De dimensiones colosales, este templo símbolo de la Iglesia Católica, está erigido supuestamente donde está enterrado el
apóstol San Pedro. Debido a lo complejo y enorme de la construcción, fueron numerosos los autores que participaron en su
construcción. Recordemos el proyecto inicial de Bramante y que antes se levantaba una basílica paleocristiana. En 1505 el
Papa Julio II arranca la construcción que no se detiene hasta el año 1626.
Posterior al proyecto de bramante tenemos los proyectos de Rafael Sanzio y Antonio Sangallo el joven que abogaban por
volver a la clásica planta basilical con forma de cruz, nada que ver con el proyecto de planta centralizada que posteriormente
Miguel Ángel impondría recuperando la esencia del proyecto de Bramante. Bramante planteaba algunos problemas
estructurales que Miguel Ángel salva reforzando los muros del ábside. Cuatro cúpulas, orden gigante en pilastras que unen
varios pisos son varios de los elementos destacados. El resultado final, una cúpula enorme que parece flotar ligera sobre el
altar mayor. La obra la acabaron 24 años después de la muerte de Miguel Ángel, Domenico Fontana y Giacomo della Porta.
La fachada y el cuerpo de naves, fue obra de Carlo Maderno en el siglo XVII, mientras que Bernini planteó la plaza y el
famoso Baldaquino. Eso, ya es otra época.
A mitad del siglo XVI, es la época de la contrarreforma, El Concilio de Trento, plantea un atraso y un freno para las ideas
humanistas, nace el arte contrarreformista que retorna a la austeridad. La Compañía de Jesús, intervino mucho en el
desarrollo del arte trentino. El concepto del culto cambia, el altar se atrasa, se vuelve misterioso y el publico avanza[4]. Por
lo tanto, el diseño de las iglesias cambia.
Jacopo Vignola. 1507 - 1573
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Viñola trabajó fundamentalmente en Roma y llevó a cabo las premisas de la contrarreforma a sus teorías arquitectónicas.
Como teórico escribió un tratado llamado Reglas de los cinco órdenes de la arquitectura civil. Este tratado difundió sus ideas
por toda Europa donde tuvo una gran acogida y gracias a sus obras, promulgó el orden toscano, como el preferido de la
época.
Iglesia del Jesús en Roma 1568
La obra más destacada de Vignola fue la Iglesia de Jesús en Roma. Como toda obra para la Compañía de Jesús,
necesitaba la supervisión de los propios jesuitas y adecuarse a las normas de construcción propugnada por éstos.
Bajo esas premisas se construía una iglesia de nave única que favorecía la acústica y entre los contrafuertes de la misma se
ubicaban las capillas que favorecían el culto simultáneo. Sobre el crucero y como herencia de la arquitectura medieval
cirtesciense, una cúpula que dota a la cabecera de la iglesia de una gran luminosidad.
La parte más influyente de la iglesia fue la portada diseñada por Vignola que no fue elegida en pos de la propuesta de
Giacomo della Porta. El diseño de Vignola consistía en una fachada de dos cuerpos cuya transición es suavizada por
volutas. En estos cuerpos abunda el claroscuro propiciado por la alternancia de nichos y columnas, entrantes y salientes
respectivamente que junto a la decoración daba lugar a una fachada muy armoniosa. A pesar de no salir elegida, se difundió
un grabado por toda Europa e influyó mucho en las portadas de este periodo.
Andrea Palladio 1508 - 1580
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El más sólido e influyente representante del clasicismo romano. Aprendió del monumentalismo de Bramante, Sangallo y
Miguel Ángel y como procedía del oficio de cantero, supo tratar los materiales como ninguno. La mayoría de sus obras están
realizadas en Vicenza, la mayoría palacios, y su aporte más significativo es lo que conocemos como tramo palladiano, una
sucesión rítmica de arcos y arquitrabes con alternancia en el tamaño de las columnas y vano macizo, algo ya presente en el
pasado, pero perfeccionado por él[5]. Palladio destaca también por el uso de la columna de orden gigante y aporta como
ninguno, el valor de la columna exenta.
Todos sus planteamientos teóricos los recopila en su obra Los cuatro libros de la arquitectura, escrito en 1570.
Villa de la Rotonda Vicenza 1566
Con una simplificación máxima en el planteamiento de la planta, la unión de un círculo, la cúpula y un cuadrado, Palladio
limita el lenguaje clásico al máximo y lo reproduce en una villa elegante, presidida por cuatro pórticos sobre columnas
toscanas de orden gigante. Es un precursor en el tiempo del lenguaje neoclásico del XVIII. La incorporación del pórtico,
ennoblece la vivienda señorial y aleja la villa y el palacio del concepto de fortaleza. La simetría preside toda sus obras,
incluso en los interiores.
El Renacimiento en Francia
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El renacimiento francés no fue un renacimiento tan puro como el de Italia, si es factible utilizar la expresión. Manifiesta una
mezcla de gótico e influencias italianas debido a las múltiples expediciones francesas a Italia de dónde traen bastantes
influencias pero manteniendo la particular idiosincrasia francesa. La influencia lombarda, ya presente en el medievo en
algunas partes del sudeste francés, trajo consigo la abundancia de decoración y la alternancia cromática ya presente en el
renacimiento florentino.
Es curioso como el Chateau o palacio se llena de decoración italiana mientras la planta y los techos inclinados siguen siendo
hegemónicamente franceses. La distribución es principalmente horizontal, grandes vanos cuadrados y la característica
escalera monumental abierta a un patio. Aun continúan detalles estructurales provenientes del gótico como los arcos
flamígeros o decoraciones con pináculos. Un buen ejemplo de todo esto que estamos hablando es el castillo de
Fontainebleau, sede monárquica francesa que aúna las características de las grandes construcciones regias francesas,
indicio de lo que llegará a ser el Louvre. En la construcción del palacio intervienen arquitectos italianos como Serlio y el
mismísimo Leonardo da Vinci.
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[1] E.H. GOMBRICH. La Historia del Arte, Editorial Diana, 1996
[2] J.J. MARTÍN GONZÁLEZ. Historia del Arte, Gredos, 1996
[3] E.H. GOMBRICH. La Historia del Arte, Editorial Diana, 1996
[4] ARGAN, G. C., Renacimiento y Barroco, Akal, 1987.
[5] J.J. MARTÍN GONZÁLEZ. Historia del Arte, Gredos, 1996
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