TASACIÓN Y VENTA DE BIENES

ESPECIALES

MÓDULO III

Desarrollo de Contenidos
 UNIDAD VII

TASACIÓN Y VENTA DE OBJETOS

DE CERÁMICA Y PORCELANA
 UNIDAD VII

TASACIÓN Y VENTA DE OBJETOS DE CERÁMICA Y

PORCELANA

En esta unidad se desarrollarán los contenidos correspondientes a la tasación y

venta de piezas de cerámica y porcelana. Luego de una Introducción en la que
se presentará un panorama de la evolución y desarrollo histórico del diseño
propio de la cerámica y de la porcelana en sus diversas expresiones, se
describirán los diferentes tipos de cerámica y de porcelana que un tasador
deberá aprender a distinguir para poder evaluar los objetos. El análisis se
detendrá en el estudio de los diversos orígenes de la porcelana, cuyo
conocimiento en este rubro es imprescindible para la datación de las piezas,
paso previo a la tasación de las mismas; .y cada tipo de diseño en particular
junto con un resumen de las principales firmas fabricantes evaluando el mérito
por el cual cada una de ellas es reconocida. A continuación el análisis se
abocará directamente a introducir a los estudiantes en el mundo particular de la
tasación y de los valores de las piezas de cerámica y porcelana. Se
establecerán las variables a considerar y se explicará el fundamento de cada
una, además de describir las técnicas que facilitan la tasación y la detección de
piezas modificadas o falsas. En el Apéndice I, se desarrolla un Diccionario y
Glosario que aclarará cualquier duda que surja con referencia a los términos
técnicos específicos que se refieren a los objetos de cerámica y porcelana. Los
contenidos detallados en la Unidad corresponden a los listados a continuación:

1. Introducción
2. Tipos de Cerámica y Porcelana
2.1. La Terracota
2.2. La Loza
2.3. El Grés
 2.4. La Porcelana
2.4.1. Tipos de Porcelana
[Link]. Porcelana de Pasta Dura
[Link]. Porcelana de Pasta Blanda
[Link]. El Biscuit
[Link]. Bone China (Porcelana de Hueso)
[Link]. Cáscara de Huevo
2.4.2. Orígenes de la Porcelana
[Link]. La Porcelana China
[Link]. La Porcelana Japonesa
[Link]. La Porcelana Europea
[Link].1. La Porcelana Inglesa
[Link].2. La Porcelana Alemana
[Link].3. La Porcelana Francesa
2.4.3. Decoración
3. Tasación de piezas de cerámica y porcelana
3.1. Variables a considerar
3.2. Autentificación
3.3. Copias y Falsificaciones
4. Bibliografía específica sugerida
 Unidad VII- Desarrollo de Contenidos

1. Introducción

Los objetos de cerámica fueron los primeros objetos hechos por el hombre en
las sociedades primitivas. Como los materiales básicos (arcilla bruta y agua) y
las técnicas básicas han seguido siendo las mismas durante miles de años,
todas las cerámicas antiguas tienen una apariencia similar.

El material básico para la fabricación de cerámica es la arcilla, cuyas calidades

plásticas varían de un yacimiento a otro según sus componentes, que
generalmente incorporan cantidades apreciables de cuarzo, mica, óxido de
hierro y otras sustancias minerales. La revolución más importante en el proceso
de fabricación de la cerámica se dio en China hacia el siglo VII después de
Cristo, con el descubrimiento del caolín (arcilla china). Mezclada con el
petuntse (piedra de feldespato) y cocida a unos 1300 grados centígrados, se
forma un cuerpo duro, traslúcido y blanco, que emite sonidos especiales al ser
golpeado y que constituye la verdadera porcelana.

Los primitivos ceramistas trabajaban a mano, usando principalmente los dedos

índice y pulgar para dar forma a la arcilla, que una vez mezclada con agua, se
troceaba y se aplastaba hasta conseguir una especie de oblea maleable que se
enrollaba alrededor de una base más o menos redonda. La vasija resultante
tenía distinta forma según fuera a usarse para llevar agua, cocinar o guardar
elementos comestibles. Cuando las vasijas se habían secado, se encendía un
fuego sobre ellas, para fabricar unas terracotas poco cocidas pero de gran
fragilidad.

Es imposible fijar la fecha en la que aparece el torno, aunque su uso estaba ya

generalizado entre los cretenses del segundo período minoico (unos 1.600
años antes de Cristo). Se ubica su origen en Egipto y esto produjo una
verdadera revolución en la alfarería. Al menos, el torno lento movido a mano,
que probablemente fuera sustituido en poco tiempo por el más rápido movido
con el pie. En el torno, el alfarero o ceramista colocaba la masa moldeable
sobre una plataforma rotativa o disco y trabajaba la misma con ambas manos
consiguiendo una mayor exactitud y simetría de formas al moldear las paredes
de la vasija. El torno permitía la fabricación de elementos mucho más finos que
los que se obtenían sólo a mano, por lo que hacía falta una arcilla más
refinada.

Otro método muy antiguo de dar forma a la arcilla fue el sistema de moldeo
utilizando una especie de cesta o saco al que se pegaba la arcilla blanda. Esta
matriz se consumía con el fuego del horno dejando en la vajilla cocida las
marcas de la cuerda tejida. Los griegos mejoraron esta técnica del moldeo
utilizando moldes de arcilla refractaria que llegaron a ser enormemente
complejos y sofisticados. Las figuras de Tanagra, por ejemplo, llamadas así por
haber sido halladas en Tanagra (Beocia), son, en su mayoría, terracota cocida
en molde refractario.

Tampoco puede fijarse la fecha en la que el secado y endurecimiento de la

arcilla dejó de hacerse mediante la acción directa del sol. Las primitivas vasijas
cocidas al sol no podían contener líquidos, porque su endurecimiento no era
completo y la arcilla recuperaba su maleabilidad en contacto con el agua. Los
cambios químicos que prestan a la arcilla una dureza permanente sólo se
consiguen a temperaturas no menores de 500 grados centígrados. Los hornos
más primitivos consistían en un agujero practicado en el suelo en el que se
depositaba la cerámica, cubierta luego con una pira de madera.

Los motivos ornamentales de la cerámica han sido enormemente diversos y

han dado lugar a muy diferentes técnicas. Las más primitivas eran marcas e
incisiones conseguidas por la presión de los dedos o con una cuerda, como la
de las cerámicas japonesas llamadas Jömon (primer milenio antes de Cristo).
También son antiquísimas las adiciones al cuerpo principal de la vasija de
ornamentaciones protuberantes o de diseños en relieve conseguidos
presionando la pared de la vasija desde su interior, como la terra sigillata
romana. Otros ornamentos en relieve se conseguían también aplicando un
rodillo (con los motivos decorativos grabados) a la arcilla blanda antes del
horneado, como en la cerámica etrusca.

Una forma de ornamentación muy común a muchas culturas ha sido el llamado

sgraffito, que consiste en esquemas decorativos grabados mediante el raspado
del color básico que cubre el cuerpo de la vasija. Una modalidad del sgraffito es
el champlevé, en el cual se prepara una gruesa cubierta de un solo color de
manera que las incisiones decorativas sean tan profundas que se pueda
conseguir un sugestivo efecto de relieve. Esta técnica fue muy común entre los
ceramistas islámicos y chinos de la dinastía Sung.

Los barnizados son también antiquísimos, ya que la porosidad de la arcilla

cocida al horno, aunque sea ya capaz de contener líquidos, los va rezumando.
Esto resulta muy útil cuando se pretende mantener un líquido a baja
temperatura, como en el clásico botijo español, porque el líquido rezumado se
evapora y enfría el agua del interior, pero presenta muchos inconvenientes
para contener otros líquidos, como el vino o la leche. De manera que el
barnizado (aplicación de una capa de material vítreo) se aplicó para corregir el
hecho de que las arcillas poco cocidas no son naturalmente impermeables. Los
primeros barnices se hacían de una serie de materiales en su estado original,
entre los que estaba la propia arcilla bruta mezclada con plomo, bórax, estaño
o sosa y vidrio o pedernal del suelo. Para fabricar cacharros de barro con
barniz de sal, se colocaba la sal en el horno cuando la temperatura era de unos
1.000 grados centígrados. La sal formaba una capa muy fina vidriada.

La más avanzada técnica de barnizado es el vitrificado, que se consigue

cubriendo la superficie de la pieza ya horneada con cristal pulverizado y
dándole un segundo horneo, durante el cual, las finas partículas de cristal se
funden formando un barniz uniforme que cubre los poros. Básicamente, existen
cuatro clases de vitrificado: al feldespato, al plomo, al estaño y a la sal. Todos
dan un barniz transparente, excepto el estaño que produce un blanco opaco. El
arte del vitrificado al estaño fue descubierto por los asirios hacia el 1100 antes
de Cristo y "redescubierto" en Mesopotamia en el siglo noveno, desde donde
se extendió a Europa a través de los ceramistas árabes españoles.
La aplicación del color a la cerámica se ha conseguido también por muy
diversos métodos. Uno de ellos ha consistido en añadir óxidos colorantes al
propio vitrificado lo que ha dado lugar a técnicas tan sofisticadas como el
cloisonné, que se consigue silueteando cada zona del esquema decorativo con
"paredes" de arcilla, separando así unas de otras, y aplicando un distinto
colorante al vitrificado de cada zona.

En el siglo XII, los ceramistas islámicos de Persia descubrieron la técnica

llamada miniai, que se extendería luego a todo el Mediterráneo y a Europa. Se
trata de un método de decoración coloreada que consiste en aplicar los
colorantes a la pieza ya cocida y barnizada. Estos colorantes se fijarán
definitivamente mediante un segundo horneado a una temperatura más baja
que la que fue necesaria para la cocción previa de la pieza.

Hasta el siglo XIX, cuando los colores para cerámica empezaron a producirse a
escala industrial, los óxidos colorantes más usados fueron los de estaño,
cobalto, cobre, hierro, manganeso
y antimonio. El óxido de estaño
es el blanco. El azul de cobalto, que
puede dar matices desde el gris
azulado al más puro color zafiro, fue
muy usado, tanto para la cerámica
como para la porcelana. El
óxido cúprico produce otros
diferentes tonos de azul y el óxido
cuproso diversos matices de verde.
Los colores obtenidos con el
óxido férrico van desde un amarillo
pálido al negro, pasando por un rojo ligeramente anaranjado, mientras que el
óxido ferroso da el color verde. El manganeso produce colores que varían
desde un brillante rojo púrpura a un púrpura oscuro casi negro y el antimonio
se convierte en un excelente amarillo.
2. Tipos de Cerámica y Porcelana

2.1. La Terracota

Término italiano que significa literalmente "tierra cocida" y se aplica a la

cerámica fabricada de arcilla porosa, generalmente sin vitrificar, y que adquiere
un color que puede variar del ocre oscuro al rojo. La terracota se ha producido
desde tiempo inmemorial y por las más diversas culturas para la fabricación de
recipientes utilitarios, dada su baratura y versatilidad para adaptarse a
diferentes usos, como vasijas, cántaros, platos, ladrillos de construcción y tejas
para cubiertas. En Grecia se han encontrado pequeñas figuras de terracota
pertenecientes a la edad del bronce (3000 años antes de Cristo). Los griegos
transmitieron su habilidad para modelar figuras de terracota a los etruscos,
muestras de cuyo avanzado arte en esta especialidad han sido halladas en
enterramientos, puesto que la estatuaria etrusca en terracota fue
principalmente funeraria. Dentro de la cerámica arqueológica son también muy
notables los trabajos en terracota, destacando entre ellos las figuras humanas
decoradas con pinturas procedentes de la Creta Minoica y de Chipre. Estas
últimas suelen consistir en grupos de guerreros o figuras danzantes, mientras
que las cretenses representan generalmente mujeres, hombres a caballo y
animales. Sin embargo, las más conocidas entre estas antiguas figuras de
terracota son sin duda las llamadas tanagras por haber sido halladas en la
localidad de Tanagra en Beocia (Grecia Central). También fue muy común el
uso de la terracota para la realización de relieves decorativos aplicados a la
arquitectura, siendo los más antiguos conocidos los hallados en excavaciones
de Asia Menor, Grecia y los del sur de Italia de origen etrusco.

La arquitectura romana también fue decorada con relieves de temas

mitológicos fabricados en terracota. Desde la caída del Imperio Romano la
terracota dejó de emplearse como decoración de edificios hasta el
Renacimiento, cuando reaparece en forma de moldura, frisos y medallones, en
su color natural, como ornato de fachadas, principalmente en Italia y en
Alemania. La familia Della Robbia introdujo en Florencia, a principios del siglo
XV, la moda de las esculturas en terracota coloreada y barnizada que se
extendería después a toda Europa.
El uso de la terracota para la escultura despertó al mismo tiempo el interés de
grandes artistas como Donatello, Verrochio, Guido Manzzoni y Antonio
Begarelli. Como consecuencia de estas experiencias artísticas iniciadas en el
Renacimiento, la terracota se convirtió a partir de entonces en el material más
idóneo para los estudios preliminares de los escultores, aunque algunos de
ellos se expresarían definitivamente en este material, renunciando a transferirlo
más tarde al mármol o al bronce.

En el siglo XVIII algunas factorías de porcelana, como Sévres, realizaron finos

trabajos en terracota representando grupos de figuras con temas alegóricos o
mitológicos.

1
2 2.2. La Loza

Se denomina loza a la cerámica que no ha sido cocida a temperaturas

suficientemente altas para alcanzar el punto de vitrificación, lo cual le da una
calidad porosa, muy poco idónea para contener líquidos puesto que los irá
rezumando hasta vaciarse. Esta característica de la loza solamente puede ser
útil cuando se pretende mantener un líquido a baja temperatura ya que el
líquido rezumando se evapora y enfría el agua que queda en el interior. Sin
embargo, el tratamiento normal de la loza, después del primer horneado,
consiste en cubrir cada pieza con una mezcla de agua y vidrio pulverizado para
someterla luego a un segundo horneado, durante el cual, las finas partículas de
vidrio se fundirán formando un recubrimiento, una cubierta homogénea de la
superficie porosa. Otro tratamiento muy común es el barnizado, que responde a
dos tipos básicos: el de plomo y el de estaño. El primero presta a la pieza un
color cremoso y el segundo dará el color blanco, que suele ser el más corriente
y el que sirve de fondo a la loza decorada. La pieza de cerámica más antigua
que se conoce y que fue descubierta en Catalhuyuk (Turquía) puede tener
unos 9000 años y responde a las características de loza en crudo, es decir; sin
el segundo horneado.

La llamada loza dorada fue una innovación islámica que se extendió a España
a través de los ceramistas árabes de Málaga y Manises. La calidad metálica y
brillante de este tipo de cerámica se conseguía aplicando una solución (que
mantenía en suspensión finísimo polvo de oro, plata o cobre) a la pieza ya
cocida y barnizada. Mediante un nuevo horneado, el oro daba un matiz
púrpura, la plata un amarillo pajizo y el cobre variaba del amarillo limón a un
marrón dorado.

2.3. El Gres

Cerámica cocida a muy altas temperaturas (a unos 1200 grados centígrados)

hasta conseguir un vitrificado que impida toda porosidad. A diferencia de la
cerámica común o loza, el gres no necesita barniz alguno para servir como
contenedor de líquidos absolutamente fiable. Sin embargo, casi todo el gres
conocido está barnizado por razones puramente decorativas. Los tres
barnizados más usuales en las piezas de gres son el barniz de plomo, el de sal
y el de feldespato. El gres ya era conocido en China durante la Dinastía Shang
(unos 1400 años antes de Cristo) y se desarrolló su fabricación durante cientos
de años en formas y ornamentaciones cada vez más perfectas. El gres chino
de la llamada familia Celadon ya se producía durante la Dinastía Han (220
años antes de Cristo) y fue perfeccionado durante la Dinastía Tang (618-907 de
nuestra era). En Europa se consiguió un tipo de gres de calidad comparable al
que se fabricaba en China tras los experimentos llevados a cabo en Meissen
por Tschirnhaus y Böttger hacia 1710. Este gres de Meissen era conocido
como cerámica "roja", por su característico tono que variaba del rojizo al
marrón oscuro. Otros intentos europeos para conseguir el gres
(mayoritariamente barnizados a la sal) al estilo oriental fueron los realizados en
Delft durante el siglo XVII imitando el Chino y en Inglaterra, en la factoría de
Staffordshire.

2.4. La Porcelana

El término porcellana fue usado por primera vez en Europa por Marco Polo
para definir la fina cerámica China. La porcelana es básicamente una cerámica
vitrificada cuya materia prima consiste en una mezcla de piedra de feldespato
pulverizado y caolín. Su finísima textura y su ausencia de porosidad la
distinguen a primera vista de la loza, aunque tal diferencia sea menos obvia
refiriéndola al gres, que tampoco presenta poros en su textura. Los Chinos
definen la porcelana como la clase de cerámica que produce un sonido cuando
se la golpea, mientras que en Occidente se considera su carácter translúcido
como la característica más notable de esta cerámica de superior calidad.
Siempre ha sido considerada como un artículo de lujo imprescindible para dar
brillantez a las mejores mesas; su dureza, su facilidad para ser moldeada y sus
posibilidades infinitas de decoración, la han hecho siempre digna de Reyes y
Príncipes. Los primeros vestigios de porcelana que se conocen se remontan a
la China de hace 4000 años y sus orígenes se sitúan en los yacimientos de
Kaoling1 , situados en la provincia de Kiangsi.

La porcelana tal y como la conocemos hoy alcanza su máximo esplendor

durante la dinastía Sung, dinastía reinante en China durante el siglo XIII de
nuestra era.

Durante varios siglos, los comerciantes Florentinos y Venecianos comercian

con Oriente y aportan a Europa esas maravillosas piezas de porcelana tan
buscadas hoy por los coleccionistas. No es hasta bien entrado el siglo XVIII
que se puede fabrican en Europa una porcelana comparable a la China. Fue
Johann Friedrich Böettger que en el año 1710 consigue fabricar en Meissen
pasta dura de porcelana. Durante años, el proceso de fabricación de la
porcelana logra mantenerse en secreto. Sin embargo, la demanda de la
nobleza europea por el maravilloso material no tarda en extender el
conocimiento del mismo e impulsar el establecimiento de nuevas fábricas de
porcelana.

En Europa, la zona de Bavaria (situada en el Sureste de la actual Alemania)

por su situación y especiales características, dará origen a una de las mejores
porcelanas jamás fabricadas, en la que se combinan la técnica de elaboración
germana con las magníficas cualidades de las materias primas básicas
utilizadas.

Aún hoy, a pesar de los enormes cambios que presentan los sistemas
productivos, es la composición de la materia prima lo que determina
fundamentalmente el aspecto y la calidad final del producto acabado. La actual
1
Yacimientos que han dado nombre a la materia prima básica de la porcelana.
composición de la porcelana se basa en la justa composición de los materiales
que se describirán a continuación.

El primer componente es el caolín que es una arcilla primaria procedente de la

descomposición de rocas feldespáticas. El mayor porcentaje de su composición
corresponde a la caolinita que es un silicato de alúmina hidratado, formado por
una molécula de alúmina, dos de sílice y dos de agua. Tras la cocción es el
material que da a la porcelana su coloración blanca y es el que mantiene la
rigidez y estabilidad de la pasta a alta temperatura.

El segundo componente es el feldespato. Los feldespatos constituyen el 60%

de las rocas ígneas, son sílico-aluminatos de sodio (Albita), potasio (Ortioso) y
calcio (Anortita). Representan la parte más importante de los fundentes
utilizados en las pastas y derivados cerámicos. El punto de fusión de los
feldespatos está entre los 1110 y 1530 grados centígrados. La presencia de
álcalis da a los feldespatos un punto de fusión relativamente bajo, por lo que en
la mezcla normal de arcilla, cuarzo y feldespato, este se reblandece y funde
formando un líquido viscoso mientras que la arcilla y el cuarzo permanecen
como partículas sólidas. El feldespato fundido satura gradualmente estas
partículas distribuyéndose a través de la masa y manteniéndolas unidas
gracias a su tensión superficial, gradualmente las disuelve en parte y reacciona
químicamente, con lo cual las cualidades del producto resultante difieren del de
las materias primas que lo forman.

El tercer componente es el cuarzo que es un mineral de estructura compacta,

durísimo y rígido. Debido a la fuerza de sus enlaces su punto de fusión es muy
elevado, por lo cual en la pasta de porcelana es el cuarzo el que evita que las
piezas se contraigan o deformen. Por lo tanto, se puede sostener que el
comportamiento del sílice y en consecuencia del cuarzo en la cocción, está
caracterizado por sus transformaciones y procesos de disolución con los otros
componentes de la pasta.

La conjunción de estas tres materias primas descritas y los correspondientes

procesos intermedios de molienda, tamizado, mezcla y amasado, formarán la
base de la porcelana que tras su modelado o prensado en platos, tazas,
fuentes y demás piezas, pasarán por primera vez a un horno donde a una
temperatura de 950/1000 grados centígrados durante 20 horas, perderán el
agua de su composición, quemarán las sustancias orgánicas y resto de carbón
que puedan contener y el caolín se transformará en meta-caolín, la materia
dejará de ser plástica pasando a ser indeformable quedando con una porosidad
del 25% idónea para el proceso de aplicación del vidriado.

Genéricamente el proceso de vidriado consiste en cubrir los productos

cerámicos y en particular a los materiales feldespáticos como la porcelana, con
una película vítrea. En la constitución de los vidriados volvemos a encontrarnos
con gran parte de las mismas materias primas utilizadas en la composición de
la pasta base si bien en distintas proporciones. En la pasta de vidriado se
incluyen carbonato cálcico y carbonato magnésico que facilitan la fusión de los
vidriados, consiguiendo que la cubierta aplicada a la pasta alcance el punto de
fusión a la misma temperatura, por lo que la fusión perfecta de ambas hace que
su delimitación resulte difícil de apreciar a simple vista.

Como último paso en el proceso de fabricación de la porcelana podemos

mencionar el decorado de las piezas. Como afirma Angel Escárzaga en el libro
Porcelana, Cerámica y Cristal, la decoración de la porcelana se suele hacer
una vez vitrificada la pieza, es decir, sobre la cubierta. En caso de realizar la
decoración sobre la pieza sin vitrificar (bajo cubierta), se corre el riesgo de que
desaparezca en el segundo horneado, que se realiza para su vitrificado y
fijación de color, debido a su muy alta temperatura. Por ese motivo, sólo una
muy corta gama de porcelanas presenta este tipo de decoración. El típico
ejemplo es el azul cobalto de las porcelanas chinas en blanco y azul. Los
colores se obtienen de los óxidos simples. Estos necesitan de fundentes para
adherirse a la pieza. Los fundentes más usados son el cuarzo, el feldespato, el
bórax, el nitro, los carbonatos de sosa y potasa, el minio, el litargiro y el óxido
de bismuto.

Según el calor que necesiten para su fusión, los colores pueden dividirse en:
colores de gran fuego, que se reducen al azul cobalto, verde, cromo, pardo,
amarillo y rojo; colores a fuego de mufla, que representan una extensa gama
de colores y se fijan a temperaturas relativamente bajas (mufla) y colores a
semi-gran fuego, que adiciona colores a gran fuego a los de mufla.
2.4.1. Tipos de porcelana

Existen tres tipos básicos de porcelana: la de pasta tierna (blanda) o artificial, la

auténtica porcelana de origen chino o de pasta dura y la que los ingleses
llaman bone china. La porcelana de pasta tierna (blanda) fue descubierta en
Europa, en 1575, después de repetidos intentos para conseguir la calidad de la
porcelana china. Esta cerámica tan parecida a la auténtica porcelana oriental
salió por primera vez de los alfares de Florencia que trabajaban bajo el
patronazgo de Francisco I de Medici, pero no llegó a producirse en cantidades
apreciables hasta los últimos años del siglo XVII. Esta modalidad de pasta
tierna (blanda) se consiguió mediante una mezcla de arcilla y vidrio granulado
sometido a una cocción en hornos que alcanzaban temperaturas de 1200
grados centígrados. Aunque resulta muy parecida a la pasta dura, se distingue
de esta porque puede ser raspada con una lima, operación imposible en el
caso de la auténtica porcelana. Además, la suciedad acumulada en una pieza
de pasta tierna (blanda) resulta casi imposible de quitar, mientras que puede
ser muy fácilmente eliminada de una auténtica porcelana. La auténtica
porcelana de pasta dura parte de la mezcla antes citada, compuesta de
feldespato y caolín, que se somete en el horno a temperaturas de unos 1450
grados centígrados. La conocida como "bone china" (porcelana de hueso,
literalmente) responde a una fórmula descubierta en Inglaterra por Josiah
Spode en 1800 que consiste en añadir huesos calcinados a la mezcla clásica
de la pasta dura con objeto de conseguir una textura muy fina y resistente. La
pasta dura con calidad comparable a la de procedencia oriental ya había sido
conseguida en Europa por Johann Friedrich Bötttger y Ehrenfried Tschirnhaus
en Meissen (Sajonia) hacia 1707. La decoración de la porcelana suele hacerse
sobre la cubierta, es decir; una vez vitrificada la pieza. La decoración bajo
cubierta (sobre la pieza sin vitrificar) corre el riesgo de desaparecer al ser
horneada la pieza por segunda vez para su vitrificado y fijación del color, que
ha de hacerse a muy altas temperaturas. Por eso, la decoración bajo cubierta,
en la porcelana, suele estar limitada a una muy corta gama. Un ejemplo típico
de esta decoración es el azul cobalto (color muy estable) de las porcelanas
chinas en blanco y azul. Los colores se obtienen de los óxidos simples, como
hemos explicado ya al referirnos a las técnicas de la fabricación de cerámica en
general. Estos óxidos necesitan de fundentes para adherirse al cuerpo de la
pieza. Los fundentes más usados son el cuarzo, el feldespato, el bórax, el nitro,
los carbonatos de sosa y potasa, el minio, el litargiro y el óxido de bismuto.
Existe una división de los colores según el calor que necesiten para sus fusión,
que los clasifica de esta manera: 1. "Colores de Gran Fuego", que se reducen
al azul cobalto, verde cromo, pardo, amarillo, negro y rojo. 2. "Colores a fuego
de Mufla" que representan una gama comparable a la que un pintor puede
manejar en su paleta y se fijan a las temperaturas relativamente bajas del
horno llamado mufla. También son conocidas como colores tiernos. 3. "Colores
a Semi Gran Fuego" que se preparan mediante la adición a los colores tiernos
de cantidades mayores de colores a gran fuego y se fijan luego en hornos de
mufla.

[Link]. Porcelana de pasta dura

Se trata de la auténtica porcelana. Su fórmula es una mezcla de piedra de

feldespato y caolín que se somete a temperaturas mayores a 1500 grados
centígrados. La mejor calidad de este tipo de porcelana pertenece a la dinastía
Yuan (1279-1368). En Europa recién hacia 1707 se logra una porcelana de
pasta dura comparable a la oriental.

La porcelana de pasta dura no es porosa, sus esmaltes son traslúcidos y

resaltan sobre el barniz formando un ligero relieve. La capa de barniz es
delgada y uniformemente brillante, su aspecto asemeja al cristal.

[Link]. Porcelana de pasta blanda

Consiste en una mezcla de vidrio granulado y arcilla, sometido a una cocción

en horno a unos 1200 grados centígrados.

Se populariza en Europa hacia finales del siglo XVII y se continúa utilizando

mucho después de 1707, año en el cual Böttger descubre la fórmula de la
pasta dura.

Este tipo de porcelana presenta porosidad, el barniz es más vidrioso que en la

de pasta dura y los colores esmaltados aplicados tienden a hundirse en el
barniz o a confundirse con él. Su textura granular muy fina la asemeja a un
terrón de azúcar.

[Link]. El Biscuit

La porcelana, como el gres, no necesita barniz o vitrificado para cubrir los

poros puesto que su textura no es en absoluto porosa, pero el vitrificado es casi
la norma, tanto en gres como en porcelana,
por motivo de presentación y decoración de
la pieza terminada. Sin embargo, en el siglo
XVIII se introdujo en Europa una porcelana
sin vitrificar llamada "biscuit", que se usaba
principalmente para manufacturar figuras
decorativas. Es básicamente una porcelana
sin vitrificar, de textura semejante al mármol
blanco de Carrara y de color blanco
uniforme. Fue muy utilizada por acreditadas
fábricas como Sevres por ejemplo, debido a
su idoneidad para ser esculpida. En el siglo XIX este tipo de porcelana
desprotegida de barniz se conoció con el nombre de Parian.

[Link]. Bone China (Porcelana de Hueso)

Descubierta en Inglaterra e introducida en el mercado hacia el año 1800, su

fórmula consiste en una mezcla compuesta por seis partes de hueso calcinado,
cuatro partes de piedra feldespática y tres partes y media de caolín. Este es el

componente básico de la porcelana inglesa hasta nuestros

días y significa una mejora de la porcelana de pasta dura.
Ofrece un algo grado de dureza y apariencia de un blanco
marfil y no adquiere un tinte azulado o grisáceo con el
correr del tiempo como lo hace la porcelana clásica.

[Link]. Cáscara de Huevo

Es un tipo de porcelana fino y extremadamente traslúcido, de apariencia

delicada. Es fabricada en China por primera vez a principios del siglo XV. En
Europa se logra una porcelana similar en el siglo XIX y es producida
especialmente en las factorías de Minton, Sevres y Belleck.

2.4.2. Orígenes de la Porcelana

[Link]. La Porcelana China

El origen de la técnica de la porcelana se sitúa en China. La excelencia de las

porcelanas chinas nos hablan del esmerado trabajo que fue necesario para su
elaboración. Los más antiguos ejemplares chinos datan de la dinastía Han (206
AC – 220 DC), Tang (618-907) y Song (960-1259). Le siguen las de la dinastía
Yuan (1279-1368), las de la Dinastía Ming (1368-1644) y las Qing (1644-
1911).

Porcelana Tang (618-906): Las primeras porcelanas son de color grisáceo y

textura granulosa. El esmalte tiene un aspecto cremoso, a menudo tiende a
gotear por los costados de la pieza formando manchas oscuras. Raramente
supera los 20 centímetros de altura. Debajo del fino esmalte se perciben las
marcas concéntricas causadas por el cuchillo del alfarero. El grosor del anillo
de los pies es irregular y las paredes interiores se estrechan hacia la base.
Algunos platos tienen los bordes lisos, otros incisos y otros están moldeados en
forma de lóbulos que evocan de forma rudimentaria una flor. En general, es
poco decorada.

Porcelana Song del norte de China (960-1127): Durante la dinastía Song, la

porcelana se refina y presta gran atención a los detalles. La famosa porcelana
de este período procede de Hebei y Henan y se conoce como Dingyao. Está
cubierta por un cálido esmalte de color marfil, el cual termina con una pulida
línea alrededor del pie y adquiere un tono marrón o verde oliva allí donde se ha
acumulado. La decoración de la porcelana Dingyao puede estar incisa o
modelada y los motivos más recurrentes son frutas, pájaros, flores y hojas, a
menudo rodeadas por una o dos grecas de estilo griego. Sus bordes están
protegidos con una banda de cobre. Son característicos de este período las
líneas suaves.

Porcelana Song del sur de China (1127-1279): Estas porcelanas continúan la

tradición de las anteriores e introducen pocas innovaciones. Las diferencias
más significativas están en la composición de la pasta y en el esmalte.
También los anillos de los pies tienden a ser más delgados y cortos. La
porcelana Song es más blanca que la de Dingyao, excepto en las zonas sin
esmaltar, que son rojizas por su alto contenido de hierro. El esmalte traslúcido
presenta un suave color azul acuoso o verde de distintas intensidades, que le
da un aspecto más cálido que aquel característico de las porcelanas del norte.

Porcelana de la dinastía Yuan (1279-1369): En general, se continúan

fabricando piezas tradicionales de gres y porcelana. A mediados de esta
dinastía se perfecciona la técnica de decoración con colores bajo esmalte. La
mayoría de las piezas, particularmente las de Longquan, son mucho más
grandes y están densamente decoradas. Asimismo el esmalte es blanco y está
cubierto de burbujas. Durante la dinastía Yuan se utiliza el azul cobalto y se
crea el estilo de decoración azul y blanco. Son frecuentes las zonas oxidadas
de color negro sobre el cobalto. Las figuras realizadas en esta época son
escasas, son Yingqing y la mayoría no superan los 12,7 centímetros.

Porcelana Ming Imperial (1369-1644): Los alfareros de Jinddezhen refinan

los materiales y las técnicas. En la
mayoría de las piezas Ming aún
aparecen concentraciones de cobalto
(ennegrecido). Hasta finales del siglo
XIV estas porcelanas están decoradas
con azul bajo esmalte. Más tarde,
debido a la sustitución de cobalto por
cobre, se obtienen tonos que van del rosado al plateado. La parte inferior de las
piezas Ming siempre se inclina hacia adentro, a la vez que los objetos huecos
están hechos con dos componentes y a menudo
es posible detectar su junta. En la mayoría de
las piezas, el pie es demasiado alto en
relación con el resto de la pieza.

A principios del siglo XV, todavía se utiliza esmalte

grueso generando diseños de poca nitidez.
A partir de 1645, se comienza a utilizar un esmalte más fino. El azul bajo
esmalte es más intenso y la pieza, una vez cocida, se pinta en rojo hierro,
amarillo, verde, marrón manganeso y negro.

Porcelana del período Qing Imperial (1644-1912): Si bien los alfareros del
reinado Qing continúan con el estilo tradicional y, realizan esmeradas copias de
piezas clásicas del período Song, hacen grandes innovaciones: se fabrica una
nueva pasta y también esmaltes nuevos a la vez que se introducen nuevas
paletas. La pasta de este período contiene mayor caolín y menos hierro por lo
que es más blanca y no se torna rojiza en las zonas sin cocción. Se introducen
y redescubren una gran gama de colores: rojo rosáceo, verde musgo, seta
pálido, y el azul esmalte es sustituido por el sobre esmalte. Las marcas de
reinados más destacados del período son Yongzhen (1723-1735) y Qianlong
(1736-1795).

[Link]. La Porcelana Japonesa

La porcelana de Arita, hacia 1610, es la primera que se conoce en Japón.

Además de porcelana azul y blanca, en Arita y en hornos de alrededor se
fabrican piezas Imari, Kakiemon policroma, Nabeshima, Hirado, Fukagawa y
Makuzu. La porcelana en azul y blanco japonesa está decorada con un óxido
azul cobalto bajo esmalte de tonos variables que van del azul grisáceo al azul
zafiro. Un grupo de esta porcelana se realiza para el mercado local y otro para
exportación (mercado europeo a partir de mediados del siglo XVII). Aparecen
rasgos característicos de la porcelana china.

Imari policroma. Es una de las que más se exporta. Proceden de Arita. Estas
piezas primero se pintan de azul bajo esmalte, luego se esmaltan y cuecen, se
pintan de colores y por último se doran y se
cuecen de nuevo. La paleta Imari presenta
azul bajo esmalte, rojo, oro, color berenjena
y plata. La porcelana
Imari suele consistir en
piezas decorativas de
gran tamaño
destinadas a decorar
los interiores de las casas europeas. Los motivos decorativos generalmente
representan el exotismo japonés, predominan los paisajes y la decoración
floral. Las piezas policromas al igual que las Imari están destinadas a la
exportación a occidente, pero éstas tienen formas europeas. La decoración es
más ligera y su producción más limitada.

Kakiemon. Este tipo de porcelana es más restringido que los Imari, ya que
está destinada a un mercado sofisticado. Surge hacia 1680 y se caracteriza por
su cuerpo de color blanco roto (nigoshide) cubierto por un esmalte casi
transparente, sus líneas geométricas nunca circulares y sus formas abiertas.
Es un tipo de porcelana más refinada que la de Imari o Arita pero no tan
espléndida y llamativa. Su particular paleta de colores vivos presenta rojo de
hierro, azul cielo, turquesa, manganeso pálido, amarillo ocre y negro. Rasgos
característicos son el predominio del rojo y el azul, el diseño austero y
asimétrico y los temas del tigre merodeando, las flores aisladas, el pino y el
prunus en flor. Constituye una gran fuente de inspiración para las fábricas de
porcelana francesas, inglesas y alemanas.

Nabeshima. Fabricadas exclusivamente para los señores feudales a partir de

1660, sólo se comercializan las defectuosas. Sus rasgos característicos son un
cuerpo casi impecable de color blanco roto cubierto por un esmalte grisáceo o
azulado, una base alta en piezas bajas y un cuerpo regular fomando una
parábola perfecta con mínimas variaciones de grosor. La mayoría de las piezas
se pintan con azul bajo esmalte y luego se colorean con rojo hierro, verde
amarillo, manganeso y negro (gama parecida a la paleta Ming Doucai). La
decoración más recurrente son motivos de hojas estilizadas, diseños
geométricos repetidos y reproducciones sencillas y realistas de pájaros, flores,
frutas y temas acústicos. El rasgo más característico es que, en la parte
inferior, los platos están decorados con una serie de monedas entrelazadas
con cintas. En la parte exterior presentan un diseño dentado denominado
Kusitakade.

Hirado. Figuras blancas de niños y animales decorados con suave tono azul
son los objetos más populares de esta fábrica de finales del siglo XVIII y
principios del XIX. Los magníficos modelos se fabrican con arcilla
excepcionalmente blanca. Los motivos decorativos son figuras, especialmente
niños jugando o paisajes brumosos situados entre cenejas. Otros motivos
típicos de la fábrica son los lirios, crisantemos y peonías. En ocasiones se
añade rojo de hierro al azul bajo esmalte y, a finales del siglo XIX, el artesano
Fukagawa mejora la técnica de decoración bajo esmalte y sobre esmalte,
produciendo algunas piezas de aspecto tridimensional.

[Link]. La Porcelana Europea

En Europa la porcelana se comienza a fabricar a finales del siglo XVI. En un

principio, éstas son híbridos de pastas blandas hasta que, en 1708, J. F.
Böttger descubre la primera fórmula para fabricar auténtica porcelana de pasta
dura, la que más tarde se propaga por toda Europa. Las fábricas más
destacadas son sin ninguna duda las surgidas en Alemania y Francia.

[Link].1. La Porcelana Inglesa

Inglaterra se incorporó relativamente

tarde a la fabricación de porcelana
(hacia 1740).

Chelsea (1745-1769). Se concentra

exclusivamente en porcelana de lujo.
Es una porcelana de pasta blanda que

presenta puntitos negros en las bases,

es vidriosa y cremosa, de esmalte
blanco lechoso aplicado en forma
irregular. Predominan los colores
morado, marrón y turquesa verdoso. Las
figuras son huecas y de interior suave y los recipientes tienen los bordes color
marrón chocolate. En un primer período (1745-1749) la marca es un triángulo
inciso y en algunos casos, un tridente atravesando una corona en azul bajo
esmalte. Entre 1749 y 1752 se introduce una nueva marca: un ancla elevada.
Característico de estas piezas es la combinación de formas japonesas
(Kakiemon) y la decoración europea (por ejemplo, escenas de la fábula de
Esopo). En el período del ancla roja (1752-1757) se introduce una porcelana
traslúcida y verdosa a contraluz. El esmalte se torna azulado en los ángulos.
Las piezas están decoradas al estilo Meissen o Kakiemon, o con grandes
especies botánicas, y las figuras presentan una decoración muy austera. La
paleta de este período tiene azul cielo intenso, verde oscuro, marrón, morado,
rosa, rojo de hierro y amarillo oscuro. Son característicos del período las
soperas rococó, las piezas Mans Sloane y las miniaturas fabricadas en
“jovencita en un columpio”. En el período del Ancla Dorada (1759-1769),
Chelsea realiza figuras del estilo totalmente rococó. La añadidura de cenizas
de hueso permite realizar piezas más sólidas y opacas; el esmalte es grueso y
azulado y tiende a producir grandes grietas.

Bow (1744-1745). Menos exclusiva que Chelsea, la pasta de Bow es blanca,

de textura granulosa y superficie irregular. El esmalte es vidrioso, grisáceo o
verdoso y tiende a agrietarse. Dominan el azul intenso, amarillo oscuro y
morado púrpura intenso. Las figuras son modeladas a presión por lo que
tienden a oscurecer los detalles. Los personajes están directamente copiados
del Meissen o inspirados en modelos orientales. Presentan excesiva
decoración.

Worcester (1752-1774). Se trata de una gama de artículos sorprendentemente

sofisticados. La primera porcelana de Worcester contiene esteatita, lo que la
hace resistente al agua hirviendo (adecuada para cafeteras y teteras). El
cuerpo tiene un tono verdoso a contraluz y hay zonas que presentan pequeños
puntitos negros. Todas las piezas de Worcester tienen un estrecho margen sin
esmaltar alrededor del anillo del pie, resultado de un procedimiento ideado para
evitar que el exceso de esmalte gotee sobre el horno durante la cocción
(pegging). En esta primera etapa, las piezas son pequeñas (menos de 15
centímetros), de formas inspiradas en la platería y con decoración chinoiserie y
floral rodeada con marcos dorados de gusto rococó.

Worcester (1774-1810). En este período, bajo una nueva dirección, la fábrica

inglesa realiza piezas insuperables. La pasta blanca adquiere más dureza y
brillantez, el esmalte es más refinado y el modelado más regular y grueso,
aunque el esmalte y el cuerpo, mantienen su apariencia grisácea.

Son piezas con influencia rococó, pero de inspiración neoclásica. Se fabrican

artículos utilitarios y las figuras pasan a segundo plano.

Worcester (1810-1840). El neoclasicismo es el estilo dominante en esta etapa:

líneas clásicas y sin extravagancias, decoración casi fotográfica y marcos
rectangulares. Los colores favoritos son el salmón, naranja y gris marmóreo, y
el dorado es de una calidad excepcionalmente buena. Las campañas de
Napoleón en Egipto y la victoria de Nelson en el Nilo son temas comunes hacia
1810.

Lowestoff (1757-1800). Es una porcelana de pasta blanda con tendencia a

decolorarse. El esmalte no es particularmente vidrioso y presenta un ligero tono
verdoso o grisáceo que se oscurece hacia los rincones. Todas las piezas
realizadas durante los primeros diez años están decoradas en un frío azul bajo
esmalte, el cual puede ir desde un tono grisáceo hasta casi negro. Se observan
diseños chinoiserie y decoración en relieve y, a partir de 1760, la mayoría de
las piezas presentan los colores de la paleta Imari. Las piezas son utilitarias. El
asa de las teteras o cafeteras se arquea hacia fuera por el extremo que se une
a la juntura inferior y las tazas presentan base cónica. En la base aparece un
número en azul bajo esmalte.

Longton may (1749-1760). Produce piezas

excéntricas y un poco toscas. Básicamente
realiza piezas en azul y blanco con pasta
blanda bastante maciza y de superficie
irregular. El esmalte grisáceo presenta
pequeños puntitos negros y a veces grietas
causadas por la cocción. Hay zonas en las
que el azul bajo esmalte es muy oscuro y
está corrido. La paleta de Longton May es
distinta a cualquier otra, sus colores más
característicos son el verde lima
amarillento, el morado carmesí y el azul oscuro bajo esmalte. Hay soperas y
platos modelados en forma de hoja o vegetal y las asas en forma de oreja con
sus dos pestañas son las más complejas de esa época.

Derby (1750-1848). La porcelana de la primera época de Derby es de pasta

blanda, es poco porosa y casi parece pasta dura. El esmalte es blanco grisáceo
y a menudo presenta pequeñas manchas. Luego de 1770, la pasta y el esmalte
mejoraron. La porcelana es excepcionalmente blanca y el esmalte brillante y a
menudo ligeramente azulado. Las piezas más comunes son pequeñas figuras
en miniatura estilo “jovencita en un columpio”, jarras para crema, cestas
ovaladas, platos con forma de hoja y mantequilleras. Luego de 1770, con la
adquisición de Chelsea, la producción se amplió cubriendo toda la variedad de
piezas que hacían las otras fábricas y los diseños mejoraron
considerablemente su calidad. Contaban con los mejores pintores y
decoradores de Inglaterra, que a menudo demostraban su destreza decorando
cada pieza de un servicio con un borde distinto. La paleta de Derby es parecida
a la de Worcester, pero ésta incluye un característico turquesa opaco. Un
diseño exclusivo de Derby son las cestas circulares con bordes perforados
conocidas como cesta “anteojos”. Las primeras figuras de Derby representan
los típicos motivos alegóricos y pastorales, el modelado es demasiado rígido y
está sobre bases sencillas. La mayoría es dejada en blanco y las pocas que se
decoran son muy primitivas. Asimismo están frecuentemente mal pintadas.
Estas figuras anteriores a 1756 se las llama de “borde seco” debido a que el
esmalte se retira del borde para que la figura no quede pegada a los soportes
del horno durante la cocción. A partir de 1756, las figuras tienen más vida y
gracia y se encuentran sobre trabajadas bases completamente integradas con
las figuras. Los vestidos están cubiertos de pulidas y delicadas flores pintadas
con colores suaves, entre los que suelen predominar el turquesa, el rosa y el
rojo hierro. En el último cuarto del siglo XVIII,cuando el neoclasicismo desplaza
al rococó, Derby produce bellas figuras de porcelana biscuit con minuciosos
modelados.

[Link].2. Porcelana Alemana

Meissen (hasta 1728). Durante el último cuarto del siglo XVII un conde de
Sajonia encontró la fórmula para fabricar una auténtica porcelana de pasta dura
capaz de competir con la de China. En 1708 se registró la fórmula y se
comenzó a fabricar el famoso gres rojo. Así, en 1708 se fabrica la primera
porcelana dura europea. Los diseños de las piezas de gres rojo, también
llamado jaspe-porcelana están influidos por las piezas de platería. Los vasos y
las tazas altas están decoradas con realistas hojas de acanto modeladas
alrededor de la base y las tazas altas tienen la forma de campaña al estilo de
blanc-de-chine. Es muy notable la influencia de lo japonés tanto en las formas
como en la decoración. Las primeras obras de Meissen no presentan marcas
de identificación.

Meissen (1728-1763). Esta segunda etapa comienza con la llegada de J. G.

Herold, brillante pintor que le da a Meissen una exquisita decoración y la paleta
que los hará luego famosos. La porcelana es de pasta dura, poco porosa y de
tono grisáceo. Las piezas que tienen la base plana y están sin esmaltar
presentan pequeñas astillas de arcilla pegadas debajo. El esmalte es más
suave y vidrioso, y adquiere el aspecto frío y azulado asociado a la
manufactura. Algunos rasgos para la identificación de las piezas realizadas
durante estos años son las tapaderas de los potes en forma de alcachofa, las
asas de las tazas, de forma arqueada con volutas que sobresalen en la parte
inferior y las asas de los objetos grandes en forma de espoleta con pequeñas
volutas en las junturas. Los colores más típicos son el turquesa, amarillo oscuro
imperial, verde guisante,
verde más intenso,
morado o borgoña y rojo
tomate. Hacia 1730, los
temas de decoración
europea fueron
haciéndose más
populares que los
diseños orientales. Entre 1728 y 1763 se pueden observar cinco marcas
distintas para identificar las piezas Meissen. En cuanto a las figuras Meissen
realizadas entre 1731 y 1775, al principio tienen poca vida, son poco realistas,
pintadas con colores llamativos y situadas sobre bases sencillas. A partir de
1740 se perfecciona la técnica, se utilizan colores pastel y bases macizas
decoradas con volutas estilo rococó.

Los personajes son variados: campesinos, pastores, figuras mitológicas, figuras

chinas, animales, pájaros y más. En todas
hay tanto movimiento en el modelaje que
a menudo parece que las figuras están a
punto de perder el equilibrio. Las piezas
anteriores a 1740 están esmaltadas y la
marca está en la parte inferior. Hacia
1740 la base no se esmalta y la marca
tiende a desaparecer con el tiempo. Por
ello se comienza a colocar la marca en la parte de atrás o en el costado de la
figura.

Meissen (a partir de 1774). En esta última etapa se abandona el estilo rococó

a favor del austero neoclasicismo y se introducen las siluetas, figuras de
biscuit, relieves clásicos de estilo Wedgwood y dibujos muy pequeños sobre
fondos intensos.

En el período neoclásico de Meissen son típicas las guirnaldas y los bordes

dorados en las piezas.

La postura estática y alargada y los minuciosos

detalles de la ropa son característicos de las figuras.
Así como el pelo claro y poco definido y los números
grabados en la base. La decoración de muchos de
los objetos está basada en estilos anteriores y el
motivo decorativo cubre toda la superficie.

Höchst (1742-1796). La porcelana dura de Höchst

es excepcionalmente blanca. Por lo general no
presenta imperfecciones y está cubierta por un esmalte vidrioso de tono blanco
o cremoso. Las piezas de Höchst son objetos prácticos de decoración estilo
rococó o neoclásico. Más que por su originalidad, se distinguen por ciertos
rasgos sutiles. Las piezas de Höchst suelen presentar números o letras
nítidamente incisos dentro de la base, que identifican a los artesanos. Los
motivos de decoración incluyen flores, chinoiseries, escenas rústicas, figuras
humanas y escenas de batallas y caza. La pintura de las piezas es de gran
calidad. Algunas características del diseño son los bordes ligeramente
curvados hacia fuera de las tazas y bols para el té, los pequeños platos
cuadrifoliados, las jarras en forma de casco y las asas en forma de “j”.

Las figuras de Höchst, realizadas en la misma porcelana de pasta dura y libre

de imperfecciones, son en el comienzo muy estáticas y pintadas con colores
intensos. Posteriormente presentan movimiento, colores pasteles y abundan
los rasgos infantiles y las figuras alrededor de un fondo calado. Generalmente
las figuras están sobre una base alta de estilo rococó o sobre un montículo
cubierto de hierba. La marca de Höchst, en forma de rueda no es prueba
definitiva de autenticidad ya que después de cerrar en 1976, fue utilizada por
otras fábricas que habían adquirido sus moldes.

Frankenthal. Comienza a fabricar porcelana en 1751, durante el reinado de

Luis XV en Estrasburgo, y luego se traslada a Frankenthal. Las primeras
porcelanas están hechas de una fina pasta dura de color blanco, aunque luego
la calidad decae al introducirse una arcilla más barata. El esmalte, de aspecto
cremoso y grisáceo, es opaco y un poco más granuloso que el utilizado en
otras porcelanas contemporáneas alemanas. El esmalte es atípico en cuanto
absorbe los colores de la decoración dándoles a la porcelana un aspecto de
pasta blanda, más que el de una pasta resistente.

Las formas de los artículos utilitarios se inspiran en las piezas de platería del
momento. En general las tazas de los servicios de té y café son sencillas y con
suaves bordes acampanados. Las asas suelen ser lisas, con una hoja de
acanto modelada o presentan exageradas volutas en forma de “C”. Los bordes
de las piezas más grandes a menudo están modelados imitando el entrelazado
de cestería. Los temas decorativos más utilizados son los paisajes con ruinas
clásicas sobre volutas doradas estilo rococó, los personajes estilo Boucher, los
pájaros y ramas estilo Berlín, delicadas flores con zarcillos abiertos al estilo
Estrasburgo y los chinoiseries. Las figuras son más grandes que las de otras
fábricas, los motivos son tratados con más humor y el uso del dorado es
abundante. Otros colores importantes son el morado, verde amarillento,
amarillo grisáceo, azul ultramarino, grisáceo y marrón castaño.

Las figuras de Frankenthal se encuentran entre las mejores de Alemania. Son

siempre algo estáticas pero tienen su encanto en los pequeños e inocentes
rasgos, sus grandes ojos y sus mejillas sonrosadas y manos
desproporcionadas. La plasticidad de la porcelana Frankenthal permite un
modelaje minucioso que su esmalte fino y opaco no oscurece. La mayoría de
las bases son de forma de montículo cubierto por hierba o bases onduladas de
estilo rococó con volutas moradas o doradas y con cantos arqueados que se
doblan con papel húmedo.

[Link].3. La Porcelana Francesa

Chantilly (1725-1800). La manufactura se crea en 1725 y fabrica un amplio

repertorio de piezas utilitarias y de decoración entre las que se incluyen figuras
–generalmente orientales-, jarras, teteras, platos, tazones altos, pequeñas
escudillas y salseras, jarras para agua caliente y cafeteras. Es una porcelana
de pasta blanda y tiene un esmalte cremoso y opaco como resultado de añadir
estaño para disimular las imperfecciones. Las figuras en su mayoría no
superan los 24,5 centímetros de altura, tienen decoración chinoiserie y están
laboriosamente perfiladas en negro. El modelado es poco minucioso,
especialmente en cara y manos. Las piezas que no están decoradas presentan
el cuerpo blanco pintado en azul bajo esmalte u otros colores rococó como el
morado o el marrón. Hasta 1750 la marca de todas las piezas Chantilly es un
cuerno de caza color rojo. Posteriormente, cambia a azul bajo esmalte y a
veces manganeso. Suele aparecer una letra debajo del cuerno que
seguramente designe la inicial del nombre del propietario de la manufactura en
ese momento.
.Vincennes y Sevres inicial. En 1738, con la ayuda de un artesano de
Chantilly se funda la manufactura de porcelana blanda de Vincennes, a la que
se le otorga un monopolio de 20 años para fabricar porcelana al estilo Meissen.
En 1756 se traslada al castillo
de Sevres. Cuando en Francia se
encuentra una arcilla adecuada,
en 1769 Sevres comienza a fabricar
pasta dura y en 1803 abandona la
fabricación de la mejor pasta blanda.
Las primeras piezas de Sevres
son entonces una porcelana de pasta
blanda, de esmalte vidrioso y traslúcido con colores que parecen penetrarlos.
La manufactura se centra en la fabricación de piezas utilitarias como cuencos,
jarrones, servicios de té y vajillas.

Si bien las primeras piezas son una imitación de Meissen, luego se crea un
estilo propio. Los temas dominantes en la decoración son los paisajes, figuras,
pájaros y flores y las pinceladas son más sueltas. Los colores de fondo sobre
los que se pintan los paneles decorativos son azul cobalto, azul cielo, amarillo
limón pálido, verde
medio, violeta, rosa y
azul oscuro. Los
colores brillantes son
realzados con el
dorado mejor
trabajado jamás visto
en porcelana. Las
piezas están
marcadas con dos “L”
entrelazadas y, a
veces llevan una letra en el centro que indica la fecha. También suelen tener
alguna marca adicional, inicial o emblema relacionado con el artista.
Sevres Real (1756-1780). En este período se realizaron las piezas más
complejas gracias a la contratación de los mejores artistas franceses y el gran
control de calidad. Por ley suntuaria de Luis XV, solamente Sevres tiene
permitida la utilización del dorado. Se fabricaron artículos que combinaban
tanto la utilidad práctica como la decorativa. También realiza figuras de biscuit,
cajas para relojes y placas. Piezas características son los arreglos florales, los
trofeos dentro de reservas, los aguamaniles en forma de pera y las fuentes con
forma ovalada con borde lobulado. En las figuras de biscuit, sin esmaltar y sin
decorar, se aprecian los detalles del modelaje y el estilo neoclásico que dominó
en Sevres a partir de 1770.

Sevres (1780-1850). Luego de la revolución francesa, bajo el mandato de

Napoleón, se fabricaron piezas más trabajadas, del mismo estilo que las de
Berlín, Viena y Meissen, que dan origen al estilo Imperial. En 1781 se introduce
la decoración de joyería que consiste en aplicar gruesas gotas de esmalte, que
imitan rubíes y esmeraldas. En 1800 se abandona la
fabricación de pasta blanda que es difícil y cara, y se
da con la fórmula de una nueva pasta dura de gran
calidad plástica que permite realizar piezas
neoclásicas de gran tamaño. Se desarrolla una gama
de colores que proporciona a la decoración el
acabado de las pinturas al óleo. Se sigue destacando
el dorado de gran calidad. La nueva pasta es muy
blanca, poco porosa y cristalina, y el esmalte muy
claro, vidrioso, traslúcido y no presenta defectos.
Entre 1793 y 1804 la marca fue “RF” en azul. En 1803, 1804 y 1805 se
emplean las letras “MN” y “LE” con Sevres escrito debajo en rojo. También se
utilizan códigos para indicar fechas.

Saint Cloud (1664-1766). Es la primera fábrica de porcelana en Francia, las

primeras piezas datan de 1690 y son una porcelana de pasta blanda, muy fina
de tono blanco grisáceo y a menudo presenta pequeños puntitos negros. El
esmalte es blanco, cremoso y verde oliva allí donde se acumula. No es muy
brillante pero tiene un lustre cálido y satinado. La gran variedad de piezas
utilitarias y decorativas incluye soperas circulares y tapaderas, teteras con asas
en forma de dragón o cuello de pájaro, jarras en forma de pájaro, especieros
con tres patas, cestas con flores incrustadas, mangos para bastones y
cuchillos, candelabros cónicos, potes circulares, tazas y platillos,
mantequilleras y vinagreras entre otros. Las asas de las teteras, jarras y tasas
son gruesas y sinuosas y en las piezas más grandes están modeladas en
forma de monstruosas máscaras de animales. La decoración, en las primeras
piezas, en azul bajo esmalte incluye a menudo lambrequines al estilo barroco
francés. A partir de 1730, el colorido sigue al estilo Kakiemon, pero es primitivo,
estricto y de paleta diferente. El dorado se usa poco debido a las leyes
suntuarias. Los colores dominantes de la paleta son el amarillo oscuro, el verde
amarillento, el turquesa, el azul cielo, el rojo sangre y el negro.

Las figuras realizadas en St. Cloud, son mayoritariamente chinoiseries y se han

dejado en blanco para que pueda apreciarse el minucioso modelado. La marca
más común de St. Cloud consiste en las letras “StC” incisas sobre una “T”. Otra
marca común es un sol con una cara pintada.

[Link].[Link] 2.4.3. Decoración

Resumiendo, los barnices pueden ser translúcidos, opacos o coloreados. La

porcelana de pasta dura obtuvo un barniz de feldespato que se fundió con el
cuerpo al ser sometido al calor. En la porcelana de pasta blanda el brillo tiende
a sumergirse en las rajaduras. Una gran variedad de barnices se utilizaron en
loza y porcelana.
Los principales son:
Barniz al plomo: utilizado en la mayoría de la porcelana de pasta blanda y en la
loza de arcilla.
Barniz de estaño: un barniz al que se añade óxido de estaño para dar una
terminación blanquecina y opaca.
Barniz de sal: un barniz que se forma al añadir sal común en el horno a 1000
grados C.

2.1.2
2.1.3 3. Tasación de Piezas de
Cerámica y Porcelana

3.1. Variables a considerar

La cerámica y la porcelana presentan una gran cantidad de estilos, formas,

colores y precios. Cuando se observa por primera vez una pieza de “loza” o
porcelana la comprensión y conocimiento de los materiales y técnicas de
producción nos pueden ayudar a identificar su origen, edad y valor. Los tres
factores básicos a tener en cuenta son el material, el brillo y la decoración.

La identificación es una manera de reconocer las formas, colores y el tipo de

pasta o barniz que se utilizó en una determinada fábrica. La combinación de
estos factores con la existencia de una marca nos dirán si una pieza es
genuina o no. Es más importante determinar el
material básico que la marca, porque estas
fueron copiadas mientras que en general las
copias están hechas en pasta dura y los
originales en pasta blanda. Hay que tener
cuidado con los estilos ya que los antiguos
fueron copiados en el siglo XIX.

Se resumirán a continuación los pasos que

recomienda la Guía Miller2 para la valoración de las piezas de porcelana y que
son también aplicables a los objetos de cerámica.
El primer paso para identificar una pieza de porcelana es examinar la pasta,
es decir, el material, el cuerpo sin esmaltar del objeto, la cual normalmente
puede apreciarse en la base. El único caso en el que no puede verse es
cuando está totalmente esmaltada. Pero en estos casos el propio esmalte
proporciona pistas en el momento de identificar una pieza. La primera pregunta
que hay que plantearse cuando se examina una porcelana es si la textura es
más bien granulosa o lisa. Si tiende a ser granulosa, lo más probable es que se

2
Miller’s, Porcelain, Reed International Books Limited, 1991.
trate de pasta blanda, si tiende a ser lisa, lo más probable es que sea de pasta
dura. Desde luego hay excepciones, que pueden identificarse a fuerza de
experiencia. Una vez establecido si se trata de porcelana de pasta dura o
blanda, queda una última cuestión sobre la pasta. ¿Puede identificarse la
fábrica por el color?, o sea ¿la pasta es blanca pura, presenta gránulos grises o
manchas marrones?.
Al estudiar el esmalte también hay que tener en cuenta sus variaciones: ¿es
apagado y mate, o por el contrario, liso y vidrioso?, ¿es transparente u opaco?,
¿es grueso o fino?. Así pues, el esmalte puede proporcionar tanta información
sobre el origen de una pieza como la pasta. Si al enfriarse, después de cocer
un objeto, el esmalte se contrae más que la pasta, se rompe formando una
trama de grietas irregulares conocidas como craquelado. Como esto suele
suceder en algunas fábricas más que en otras, puede resultar otro elemento de
identificación. Por ejemplo las primeras piezas chinas de gres.
El estilo y la técnica de decoración a menudo aportan información importante
sobre el origen de una pieza. La decoración puede ser incisa o bien modelada,
estampada o pintada, y puede aplicarse bajo el esmalte o sobre éste, lo cual
generalmente puede notarse con los dedos. Pero en primer lugar, lo más útil
suele ser examinar los colores. La mayoría de las fábricas utilizan distintas
paletas (ver Apéndice I). El siguiente paso es determinar si se trata de una
pieza oriental o europea. Esto en sí mismo puede no significar nada, ya que
muchas exportaciones chinas estaban decoradas con escenas de estilo
europeo, y muchas de las mejores porcelanas europeas están decoradas con
diseños orientales. Pero los artistas de cada continente nunca han llegado a
representar a los habitantes del otro de una manera totalmente convincente por
lo que raras veces resulta difícil determinar su procedencia.
Ya se ha explicado que resulta muy difícil fechar la porcelana, sobre todo la
china, en la que los modelos perduraban mucho tiempo y las marcas se
copiaban. En lo que se refiere a la europea resulta más fácil debido a que los
diseños estaban sujetos al cambio de la moda, por lo que a partir del siglo XVIII
se simplifica y ordena el diseño y por tal la datación de las piezas.
La forma también puede aportar mucha información acerca de una pieza
debido a que seguían las modas inspiradas en otros materiales como la
orfebrería o alfarería.
El estilo del modelador de porcelana es tan único como su firma, por lo que los
trabajos de los artistas más importantes a menudo son fácilmente reconocibles.
Pero hay otros métodos para identificar el autor. El primer paso es descubrir
cómo está hecha la pieza. Hay básicamente dos sistemas. El primero es
conocido como modelado de barbotina y el segundo con el método de
moldeado a presión. El primer tipo da como resultado una figura ligera mientras
que las obtenidas con el segundo son mucho más pesadas. La mayoría de las
figuras europeas son de barbotina mientras que gran parte de las orientales
son moldeadas a presión.
Muchas manufacturas presentan sus propias características, lo que permite
identificar fácilmente sus piezas.
Es importante para todo tasador tener un buen libro de marcas y examinar
piezas auténticas en casas de subastas. No obstante debe insistirse en que las
marcas deben observarse con mucho cuidado, dado que como se verá en el
apartado siguiente la mayor parte de las europeas son falsas mientras que las
chinas presentan marcas repetidas y las japonesas adulteradas para pasar por
chinas.

Puede establecerse entonces que el valor en la cerámica y porcelana es

producto en general de la combinación de las siguientes variables:
 Estado de conservación, Condición o
estado
 Tamaño
 Edad
 Rareza o escasez
 Estilo, Calidad, valor decorativo
 Origen, Fabricante o Marca
 Mercado

3.2. Autentificación: Marcas

Si bien existen buenos libros o catálogos de marcas, es importante examinarlas

con extremo cuidado. Por ejemplo, la mayoría de las marcas de
Meissen y Sevres son falsas. Estas falsificaciones que se dan tanto en Europa
como en China y Japón hacen que la marca sea poco fiable y deben entonces
mirarse otras características o cualidades en una pieza.

La cerámica roja de la Antigua Roma solía presentar marcas

selladas. En el gres son mucho menos frecuentes. A partir
del siglo XVIII se difunden en la porcelana las marcas o
distintivos que indican la procedencia o el nombre del autor.
Muchas fábricas europeas adoptaron marcas de
identificación.

La porcelana china suele ir marcada con el nombre

del emperador y el de la dinastía a la que
pertenece, pero como explica Angel Escárzaga
en el libro Porcelana, Cerámica y Cristal, éstas
no son del todo fiables debido a la tendencia de
los chinos a marcar con un nombre de una
dinastía anterior (veneración a los
productos tradicionales). La marca más antigua de
una manufactura europea es Florencia (entre 1573
al 1587) y consiste en una catedral junto a la
letra “F”. Realmente, tampoco las marcas
europeas, son absolutamente
confiables; no sólo por las falsificaciones modernas, sino por la tendencia de
los pequeños fabricantes a imitar las marcas de las fábricas reconocidas. Como
es lógico, la calidad de las porcelanas no ha sido la misma para todas las
manufacturas, así como tampoco la belleza de los diseños, ornamentaciones y
decorados.

3.3. Copias y falsificaciones

Según J. Y M. Miller, autores de la guía de Barcelona (1999) la mayor parte de

las copias y falsificaciones se realizan durante el siglo XX. Sin embargo los
autores reconocen que este negocio posee una tradición más antigua y en
algún caso de mayor honra. Durante el siglo XVIII, los alfareros chinos siguen
usando diseños que pertenecen al siglo XIV. Estos diseños estampan con
marcas de reinado clásicas, práctica que carece de intenciones fraudulentas ya
que implica una muestra de respeto hacia sus predecesores. La fábrica
Samson de París realiza a finales del siglo XIX varias copias que incluyen
porcelana oriental y europea, pero aquí tampoco la intención es engañar. Casi
todas las piezas se marcan con una “S” y las que no se marcan así, presentan
generalmente rasgos que develan su condición. A mediados del siglo XVIII en
Francia e Inglaterra se realizan algunas imitaciones que constituyen algunas de
las primeras copias falsas. Estas poseen inscritas marcas de prestigio como
Sevres o Meissen. Sin embargo, podría decirse que recién hacia finales del
siglo XVIII surge la práctica de alterar piezas para que parezcan más valiosas y
exóticas. Los decoradores independientes de esa época compran abundante
número de piezas de Sevres en blanco y las decoran con el estilo de esta
reconocida manufactura de origen francés, marcando las piezas con dos “L”
entrelazadas. A partir del siglo XX, momento en el cual los precios aumentan
como consecuencia de la transformación del fenómeno del coleccionismo en
inversión, surgen en todo el territorio africano fábricas que imitan porcelanas
orientales antiguas. Los mejores falsificadores, que se encuentran en la China,
utilizan piezas Ming auténticas pero corrientes y les quitan la decoración propia
con ácido, para luego decorarlas nuevamente. Por su parte, la porcelana
norteamericana ha sido copiada o falsificada en muy pocas ocasiones.
Finalmente, y debido a las prácticas descriptas, cabe destacar que, para
identificar la autenticidad de una pieza uno no puede limitarse a la observación
de la marca sino que es necesario tomar en cuenta aspectos más fiables, como
la composición del cuerpo de la porcelana (pasta), el tipo de esmalte, el estilo
de la pieza, las formas, etc.

Si pedimos a cualquier coleccionista que nombre una fábrica europea la

primera que nombrará será por supuesto la de Meissen. Tal como se detalló
esta fábrica es muy famosa porque fue la primera en Europa que descubrió el
secreto para fabricar la porcelana de pasa dura (principios del siglo XVIII) y por
la gran calidad de sus productos. Comenzó a producir figuras desde 1730. Sus
figuras se hicieron más famosas que su vajilla. Cuando nuevas fábricas
aparecieron en Europa todas imitaron las figuras “estilo Meissen” e incluso
usaron la marca de las espadas cruzadas para vender sus productos. El tipo de
modelo, la forma de una base, los colores y el barniz pueden decirnos por
quien y cuando una pieza Meissen fue fabricada. Los caracteres que un
tasador deberá tener en cuenta es que las piezas presentan las siguientes
características:
1- Movimiento
2- Pasta blanca, a veces con un toque grisáceo
3- La figura se modela separada de la base
4- La base se cubre de flores y hojas
5- La cara se modela con severidad y sutilmente coloreada
6- Pintura muy detallada con sombras pastel
7- Marcada con espadas cruzadas en la base, atrás o a los lados (no
excluyente)
Datación Porcelana Inglesa Siglo XIX Y XX:
“Royal”, después de 1850; “Ltd. Limited”, después de 1860;“Trade Mark”
después de 1870; England , después de 1890; Bone China, siglo XX; Made in
England, siglo XX.

Unidad VII- Resumen

► TASACIÓN : CONDICIÓN, ANTIGÜEDAD, ORIGEN, ESTILO, DECORACIÓN,

FABRICANTE, RAREZA, TAMAÑO, MERCADO

MUSEOS

► INFORMACIÓN COMERCIANTES ANTICUARIOS

CASAS DE SUBASTA

GALERISTAS

CATÁLOGOS y ANUARIOS
 FABRICANTE
TEMAS TIPO DE
OBJETOS
PERÍODO
► COLECCIONISTAS
FABRICANTE TIPO DE OBJETOS

ESTILO
FORMAS Y COLORES

2.2 CERÁMICA Y PORCELANA ► DATACIÓN DISEÑO Y ESTILO

DECORACIÓN

MARCAS

► DECORACIÓN SOBRE O BAJO ESMALTE

INCISA

MODELADA

ESTAMPADA

PINTADA

Unidad VII – Ejemplo de Tabla para la construcción de un

“histórico” para la Tasación

O ESTILO/F M F SUB $ $ $ FEC

ECHA E A AST B ESTIMADO FINAL HA
DI B A
D RI
A C
S A
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T
E

C
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N
DI
CI
Ó
N

JARRÓN FRANCÉS – 1805 0.60 cm. SEVRES SOTHEBY’S U U$S U$S Marzo 2004
NEOCLÁSICO PERFECTA 5.800 6.000
5.000
Unidad VII – Diccionario y Glosario
Acier, Michel Victor: Modelista de porcelana de origen francés que fue
llamado a Meissen para trabajar sobre diseños de Zeissig, quien había
trabajado en París y actuó como asesor artístico de la fábrica hasta 1796. Acier
y Zeissig introdujeron el estilo neoclásico de gusto francés en las famosas
figuras de porcelana de Meissen. También se ha llamado "estilo sentimental" al
representado por estas figuras dieciochescas en las que era frecuente
encontrar madres rodeadas de sus hijos o gentiles caballeros requiriendo de
amores a recatadas doncellas. Las primeras figuras atribuidas a Acier se
caracterizan por sus bases adornadas con curvas y volutas heredadas del
estilo rococó, aunque enseguida aplicaría la base plana y ovalada decorada
con esquemas neoclásicos. Se atribuye a Acier la introducción en las figuras de
Meissen de los sutiles y elaboradísimos encajes con que se adornan algunos
de sus personajes femeninos y masculinos, enriqueciendo la policromía de sus
atuendos con golillas, puños y otros adornos perforados imitando al más fino
encaje de Bruselas.
Affenkapelle: (Orquesta de Monos). Estas series de monos músicos son
originarias de Meissen, donde fueron modeladas por primera vez bajo la
dirección de Kandler y Peter Reinicke. Aunque llegó a pensarse que se hicieron
con una intención satírica referida a la Orquesta de la Corte de Dresden, lo
probable es que respondiesen a la moda de las llamadas "Singeries"
dieciochescas, que utilizaban figuras de monos vestidos dedicados a las más
diversas actividades humanas. Las famosas orquestas de simios originarias de
Meissen constan de series con veinte instrumentalistas (flautista, violinista,
cellista, trompeta, cornamusa, gaitero, tambor vertical y tambor horizontal, bajo,
cimbal, oboe, corneta, arpita, cuerna francesa, flauta corta, tambor con el
tambor suspendido de la cintura, tambor con dos tambores a la espalda,
tañedor de triángulo, organillera femenina y cantante femenina y un director).
Se hicieron tan populares que enseguida serían imitadas por otras factorías.
Hoy se encuentran en el mercado de antigüedades muchas reproducciones del
siglo XIX, pero las originales del siglo XVIII son extremadamente raras.
Alabastrón: tipo de vasija antigua (Grecia) fabricada en cerámica, vidrio o
alabastro y destinada a contener ungüentos o perfumes.
Albarelo: término de origen árabe introducido por los ceramistas españoles,
los primeros en fabricarlos en Europa, aplicado al tarro de farmacia de
cerámica. Una forma peculiar es la curvatura hacia adentro de su cuerpo
cilíndrico para facilitar su manejo. Los más antiguos que se conocen son de los
siglos XIII y XIV. En general la ornamentación es de motivos estilizados que se
combinan en un riguroso orden geométrico, alternando con arquerías, lacerías,
helechos, pájaros, conejos etc. El color predominante de los albarelos es el
azul y el amarillo. Todos los albarelos con tapa son falsificaciones, puesto que
los originales no la llevaban.
Ánfora: una de las formas más extendidas de la cerámica griega clásica, cuyo
ejemplo básico es una vasija con cuello más estrecho que su cuerpo principal,
completado con dos asas.
Ansbach: Fábrica alemana de loza y porcelana.
Aprey: Factoría de loza estanífera francesa (faience).
Ardus: Factoría francesa de cerámica.
Arita: Porcelana fabricada en la localidad japonesa de Arita. Introdujeron la
coloración sobre cubierta (sobre la pieza ya barnizada y horneada). Las formas
de sus piezas son frecuentemente octogonales o cuadradas y sus esquemas
decorativos son marcadamente asimétricos, dejando grandes zonas en blanco.
Poseen una gran variedad de colores: el rojo férrico, el verde azulado, el azul
pálido, el amarillo y algunos dorados.
Atsbury: Recibe este nombre la cerámica que se atribuye al grupo de John
Atsbury, que trabajó en Staffordshire durante la primera mitad del siglo XVIII.
Lo más característico de esta cerámica es su arcilla roja decorada con relieves
estampados y aplicados en arcilla blanca. El conjunto era luego cubierto con
barniz de plomo. Las piezas más raras son la figuras, que incluyen músicos,
caballeros a caballo y soldados en un estilo cuyo atractivo reside en su
encantadora ingenuidad. Más comunes son las teteras y las jarras.
Aufenweth, Johann: Uno de los primeros diseñadores de la cerámica y
porcelana de Meissen. Firmaba "IAW Augsburg".
Azulejos: El azulejo original era una placa de cerámica cuadrada de un
tamaño que oscilaba entre los once y los dieciocho centímetros y que han sido
usados en ornamentaciones de suelos y fachadas desde el siglo XIV.
Barbotina: Los ingleses lo llaman "slipware" y se refiere a la cerámica que ha
sido tratada con una cubierta de arcilla semilíquida para permitir varios tipos de
decoraciones como el esgrafiado, el tallado y las incrustaciones.
Basaltos: Toman su nombre dela roca volcánica llamada basalto con la que
guarda una notable semejanza esta especial calidad del grés, inventada por
Josiah Wedgwood en 1768. El fino grano de su textura, su dureza y su color
intensamente negro dan la impresión de que las piezas de "basalto" de
Wedgwood no hayan sido fabricadas por medios artificiales, sino esculpidas en
la loza negra llamada "negro egipcio". La densa y uniforme textura de
Wedgwood no necesitaban vidriado y se pulía hasta conseguir un lustrado
mate que enfatizaba su calidad de piedra natural.
Belleek: Factoría de porcelana de Irlanda del Norte.
Bellevue: Factoría de "faience fine" francesa.
Bennington: Tipo de cerámica característico por sus tonos combinados de
amarillo y marrón, conocida como Rockingham, fabricada en los Estados
Unidos.
Berlín: Real Fábrica de Porcelana de Berlín que desde su fundación se
propuso la tarea de crear modelos originales para la porcelana moldeada. Fue
característico su modelo con "enrejados" consistente en una decoración
formando una red de rombos para cubrir las zonas intermedias entre plafones
pintados con flores o figuras que constituían el elemento ornamental más
importante. También se prestó una especial atención a las decoraciones
pintadas.
Bianco sopra bianco: Consiste en diseños ejecutados en un blanco puro
sobre otro blanco más sombrío. Tipo de decoración originaria de Urbino, Italia
que luego fue utilizada en Suecia, Holanda y Francia. El más común aparece
en el borde de platos con un color blanco azulado o grisáceo en forma de
guirnalda de flores en un blanco más puro.
Biscuit: Es una porcelana sin vitrificar introducida en Europa en el siglo XVIII,
cuya textura de un blanco uniforme semejante a la del mármol blanco de
Carrara la hizo muy idónea para los grupos escultóricos salidos de algunas
acreditadas fábricas, como Sévres. En el siglo XIX apareció una variante del
biscuit que se conoce con el nombre de Parian.
Blanc de Chine: El nombre europeo que los jesuitas dieron a una porcelana
fabricada en el sur de China, cuya característica más acusada es su rico barniz
blanco, de una mayor pureza y fina textura que el de las factorías imperiales.
Son notables por sus figuras y sonrientes monjes budistas sentados.
Bocage: Término francés que se usa para describir la profusión de arbustos,
ramajes y flores que sirven como apoyo o fondo ornamental a muchas figuras
de cerámica y porcelana del estilo Rococó.
Bone China: Literalmente, en inglés, "porcelana de hueso". Invención del
ceramista inglés Josiah Spode hacia el año 1800. La primitiva fórmula
consistente en una mezcla compuesta de seis partes de hueso calcinado,
cuatro partes de piedra feldespática y tres partes y media de caolín ha
permanecido como el componente básico de la porcelana inglesa hasta
nuestros días. La nueva invención consiguió mejorar un material que como la
porcelana de pasta dura parecía inmejorable. Ofrece un alto grado de dureza y
una insuperable apariencia de un blanco marfil, además de su fácil método de
fabricación.
Botella de Peregrino: consiste en una forma muy característica y
enormemente antigua. El recipiente que lleva este nombre varía desde la casi
completamente circular y achatada, parecida a la llamada cantimplora redonda,
a la de forma de pera. Su cuello es muy corto y lleva dos asas, cuya parte
superior va pegada al cuello y la inferior a la parte más alta del cuerpo de la
botella. Estas asas se rodeaban con un cordón o una cadena para sujetar la
botella al cinturón de su propietario.
Böttger, Johann Friedrich: Famoso inventor de nuevos métodos para la
fabricación de porcelana, en Alemania hacia 1708. La realización de muestras
de auténtica porcelana comparable en textura y transparencia a la que se
importaba de China aseguraron el establecimiento de la fábrica de Dresden.
Allí se produjo la famosa cerámica roja de grés. En 1709 logró la fórmula para
la porcelana de pasta dura que produjo la creación de la Real Manufactura de
porcelana de Sajonia, establecida en 1710 en Meissen.
Bow: Factoría de porcelana fundada en 1744 al este de Londres. Desde los
primeros tiempos incluía las cenizas de hueso y el azul bajo cubierta en sus
piezas con decoración en el blanco y azul inspiradas en la porcelana china. En
la decoración policromada los modelos a imitar eran los de Kakiemon. La
textura de la porcelana producida en Bow es más bien pesada y con muy poca
transparencia debido, probablemente, a que sus hornos no alcanzaban las
altas temperaturas requeridas para una porcelana de mayor calidad.
Boxeadores: figuras muy buscadas por los coleccionistas que pueden
encontrarse en loza o en porcelana y como figuras sueltas o en pareja sobre
una misma base. Las más raras y apreciadas son las de Bow, que fueron
modeladas a partir de 1750.
Bristol: loza cuya producción comenzó hacia 1650 con ceramistas
londinenses y que se caracteriza por un blanco azulado en contraste con el
ligero tinte rosado de la loza de Londres. Una característica muy especial de
Bristol es el "bianco sopra bianco" de origen italiano que los decoradores de
Bristol usaban para decorar los bordes de los platos.
Bristol: Factoría de porcelana conocida por la producción de juegos de té y
vajillas y elementos ornamentales como figuras, jarrones y placas de biscuit.
Es innegable en esta fábrica la influencia de las manufacturas de Meissen y
Sévres.
Buen Retiro: Fábrica de porcelana española que en un primer período bajo la
influencia de Capodimonte produjo elementos de pasta tierna. En una segunda
etapa produjo elementos de pasta dura. Durante el primer período la marca de
Buen Retiro es prácticamente igual a la de Capodimonte (la flor de lis). La
marca de la flor de lis va cambiando a medida que pasan los años. La más
antigua es la de mayor tamaño y marcada en negro. Posteriormente se hace
más pequeña y se marca en verde o azul. Más tarde se hará casi abstracta
hasta quedar reducida a tres líneas verticales atravesadas por una horizontal.
Desde 1804 se comienza a utilizar la "M" de Madrid coronada o el nombre de
Madrid completo con una "R" en la parte superior y una "S" en la inferior.
Burdeos: Factoría de cerámica y porcelana fundada en Bordeaux en 1708.
Busch: Grabador de porcelana que utilizaba puntas de diamante.
Bustelli: Es considerado como el más grande modelador de porcelana del
siglo XVIII y las obras atribuidas a su mano son el sueño de todo buen
coleccionista. Como los modelos de Bustelli de la primera época son tan
perfectos como los últimos, se supone que tal grado de madurez en sus
primeras realizaciones en porcelana había sido conseguido a través de una
previa actividad escultórica, posiblemente como tallista de madera, puesto que
sus figuras así lo sugieren, especialmente en los ropajes de algunas de sus
figuras femeninas de las series dedicadas a la Comedia del Arte Italiana. Son
precisamente estas dieciséis figuras inspiradas en los prototipos del teatro
italiano las que se consideran como la obra suprema de Bustelli. Las de la
primera época se distinguen de las más tardías únicamente por la base, que
empezó siendo lisa y sin decoración alguna para evolucionar a las más
ornamentadas con elementos del rococó. Muchas de las figuras de Bustelli no
llevan policromía o aparecen solamente tocadas de color en algunas zonas.
Cabaret: Una especialidad de la fábrica de Sévres que se aplica a los servicios
de té o desayuno sobre una bandeja de porcelana y comprenden generalmente
una tetera, cafetera, jarrita para leche o crema, azucarero, recipiente para
mermelada, tazas y un plato para tostadas o bizcochos. Sus modalidades más
frecuentes son el "solitaire" (para una persona) o el "téte a téte", para dos
personas. También reciben el nombre de "dejeuner".
Caffaggliolo: Centro productor de mayólica italiana. Sus platos son
reconocidos por su decoración histórica y sus colores distintivos son el azul
oscuro intenso y el rojo parduzco.
Canton: Se refiere al centro de decoración de porcelana china destinada a la
exportación, especialmente en los estilos Mandarín y "familia rosa". Son típicos
los grandes platos totalmente cubiertos, anverso y reverso, de exquisitos y
complejos esquemas en colores esmaltados, muchos de los cuales rodeaban
un motivo central en el que aparecían bellas mujeres con complicadísimos
atuendos.
Capodimonte: Factoría de porcelana napolitana fundada en 1743. Comenzaría
produciendo porcelana de pasta tierna, que se caracteriza por una tonalidad
ligeramente [Link] pequeño tamaño de la cabeza de sus figuras hoy son
rarezas muy apreciadas por los coleccionistas. Esta factoría se mantuvo poco
tiempo ya que fue transladada a Madrid (Buen Retiro) por lo que sus piezas
son muy apreciadas: campesinos y personajes de la comedia dell´Arte,
preciosas cajas de rapé, servicios de té y café, jarrones, marcos de espejos,
etc.
Carraca: Se llamó así a un tipo de porcelana que empezaba a llegar a los
mercados europeos a finales del siglo XVI. El nombre proviene de los barcos
portugueses llamados "carracas". Las características de esta porcelana
responden a una textura delgada, aparentemente frágil, pero de resonante
dureza y decorada en azul sobre blanco según el estilo del período Wan-li. Esta
decoración sería muy copiada por la loza de Delft.
Cáscara de huevo: Un tipo de porcelana especialmente fino y
extremadamente traslúcido, cuya delicada apariencia le valió este nombre. Se
fabricó por primera vez en China a principios del siglo XV. En Europa consiguió
fabricarse en el siglo XIX, especialmente en las fábricas de Minton, Sévres y
Belleek.
Cassel: Fábrica de cerámica y porcelana que se conoce por la decoración azul
sobre blanco. Se la reconoce por la marca HL (Hessenland).
Cataluña: En Cataluña se fabricó cerámica con la técnica de la loza dorada
hispanomorisca desde el siglo XV al XVIII, siendo Barcelona y Reus los dos
centros más importantes. Esta cerámica puede dividirse en dos grupos
atendiendo a la calidad de los motivos decorativos: una popular en la que el
trazo aparece muy poco cuidado y otra más lujosa de factura más esmerada.
Es característico el borde con festón de uña, genuinamente catalán.
Caughley: Factoría inglesa que se inició produciendo loza y luego se dedicó a
la porcelana, con decoración estampada en azul muy semejante a la de
Worcester. En conjunción con el azul empleó el dorado. Su marca con una “C”
se parece mucho a la media luna con la que marcaba Worcester, lo que facilita
la confusión.
Celadón: Se conoce con este nombre un tipo de gres decorado con vidriados o
barnices cuyos colores más característicos son además de los diferentes
matices del verde, el azul y el gris. El celadón es una cerámica típicamente
oriental con una gran tradición tanto en China, de donde es originaria, como en
Japón y Corea. Sus colores característicos son el resultado de un baño de
barbotina (arcilla semilíquida) con un gran contenido de hierro, con el que se
recubre la pieza antes de ser horneada para el vitrificado. El hierro de la mezcla
se funde con el vidriado y produce las características coloraciones del celadón
que fue muy apreciado durante siglos por las civilizaciones orientales. Su alto
aprecio no sólo correspondía a su belleza sino a la extendida superstición
según la cual un plato de celadón se rompería o cambiaría de color en cuanto
se sirviera en él una comida envenenada. Las más antiguas piezas
corresponden a la dinastía Han (200 años antes de Cristo). Los primeros
celadones que llegaron a Europa fueron los de la Dinastía Sung (siglo XVII). Se
puede apreciar la gran calidad de sus vidriados en un verde casi transparente
que ofrece una textura viscosa, generalmente cuarteada en grietas profundas.
La decoración de estas valiosas piezas suele ser esgrafiada. La mayoría de los
celadones atribuidos a la Dinastía Ming presentan una decoración bajo cubierta
con diseños florales y botánicos.
Coalport: Factoría fundada en 1795 en Inglaterra que alcanzaría un sólido
prestigio hacia 1830 por la gran calidad de su Bone China de una textura
blanca y de gran dureza. Se caracterizó por una decoración estampada con
temas orientales como el llamado del sauce. Luego introduce los fondos
marrones y pasa a imitar los diseños de Sevres, sobre todo el color rosa
Pompadour.
Coliflor: Con este nombre se generalizó un tipo de soperas, cafeteras, teteras
y otros elementos de vajilla en forma de coliflor y otros vegetales, realizados en
loza fina de Wedgwood. La moda se extendió a muchos centros de producción,
de los que salieron piezas tan difundidas como el plato en forma de hojas de
vid de Chelsea o la salsera diseñada como un grupo de hojas de repollos
(Longton Hall). Una de las piezas más apreciadas por los coleccionistas es la
tetera de Wedgwood parcialmente cubierta con hojas barnizadas en verde, que
dejan la parte superior y la tapa sin cubrir de color natural blanco.
Colores (de alta y baja temperatura): Se llaman colores de alta temperatura o
de grand feu en la decoración de la cerámica aquellos que se aplican al mismo
tiempo que el barniz y se fijan en un solo horneado (color y barniz al mismo
tiempo). Estos colores no pueden retocarse una vez aplicados. Son colores
limitados y se consiguen con óxidos metálicos tal como el azul cobalto, usado
para decorar porcelana con el método de decoración bajo cubierta. Los colores
de baja temperatura o de petit feu, reciben este nombre porque solamente
funden en el horno de mufla, donde se consiguen temperaturas más bajas que
las usadas para barnizar la pieza. También son conocidos como colores
esmaltados. La gama de colores es mucho más amplia que la que ofrecen los
óxidos.
Commedia Dell’Arte: Uno de los temas favoritos para los modeladores de
cerámica y porcelana, fueron durante el siglo XVIII los personajes de la
comedia italiana que formaron series completas muy demandadas hoy día por
los coleccionistas de porcelana y cerámica. Estas series fueron repetidas por
Meissen con un número de personajes que raramente pasaban de 15. Las más
usuales son las series de 8 personajes que incluyen los caracteres básicos
(Arlequín, Colombina, el Doctor, Isabel, Pierrot, Scaramouche, Pantalón y el
Capitán). El diseño de Bustelli les dotó de una calidad nunca vista, sus series
eran de 16 personajes que formaban parejas. A los 8 personajes listados
Bustelli agregó las figuras de: Octavio, Corina, Julia, Leda, Lucinda, Doña
Marina, Lalage y el Abad. El único juego completo que se conoce se encuentra
en el Museo Nacional de Bayerisches.
Compañía de Indias: Recibe este nombre el tipo de porcelana china que fue
importada por compañías europeas dedicadas a este comercio desde el siglo
XVII. La más conocida de ellas fue la Compañía de Indias Holandesa. El
término se refiere a la porcelana del siglo XVIII fabricada en China con diseños
puramente europeos.
Copenhagen (Cerámica y Porcelana): Una factoría de cerámica y porcelana
establecida en Copenhagen en 1722. La textura de la cerámica es
originalmente color marrón antílope con un vidriado blanco grisáceo. Los
diseños decorativos están realizados en azul. La porcelana se detallará bajo el
nombre Royal Copenhagen.
Coperta: término italiano que se refiere a una cubierta transparente de barniz
de plomo superpuesta al vidriado de estaño de la mayólica.
Craquelado: Expresión francesa que se ha internacionalizado para definir el
cuarteado o agrietado de barnices y pinturas. En los barnices el agrietado se
produce por el encogimiento de la materia después del enfriado cuando se
producen tensiones entre la materia de la textura de la pieza y la del barniz.
Los chinos consiguieron la forma de controlar este agrietamiento para utilizarlo
decorativamente y lo enfatizaron con líneas marrones o negras.
Creamware: ver Descripción de Loza fina y faience.
Crinolina (figuras de): Se da el nombre a los grupos de figuras femeninas
modeladas por Kandler y Reinicke en porcelana de Meissen. Los originales son
excepcionalmente valorados por los coleccionistas por lo que han sido
falsificados y copiados profusamente en el siglo XIX.
Cris de París: Figuras de porcelana que representan vendedores de flores,
pasteles, pescado, etc., que voceaban su mercancía por las calles. Las más
valiosas son las originales de Kandler y Reinicke producidas entre 1740 y 1750.
Luego fueron imitadas por las manufacturas de Chelsea y Bow.
Cuerda Seca: Método de decoración de la cerámica que puede ser aplicado de
dos maneras: en un caso consiste en siluetear un dibujo sobre la superficie de
la pieza y rellenar los espacios, divididos por la línea trazada con manganeso y
grasa, con pigmentos de colores. Sometida la pieza a un segundo horneado,
los colores quedan fijados sin mezclarse, con efecto semejante al esmalte; en
una segunda forma consiste en tallar el esquema decorativo en un molde de
madera, con el que se consigue un resaltado en altorrelieve de las líneas que
forman la silueta del dibujo al presionar el molde sobre la arcilla blanda. Los
espacios separados por el relieve se rellenan de color y se hornean como en el
primer caso. Se trata de una técnica oriental.
Chantilly: Fabrica francesa fundada en 1725. Ver porcelana francesa en
Desarrollo de Contenidos.
Chelsea: Fábrica de porcelana de pasta tierna inglesa fundada en 1743 y que
pasó por diferentes etapas. Ver porcelana inglesa en Desarrollo de Contenidos.
Davenport: Ceramista inglés cuyo éxito comenzó con sus platos decorados
con motivos perforados en los bordes y con esquemas pintados o estampados.
Produjo también porcelana bone china para uso doméstico. Al desaparecer en
1887 dejó gran cantidad de objetos muy requeridos por los coleccionistas.
Decoración Estampada: Transfer printing es el nombre original del sistema de
grabado que se inventó en Inglaterra para la decoración de cerámica hacia la
mitad del siglo XVIII. El método consiste en la realización del dibujo sobre una
plancha de cobre. El grabado sobre papel que se consigue con la plancha
entintada, se transfiere mientras el papel está todavía húmedo, a la superficie
de la pieza de cerámica mediante una fuerte presión. El sistema de calco se
imitó en otras fábricas europeas. A partir de 1810 se hizo muy popular gracias
a fabricantes como Spode.
Delft: La fascinación europea por las piezas de porcelana china importadas en
el siglo XVI promovieron en Holanda el desarrollo de la fabricación de
cerámica, que se convirtió en una de las más bellamente decoradas. Los
principales centros de fabricación estaban en Delft y Haarlem. La cerámica de
Delft es básicamente arcilla cocida, barnizada al estaño y decorada, según la
tradición europea. En contraste con la policromía de la mayólica, la cerámica
de Delft fue generalmente decorada solamente en azul y blanco, a imitación de
la porcelana china.
Delft inglés: Se llama delft inglés a la cerámica con vidriado de estaño cuya
técnica fue importada de Holanda en el siglo XVI. Las más antiguas y muy
coleccionables se conocen como jarras Malling. El delft inglés se decoraba con
motivos de flores, frutas y elementos botánicos además de representar reyes y
temas populares.
Delft negro: Es una rara modalidad del Delft holandés con fondo negro,
imitando la porcelana china. Enormemente valorado por los coleccionistas, ha
dado lugar a numerosas falsificaciones.
Derby: Una de las más importantes fábricas dedicadas a la producción de
porcelana en Inglaterra. Ver porcelana inglesa en Desarrollo de Contenidos.
Deruta: Uno de los centros más importantes de la producción de cerámica
barnizada al estaño y con reflejo dorado en Italia. Este lustre de Deruta se
caracteriza por un reflejo metálico iridiscente.
Deutsche Blumen3: Una forma de decoración floral de la porcelana
consistente en la pintura de flores aisladas o en ramilletes al estilo naturalista
adoptada por Meissen en 1740.
Dinastías: Referencia obligada para la evolución de la porcelana china. Ver
dinastías Han, Ming, Sung,Tang y Yuan en porcelana china en Desarrollo de
Contenidos.
Doccia: Fábrica de porcelana florentina de trabajo notable en el estilo barroco.
Estas piezas se denominaron “Doccia experimental” y son muy raras, por tal
coleccionables. El modelado de figuras también fue muy interesante, eran
piezas de gran tamaño, barnizadas con blanco de estaño, parecen de loza. Las
policromadas son color rojo brillante. Los motivos eran mitológicos, religiosos,
populares y de la comedia del arte. Es conocido el tema decorativo
denominado galletto, que consiste en dos gallos enfrentados en lucha, el
tulipano que reproduce un tulipán central rodeado de otras flores.
Dresden: Fábrica que inicialmente produjo loza cuyas piezas más notables las
constituyen unos monumentales vasos, jarras con tapas y floreros decorados
con motivos chinos.

3
Flores alemanas.
Durlach: Fábrica de faenza alemana cuyas primeras piezas se distinguen por
su textura de color grisáceo. Las piezas más comunes son las jarras y tanques
para cerveza generalmente completadas con tapas de peltre. Se decoraban
con emblemas de ciudades o gremios y con tulipanes en las asas.
Edo: Período de la porcelana japonesa en el cual se fabricaron las más
importantes calidades de porcelana denominados Arita, Kakiemon y Kutani.
Este período se inicia en 1603 y culmina en 1867.
Erfurt: Existieron en Erfurt tres fábricas de cerámica que se caracterizaron por
la gama de colores empleada en sus decoraciones. Son típicos los platos
decorados con un motivo central rodeado en el borde por un aro de plumas, así
como los tanques de cerveza de forma cilíndrica decorados con paisajes y
montados en soportes de peltre.
Esgrafiado: Del término “sgraffito”, se refiere a una cerámica decorada con
líneas incisas realizadas sobre una cubierta compuesta de arcilla amasada con
agua (barbotina) que recubre la vasija antes del horneado. Estas incisiones
descubren el color que hay debajo de la cubierta consiguiendo un efecto
decorativo mediante el contraste.
Estrasburgo: La producción de porcelana de Estrasburgo se divide en dos
períodos. Del primero quedaron algunas notables figuras, especialmente las
de cazadores. Del segundo período quedan objetos de estilo neoclásico que
destacan por su decoración de pájaros, flores y pintura de género, en la que
domina el rojo carmín.
Eulenkrug: Codiciada pieza de coleccionista por su rareza. Se trata de un tipo
de jarra de cerámica en forma de lechuza o búho que se fabricó en Alemania
entre 1540 y 1561. Son originarios de Nuremberg. La cabeza de estos búhos
cerámicos puede separarse y usarse como una copa. Las plumas están
modeladas en relieve y pintadas en azul. Sobre el pecho del animal aparece
también en relieve un blasón coloreado y dorado.
Faenza: La cerámica de faenza se produjo en este distrito italiano hacia fines
del siglo XIV siguiendo las técnicas aprendidas de los alfareros de Manises en
España. Sobreviven muy escasas piezas que se caracterizan por su
decoración con letras góticas y leones heráldicos. La gama de colores incluye
el azul oscuro, el naranja y el verde de cobre. La pluma de pavo real como
elemento decorativo es distintiva.
Faience: Esta expresión francesa, que procede del lugar de Faenza, donde se
fabricaba la mayólica, se aplica a la loza con vidriado de estaño. El término
faience se extendió por gran parte de Europa y fue adoptado como sinónimo de
loza en diferentes países como Alemania y Escandinavia mientras que los
Holandeses e Ingleses llamaron Delft a este tipo de loza. Existen varios tipos
conocidos como faience Blanche, Parlante, Patriotique y Fine.
Familia rosa: Estilo decorativo refinado de la porcelana china. Los colores
varían del rosa al violeta. Cuanto más rosado mejor su calidad.
Familia verde: Gama de colores en la que dominaba el verde para la
decoración esmaltada de piezas de porcelana china. Como variantes de la
familia verde, aparecerán después las llamadas: “familia amarilla” y “familia
negra”.
Flambe: Se llama flambé a un tipo de vidriado para la porcelana descubierto
por los chinos de la dinastía Ming. Consiste en el horneado de un barniz al que
se incorpora cobre. El resultado es una cubierta de un rojo profundo salpicado
de tonos púrpura y turquesa. Sevres produjo en Europa una cantidad de piezas
decoradas mediante este método.
Florencia: Uno de los centros productores de cerámica según la fórmula de
vidriado al estaño. Su decoración se caracteriza por motivos en verde con
líneas púrpura. Los albarelos y jarras de farmacia son significativos.
Fondporzellan: Término aplicado por Meissen a la porcelana decorada con un
fondo coloreado, con espacios en blanco para ser terminados con decoración
pintada.
Frankenthal: Fábrica de porcelana conocida mundialmente por sus excelentes
figuras, de las cuales se han catalogado unos ochocientos modelos diferentes,
muy apreciados por los coleccionistas. Además de las figuras (grupos de caza,
figuras chinas, motivos pastoriles y mitológicos, etc.) las piezas de Frankenthal
incluyen cajas de reloj, estuches, tinteros y centros de mesa.
Frituras: Término que se aplica a determinadas piezas fabricadas en pasta
tierna, anteriores a 1700. El nombre proviene de la fusión o “fritura” a la que se
sometían los ingredientes que formaban una pasta que luego sería pulverizada
para mezclarla con la arcilla.
Fulda: La fábrica de Fulda produjo inicialmente loza para luego dedicarse a la
producción de figuras de la comedia del arte y de grupo y vajillas en general
copiadas de Meissen.
Furstenberg: Fábrica que se caracterizó por la producción de placas de
porcelana, figuras de la comedia del arte y medallones en biscuit.
Gres: Cerámica cocida a muy altas temperaturas que evitan la porosidad. Ver
desarrollo de contenidos.
Grisalla: Se trata de un tipo de decoración, muy frecuente en la porcelana,
cuyos efectos se consiguen usando el gris en sus diferentes tonos.
Gubbio: Uno de los más antiguos centros productores de cerámica de Italia.
Sus diseños eran enormemente creativos y combinaban partes lustradas con
espacios pintados con gran fineza, que detallaban esquemas de festones,
máscaras, delfines y cabezas de dragones.
Hanau: Gran centro productor de loza en Alemania. Su pieza más conocida
son los “Enghalskruge” (jarras de largo cuello con tapas de peltre y
decoraciones florales), apreciadas por los coleccionistas.
Hausmalerei: Término alemán que significa pintura casera y que se refiere a la
loza y porcelana en blanco que se producía en una fábrica y se entregaba a
decoradores artesanos que trabajaban en sus casas. Sus calidades son
disímiles, pero algunas piezas eran de una calidad altamente competitiva. El
sistema de los decoradores independientes fue importante tanto en Alemania
como en Inglaterra durante el siglo XVIII. En general los decoradores no
firmaban sus trabajos.
Hochst: Fábrica alemana muy reconocida por su producción de loza: soperas,
vasijas con tapas en forma de animales o de formas vegetales. Todas piezas
de gran calidad y que se caracterizó por la presencia de extraordinarios
modelistas de figuras de porcelana que produjeron grupos notables. La marca
que caracterizó su producción fue la rueda del blasón del elector de Mainz con
la adición de la letra “D”.
Imari: Se trata de un tipo de porcelana japonesa fabricada en Arita, cuya
denominación se debe a que se la embarcaba hacia Europa en el puerto de
Imari. Ver desarrollo de contenidos.
Impasto: Término italiano aplicado a la mayólica que se cubría con una gruesa
capa de pigmento de forma que las pinturas decorativas adquiriesen relieve.
Istoriato: El “istoriato” es un estilo decorativo que usada por primera vez por
los ceramistas italianos en sus mayólicas de gran precisión en el dibujo y
riqueza de color que representaban copias exactas de las pinturas y grabados
de la época, tales como Rafael y Durero. Otros representan escenas de la
Biblia o Mitológicas que incluyen el tratamiento de la perspectiva tal como en la
pintura. Algunas decoraciones ocupaban el centro de la pieza y dejaban libre
los bordes en los que se incluían motivos decorativos, en otros el tema
ocupaba la totalidad de la pieza. Estas piezas alcanzan gran valor para los
coleccionistas de cerámica.
Jaspes: Nombre dado por la fábrica inglesa Wedgwood a una variedad de gres
conseguido como resultado de experimentos para lograr un nuevo tipo de
porcelana. Los jaspes son gres y no porcelana y llevan en su composición
sulfato de bario, originalmente son blancos, luego se producen en diversos
tonos de azul, verde, amarillo, negro. Se usó para producir medallones de
joyería, vasos ornamentales decorados con relieves aplicados, frisos para
chimenea, decoración para muebles y piezas de vajilla.
Kakiemon: Este nombre corresponde a doce miembros de la famila de
decoradores de la porcelana japonesa. La calidad de su diseño fue
evolucionando y fue imitado hasta conformar un estilo propio. Ver desarrollo de
contenidos.
Kandler, Johann: Gran artista que transformó la escultura de porcelana
europea, ya que se convirtió en el punto de partida para los modelistas de
todas las fábricas. Sus piezas para Meissen son únicas en cuanto a calidad,
diseño, fineza y originalidad. Tal es su fama que las piezas de su factura y de
su época de trabajo: 1700 a 1750 aprox. alcanzan valores inimaginables en las
subastas de arte. Se destacan las figuras inspiradas en la comedia del arte y
los servicios de mesa de más de dos mil piezas.
Lambrequins: Esta palabra francesa se refiere a motivos decorativos
abstractos inspirados en elementos textiles como encajes, conocidos también
como broderies fueron empleados para decorar loza y porcelana, con un
diseño central que irradiaba hacia los bordes.
Leeds: Fábrica inglesa que produjo gran variedad de piezas y figuras
modeladas de porcelana, junto con gres rojo y loza fina (creamware). Fue
notable su decoración con pájaros, temas florales y botánicos.
Lille: La faience de Lille destacó en la producción de piezas decoradas en el
estilo rococó. Produjo algunas piezas demandadas hoy día que representaban
tipos populares y otras de gremios y oficios tales como tejedores, curtidores,
herreros, carpinteros. Sus marcas presentan las letras JBF unidas junto con la
flor de lis y el delfín de Lille. Luego aparece la marca Lille 1767 bajo una corona
para diversos objetos.
Limoges: La fábrica de Limoges comenzó como una fábrica de loza pero no
quedan objetos de la época. Luego inició la producción de porcelana de pasta
dura. La mayor parte de los objetos consiste en vajillas y servicios de mesa
decorados al estilo de Sevres o París. Se caracteriza por haber exportando
grandes cantidades de estas vajillas hacia Estados Unidos e incluso a la
Argentina durante el siglo XIX. Su prestigio se traduce en la gran demanda por
parte de coleccionistas hacia su producción. Primero sus piezas se marcaban
con una “CD” y luego aparecerá la marca de Sevres junto a esta.
Litofanias: Son placas de biscuit, propias del siglo XIX, con decoración incisa,
generalmente naturalista, que se aprecian cuando se coloca luz por detrás de
la pieza, hecho que permite que se aprecie el diseño y que son objetos
altamente coleccionables. Varían de tamaño y de forma. Las más caras son las
redondas por su escasez.
Liverpool: La loza común o faience se produjo en Liverpool a partir de 1700.
Existieron más de una docena de fábricas que lograron una gran factura en el
gres. Los objetos más característicos fueron las vajillas, los azulejos, unos
bloques con agujeros que se usaban como tinteros o floreros y las jarras
lecheras o para cerveza.
Lowestoft: Fábrica inglesa similar a Bow que utilizaba la decoración
característica en azul.
Loza: La loza se define como una cerámica que no ha sido cocida a
temperaturas demasiado altas para llegar a la vitrificación, por lo que requiere
un segundo horneado para ello y que generalmente suele ser a base de estaño
o de plomo. Ver desarrollo de contenidos.
Lustre: Derivación de la loza dorada, denominada por los ingleses lustreware o
cerámica lustrada.
Lyon: Fábrica francesa que aplicó las técnicas de la mayólica italiana en la
modalidad del “istoriato”. Ver “istoriato”.
Mayólica: Conocida como “maiólica”, la típica cerámica italiana designaba
originariamente a la cerámica con lustre dorado de factura típica de Manises.
Los pigmentos dorados contenían plata o cobre. Los colores ornamentales
estaban generalmente limitados al azul cobalto, verde cobre, amarillo de
antimonio, rojo férrico y púrpura de manganeso. El esmalte blanco se usaba
para dar efectos lumínicos con una técnica conocida como “bianco sopra
bianco”. Se desarrolló el estilo del “istoriato”.
Manises: La cerámica de Manises desarrolló a la perfección la técnica de la
loza dorada, técnica morisca. Su característica fue el amarillo dorado aplicado
sobre un vidriado blanco. Los motivos ornamentales eran variadísimos:
geográficos, heráldicos, botánicos y de personajes. Algunos muy buscados son
conocidos como “Ave María” ya que presentan dicha leyenda en el borde de los
platos, generalmente con un motivo central en azul. Son muy populares las
series azules sobre fondo blanco, las de vírgenes cristianas. Destacan los
albarelos de farmacia y los azulejos.
Marcas: Las marcas indican la procedencia de la manufactura o el nombre del
autor, se difunden durante el siglo XVIII. Ver marcas en desarrollo de
contenidos.
Marmórea: Cerámica que se obtiene mediante arcillas de varios colores,
jaspeadas con manganeso marrón o cubiertas con arcilla semilíquida
(barbotina) para imitar el mármol.
Marsella: Fábrica que floreció durante el siglo XVIII cuyo máximo logro fue una
decoración enteramente dorada que la distingue de todas las demás fábricas
francesas.
Meissen: La más antigua y prolífica fábrica de porcelana europea. Los ingleses
siempre la han denominado: porcelana de “Dresden” mientras que los
franceses la denominaban “Porcelana de Sajonia”. La fábrica tuvo varios
períodos productivos en el que destaca el período del diseñador Kandler. Ver
desarrollo de contenidos.
Mennecy: Fábrica francesa de diseño similar al de Saint Cloud. Son muy
buscadas por los coleccionistas las pequeñas cajas en forma de animales
correspondientes a su primer período, generalmente marcadas con el
monograma real junto a las letras “DV”. También son reconocidas sus figuras
grupales, de la comedia del arte italiana y algunas piezas en biscuit.
Minton: Una de las fábricas más conocidas de Staffordshire. Produjo loza de
color cremoso con decoración estampada en azul. Minton descubrió y difundió
el esquema decorativo azul sobre blanco denominado “del sauce”. Fabricó
porcelana bone china de gran calidad pero sobre todo fue insuperable en sus
figuras Parian.
Montpellier: Centro de producción de loza que destacó por los albarelos de
farmacia decorados con flores y figuras. Sus vajillas más reconocidas
presentaban un fondo amarillo decorado con temas florales.
Nanking: Porcelana china que los comerciantes del siglo XIX denominaron así
porque de ese puerto se exportaba a Europa. Conocida también como
porcelana de la Compañía de Indias. Su decoración es característica, motivos
chinos y pagodas y borde azules que sirven de marco a blasones.
Nápoles: Cerámica similar a la Doccia y a la Capodimonte con decoración de
estilo neoclásico.
Nazarita: Cerámica característica de Málaga, conocida con el nombre de la
dinastía árabe de Granada. Con una decoración azul insuperable, repite los
esquemas artísticos islámicos y las formas tradicionales de las vasijas
orientales junto con las vasijas clásicas, los platos, los albarelos de farmacia y
los grandes jarrones. Las escasas piezas que han sobrevivido se conservan en
museos en toda Europa.
Nuremberg: Fábrica de cerámica que produjo algunas piezas distintivas como
pequeños platos con estrellas de seis puntas en el centro o jarras de cuellos
estrechos y asas trenzadas en azul.
Nymphenburg: Una de las más famosas fábricas de porcelana alemana. Sus
primeras piezas de vajilla son muy buscadas por los coleccionistas como
rarezas pero la fama de la fábrica reside en sus figuras de porcelana que sería
insuperable por ejemplo en sus diseños de la comedia del arte italiana.
También destacan los grupos rococó y algunas piezas de tema histórico.
Parian: Porcelana sin vitrificar inglesa que imitaba el biscuit de Sevres. El
nombre deriva de su similitud con el mármol conocido como
parian. Se produjeron figuras decorativas de escenas
generalmente sentimentales y de desnudos. Fue popular
durante la época victoriana.
París: Centro de producción de cerámica y porcelana. Es difícil clasificar sus
producciones y fábricas. A partir del siglo XVIII se difunden las fábricas de
porcelana entre las que destacan: Gros Caillou (marcas “AD”), Comte D’Artois
(marcas “H” y “CP”) Rue de la Roquete (marca: 2 flechas cruzadas), La
Courtille (marca: 2 antorchas cruzadas), Rue de Reully, Clignancourt (marcas
“LSX” y “D”), De la Reine, Duc d’Angouleme (marca: “GA”), Popincourt (marca:
Nast a París o “N”), Prince de Galles (marca: Potter a París), Rue Saint Gilles y
Darte Freres (marca Darte Freres a París).
Pasta Dura: Porcelana auténtica. Ver Desarrollo de Contenidos.
Pasta Tierna: Fórmula similar a la textura de la auténtica porcelana. Ver
Desarrollo de Contenidos.
Pate sur Pate: Término francés que significa pasta sobre pasta y que define un
método de decoración aplicado a la porcelana introducido y perfeccionado por
Sevres. Consiste en aplicar sucesivas capas de arcilla líquida a una pieza de
porcelana sin cocer ni barnizar para conseguir un efecto de relieve.
Persa: La cerámica persa resume la importancia de la cerámica islámica en
tanto a sus efectos decorativos que se trasladan a las fábricas europeas. Ver
Desarrollo de Contenidos.
Porcelana: Para una explicación completa ver Desarrollo de Contenidos.
Rouen: Centro ceramista que perfeccionó la decoración de lambrequin para
bandejas y platos dando lugar al estilo rayonnant. Motivo fácil de reconocer que
irradia desde el centro de la pieza en azul sobre blanco o blanco sobre azul.
Royal Copenhagen: La famosa fábrica que se mantiene hasta estos días fue
sostenida por la Corona. Lo que caracteriza su producción es su forma y
decoración en azul sobre blanco. También son notables sus figuras tanto
barnizadas como en biscuit. A esta fábrica se le debe uno de los más famosos
servicios de mesa llamado “Flora Dánica” (cada pieza representaba las plantas
danesas) que se produjo como regalo para Catalina de Rusia y que tenía más
de 2500 piezas. Es típico su trabajo del color azul cobalto bajo cubierta.
Saint Cloud: Fábrica que producía objetos característicos dedicados a los
hospitales tales como jarras, frascos de farmacia y vajillas dedicadas a los
palacios. Sus piezas se marcaban con las iniciales de los palacios. Produjo
objetos individuales, hoy coleccionables, tales como los “bibelots” 4 que incluyen
cajas de rapé, mangos de bastón, medallones, etc.
Sang de Boeuf: Sangre de buey. Nombre de un barniz color rojo brillante.
Satsuma: Porcelana japonesa de gran efecto decorativo pero insuficiente
calidad técnica. Ver Desarrollo de Contenidos.
Sauce: Porcelana coloreada con motivos orientales, pagodas, sauces,
golondrinas, puentes en general en color azul sobre blanco.
Servicios de postre: Se separan de la vajilla por la costumbre de servir los
postres en mesas separadas por lo que algunos tienen diseños originales.
Sevilla: Centro de producción de loza y cerámica con tradición oriental
nazarita, que luego adoptará las formas y los motivos de Talavera.
Sevres: La manufactura de porcelana más importante de Francia cuya fama
internacional deviene de su calidad, elegancia y refinamiento y que adquiere
preeminencia a partir del reinado de Luis XIV. A la Argentina llegan gran
cantidad de piezas durante el siglo XIX, que son muy apreciadas por los
coleccionistas de porcelana. Ver Desarrollo de Contenidos.
Southwark y Lambeth: Centro de fábricas especializadas en el Delft inglés.
Spattweware5: Técnica de decoración de la cerámica usada en Inglaterra y
Estados Unidos que consiste en motivos ornamentales salpicados sobre la
superficie de la pieza.
Spode: Fábrica de cerámica inglesa cuyo gran aporte fue la fórmula de la
porcelana de gran dureza, conocida como bone china, por el añadido de hueso
en su composición. Ver Desarrollo de Contenidos.
Staffordshire: Región de Inglaterra que se caracterizó por la gran cantidad de
fábricas productoras de gres, cerámica y porcelana. Durante los últimos años
ha aparecido un coleccionismo interesante de las figuras producidas por las
distintas fábricas para acontecimientos reales o mundanos, personajes de la
literatura, de la historia, del deporte o el teatro.
Talavera: Cerámica española que trascendió a partir del Renacimiento.
Produjo una calidad barata y popular y otra de gran prestigio artístico (muy
coleccionable). Sus colores son típicos: azul, manganeso y amarillo naranja. En
el siglo XVII incorpora más colores y técnicas decorativas holandesas.

4
Piezas sueltas coleccionables de diversos temas, ver toys.
5
Cerámica salpicada. Trad.
Terra-cotta: Término italiano que significa “tierra cocida”. Ver Desarrollo de
Contenidos.
Terra-Sigillata: Término latino que significa “barro con dibujos impresos”.
Define la cerámica más común en tiempos de los romanos.
Toledo: Centro productor de cerámica de tipo islámico en España.
Tournai: Centro productor de pasta tierna de Bélgica. Se modelaron figuras de
calidad excelente tanto en porcelana barnizada como en biscuit.
Toys: Denominación inglesa (juguete) que los coleccionistas utilizan para
referirse a pequeños objetos decorativos que incluyen: frascos para perfume,
cajas, botones, flores de porcelana, estuches etc.
Urbino: La fama de la cerámica de Urbino deviene principalmente del estilo
pictórico de sus mayólicas, sobre todo de sus magníficas piezas de “istoriato”
cuyos platos se convertirían en obras de arte, alcanzando elevados valores
dentro del coleccionismo.
Venecia: Las piezas de mayólica veneciana solían imitar las magníficas piezas
de cristal de los vidrieros de Murano.
Viena: Después de Meissen, fue la primera fábrica europea que produjo
porcelana de pasta dura. Evolucionó a través de tres períodos hasta su
desaparición en 1864, por los que pasaron reconocidos decoradores de
porcelana que utilizaron técnicas decorativas de las grandes fábrica europeas
como Sevres.
Vincennes: Normalmente se asocia este nombre a la notable fábrica francesa
de Sevres.
Wedgwood, Josiah: Uno de los más grandes ceramistas de la industria
inglesa. Sus aportes fueron determinantes en cuanto a las texturas como en los
diseños. La marca Wedgwood sigue contando hoy día con el renombre
adquirido a través del tiempo. Los tres grandes hallazgos fueron: la
introducción en el mercado europeo de la loza fina (creamware), la utilización
de la decoración estampada y la invención de las fórmulas de los jaspes y
basaltos. Ver Desarrollo de Contenidos.
Whieldon, Thomas: Socio de Josiah Wedgwood que se especializó en la
fabricación de cerámica marmórea, piezas difíciles de identificar pero muy
apreciadas por los coleccionistas.
Worcester: Fábrica que hoy día sigue produciendo y cuya especialidad fue la
decoración estampada en negro sobre cubierta y azul bajo cubierta, con
motivos inspirados en los diseños japoneses de Arita. Sus azules siempre
fueron considerados de calidad superior tal como los de Sevres. Es
trascendente su producción del siglo XX en la que produce piezas diseñadas
por Dorothy Doughty (las más famosas son las series de aves americanas y
británicas).
Zurich: Fábrica Suiza que se destacó por sus servicios de mesa y por sus
figuras de pasta dura.
 Unidad VII – Bibliografía Específica

 [Link].; Cerámica del siglo XIX, Colección El Mundo de las Antigüedades,

Planeta-Agostini, Barcelona, 1989.
 AAVV.; Cerámica y Vidrio. Vol. X, Plus Ultra, Madrid, 1952.
 AAVV.; Art Nouveau, Cristal y Cerámica, Edimat Libros, Madrid, 1999.
 Atterbury, P.; History of Porcelain, Ordis, Londres, 1982.
 Beurdeley, M. y Raindre, G.; Qing Porcelain: Famille Verte, Famille Rose,
Thames & Hudson, Londres, 1987.
 De Vecchi, Paolo; Guía de las Pequeñas Antigüedades, Editorial De
Vecchi, Barcelona, 1992.
 Escárzaga, Ángel; Porcelana, Cerámica y Cristal, Ediciones Antiquaria S.
A., 1994.
 Feild, Rachael; Collector’s Guide to Buying Antique Pottery & Porcelain,
Greenwich Editions, Londres, 1998.
 Hughes, Bernard y Therle; English Porcelain and Bone China, Abbey
Library, 1956.
 Miller, Judith y M.; Antiques & Collectables, The Fact at your Fingertips,
Reed International Books Limited, Londres, 1993.
 Miller’s Collectables Price Guide, Reed International Books Limited,
Londres, 1992.
 Miller, J. y M.; Understanding Antiques, Reed International Books Limited,
Londres, 1989.
 Morant, H.; Historia de las Artes decorativas, Espasa-Calpe, Madrid, 1980.
 Olivar, Daydi; La Porcelana en Europa, Seix Barral, Barcelona, 1953.
 Saville, R.; Sevres Porcelain, Londres, 1988.
 Sotheby’s Concise Encyclopedia of Porcelain, Conran Octopus,
Londres, 1990.
 UNIDAD VIII

TASACIÓN Y VENTA DE OBJETOS

DE VIDRIO Y CRISTAL
 UNIDAD VIII

TASACIÓN Y VENTA DE OBJETOS DE VIDRIO Y

CRISTAL

En esta unidad se desarrollarán los contenidos correspondientes a la tasación y

venta de piezas de vidrio y cristal. Luego de una Introducción en la que se
establecerá un panorama a la evolución y desarrollo histórico del diseño propio
de los objetos de vidrio y cristal en sus diversas expresiones, se describirán los
diferentes tipos de vidrio que un tasador deberá aprender a distinguir para
poder evaluar los objetos. El análisis se detendrá en el estudio de los diversos
orígenes de las piezas, cuyo conocimiento en este rubro es imprescindible para
su datación, paso previo a la tasación de las mismas; .y cada tipo de diseño en
particular junto con un resumen de las principales firmas fabricantes evaluando
el mérito por el cual cada una de ellas es reconocida. A continuación el análisis
se abocará directamente a introducir a los estudiantes en el mundo particular
de la tasación y de los valores de las piezas de vidrio y cristal. Se establecerán
las variables a considerar y se explicará el fundamento de cada una, además
de describir las técnicas que facilitan la tasación y la detección de piezas
modificadas o falsas. En el Apéndice I, se desarrolla un Diccionario y Glosario
que aclarará cualquier duda que surja con referencia a los términos técnicos
específicos que se refieren a los objetos de vidrio y cristal. Los contenidos
analizados en la presente Unidad son los siguientes:

1. Introducción
Desarrollo de la artesanía en vidrio y cristal
2.1. Técnicas de producción del vidrio
2.2. Tipos de vidrio
2.3. Decoración
2.3.1. Corte
2.3.2. Esmaltado
 2.3.3. Dorado
2.3.4. Grabado o Tallado
[Link]. Tipos de Tallado
2.3.5. Vidrio y cristal coloreado
3. La Tasación de piezas de vidrio y cristal
3.1. Variables a considerar
3.2. Autentificación
4. Bibliografía específica
 Unidad VIII - Desarrollo de Contenidos

1. Introducción

Desde los tiempos más remotos, el vidrio fascinó al hombre. En las zonas de
actividad volcánica y desde los tiempos prehistóricos se usaba un vidrio natural
–la obsidiana- para hacer herramientas.

Las más antiguas vasijas de cristal conocidas son unos pequeños recipientes,
posiblemente originarios de la Mesopotamia6, que podrían tener unos 4000
años. Estos recipientes no fueron moldeados ni soplados, sino laboriosamente
tallados en sólidos bloques de cristal de roca. También de la Mesopotamia y
del antiguo Egipto provienen las primeras auténticas manufacturas de pasta
vítrea (cuentas de collar o abalorios) que pueden fecharse en el año 2500
antes de Cristo.

Otros mil años fueron necesarios para que los egipcios se sintiesen capaces de
producir las primeras piezas de vidrio fundido siguiendo un método parecido al
de la fabricación de cerámica. El vidrio fundido se iba echando en capas
sucesivas sobre un molde de arena hasta que se conseguía un cuerpo con
suficiente resistencia. Estos recipientes se decoraban luego con gotas de vidrio
coloreado que se aplicaban a la superficie antes de que ésta se enfriase
totalmente. Tan lento sistema de moldeado siguió usándose hasta la invención
del vidrio soplado, que se hizo esperar otros mil años.

El primer vidrio soplado debió conseguirse unos 200 años antes de Cristo,
probablemente en Babilonia, aunque inmediatamente después la técnica fue
adoptada por los romanos.

Una vez que se inventó el soplado de vidrio, fue posible producir numerosas
vasijas caseras de todas clases y a poco costo, siempre que se pudieran
6
Actual Irak.
conseguir las materias primas. Los centros de producción de vidrio solían surgir
en zonas boscosas, donde había madera abundante, materias primas para la
construcción del horno y sus crisoles y, preferiblemente, cerca de un río del que
se pudiese sacar arena limpia y que, además, les facilitaba el transporte y el
comercio. Poco a poco, se establecieron comunidades familiares de vidrieros
estrechamente ligadas entre sí, en zonas como los bosques de Bohemia y
Silesia, Lorena, Spessart y en Stourbridge, Inglaterra.

Una innovación técnica interesante iniciada por los vidrieros en Roma fue lo
que se ha dado en llamar "cristal millefiori"7, cuyo secreto consistía en fabricar
tiras de vidrio coloreado estirando la pasta vítrea cuando aún está caliente.
Estas tiras se unían luego unas con las otras en una especie de gavillas, que
una vez fundidas podían cortarse en rodajas. Las superficies multicolores
resultantes de esos cortes se
fundían juntas en un molde y
producían un cuerpo compacto
de gran efecto estético. Esta
técnica sigue utilizándose en la
fabricación de diversos tipos de
piezas.

Tanto los romanos como los

egipcios demostraron también
una gran habilidad para usar
óxidos metálicos como
colorantes; técnica nada fácil si
se considera que una mínima
diferencia de contenido en un
determinado óxido puede variar
la pigmentación drásticamente.
Sin embargo, estos artesanos
consiguieron reproducir los mismos tonos cuantas veces se lo propusieron.

7
Mil flores. Trad.
Un interesante ejemplo del desarrollo técnico alcanzado por los romanos en la
decoración del cristal es el famoso vaso Portland del Siglo I. En su fabricación
se empleó una lámina de cristal blanco opaco, conseguido con estaño, sobre
impuesta a un material negro y trabajada de tal forma que, sobre el fondo
negro, destacasen unas bellas figuras esculpidas en la lámina blanca.

Sin embargo, las manufacturas de vidrio romano fracasaron en su intento de

producir cristal plano para ventanas. Lo máximo que consiguieron en esta difícil
especialidad fueron unas planchas de 12 milímetros de grosor, sin ninguna
transparencia, que no llegarían a usarse hasta la introducción del cristal
emplomado (unión de pequeñas láminas de cristal mediante juntas de plomo)
cuyo uso fue introducido en el siglo XII por el Sacro Imperio Romano de
Oriente.

Durante la Edad Media las manufacturas de vidrio más desarrolladas, tanto en

sus técnicas productivas como en fantasías decorativas, fueron las del Próximo
Oriente y muy especialmente las de Damasco. Damasco fue un importantísimo
centro productor de vidrio decorado hasta la destrucción de la ciudad por
Tamerlán, quien trasladó a sus artistas vidrieros a Samarkanda en el año 1400.
De la belleza y calidad del cristal de Damasco del siglo XIV nos quedan
testimonios de viajeros occidentales de la época como el de Simón Simeonis,
quien escribe: “La riqueza de esta ciudad se hace patente en las telas de seda
y oro, en los recipientes de oro, plata y bronce... de los cristales,
maravillosamente decorados, ni siquiera podemos escribir, porque su belleza
no puede trasmitirse en palabras". Que estos cristales estuviesen decorados
con esmaltes se desprende del relato escrito por otro viajero europeo, Nicolo
da Poggibonsi, que estuvo en Siria entre los años 1345 y 1346 y que habla de
una calle en la que vivían "los pintores de cristal".

Una de las más importantes especialidades del cristal de Siria fueron sin duda
las lámparas destinadas a las mezquitas. El viajero italiano Frescobaldi que
visitó El Cairo en 1385 refiere que "las mezquitas son todas blancas por dentro,
con un gran número de lámparas". Estas lámparas, además de su función
decorativa, cumplían una misión simbólica y llevaban frecuentemente
inscripciones tomadas del Corán. En el Victoria and Albert Museum de Londres
se conserva una bella muestra de estas lámparas del siglo XIV decoradas con
flores de loto en toda su superficie y que se cree fue fabricada entre el 1356 y
1363.

Mientras tanto, en Europa la calidad del cristal decayó enormemente a partir

del año 200. Los recipientes de vidrio europeo, durante la Edad Media, además
de escasos, eran de la ínfima calidad tanto en el colorido como en el acabado
lleno de vetas y burbujas. Sin embargo, las grandes vidrieras8 emplomadas y
coloreadas empezaron a aparecer a finales del siglo XII para terminar siendo
artesanías realmente esplendorosas en los dos siglos siguientes. El
renacimiento de las más refinadas técnicas de producción y decoración del
cristal se produciría en Venecia a través de su contacto directo con el Imperio
Bizantino.

En la época del Renacimiento, una vidriería necesitaba un buen equipo de

dirección y mucha mano de obra para poder producir eficazmente. El maestro
vidriero dirigía el funcionamiento y también a los trabajadores, entre los que
estaban: el que hacía los crisoles, el constructor del horno, el herrero (para
mantener las herramientas de hierro), el empleado administrativo (para
ocuparse del aspecto financiero) y los vidrieros; un capataz con varios
aprendices, recogedores, peones, marmolistas y pulidores.

Desde sus humildes orígenes, la fabricación del vidrio se ha ido extendiendo a

lo largo de los siglos; hubo épocas en que el vidrio siguió siendo una sustancia
corriente; mientras que en otras, se le consideró un material precioso de gran
valor místico y crematístico. Su artesanía se ha ido perfeccionando
constantemente, adaptándose a las necesidades del momento, y los diversos
usos que se han dado al vidrio y al cristal se han multiplicado. Además de su
uso doméstico para beber y guardar líquidos, en algunos campos, como la
arquitectura, su aplicación es absolutamente corriente. El cristal ha tenido
también un papel importante en la ciencia y la tecnología y se usa en los
instrumentos científicos –como barómetros y aparatos ópticos- y en los
8
Se refiere a los vitraux de las Catedrales Gótica.
experimentos químicos, en la medicina, la fibra óptica, las comunicaciones y el
alumbrado. El vidrio también se ha convertido en un área accesible y
demandada por los coleccionistas y estos objetos constituirán la materia
principal del análisis de esta Unidad.

2. Desarrollo de la artesanía en vidrio y cristal

2.1. Técnicas de producción del Vidrio

Los ingredientes del vidrio son sencillos: se funde sílice (se obtiene de arenas,
guijarros de río o cuarzo) junto con un estabilizador óxido de calcio (derivado
del carbonato cálcico presente en la arena silícea) en un horno, junto con un
fundente alcalino o una sal (de sosa9 o de potasa10) que hacen que la
temperatura a la que se funde la mezcla sea más baja. Con este procedimiento
se consigue la pasta vítrea. La adición de ciertas sustancias químicas –tal
como los óxidos metálicos- influye en el color y la transparencia del vidrio.

2.2. Tipos de Vidrio

Existen tres tipos principales: Vidrio de Soda o Sosa (alumbre sódico):

fabricado en Venecia desde el siglo XIII. La soda se obtenía de quemar algas
de mar lo que daba a los objetos una maleabilidad ideal para lograr
complicadas formas. Vidrio de potasio (potasa cáustica): su fabricación era
propia del norte de Europa. El potasio se derivaba de quemar madera y
zarzas. Era adecuado para cortar y grabar. Vidrio emplomado (grafito):
fabricado con potasa a la que se le agrega óxido de plomo, en lugar de cal o
limo. Este tipo de vidrio fue inventado por George Ravenscroft, se utilizó en
Inglaterra e Irlanda desde fines del siglo XVII y en Europa continental desde
fines del siglo XVIII. Este vidrio se caracteriza por su peso y transparencia y es
ideal para ser cortado.

2.3. Decoración

9
La Sosa se obtiene quemando algas marinas.
10
La Potasa se obtiene de las cenizas de árboles caducos.
La decoración agrega a los objetos un considerable valor y los convierte en
coleccionables. Básicamente la decoración conocida como decoración frente al
horno define aquellas técnicas decorativas manuales que se realizan cuando el
vidrio aún está caliente. Existen un gran número de técnicas decorativas que
conllevan la manipulación del material ablandado. La decoración aplicada es la
más antigua de las utilizadas en vidrio. El diseño se creaba colocando hebras
finas de vidrio, como guías, sobre el cuerpo de la pieza o aplicando burbujas de
vidrio o alas a los objetos.

La decoración aplicada podía ser moldeada a su vez con distintas técnicas: a

las hebras dispuestas en forma de ondas se las peinaba o pinzaba o moldeaba
en espiral alrededor de la pieza para lograr diferentes efectos. Una de las
técnicas decorativas más importantes fue la que desarrollaron los venecianos
hacia el siglo XV conocida como lattimo o vidrio lechoso. Utilizado para
diversos objetos fue comúnmente empleado para formar la base de la mayor
parte de las técnicas decorativas venecianas, conocidas como filigrana o
latticinio.

Aparte de las técnicas decorativas que se desarrollan frente al horno de

producción existen otras técnicas que pueden realizarse por diversos artesanos
fuera de la fábrica de vidrio. Debe quedar claro que estas técnicas decorativas
pueden aplicarse a los objetos mucho tiempo después de haberlo
manufacturado. Las técnicas más importantes son: Corte o Talla facetada,
Esmaltado, Dorado, Grabado y Talla al ácido. A continuación se describirán
estas técnicas y las diferentes piezas que conforman el mercado del
coleccionismo del vidrio.

2.3.1. Corte
El corte o talla facetada en el
vidrio enfatiza el efecto refractivo
(transmisión de la luz).
El tipo de corte o talla puede
ayudar con la datación de los
objetos. Los diseños más
antiguos eran simples cortes o
tallas superficiales que con el tiempo se han ido haciendo cada vez más
elaborados.

2.3.2. Esmaltado

Un elemento esencial en la decoración del cristal que alemanes e ingleses

tomaron prestado de los venecianos y popularizaron durante el siglo XVIII fue
el uso de esmaltes pintados sobre cristal. Esta técnica de pintar con esmaltes
coloreados fue muy popular en Venecia desde el siglo XV y se puso de moda
en Inglaterra a mediados del siglo XVIII. El esmaltador inglés más conocido era
la fábrica Beilby. En lo que se refiere a las piezas alemanas se supone que las
primeras se fabricaban por encargo en Venecia y hacia el siglo XVII
comenzaron a fabricarse en Nüremberg unos vasos llamados stangen, altos y
cilíndricos con un pie doblado decorados con escudos de armas pintados.
Hubo otra clase de stangen, seguramente decorados en Bohemia, que llevaban
un esmalte a baja temperatura con figuras alegóricas de
la Fama y la Justicia tomadas y copiadas de grabados.
En tales casos, tenía lugar una síntesis de estilos
venecianos y germánicos: la forma era originalmente
germánica y la decoración – generalmente grabado y
esmaltado combinados- recordaba a Venecia.

Hubo otro grupo grande –principalmente humpen- que

iban pintados con un motivo nacional alemán: el águila
bicéfala, símbolo del Sacro Imperio Romano. Basado en
un grabado del siglo XVI, el águila tiene las alas
extendidas y va decorada con escudos de armas que representan las
jerarquías del imperio. Se conoce un antiguo ejemplar de humpen fechado en
1572. También había algunos decorados con filas de hombres a caballo que
representaban a los distintos electores11, otros encargados por hombres de
distintos gremios, otros llamados de “cacería”, con pinturas de ciervos, jabalís y
osos y finalmente algunos alegóricos del matrimonio, con nombre y fechas
alusivas. El arte del esmaltado en Bohemia poco a poco fue convirtiéndose en

11
Gobernantes de las distintas provincias germanas.
un oficio popular hacia el siglo XVIII, de ésta época quedan millones de
ejemplares por lo cual su valor es escaso. Las piezas coleccionables son las
más antiguas. Una ramificación más sofisticada de los talleres de esmaltado
artesanales fue el arte de pintar con un esmalte más fino: a veces, en colores,
a veces en un tono monocromo, como sepia o negro, llamados en alemán
schwarzlot, técnica que conseguía un efecto más parecido a las pinturas de los
cuadros. En general se inspiraban en grabados, reproduciendo paisajes
clásicos o escudos de armas.

Hay dos tipos de esmaltado: el esmaltado a fuego en el cual el esmalte se

pintaba en la superficie del vidrio y luego se cocía para hacer la decoración
permanente y que ésta no desaparezca. El otro tipo es el de esmaltado en frío,
llamado también de pintura en frío donde el fuego no interviene. Esta técnica
tiene la desventaja de que el esmaltado se salta rápidamente y se usa en
objetos de relativo valor.

2.3.3. Dorado
La decoración dorada puede aplicarse a la superficie de
distintas maneras. El método más permanente es a
través de la fusión por calentamiento del oro en el vidrio,
en la superficie del mismo. Un método alternativo es lo
que se llama “dorado al aceite”, que consiste en aplicar
polvo de oro u hojas de oro en una base aceitosa sobre
la superficie. Este sistema no es seguro y la decoración
desaparece fácilmente.

2.3.4. Grabado y Tallado

Los venecianos habían desarrollado en el siglo XVI el grabado sobre cristal con
punta de diamante, en los lugares de arraigo del estilo veneciano se desarrolló
esta técnica con motivos decorativos clásicos y de follaje. Como consecuencia
del interés por coleccionar los objetos curiosos, como minerales, camafeos y
otros objetos, el grabado tomó una nueva dirección. Se trasladaron a Alemania
los artesanos más habilidosos para trabajar piedras como el cristal de roca, el
ágata o el topacio, que produjeron camafeos tallados, con decoración en
relieve, o esculpidos a partir de la piedra, que luego montaban en metales
preciosos. Inventaron un eficaz mecanismo para mover el disco de cortar la
piedra, a pedal, a mano o finalmente con energía hidráulica. Los artesanos
Lehman y Peltzer trasladaron esta técnica del grabado de piedras duras al
cristal. Sólo existe una pieza de Lehman que ha sobrevivido. Así surgió en
Nüremberg una bien lograda tradición del grabado de vidrio. Los objetos más
logrados eran unos pequeños vasos con tapa ovoidal, apoyados sobre pies y
unas copas altas con tapa, con el tallo hecho de nudos y anillos estrechos. La
decoración grabada de la época consistía casi siempre en escudos de armas,
retratos del emperador o de dignatarios importantes y escenas alegóricas,
bíblicas o mitológicas.

En Inglaterra durante el siglo XVII, el grabado de cristal nunca alcanzó los

niveles del continente. Han sobrevivido muchas copas grabadas, pero la
mayoría eran de una calidad vulgar. Los temas de decoración eran los
tradicionales: escudos de armas, héroes populares, flores y pájaros.
A fines del siglo XVII, el grabado a disco había desplazado a casi todas las
demás formas de decorar cristal y se había difundido por toda Europa. Puede
afirmarse entonces que la tecnología del cristal se impulsó notablemente
cuando se popularizó la decoración del vidrio con el mencionado grabado a
disco.
Durante el siglo XVIII la influencia del Rococó trajo consigo un aligeramiento de
los motivos decorativos. A la gran calidad del grabado se oponía la actitud de
“horror al vacío” con respecto a la superficie de los cuencos, pies y tapas por lo
que estos se completaban con una enorme cantidad de adornos grabados,
pulidos y mates, a veces realzados con dorado.

Tuvo que pasar un siglo para que se apreciasen las propiedades del pesado
cristal de plomo inglés como material para la decoración
tallada. La talla primitiva se limitaba a facetas y marcas
poco profundas. Lo que contribuyó al desarrollo de la
técnica fue la difusión de los candeleros y arañas colgantes
compuestos por partes fundidas o sopladas por
separado tallados en facetas y a las que se sujetaban cuentas talladas y
lágrimas de cristal colgantes. Al difundirse la necesidad de los servicios de
mesa aumentó la demanda de las piezas de cristal tallado. Los irlandeses
también desarrollaron la técnica del tallado en objetos tales como las licoreras
(muy coleccionables) y fruteras.

El cristal tallado siguió siendo muy importante hasta entrado el siglo XIX; las
modas anglo-irlandesas se copiaban en toda Europa. Las fábricas como
Baccarat, St. Louis, los talleres de Bohemia o Rusia y Estados Unidos
empleaban tallistas ingleses e irlandeses para enseñar las técnicas a los
artesanos locales. Como técnica decorativa también comenzó a utilizarse el
grabado al ácido (fluorhídrico o sulfhídrico) para componer medallones de
pasta cerámica de un blanco opaco con decoraciones de camafeos en relieve,
con retratos de reyes o figura reconocidas. Los franceses hacían grandes
jarrones con combinaciones de talla y grabado al ácido muy elaborados que se
montaban sobre bronce dorado. Los estilos de la talla fueron cambiando con
las décadas, pasando de los prismas y aguas en 1820 a las facetas anchas
entre 1830 y 1840, antes de llegar al nivel más importante, con rombos en
relieve y otros adornos de talla honda hacia 1850.
En Alemania durante el siglo XIX se
mantuvo la técnica del grabado pero
también se desarrollaron investigaciones
sobre diversas técnicas de decoración del
vidrio tales como: baños de ácido para
conseguir efectos marmolados, producción
de cristal opalino y con colores al pastel,
fundidos o revestimientos en los que se
aplicaban varias capas de vidrio coloreado
(hasta 5) sobre una base de vidrio transparente y cortando a través de ellas
distintos dibujos para que se apreciasen las distintas capas. Esta técnica luego
se aplicó en Francia para la fabricación de los valiosos y coleccionables
pisapapeles.
Una modificación notable en la técnica del tallado del vidrio se dio en los
Estados Unidos en el siglo XIX, y consistió en el invento de la técnica del
moldeado a presión junto con el agregado al proceso de talla de cristal de la
fuerza motriz del vapor.

En 1850 se registran patentes para una nueva técnica decorativa que se ha

esbozado: el grabado al ácido. Esto suponía cubrir el cristal con una capa de
cera resistente y tallar el dibujo con una herramienta punzante a través de la
cera. Luego se metía el cristal en una solución de ácido fluorhídrico que
“mordía” en el vidrio que quedaba expuesto, sin tocar las zonas cubiertas por la
cera. Se podían obtener diversos efectos muy sutiles, que dependían de la
concentración de ácido y del tiempo que se dejase sumergida la pieza en la
solución. Al principio este sistema se introdujo como una alternativa rápida y
barata al grabado a disco, sin embargo, en manos de artistas como John
Northwood y su equipo de grabadores al ácido, esta técnica podía ser tan cara
y tan lenta como el grabado tradicional. El propósito original no se realizó hasta
más tarde, cuando la invención de aparatos como el pantógrafo y el de grabar
al ácido, que hacían sencillos dibujos geométricos sobre el cristal, lo hicieron
posible.
También durante el siglo XIX resurge y se difunde profusamente el tallado en
camafeo tanto en Inglaterra como en Francia, donde comienza a destacar
Emile Gallé, produciendo gran cantidad de piezas de diversos colores y
generalmente decoradas con
motivos naturales y florales. Los
ingleses generalmente
producían el camafeo al estilo
clásico, a diferencia de los franceses
casi siempre la capa exterior era
de vidrio blanco.
Hacia 1870 se desarrolló un nuevo
tipo de estilo “cristal de roca”.
Este nuevo estilo se basaba en
piezas orientales talladas en cuarzo,
jade y otras piedras duras. Se conseguía el efecto con una talla
exageradamente profunda y muchas veces con un movimiento de ondas y con
gran cantidad de detalles en relieve, todo muy pulido, para conseguir el efecto
“acuoso” del cristal de roca. Hubo piezas más sencillas y comerciales que
solían ser grandes servicios de mesa, con grabados más sencillos,
generalmente de motivos orientales.

Puede entonces resumirse la evolución de las técnicas decorativas del grabado

y tallado del vidrio:

1- El grabado o tallado de punta de diamante. El motivo de decoración se talla

sobre la superficie con la ayuda de una herramienta con una punta de
diamante. Esta técnica se utilizó en el siglo XVI en Venecia e Inglaterra.
2- El tallado o grabado de rueda: el diseño se tallaba con pequeñas ruedas de
cobre de diferentes diámetros que frotan contra la superficie. La técnica se
usó en Alemania en el siglo XVII y se convirtió en el más común en
Inglaterra en el siglo XVIII.
3- Tallado o grabado de puntas: una fina aguja de diamante se golpea y dibuja
contra la superficie con el fin de formar un diseño de puntos y pequeñas
líneas. Esta técnica fue muy popular en Holanda en el siglo XVIII.
4- Dibujo con ácido: esta técnica implica cubrir la superficie de vidrio con
barniz o grasa y tallar el dibujo con una aguja o herramienta filosa. Luego
esa superficie se pasa por ácido que marca el diseño en el vidrio. Este
método fue muy popular durante el siglo XIX.
Es más valioso el vidrio tallado que el impreso y se distingue por presentar una
decoración facetada aguda que no tiene líneas de molde y cuyo espesor es
irregular.

[Link]. Tipos de tallado

Las denominaciones de los distintos tipos de tallado tienen relación con la

forma y el efecto visual del diseño. Se los designa con los siguientes términos:
1- Diamante simple agudo
2- Frutilla
3- Flauta
4- Diamantes cortados en cruz
5- Estrella
6- Diamantes finos

2.3.5. Vidrio y Cristal coloreado

Se produjeron en pequeñas cantidades en Inglaterra durante el siglo XVIII y

fueron luego copiados estos diseños durante los siglos XIX y XX. Para
distinguirlos hay que buscar piezas de Webb, W.H.B. y J. Richardson o
Stevens y Williams; son piezas grandes de diseño neoclásico.

3. La Tasación de piezas de vidrio y cristal

El vidrio es una de las áreas del coleccionismo de arte en la cual las piezas aun
hoy día se puede decir que son baratas, comparándolas por ejemplo con las de
porcelana o platería.

Sin embargo algunos objetos de los siglos XVIII y XIX,

tales como los decantadores o escanciadores llegan a
obtener en subasta precios interesantes. Es
interesante establecer que si bien los objetos de vidrio
y cristal nuevos, una vez realizada la compra sólo
valdrán un 10% del precio pagado, los objetos
antiguos mantendrán su valor e incluso pueden
apreciarse con el correr del tiempo.
Es muy importante establecer claramente que la
tasación de las piezas de vidrio y cristal deberá
remitirse a la demanda del coleccionismo. La
experiencia indica que el origen del objeto junto con el
fabricante o diseñador marcan el coleccionismo de
este tipo de objetos que es diferente a cualquier otro rubro artístico de los que
se analizan en este estudio.
El problema principal que se les presenta a los coleccionistas es la dificultad
para su exhibición (cuestión vital para el mantenimiento y apreciación de
cualquier colección).
Como se detalló, a pesar de su fragilidad, el vidrio o cristal, es fácilmente
producido a partir del siglo XVIII y los objetos simples son económicos. En
realidad tal como se estableció el origen del vidrio es dudoso si bien era
conocido en Egipto, Siria y Roma. El material de base se fabricaba a través del
calentamiento y la fusión de sílice (usualmente arena) con un fluido
(usualmente potasio o soda) y un estabilizador (usualmente cal o limo). Las
copas o vasos fabricados en grandes cantidades durante el siglo XVIII siempre
han sido populares entre los coleccionistas.

El valor de los mismos depende de la rareza de la decoración tanto como de la

forma de la copa, el pie o la base. Muchos de los tipos más valiosos del siglo
XVIII han sido falsificados así que
deben ser vistos por un experto. Durante el
siglo XIX apareció el vidrio coloreado y
también se hizo popular. Es durante
este siglo que se inventaron nuevas
técnicas de fabricación así como se utilizaron
gran variedad de colores. Los objetos de
vidrio de varias capas o estilo “camafeo”, son
algunos de los más valiosos. A veces
elementos de mesa simples del siglo XIX
son más económicos que los modernos.

3.1. Variables a considerar

2.3En el caso del vidrio y del cristal las variables a considerar para efectuar
una tasación pueden resumirse en:
 Estado: En el caso de las piezas de vidrio y cristal, el estado se convierte
en una condición para su valoración y subasta. A pesar de la paradoja que
 se presenta frente a la aparente fragilidad del material, como la producción
fue muy abundante y existe mucha oferta el estado debe ser impecable.
 Rareza o Escasez: Frente a lo mencionado anteriormente acerca de la
sobreoferta de objetos y piezas de vidrio y cristal, será la rareza o escasez
de la pieza una variable principal a considerar al proceder a la valoración de
la misma. Es por esta cuestión que la antigüedad de la pieza no es
condición necesaria para un valor importante, a diferencia de lo que sucede
con la tasación de otros bienes de arte.
 Decoración: Puede afirmarse que tipo de decoración de las piezas de
vidrio y cristal influye directamente en la coleccionabilidad de los mismos
por lo que necesariamente afectarán la valoración de los mismos. Es claro
que a mayor dificultad de la técnica o mayor costo de los materiales
involucrados mayor será el valor de la pieza.
 Manufactura, Fabricante o Diseñador: Esta variable está directamente
relacionada con la variable del mercado o del coleccionismo. Una de las
atracciones que presentan los objetos de vidrio y cristal es la gran variedad
de manufacturas y diseñadores, esta variedad permite la generación de un
mercado de coleccionismo que de otra forma hubiese estado muy limitado
por las características intrínsecas del material en cuestión. Estas variables
guardan directa relación con el origen de la pieza, la decoración de las
mismas y ciertos períodos especialmente valorados como el Art Nouveau y
el Art Decó.
 Coleccionabilidad (Mercado): El mercado del coleccionismo de los objetos
de vidrio y cristal se ha ido generando con gran dificultad a través del
tiempo. De hecho aún hoy día puede sostenerse que este no constituye un
mercado e inversión y que está limitado a ciertas piezas en particular y a
algunos períodos o diseñadores que alcanzan valores interesantes en las
subastas de arte. Esta situación responde al hecho de que el mantenimiento
y exhibición de una colección de objetos de vidrio y cristal es
extremadamente dificultosa, además de que por tratarse de objetos de uso
diario masivo, la fabricación de los mismos era profusa y simple, aún en la
antigüedad por lo cual existen muy pocos objetos raros, escasos y
originales. Por esto resaltan objetos como los pisapapeles cuya facilidad
 para la exhibición, variedad de fabricantes y decoración potencian su
influencia en el mercado del coleccionismo y por tal alcanzan valores
impensados en este rubro artístico.

3.2. Autentificación

Las falsificaciones de los objetos de vidrio más valiosos abundan. Así como los
fabricantes victorianos hicieron imitaciones de objetos del siglo XVIII, también
existen muchas falsificaciones de objetos fabricados durante el siglo XX. Se
detallarán algunos aspectos a tener en cuenta para reconocer la autenticidad
de las piezas de vidrio y cristal y diferenciarlos de las reproducciones.
Uno de ellos es el color. El tono distintivo causado por impurezas en general no
se encuentra en las reproducciones y el color del material debe corresponderse
con la zona de fabricación y la época correspondiente. El vidrio claro fabricado
antes del siglo XVIII naturalmente debe aparecer descolorido producto de las
dificultades del monitoreo del proceso productivo. Una pieza de vidrio claro
contemporáneo puede utilizarse como “control” de tonos. Bajo una lámpara
ultravioleta el vidrio de sosa moderno emitirá una tonalidad amarillenta verdosa
mientras que el vidrio antiguo aparecerá de un púrpura azulado. El vidrio
moderno tiende a ser de un tono brillante con cuerpo fino mientras que el
antiguo no será tan brillante y pequeñas partículas serán visibles en el vidrio de
peso liviano.

Otro es el método de manufactura o de fabricación: el vidrio soplado a mano en

general presenta marcas y rebordes donde fue cortado el objeto. Pueden tener
estrías y en el borde podemos encontrar que el corte no es parejo. Estas
imperfecciones no se encuentran en los objetos fabricados a máquina. Sin
embargo la presencia o no de estas imperfecciones pueden actuar únicamente
como una guía y no como una certeza de autenticidad. La regularidad en el
espesor y forma de bordes y pies de una pieza pueden actuar como
indicadores y sugerir la modernidad de un objeto de vidrio o cristal.

El estudio de las proporciones adecuadas de las piezas también pueden

ayudar a la autentificación de los mismos. A través de los distintos períodos en
el tiempo las proporciones de las diferentes piezas han sido profusamente
documentadas y esa información puede facilitar la identificación de piezas
genuinas de reproducciones o falsificaciones. En vasos antiguos por ejemplo el
pie es usualmente igual de ancho que el borde superior de la copa. En general
las falsificaciones no logran reproducir las proporciones adecuadas y aparecen
a la vista como desproporcionadas.

Por último como la decoración siempre agrega valor a las piezas en algunos
casos se agrega sobre piezas simples antiguas. Los colores del esmalte del
siglo XIX tienden a ser brillantes y más sólidos que los de períodos anteriores.
El dorado de los siglos XVI y XVII generalmente se aplicaba en capas. Es
posible entonces que en las piezas de esa época el dorado aparezca borrado
y sólo se encuentren escasas huellas del mismo. La apariencia del dorado
moderno es mucho más chato y de apariencia uniforme.

Aunque parezca extraño el valor del cristal o vidrio es notablemente inferior a

por ejemplo de piezas de cerámica de la misma época. (Siglo XIX). Esto
sucede por la cantidad de oferta. Otra causa es que el coleccionista en general
debe elegir entre tipos de copas, épocas o tipos de decoración. Es difícil
clasificar una buena colección. Los signos de la edad de un objeto son por
ejemplo: un pie más ancho que el borde, marcas que indican que el objeto está
fabricado a mano, una protuberancia en la base (señal del corte), una tonalidad
verdosa o grisácea y signos de uso en la base (marcas finas e irregulares).
 Unidad VIII - Resumen

► TASACIÓN : ESTADO, COLECCIONABILIDAD, FIRMA O MARCA,

TÉCNICA DE MANUFACTURA Y DECORACIÓN

COLADO
► FABRICACIÓN MODELADO SOBRE NÚCLEO
ENVOLVIMIENTO DE NÚCLEO
CORTE EN FRÍO
CRISTAL FUNDIDO
VIDRIO SOPLADO

ITEMS ORIGEN / ESTILO

► COLECCIONISMO PROBLEMA: EXHIBICIÓN, LIMPIEZA

FABRICAS – DISEÑOS - FIRMAS

CRISTAL VENECIANO

VIDRIO Y CRISTAL ► TIPOS CRISTAL DE BOHEMIA

CRISTAL INGLÉS

PINTADA ESMALTADA
TALLADA MUELAS
REPUJADO
► DECORACIÓN INCISIONES ESGRAFIADO
TALLA CAMAFEO
GRABADO CON ÁCIDO
APLICADA
COLORACIÓN DECORATIVA CON
ÓXIDOS
METÁLICOS
 Unidad VIII – Ejemplo de Tabla para la construcción de
un “histórico” para la Tasación

D $ $ $
O ESTILO/FE M I SUB B ESTIMADO FINAL F
CHA E AST E
DI S A C
D E H
A A
S Ñ
A
D
O
R

C
O
N
D
I
C
I
Ó
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LÁMPARA ART NOUVEAU 0.70 CM TIFFANNY SOTHEBY’S U U$S U$S Marzo

1920 PERFECTA 23.000 25.000 2004
20.000

Unidad VIII – Diccionario y Glosario

Ácido (grabado al): El método de grabado al ácido ha sido muy empleado en la

decoración del vidrio a partir del siglo XIX, aunque parece que fue descubierto
mucho antes por Heinrich Schwanhardt. El procedimiento consiste en cubrir la
pieza decorada con un barniz muy resistente sobre el que se realiza el dibujo
mediante una punta de acero. Al sumergirse la pieza en ácido hidrofluorídrico,
el ácido corroe las partes desprotegidas correspondientes al dibujo, que
quedan de esta manera grabadas en la superficie del vidrio.
Alabastrón: Nombre griego de una vasija destinada a contener ungüentos o
perfumes, cuyos más antiguos ejemplos se remontan a 1000 años antes de
Cristo (Egipto). Estos antiquísimos recipientes estaban hechos en vidrio opaco
y en forma de columna sobre una pequeña base. Como elementos decorativos
presentan unas aplicaciones de una hebra de cristal rodeando el cuerpo de la
vasija formando una línea ondulada.
Altare: Manufacturas de vidrio de Altare12 donde se produjo en el siglo XV, un
cristal parecido al de Venecia.
Amberina: Cristal de plomo de un lustroso color ámbar teñido en algunas
zonas con un rojo rubí producido por la empresa norteamericana New England
Glass Company de Massachussets.
Amelung: Factoría productora de vidrio fundada en New Bremen, Maryland,
USA. Produjo cristal plano para ventanas, espejos, vasos, botellas, jarras y
toda clase de vidrio para el servicio de mesa en una calidad óptima. Resulta
difícil de autentificar.
Andalucía (vidrios de): Es típico de esta antigua artesanía el jarro con diversas
asas, cuyo modelo original se remonta a las lámparas de mezquita, dotado de
tales asas para poder ser colgado del techo. Este vidrio no alcanza la calidad
del veneciano pero presenta caracteres únicos: sus tonos verdes y amarillos, a
pesar de que dejan ver impurezas y defectos, mantienen una tradición
artesanal muy antigua y los detalles decorativos tales como hilos enrollados y
superpuestos en bordes y asas producen efectos de gran originalidad.
Art Nouveau (Cristal): Todo el cristal francés
de mediados del siglo XIX (tanto los servicios
de mesa como el cristal opalino) fue fabricado
por artesanos anónimos que trabajaban en
grandes factorías. La idea de un cristal como
objeto artístico individualizado se originaría a
partir de los primeros trabajos firmados por
Eugene Rousseau.
12
Región italiana cercana a la ciudad de Génova.
Baccarat y Saint Louis (Cristal de): Hasta el siglo XIX las aportaciones más
creativas a las técnicas y ornamentaciones del cristal habían sido hechas por
los venecianos, los países germánicos y los ingleses, mientras que las
aportaciones francesas sólo fueron importantes
en lo que respecta al cristal plano, sobre todo
cuando consiguieron producir los más finos y
suntuosos espejos del mundo. Con la aparición
de la libre empresa a partir de la Revolución y el
estímulo a la industria y a las artes propiciado
por las periódicas exposiciones iniciadas en
1797, se crea un espíritu competitivo entre los
artesanos e industriales franceses que les lleva
a investigar nuevas formas y técnicas creativas.
Por otra parte, París se convierte en el centro de
la moda y árbitro universal del buen gusto, al
que se adaptan muy fácilmente las factorías de
cristal instaladas en el valle del Loira. Las
primeras grandes factorías de cristal fueron las
de Baccarat (1764) y la de Saint Louis (1767). París no sólo se convirtió en el
centro de comercialización de cristal decorado más importante del mundo, sino
que también empezó a producir cristal de gran calidad.
Otra importante factoría parisina fue la de
Clichy la Garenne, fundada en 1848. La
tercera fue la de La Villete. Las primeras
creaciones de importancia en las factorías del
Loira fueron las de cristal tallado según el
estilo inglés, que pronto evolucionaría hacia
magníficas formas de gusto neoclásico,
acentuado por la introducción de medallones decorativos inspirados y
realizados en forma de camafeo. Una aportación genuinamente francesa al
cristal decorativo es el cristal opalino, cuyas piezas más importantes iban
montadas en bronce y poseían a solidez de las formas estilo Imperio. El cristal
opalino era originalmente de un color blanco lechoso, que luego evolucionó
hacia una variedad de coloraciones. También se produjo un renacimiento de
las formas y ornamentaciones de Murano, cuyo gremio de vidrieros venecianos
había sido disuelto en 1806. Mención aparte merece la producción típicamente
francesa de los pisapapeles de cristal durante el siglo XIX que tan estimada es,
desde hace unas décadas, por coleccionistas del mundo entero.
Bakewell, Pears & Company: La primera fábrica norteamericana que
consiguió producir cristal de plomo según el modelo inglés.
Barcelona (vidrio y cristal de): El único centro de vidrio artístico del
Mediterráneo que podía competir con Venecia en el siglo XVI era Barcelona.
La fabricación de vidrio en Cataluña era una industria de gran tradición y
ocupaba un número considerable de artesanos. Los expertos consideran que
las piezas de época de origen catalán poseen una gran calidad, que no
consiste precisamente en la imitación del cristal veneciano, sino que se
distinguen además por ciertos rasgos de originalidad, sobre todo en los
cristales esmaltados. Técnicamente, sin embargo, la tradición veneciana y
catalana parece ser la misma.
Beilby (William y Mary): Los más famosos esmaltadores de cristal inglés.
Beinglas: Recibe este nombre un tipo de cristal semi-opaco, también llamado
cristal de agua y leche por su aspecto lechoso, que se conseguía añadiendo
hueso calcinado a la mezcla del vidrio. Se produjo mucho en las factorías de
Bohemia y Turingia.
Birmania (cristal de): Recibe este nombre un tipo de cristal fabricado primero
en Estados Unidos y luego en Inglaterra. Este cristal, que fue usado tanto para
servicios de mesa como en piezas decorativas, presenta un color amarillo t
sombreado de matices rosados. Es un cristal muy apreciado por los
coleccionistas especializados.
Blaschka (modelos en cristal): Modelista de figuras de vidrio conocidas por los
coleccionistas con el nombre de cristales Blaschka. Están considerados como
los más finos objetos del mundo en este material. Sus más famosas piezas
pertenecen a la serie botánica, que comprende varios miles de modelos
reproduciendo la flora europea, con gran perfección.
Bohemia y Alemania (vidrio y cristal de): La producción de vidrio y cristal de
Bohemia, Silesia, Moravia y Sajonia recibió su primer gran impulso a finales del
siglo XVI, cuando los nobles decidieron buscar nuevos ingresos a través de los
impuestos que pagarían los vidrieros a quienes se estimulaba para
establecerse en aquel país tan rico en madera, que había de servir de materia
prima barata para los hornos de la industria. Animados por la aparentemente
inagotable riqueza de los bosques y por los privilegios ofrecidos familias
enteras de artesanos del vidrio se establecieron definitivamente en el país.
Aquellas primeras factorías empezaron a producir, además de cristales para
ventanas, diversos recipientes de vidrio soplado que presentaba un color
verdoso llamado Waldglas13. Durante todo el siglo XVII estas manufacturas
siguieron las tradiciones de las formas medievales14. Luego aparecen las
formas importadas por vidrieros venecianos. Este nuevo cristal, más
transparente, se decoraba con ornamentaciones pintadas y esmaltadas. Pero
la más característica y la más apreciada por los coleccionistas de cristal
alemán y de Bohemia es la ornamentación a base de tallados y repujados. La
decoración esmaltada fue muy popular en Alemania y Bohemia hasta el siglo
XVIII (Venecia lo abandona debido a la gran fragilidad del cristallo para
soportar el segundo horneado necesario para fijar el esmalte). Los recipientes
preferidos para ser decorados al esmalte fueron los vasos de cerveza de
grandes dimensiones. Los alemanes aplicaron una nueva técnica de esmaltado
que consistía en una mezcla de óxido de cobre y polvo de cristal que se fundía
a la superficie decorada a determinada temperatura.
Pero la especialidad ornamental en la que los vidrieros de Alemania y Bohemia
destacaron es el tallado a la rueda y el grabado. Su más grande representante
fue Caspar Lehman (1570-1622). La gran novedad de su técnica, con la que
era capaz de reproducir diseños inspirados en grabados de artistas flamenco
se italianos, consistía en la profundidad, precisión y finura de sus
ornamentaciones incisas en contrate con lo tosco de las ornamentaciones de la
época. Desde Lehman, el cristal tallado de Alemania y Bohemia se impone
como la variedad preferida por la aristocracia y las elites adineradas de Europa.
En el siglo XVIII el cristal de Bohemia incorpora la técnica del cristal blanco
opaco para competir con la porcelana. En el siglo XIX Bohemia desarrolló
nuevas composiciones químicas para perfeccionar sus cristales y nuevos
estilos decorativos que le devolvieron su supremacía durante el período
Biedermeier. El diseño clásico de esta época es conocido como vaso

13
Cristal de los bosques.
14
El “roemer”, con decoración grabada y el “kuttrolf”, recipiente de largo cuello ligeramente inclinado.
Ranftbecher, que consiste en un exuberante recipiente en forma de trompeta
sobre un pesado pié cortado en facetas. También en el siglo XIX se desarrolló
en Bohemia una técnica que se mantuvo en secreto hasta 1850 que consistía
en introducir un vaso o recipiente de cristal en otro de cristal opaco o de otro
color. La superficie externa se cortaba en facetas que descubrían el contraste
con la capa interna y las facetas se decoraban con dorados, pinturas o tallas. El
enorme costo de producción de las artesanías de Bohemia se tradujo en la
enorme cantidad de copias e imitaciones que se hicieron de ellas. Hacia fines
del siglo XIX aparecieron las grandes creaciones del llamado Jugendstil
equivalente al Art Nouveau.
Cadarso de los Vidrios: Villa de la provincia de Toledo cuyo nombre proviene
de las factorías instaladas en el lugar que funcionaron desde el siglo XVI.
Calcedonio (cristal): Un tipo de vidrio conseguido por los venecianos de la isla
de Murano en el siglo XVI semejante a la modalidad del cuarzo. Su coloración
profunda le daba un aspecto marmóreo o de gema semi-preciosa.

Camafeo (cristal de): Cristal decorativo según un

procedimiento Romano. El efecto decorativo consiste en el
contraste de un relieve en vidrio blanco opaco sobre un
fondo coloreado.
Coloreados (vidrios): Se consiguió mucho antes que la
variedad transparente. Los egipcios conocían ya las
propiedades colorantes de los óxidos de cobre, manganeso
y cobalto. En la segunda mitad del siglo XVIII aumentó la
demanda del vidrio coloreado. El azul era de más difícil
obtención, porque el óxido de cobalto que se empleaba
entonces no era un tinte estable.
Cristal de hielo: Otra modalidad del vidrio introducida por
Murano, en un enfriamiento repentino de la pieza de vidrio introduciéndola en
un baño de agua para volver a calentarla antes de terminar el proceso de
soplado. Este procedimiento le da al cristal una calidad de cuarteado regular en
toda su superficie.
Cristal Inglés: Hasta el siglo XVIII los artesanos ingleses se inspiraron en el
diseño continental, luego evolucionaron hacia estilos propios. Por ejemplo, a
partir de 1750 el fuste de la copa inglesa incorpora un nuevo tipo de decoración
consistente en combinar hebras huecas, coloreadas y de cristal opaco en
espirales entrelazadas dentro del fuste, consiguiendo audaces efectos
decorativos. Para los coleccionistas, estas copas inglesas del siglo XVIII tienen
un valor inmenso, debido a su rareza. Es notable la hebra de cristal blanco
opaco trabajada en complicadísimos diseños que combinan hasta tres
diferentes espirales entrelazadas dentro del fuste de una copa, siendo la corola
lisa o grabada. Su forma variaba desde el cono invertido hasta la de trompeta.
También es muy notable el cristal esmaltado y dorado inglés. Puede decirse
que el siglo XVIII fue la época dorada del cristal inglés. Durante el siglo XIX
dada la prosperidad del país, aumenta la demanda de tal forma que hubo que
responder a ella con producciones masivas de objetos decorativos para una
nueva burguesía recientemente enriquecida. Durante los primeros treinta años
del siglo XX se pone de moda el cristal tallado, para cuya técnica era
especialmente propicio el vidrio con un gran contenido de plomo que se
fabricaba en Inglaterra según la fórmula de George Ravenscroft y que permitía
cortes y hendiduras mucho más profundas que las que fueron factibles con el
cristallo veneciano. El surgimiento de un arte rutinario incentivó a Ruskin a
sostener: Todo trabajo en cristal es malo si no proclama en alta voz su
ductilidad y su transparencia, escribió, consecuentemente, todo cristal tallado
es bárbaro.15 A fines del siglo XIX se produce en Inglaterra un renacimiento del
cristal de camafeo, como se dijo, de origen romano. Los artesanos ingleses se
mantuvieron fieles a la tradición clásica y a los motivos decorativos inspirados
en el famoso vaso Portland. El más importante centro de fabricación fue
Stourbridge.
Crystallo Ceramie: Procedimiento que consistía en la incrustación de piezas
de cerámica, en general bajorrelieves con retratos de personajes célebres o
motivos heráldicos, en superficies de cristal de gran pureza. Se empleó en
pisapapeles, frascos para vino o perfume y piezas decorativas.
Chinoiserie: Este es el término francés que se ha adoptado para referirse a la
decoración europea inspirada en motivos chinos. Desde el siglo XVII, muchos
decoradores de cerámica, plata, vidrio, muebles y otras artes y artesanías

15
Ruskin es el padre de una reacción artística contra la producción industrial en masa, que propiciaba la
vuelta al trabajo artesana y manual, cuyo emergente fue el movimiento Arts & Crafts.
suntuarias tomaron las ilustraciones de grabados y estampas referidas a China
para inspirarse en ellas y conseguir un estilo exótico en la interpretaciones de
jardines, figuras, pájaros o pagodas.
Diatretarii: Nombre latino de los grabadores de vidrio que empleaban ruedas
rotativas de material abrasivo o puntas de diamante, cuya técnica era ya
conocida por los vidrieros romanos.
Facetado del Cristal: Antes de ser empleado en la decoración del vidrio, este
método fue usado en el cristal de roca. El corte en facetas para prestar al cristal
de vidrio la cualidad refractaria a la luz propia de las piedras preciosas, se
originó en Bohemia a principios del siglo XVII. El método es similar al de la talla
de gemas, se realiza mediante el corte en facetas del vidrio mediante una
rueda de esmeril. El efecto buscado de refracción de la luz se conseguía
mediante el corte en prismas (generalmente diamantes o en estrella) de la
pieza de vidrio transparente. El vidrio que mejor se adaptaba al facetado era el
cristal de plomo, de gran dureza, inventado por George Ravenscroft.
Façón de Venise: Este término francés se internacionalizó para definir un tipo
de vidrio fabricado de acuerdo a la manera de Venecia que la factoría de
Murano impuso en toda Europa como el ideal a conseguir en transparencia y
dureza semejante al cristal de roca.
Favrile: Nombre comercial de un tipo de vidrio artístico introducido por Louis
Confort Tyffany. Se caracteriza por su iridiscente
y pulida superficie que Tiffany conseguía
mediante la incorporación de sales metálicas
cuando el vidrio aún estaba en fusión.
Figuras de Nevers: Erróneamente llamadas de
esmalte, estas figuras estaban fabricadas
básicamente de vidrio opaco conseguido
mediante el añadido de óxido de estaño a la
pasta vítrea. Su modelado se hacía “a la
lámpara”, reblandeciendo la pasta mediante la aplicación de la llama para
conseguir luego la forma mediante herramientas de modelado. Se fabricaron
desde el 1600 y se hicieron populares durante el siglo XVII bajo el nombre de
“verrefilé”. Es frecuente el uso de vidrio coloreado para las ropas de los
personajes y la imitación de rocas y césped de la base.
Gallé, Emile (1845-1905): Uno de los grandes creadores del movimiento Art
Nouveau y el gran renovador de las artes decorativas en la especialidad del
vidrio artístico. Para conseguir los más asombrosos efectos estéticos, Gallé no
dejó de experimentar nuevas técnicas en el fundido y manipulación del vidrio
durante toda su vida dedicada por entero al arte.
Grabado: Los grabados en vidrio adoptan tres métodos básicos. Resumiendo:
el grabado con punta de diamante, el corte a la manera de los lapidarios y el
grabado al ácido. Ver Técnicas de Decoración del vidrio: Grabado.
Humpen: Es una forma típica de la industria del vidrio en Alemania y Bohemia.
Consiste en un recipiente cilíndrico muy alto con una tapa en forma de cúpula,
con decoración esmaltada de diferentes tipos.
Hyalith: Un vidrio opaco imitando porcelana que se produjo en varios colores y
se comercializó en el siglo XIX en Bohemia y Alemania.
Japonaiserie: Equivalente al término Chinoiserie, que se aplica a los diseños
japoneses.
La Granja de San Ildefonso: Pueblo donde se desarrollo la artesanía del vidrio
en España, ideal por los bosques y abundancia de madera. Habiendo
incorporado desde sus comienzos los procedimientos técnicos más avanzados
de Europa, la fábrica de La Granja era capaz de surtir a las mansiones reales y
a la clientela privada con toda clase de productos en las tres versiones del
vidrio (colado para cerramientos y espejos, cristal de plomo para servicios de
mesa y adornos de vidrio al estilo de Bohemia para piezas talladas y doradas).
Mención aparte merece la fabricación de lámparas de cristal de La Granja que
se iniciaría inmediatamente después de la fundación de la factoría, siguiendo el
modelo veneciano del tipo llamado “araña” (lámpara enteramente de cristal sin
elementos metálicos). Estas “arañas” constan de tres partes diferenciadas: el
árbol central, los brazos en forma de “S” y los colgantes tallados en formas de
racimos, palmas, cipreses, triángulos y rombos.
Latticinio: Nombre originario de Murano (Venecia) para referirse a la técnica
con la que se consiguió introducir hebras de vidrio opaco (generalmente
blanco) en un cuerpo de vidrio transparente formando un esquema decorativo
con espirales o líneas rectas o entrelazadas. Sería imitado con mayor o menor
fortuna por casi todas las factorías europeas.
Milchglas: Vidrio blanco y translúcido conseguido a partir de óxido de estaño.
Originario del siglo XV en Venecia respondía a la intención de imitar la
porcelana china por lo que luego se denominó porcellein-glas.
Millefiori: Con este nombre italiano se conoce el esquema decorativo que se
consigue mediante el siguiente proceso: se funden cañas de vidrio de colores
diferentes. Estas cañas se cortan en sección
formando varios discos. Por último, los discos de
vidrio de colores diferentes se funden juntos
(lado a lado) consiguiendo así una superficie
semejante a un lecho de pequeñas flores.

Este método fue aprendido por los romanos

del Imperio en el siglo primero y redescubierto
por los venecianos de Murano a finales del
siglo XIV. Durante el siglo XIX, fue muy usado
por las empresas francesas Baccarat y Saint
Louis para la fabricación de pisapapeles
decorativos.
Murano: Los venecianos importaron a través de su comercio con oriente artes
y artesanías cuyo secreto era desconocido para el resto de Europa. Los
venecianos celosos de tal secreto trataron de ocultar cuanto pudieron la
fórmula de fabricación del vidrio, exiliando a sus sabios artesanos a la isla de
Murano a partir de 1292. En ese lugar de donde los vidrieros no podían salir,
florecieron nuevas técnicas que dieron origen a una industria y a un arte nunca
imaginado. Es en el siglo XV que su cristal adquiere categoría de verdadero
arte. Sus formas eran pesadas pero sus colores se hicieron brillantes y su
decoración original. A fines del siglo XV los vidrieros de Murano eran capaces
de producir cristal azul, verde, púrpura y blanco opaco, además de logradas
imitaciones de piedras semi-preciosas, pero su gran aporte sería el uso
artístico de la pintura esmaltada. La máxima perfección de las piezas de
Murano se logró en el siglo XVI ya que adquiere la pureza y transparencia
aproximada al cristal de roca. El famoso cristallo veneciano empezó a
desarrollarse en esta época. El cristallo era tan frágil que no podía ser
horneado una segunda vez para fijar la decoración esmaltada sin riesgo de
producir deformaciones, de manera que el énfasis ornamental se puso en las
delicadas y airosas formas, en la incorporación de hebras de vidrio blanco
opaco, en el grabado con punta de diamante y en la suntuosa aplicación de
motivos dorados.
New England Glass Company: Empresa norteamericana que aún hoy sigue
activa con el nombre de Libbey Glass Company en Ohio y que a partir de 1818
se hizo de un gran prestigio en el Mercado internacional por la calidad de sus
productos. Sus diseños se caracterizaban por contener gran cantidad de
plomo, lo que les daba transparencia y por la riqueza de sus cristales
coloreados, especialmente el rojo rubí. Sus vidrios soplados fueron conocidos
por la simpleza de sus formas y el acabado de sus manufacturas. Una de sus
producciones más características fue el vidrio plateado16 para picaportes de
puertas y vajillas imitando plata.
Opalinas: El antecedente del vidrio opalino17 es el llamado milchglas o vidrio
lechoso introducido por los venecianos en el siglo XV. El moderno opalino
blanco es difícil de distinguir del antiguo veneciano. Sin embargo las modernas
opalinas se originaron en Francia (ver Baccarat y St. Louis) y su nombre fue
dado por la factoría de Baccarat a sus vidrios coloreados mientras que St.
Louis los llamó pate de riz. No fueron los franceses los únicos en producir los
modernos vidrios coloreados sino que Bohemia había lanzado en 1820 un
vidrio negro y otro con apariencia marmórea. Entre los coleccionistas las
opalinas más apreciadas son las llamadas gorge de pichon (cuello de paloma)
de vidrio translúcido con un tinte malva. Las llamadas bulles de savon o
burbujas de jabón son de varios colores con matices que producen un efecto
de arco iris. También son rarezas las opalinas turquesas y violetas. Las negras
no son muy frecuentes y las blancas de vidrio opaco fueron muy usadas como
pantallas18 de lámparas.
Orrefors: Fábrica de cristal Sueca fundada en el siglo XX. La excelente calidad
de sus productos radica en la pureza de su cristal, en su exquisito diseño y la

16
Silvered Glass
17
Vidrio opaco y coloreado
18
Tulipas
belleza de su decoración. Sus productos combinan diseños modernos con las
antiguas técnicas de grabado.
Pasglas: Antiguos vasos usados para beber cerveza19. De forma cilíndrica y
gran capacidad presentan la característica de la señal del nivel hasta el cual le
estaba permitido beber a cada comensal. Estas señales están marcadas por
hebras de vidrio formando círculos paralelos sobre la superficie del vaso o por
una sola hebra que asciende desde la base en espiral marcando las diversas
medidas en cada una de sus circunferencias ascendentes. Los que no tenían
marcas se decoraban con esmaltado.
Peachblow: Una rareza para coleccionistas de piezas de vidrio y cristal. Se
trata de un cristal con delicados matices que van del blanco azulado al rosa o
violeta, recordando los pigmentos de una porcelana china cubierta con esmalte
rosado que se conoce como peach-bloom20. Este tipo de cristal fue fabricado
en Estados Unidos por la New England Co. a mediados del siglo pasado.
Pisapapeles: Ver Baccarat y Saint Louis para una explicación más amplia.
Pitkin: Los vasos Pitkin se pusieron de moda entre los coleccionistas en los
años 20. Estos frascos de bolsillo, moldeados con un ligero relieve en espiral
que se extiende desde la base hasta el cuello, se encuentran en diferentes
colores de vidrio transparente. Se llaman así porque son originarios de una
pequeña fábrica norteamericana de Connecticut perteneciente a dicha familia.
Pittsburg: Importante centro de producción de vidrio desde fines del siglo XVIII
hasta nuestros días.
Pomona: Cristal decorativo producido en los últimos años del siglo XIX por la
firma New England Co. El efecto artístico se conseguía tratando las dos
superficies del cristal de modo diferente: una de las caras era coloreada en un
amarillo pálido mientras que la cara opuesta era decorada con motivos florales
o de mariposas incisas.
Prensado: El sistema de producción del vidrio prensado en moldes que
sustituyó definitivamente al soplado tradicional representa el mayor avance
técnico en la producción de objetos de vidrio en los últimos 2000 años. El
sistema se originó en los Estados Unidos a comienzos del siglo XIX. En 1827
se produjo en Boston el primer vaso moldeado y decorado de un solo golpe de

19
Su nombre proviene de la costumbre de pasar el vaso de mano en mano
20
Durazno en flor. Trad.
émbolo sobre una masa de vidrio fundido. Uno de los usos más importantes del
vidrio prensado fue la fabricación de lámparas de diferentes tipos, la mayor
parte de las cuales eran de vidrio transparente. Uno de los trabajos artesanales
que se eliminaron con el vidrio prensado fue el facetado. El facetado artesanal
es muy fácil de distinguir del mecánico que presenta los bordes romos y que es
mucho más preciso y regular.
Ravenscroft, George: Fue el inventor de una nueva fórmula para conseguir un
cristal transparente y notablemente duro que acabaría sustituyendo el
tradicional vidrio de sodio. La fórmula se basa en el empleo de plomo
(protóxido de plomo) en la mezcla de la pasta vítrea superando la mejora que
había supuesto el uso de potasio en lugar de sodio. Su invento revolucionó la
industria del cristal inglés, cuya calidad adquiriría una supremacía mundial. Las
escasas piezas fabricadas por el mismo estaban marcadas con una cabeza de
cuervo.
Ribbon21: Nombre usado por Louis Confort Tiffany para describir determinados
tipos de cristal fabricado a mano (ver Favrile) usado principalmente en las
pantallas de sus lámparas Art Nouveau. La referencia a las cintas tiene origen
en vidrios decorativos del siglo I, conseguidos mediante incrustaciones hechas
con vidrios de diferentes colores y distintos grados de opacidad.
Saint Louis: Ver Baccarat y Saint Louis.
Sandwich: Fábrica norteamericana establecida en Massachussets de
producción variada cuyo aporte más conocido sería el método del prensado en
moldes de la pasta vítrea.
Satinado: Un tipo de cristal decorativo con una calidad mate conseguida
mediante la inmersión en un ácido abrasivo. Dentro de este tipo, fue muy usado
el llamado peachblow mate. Fue una especialidad de numerosas fábricas. Por
su cualidad translúcida (aunque no transparente) el cristal satinado se usó
mucho, a finales del siglo XIX, para pantallas de lámparas.
Schwanhardt: Familia checa que desarrolló un gran estilo como grabadores de
cristal que crearon escuela en Bohemia desde el siglo XVII.
Schwarzlot: Expresión alemana que significa literalmente plomo negro y define
un tipo de decoración pintada que se empleó originariamente en el cristal.

21
Cinta. Trad.
Consiste en la utilización de esmalte negro realzado con tonos rojizos y
dorados. Luego se utilizó esta técnica para decorar cerámica.
South Jersey: Tipo de vidrio procedente de las fábricas establecidas al sur de
New Jersey por inmigrantes alemanes y polacos a fines del siglo XVIII, de
textura verdosa, decorado con hebras de vidrio arrolladas.
Stiegel: Fábrica norteamericana que produjo piezas decoradas al estilo
europeo en las diversas variantes de moldeado, grabado a la rueda y
esmaltado. Su esquema decorativo moldeado consistente en una margarita
encerrada en un rombo distingue sus piezas de las europeas de similar factura.
Tiffany, Louis Confort: Uno de los grandes maestros del Art Nouveau, nació
en Nueva York en 1848 y se distinguiría por la riqueza y versatilidad de su
estilo como diseñador y realizador de piezas de cristal sumamente originales y
lujosos. Para 1890 había producido ya un considerable número de piezas
decorativas usando exclusivamente cristal coloreado y unos años más tarde
lanzaría su invento del cristal favrile con el que realizaría magníficas piezas en
audaces diseños combinados a veces con aleaciones metálicas. En 1900
reorganizó sus métodos de producción y con el nombre de Tiffany Studios
extendió sus diseños a lámparas, joyería, cerámica y figurillas.
Venecia (cristal de): Ver Murano.
Verre eglomise22: El término se emplea para la descripción de un cristal plano
decorado con panes de oro y plata, a veces combinado con pintura.
Verzelini, Giacomo: El primer fabricante de vidrio de Murano que emigró a
Inglaterra y trasladó las técnicas de fabricación a Londres.
Waldglas: expresión alemana que significa vidrio de los bosques. Ver Bohemia
y Alemania.
Zwischengoldglaser: Término alemán que refiere a un tipo de cristal
conseguido mediante una especie de sándwich en el que dos capas de cristal
encierran una decoración dorada. Se trata en realidad de dos recipientes de
cristal que encajan perfectamente uno sobre el otro. La superficie del interior se
decora con panes de oro y plata. Los coleccionistas pagan altos precios por las
raras piezas que aún puedan encontrarse.

22
La palabra proviene de Jean Baptiste Glomy a quien se le atribuye la invención de la técnica.
 Unidad VIII – Bibliografía Específica

 AAVV.; Art Nouveau, Cristal y Cerámica, Edimat Libros, Madrid, 1999.

 De Vecchi, Paolo; Guía de las Pequeñas Antigüedades, Editorial De
Vecchi, Barcelona, 1992.
 Escárzaga, Ángel; Porcelana, Cerámica y Cristal, Ediciones Antiquaria S.
A., 1994.
 Jervis, Simon; The Penguin Dictionary of Design and Designers, Penguin
Books, Londres, 1984.
 Miller, Judith; Antiques & Collectables, The Fact at your Fingertips, Reed
International Books Limited, Londres, 1993.
 Miller’s Collectables Price Guide, Reed International Books Limited,
Londres, 1992.
 Phillips, Phoebe; The Encyclopedia of Glass, Londres, 1981.
 Porter, Norman y Jackson, Douglas; Tiffany Glassware, Londres, 1988.
 Sotheby’s Concise Enciclopedia of Glass, Londres, 1991.
 West, Mark, Miller’s Glass Antiques Checklist, Reed International Books
Limited, Londres, 1996.
 UNIDAD IX

TASACIÓN Y VENTA DE
ALFOMBRAS Y TAPICES
 UNIDAD IX

TASACIÓN Y VENTA DE ALFOMBRAS Y TAPICES

Este capítulo pretende introducir al tasador de bienes de arte y de colección en

las generalidades del mundo de las alfombras (Orientales y Europeas) y los
tapices. Para apreciar y valuar las alfombras y tapices se hace imprescindible
adquirir algunos conocimientos sobre las características del tejido, el diseño, el
tipo de vida de los tejedores y cómo las alfombras o tapices de un determinado
país se diferencian de otras. Se ofrecerán a continuación algunos de estos
conocimientos poniendo el énfasis en la estructura y diseño de alfombras y
tapices como método para facilitar su identificación.

1. Alfombras

1.1. Alfombras Orientales

1.1.1. El Arte de elaborar Alfombras Orientales

[Link]. Hebras

[Link]. Materiales

[Link]. Tipos de Telares

[Link]. Los Tintes

[Link].1. Tintes Naturales

[Link].2. Mordientes

[Link].3. Tintes Sintéticos

[Link].4. Entintado Comercial

[Link].5. Difuminado

[Link].6. Tratamiento Químico de los Tintes

1.1.2. Tipos y Tamaños de las Alfombras Orientales

 [Link]. El formato de las Alfombras Orientales

1.1.2. Elementos del Diseño

[Link]. Métodos para dibujar diseños

[Link]. Significado de los diseños

1.1.3. Clasificación de las Alfombras Orientales

[Link]. Estilo de Vida del Tejedor

[Link].1. Nómadas

[Link].2. Rurales

[Link].3. Urbanos

[Link]. Origen Geográfico

[Link].1. Turquía

[Link].2. Cáucaso

[Link].3. Persia o Irán

[Link].4. Asia Central y Turcomanas

[Link].5. China

1.1.4. Coleccionismo de las Alfombras Orientales

1.2. Alfombras Europeas

1.2.1. Alfombras Españolas

1.2.2. Alfombras Francesas

1.2.3. Alfombras Inglesas

1.3. Tasación de Alfombras

1.3.1. Valores y Mercado

2. Tapices

2.1. Origen de los Tapices

2.1.1. Tapices Flamencos

2.1.2. Tapices Franceses

2.1.3. Tapices Ingleses

2.2. Tasación de Tapices

 Unidad IX - Desarrollo de Contenidos

1. Alfombras

La mayor parte de las alfombras se designan de acuerdo con su lugar de

origen o el nombre de la tribu que las fabricó. Para poder identificarlas y
encontrar las diferencias hay que
familiarizarse con los colores
distintivos, los dibujos, motivos y
el tipo de tejido. El tamaño, la riqueza
de los colores, la finura de los
nudos, lo intrincado del diseño y el
estado; son elementos
importantes al momento de la
valuación de una alfombra antigua.
Éstas deben ser sí o sí hechas a
mano. Para confirmarlo hay
que dar vuelta la alfombra y deben
verse en el reverso los mismos
diseños que en el anverso. Luego
debemos apartar el pelo y revisar los
nudos. Si se observan lazadas o
bucles en lugar de nudos, esto nos indica que está fabricada a máquina y que
es de poco interés para los coleccionistas.

Se debe establecer en primer término la necesidad de aclarar algunas

denominaciones. La única diferencia que existe entre una alfombra y una
carpeta es el tamaño. Las alfombras son lo suficientemente pequeñas como
para ser colgadas en la pared (2 metros). Cualquier cosa más grande se
denomina carpeta. En lo que se refiere a estas piezas se pueden ubicar, a
grandes rasgos, en dos grupos mayores: alfombras de colección y alfombras
decorativas. Los coleccionistas se inclinarán por aquellas que tienen una
antigüedad de por lo menos 100 años. Las más modernas son de interés a
efectos sólo decorativos y no de colección. Hay muchas réplicas que cuestan
casi lo mismo que algunas alfombras antiguas. Analizaremos en primer término
las Alfombras Orientales y luego las Europeas.

1.1. Alfombras Orientales

1.1.1. El arte de elaborar Alfombras Orientales

Madeleine Ginsburg23 sostiene que en la elaboración de una alfombra

intervienen muchos factores, y conocer de cuáles se trata ayuda a identificarla.
El nudo, el tipo de telar, el tamaño y los diseños indican dónde, por qué, por
quién y cómo fue tejida. Es preciso aprender algo sobre estos aspectos, no
sólo para aprender el lenguaje de la alfombra oriental sino también para
distinguir los diferentes tipos existentes.

Todas las alfombras orientales, para ser clasificadas como tales, deben estar
hechas a mano. Pueden elaborarse a partir de distintos tipos de lana, en
diversos tipos de telares, con muchos tipos de tintes, en una amplia gama de
diseños y bajo circunstancias muy variadas. Todos estos factores cuentan algo
sobre la alfombra y ayudan a identificarla.

[Link]. Hebras. En general, las alfombras se elaboran con tres tipos de hebra:
la urdimbre, la trama y el nudo. Cada una cumple una función específica.
La urdimbre se dispone sobre el telar y corresponde a la hebra que forma la
base de la alfombra. La urdimbre en los extremos de una alfombra puede
adoptar diferentes acabados para crear un borde.
La trama se inserta sinuosamente a través del ancho del telar, en ángulos
rectos o en perpendicular a la urdimbre. De igual modo, se emplea después de
cada fila de nudos para sujetarlos en su sitio dando a todas las hebras una
estructura cohesiva.

El nudo crea el diseño. Existen dos tipos de nudos: simétrico y asimétrico.

Algunos nombres más antiguos para el nudo simétrico son turcos, gordes y
dobles; y para el asimétrico, persa, senneh y sencillo. El nudo asimétrico puede

23
Ginsburg, Madeleine; La historia de los Textiles, Editorial Libsa, Madrid, 1993.
estar anudado para abrir a la derecha o a la izquierda. Cada tipo de nudo
también puede estar tejido para donar al nudo de una inclinación hacia la
derecha o a la izquierda.

La depresión de la urdimbre se refiere a la forma en que las urdimbres pueden

estar hechas para permanecer paralelas una a otra o en diferentes niveles. Se
hace manipulando las tramas. La depresión de la urdimbre incrementa la
densidad de los nudos.
La densidad de los nudos se refiere al número de nudos en una unidad
específica de medida: por ejemplo, un centímetro cuadrado. Los nudos se
cuentan verticalmente y horizontalmente dentro del área en cuestión por el
revés de la alfombra, y las cifras obtenidas se multiplican para calcular el
número de nudos por medida cuadrada. Horizontalmente los dos puntos de la
base del nudo se cuentan como un solo nudo. Verticalmente un punto entre
cada fila de tramas representa un nudo. El error más común entre los
principiantes consiste en contar los dos puntos horizontales como dos nudos.
Este método para contar los nudos se aplica sólo a las alfombras con tramas a
un único nivel. Para contar tramas con depresión se requieren mayores
conocimientos.

La densidad del nudo refleja muchos aspectos de la construcción de una

alfombra, tales como el tamaño de las hebras de la trama, la urdimbre y los
nudos, lo fuerte que el tejedor aprisionó cada fila de nudos y la presencia o
ausencia de depresión de la trama. La densidad del nudo no es un
determinante de calidad. La mayoría de las alfombras de un tipo cuentan con la
misma densidad de nudos. Un tipo de alfombra notable por su alta densidad de
nudos no es mejor que otra con una densidad media de nudos; probablemente
sería más costosa pero no mejor. El coste, y no el mérito estético, la calidad de
la lana o la singularidad, tienen una relación más estrecha con la densidad del
nudo.
[Link]. Materiales. Según Jacobsen24 los tejedores de alfombras orientales
empleaban y emplean muchos tipos de fibra, siendo los más comunes la lana y
el algodón. La seda, el pelo de camello, el de cabra y el de caballo son menos
frecuentes.

La lana es la fibra más común y se emplea para la trama, la urdimbre y el nudo.

Se tiñe y se emplea para crear diseños. Los colores de la lana natural son el
blanco, el gris, el tostado, el marrón oscuro y el negro. Los diferentes tipos de
lana presentan variaciones en el brillo, la durabilidad y la textura.

El algodón es la segunda fibra más empleada y aparece principalmente en la

trama y la urdimbre. No se utiliza con frecuencia en el nudo, pero cuando lo
hace supone un factor de identificación muy importante. A menos que pase por
un proceso de coloración, el algodón aparece con su color blanco.

La seda es la fibra más cara empleada en las alfombras y puede emplearse

como urdimbre, trama y nudo. Su uso es signo de opulencia y, ya que puede
ser hilada de forma más delicada que la lana o el algodón, a menudo se
encuentra en las alfombras más elaboradas. La seda puede aparecer con su
color natural blancuzco o teñida.
El pelo de camello se emplea principalmente como hebra para nudos con su
color natural, que puede variar de los tonos más pálidos al marrón.
El pelo de cabra y el pelo de caballo se emplean sobre todo para los bordes de
las alfombras, por ser más duraderos que otras fibras. Sus colores son marrón
oscuro o negro.

[Link]. Tipos de Telares. La construcción de los telares puede variar de forma

considerable. El telar horizontal se construye paralelo al suelo y es el más
simple. Consiste en dos trozos de madera, alrededor de los cuales se colocan
las hebras de la urdimbre. Se levanta ligeramente del suelo y el tejedor se
sienta sobre las hebras de la urdimbre para tejer. Este telar puede

24
Jacobsen, Charles; Oriental Rugs, a Complete Guide, Charles E. Tuttle Co. Rutland, VT, 1962. Trad.
transportarse de manera cómoda aunque no se haya finalizado la labor. Con
frecuencia, las alfombras tejidas en telares horizontales no tienen lados y
terminaciones perfectamente iguales.

El telar vertical se construye vertical al suelo. Puede tratarse de un telar

independiente que puede apoyarse contra una pared o estar construido en un
sitio fijo. El tejedor se sienta enfrente del telar para tejer. Este telar puede tener
características estructurales complejas, por lo que su transporte puede
presentar dificultades. Las alfombras tejidas en telares tienen lados y
terminaciones de medidas más regulares.

[Link]. Los Tintes. Antes del descubrimiento del primer tinte sintético en 1856,
los tintes de las alfombras orientales provenían de fuentes naturales. Con el
rápido desarrollo de los tintes sintéticos y su veloz aceptación en todo el
mundo, fueron adoptados por los tejedores de alfombras orientales hacia el año
1860, aunque los tintes naturales continuaron siendo empleados durante varias
décadas. Sin embargo, alrededor de principios del siglo XX, los tintes sintéticos
habían desplazado casi por completo a los naturales. Para comprender por qué
ciertas alfombras orientales reciben tan gran estima y otras no, es necesario
obtener ciertos conocimientos de cuáles eran estos tipos de tinte y sus efectos
particulares sobre las alfombras.

[Link].1. Tintes naturales. Los tintes naturales procedían de las plantas,

los minerales y los insectos. Respecto a los tintes vegetales, podía
emplearse cualquier parte de la planta, ya fuesen las flores, las hojas, los
tallos o raíces.

Para el rojo, la rubia era la fuente vegetal más común, que daba lugar a un rojo
cálido por los componentes amarillos que contenía. La cochinilla, que se
derivaba de varias especies de insectos, daba lugar a un rojo frío por los
componentes azules. Otros tintes rojos se derivaban del alazor y del palo de
Brasil, pero nunca fueron tan importantes en las alfombras como la rubia y la
cochinilla.
Los tintes amarillos provenían de las más diversas fuentes vegetales, como los
estamentos del azafrán, la cáscara de la granada, la retama de tintes, la
espuela de caballero, la camomila, la salvia y ciertos zumaques.

El índigo era la fuente del tinte de color azul y de éste se obtenían todos los
matices. Los castaños y los robles proporcionaban el marrón con las cáscaras
de sus frutos. Los marrones variaban de los tonos medios a los más oscuros.
La mayoría de los marrones, dado su contenido en ácido tánico, son
corrosivos, causando que las fibras se quiebren y se deterioren con mayor
rapidez. En general no se considera una característica negativa, ya que
proporciona un efecto similar al de los grabados al aguafuerte. También se
empleaba madera como fuente natural para obtener un tinte marrón.

El verde resultaba de la combinación de índigo con un tinte amarillo. Muchos

verdes producidos de manera natural tienen un tono verde azulado. Los verdes
verdaderos son escasos pero existen. Muchos verdes se convierten en verdes
azulados con el tiempo cuando el componente amarillo desaparece.

El naranja se obtenía principalmente de la combinación de tintes rojos y

amarillos. Algunos tonos de rojos anaranjados resultaban del uso de baños con
tintes de rubia rebajada.

Muchos colores en la gama del violeta o el púrpura resultaban de la

combinación de un rojo y el índigo. Algunos son el resultado de un tratamiento
especial de la rubia.
El negro se producía frecuentemente por la combinación de un tinte tánico,
como las cáscaras de bellota del roble o las agallas del granado, con sales
férricas. Al igual que con los tintes marrones, el negro es corrosivo, incluso más
si cabe.

[Link].2. Mordientes. Para que la mayoría de los tintes se adhieran o se fijen

a la fibra lanosa, la lana debe ser tratada en primer lugar con una sal metálica,
llamada mordiente. Esta sal metálica puede ser hierro, aluminio, cobre o
estaño. El tipo y la fuerza del mordiente usado no sólo fijan el tinte sino que
también afectan el tono de color. Por ejemplo, los mordientes férricos pueden
provocar una ligera oxidación en el tono del tinte de la rubia, mientras que el
estaño puede llegar a aclararlo y abrillantarlo. Los tintes índigos y marrones no
requieren mordientes, por este motivo se les llama tintes directos25.

[Link].3. Tintes Sintéticos. Fueron descubiertos accidentalmente en 1856 por

William H. Perkin, un estudiante de química inglés de dieciocho años, quien
trabajaba con alquitrán de hulla. El primer tinte sintético, llamado mauveína, fue
seguido rápidamente por otros dos llamados fucsina y magenta. En grupo estos
primeros tintes sintéticos recibieron el nombre de colorantes de anilina. Los
alemanes desarrollaron un tipo llamado tinte azoico. Así, en la literatura
referente a las alfombras orientales se encuentran referencias a estos tintes
como alquitrán de hulla, anilina y ázoe.

Los tintes fueron exportados al este y, como ya ha sido mencionado

anteriormente, fueron empleados en las alfombras orientales hacia el año 1860.
Los tintes sintéticos disponibles entonces eran los rojos, naranjas, amarillos y
verdes; el índigo sintético no fue descubierto hasta 1897.

La literatura sobre las alfombras contiene muchas referencias a los efectos

perjudiciales de los tintes sintéticos, siendo los más comunes la decoloración y
el desangramiento. Algunos de los rojos eran conocidos por su desangramiento
y los magentas, rosas y verdes se decoloraban considerablemente. Existían sin
embargo, algunos tintes sintéticos que ni se decoloraban ni sangraban, siendo
la excepción un naranja particularmente vivo que muchos de los coleccionistas
de alfombras orientales aprendieron a conocer y evitar con presteza.

A comienzos del siglo XX, apareció un nuevo grupo de tintes sintéticos tratados
con mordientes de cromo, que no presentaban las desventajas del
desangramiento y la decoloración sufrida por los primeros sintéticos. Después
de la segunda guerra mundial, los tintes de cromo comenzaron a utilizarse en
el tejido de las alfombras orientales junto con los tintes de anilina y ázoe,

25
Ginsburg, Madeleine; La historia de los Textiles, Editorial Libsa, Madrid, 1993.
aunque no fue hasta la década de los cincuenta cuando llegaron a dominar la
industria.

La única forma cierta de asegurar si un tinte es natural o sintético consiste en

proceder a un análisis de laboratorio. No obstante, muchos coleccionistas
aprenden a usar el test visual, habilidad que sólo se adquiere tras contemplar
muchas alfombras orientales y fijarse en la decoloración y el desangramiento
de ciertos colores. No deja de ser un método falible.

Una de las diferencias visuales entre los tintes naturales y los sintéticos es la
forma en la que éstos penetran las fibras de una madeja de lana. Los tintes
naturales muestran gradaciones sutiles de color dentro de la hebra; los tintes
sintéticos penetran las fibras de forma uniforme, dando la misma profundidad
de color en toda la superficie. El nudo de una alfombra tintada con colorantes
naturales presenta variaciones de color, los tintes sintéticos son uniformes y
regulares.

Con el uso y la exposición a la luz, tanto los tintes naturales como los sintéticos
sufren alteraciones, aunque existe una diferencia: los tintes sintéticos se
decoloran, los naturales se suavizan. Las alfombras nuevas que han sido
tintadas de forma natural pueden tener el mismo aspecto chillón de las
alfombras nuevas tintadas con sintéticos. Cuando los tintes naturales se
suavizan no cambian el color, sin embargo, cuando los tintes sintéticos se
decoloran sí que lo hacen: por ejemplo, el magenta se convierte en gris y el
verde oscuro se vuelve verde pálido. Si no se decoloran, como la mayoría de
los tintes de cromo, mantienen la misma intensidad como en el día en el que
fueron tejidas.

Para confirmar el grado de decoloración, es preciso doblar una alfombra para

ver la base del nudo. Si se empleó un tinte natural, el color será uniforme desde
la punta del nudo hasta la base. Si se trata de un tinte sintético, la punta y
posiblemente hasta cerca de la base del nudo, tendrá un color muy diferente
del de la base del nudo. Desgraciadamente, existen múltiples excepciones a
esta regla, que hace al test visual inseguro.
[Link].4. Entintado Comercial. Al igual que los telares varían de forma
considerable, también las formas de entintar son muy diferentes. Una tejedora
nómada o rural elaborará una sola alfombra a la vez y ella misma hilarán y
entintará la lana en un pequeño recipiente o tinaja empleado para este
propósito. Emplearán sólo una o unas pocas madejas de lana de cada color, un
método conocido como producción en pequeños lotes. Mediante este método,
cuando dos o más madejas de un cierto color se entintan, no suelen coincidir
en el tono de forma perfecta, dando lugar al efecto llamado difuminado.

En las grandes empresas de alfombras, en las que varios telares se disponen

en un edificio y diferentes tejedores los manipulan, los responsables del
entintado calcularán la cantidad de lana necesaria y emplearán grandes tinajas
capaces de albergar un gran número de madejas. Todas ellas obtendrán el
mismo color para las alfombras que van a ser tejidas. Este método se conoce
con el nombre de entintado comercial.

[Link].5. Difuminado. Es un término asociado con el tinte de color en las

alfombras. Se refiere a un cambio de tono en un color y aparece principalmente
en el color de base. Ocurre cuando un tejedor termina una madeja de un color
y continúa usando una segunda madeja del mismo color, pero con un matiz
ligeramente diferente. El difuminado suele ser visible en una línea recta a lo
ancho de la alfombra. Se considera una característica positiva más que
negativa si el cambio de color no es demasiado violento o diferenciado. El
difuminado suele ser el resultado de tinte en pequeños lotes e indica que la
alfombra fue elaborada por un solo tejedor. Puede también resultar del uso de
lana sobrante de otras alfombras. Se trata de una de esas “imperfecciones” que
se cree que las alfombras orientales deben tener.

Aunque el difuminado se relaciona estrechamente con los tintes naturales, no

puede deducirse que todas las alfombras con difuminado hayan sido tejidas
con fibras entintadas de forma natural. El difuminado se considera un elemento
de delicadeza y finura no sólo por los occidentales sino también por los
tejedores. Gran número de sofisticados artesanos, responsables de tejer y
entintar grandes alfombras, han introducido deliberadamente el difuminado en
el diseño de las mismas.

[Link].6. Tratamiento Químico de los Tintes. Desde finales del siglo XIX
existen ejemplos del tratamiento químico de las alfombras para alterar su color,
un proceso conocido comúnmente como rebajado. El rebajado se logra lavando
una alfombra en una solución química para cambiar el color de uno o más de
sus tintes. La alfombra se puede vender con este nuevo color rebajado, o uno o
más de los colores rebajados pueden pintarse con un nuevo color. Un grupo de
alfombras del Cáucaso oriental tejidas a finales de siglo presentaban la técnica
del rebajado en magenta, dorado, azul y marfil: el magenta y el dorado
cambiaban a tonos beige, tostados y blancuzcos, dejando únicamente el azul
en su estado original. Otro grupo de alfombras, principalmente Sarouk de
Persia, fue tejido en un rojo oxidado en los años veinte y treinta. Este rojos no
fue del agrado de los compradores estadounidenses, por lo que las alfombras
recibieron un baño químico para rebajar el tono al color rosa. Este rosa fue
pintado de nuevo con un rojo magenta, que fue comercialmente muy popular.
Estas alfombras reciben el nombre de Sarouks pintadas.

A lo largo de todo el siglo XX, se ha popularizado la técnica de dar a las

alfombras nuevas un ligero baño químico para suavizar los colores. Los
comerciantes al por mayor se encargaron de hacerlo en la mayoría de las
alfombras grandes y pequeñas de Londres, Hamburgo y Nueva York. Aún hoy
se hace en ciertas clases de alfombras, incluyendo muchas de las nuevas
entintadas de forma natural. La mayoría de los coleccionistas evitan las
alfombras que han recibido esta clase de tratamiento26.

1.1.2. Tipos y Tamaños de las Alfombras Orientales.

Para los tasadores de alfombras orientales el tamaño y el uso de una alfombra

es tan importante como cualquier otra característica dado que esto interesa
particularmente a los coleccionistas. Tanto el tamaño como el uso tienen un
26
Ginsburg, Madeleine; La historia de los Textiles, Editorial Libsa, Madrid, 1993.
papel importante a la hora de determinar si una alfombra está considerada
comercial o coleccionable. El término comercial implica que una alfombra fue
hecha con la intención de ser vendida, en particular al mercado occidental.
Coleccionable implica que la alfombra fue elaborada principalmente para el uso
del tejedor que pretendía satisfacer una necesidad de su estilo de vida. Se
asume que no aparecía en principio por la mente la imagen del comprador
extranjero.

Las alfombras suelen tener más de 274 por 182 centímetros y muy pocas son
coleccionables, aunque se adquieren por su empleo como elemento decorativo.

Las alfombrillas suelen ser menores de 274 por 182 centímetros. Algunas de
ellas se consideran comerciales y algunas coleccionables. Muchas personas de
todos los países coleccionan estas alfombras de menor tamaño.

Las alfombras de pasillo suelen medir unos 91 o 121 centímetros de ancho y

de 143 a 609 o más centímetros de largo. Generalmente se consideran
alfombras comerciales, dado su uso especifico.

Las alfombras de oración miden por lo general de 60 a 121 centímetros por 121
a 243 centímetros, el tamaño típico del tipo mas popular entre los
coleccionistas. En la literatura sobre alfombras encontramos una gran variedad
de términos que se refieren a éstas, como son sejadeh, namazlyk y joi namaz.
Algunas alfombras de oración fueron elaboradas para más de una personal; el
término para dichas alfombras es saph.

Las alforjas, de unos 60 por 121 a 152 centímetros, son artículos útiles para el
transporte de bienes. Se considera que son uno de los tipos más populares
entre los coleccionistas. Gran parte de las alforjas antiguas han sido
descosidas y vendidas como pequeñas alfombras, conocidas en Persia como
Khorjin.

Los juvales son bolsas sencillas de diferentes formas rectangulares: 30-91 por
121-213 centímetros, que suelen elaborarse por pares. Como ocurre con las
alforjas, suelen aparecer desmontadas y vendidas como pequeñas alfombras.
Otros términos empleados para este tipo de alfombras son torba y mafrash27.

Otras alfombras utilitarias fueron tejidas para necesidades diarias y ocasiones

festivas. Algunas de estas son las correas de las tiendas, los arreos de los
animales para ceremonias de matrimonio, cubiertas para los animales como
caballos y camellos, y otras funciones especializadas. Éstas se encuentran
entre los objetivos más deseados por los coleccionistas.

Las texturas lisas se fabrican en todos los tamaños anteriores y con las mismas
funciones utilitarias. Tienen trama y urdimbre, pero el número de técnicas
empleadas en su construcción es mucho más variado y diverso que en las
alfombras de nudos. La técnica es, por tanto, lo que identifica estos tejidos,
cuyos tipos más comunes son el Kilim y el soumak.

Los kilims son los más sencillos de estas construcciones28, la urdimbre es la

base y la trama se tinta y se teje sobre la urdimbre para crear el diseño. En su
forma más pura, el kilim es reversible y se emplea por ambos lados. Los kilims
son un tejido de tapicería. Las técnicas más comunes son la de cortes y la de
cola de paloma. La primera consiste en pequeños cortes verticales en el kilim y
la segunda no tiene cortes.

Los soumaks son más complejos y no son reversibles. Se emplea una trama
extra de lana teñida para crear el diseño. Las tramas del diseño se disponen
alrededor de las urdimbres en una secuencia regular. Se cortan y cuelgan
sueltas por el revés de la alfombra. Los soumaks son un tejido de brocado.

Otras técnicas de textura plana emplean diferentes métodos de introducir

urdimbres y tramas de diseño, entre ellas cicim, zili y verneh. Se denominan
texturas compuestas.

27
Jacobsen, Charles; Oriental Rugs, a Complete Guide, Charles E. Tuttle Co. Rutland, VT, 1962. Trad.

28
Hull, Alastair; Kilim, The Complete Guide, Thames and Hudson, Londres, 1993. Trad.
[Link]. El formato de las Alfombras Orientales. Los términos empleados
para describir el formato de una alfombra, ya sean de nudos o de textura plana,
alforjas o juvales, son generalmente los mismos. Dice Jacobsen29 que la
mayoría de las alfombras tiene forma cuadrada o rectangular, aunque existen
también texturas redondas, pentagonales y con forma de U. De nuevo, para
todas se emplea la misma terminología. Los términos más comunes se
destacan en el glosario del Apéndice I.

1.1.3. Elementos del diseño

Son embellecedores empleados para resaltar su complejidad o importancia.

Algunos de los más comunes son:

 Encadenado: los motivos enganchados unos a otros aparecen

generalmente alrededor de los bordes de las formas geométricas.
 Enrejado: serie de líneas conectadas que crean una estructura calada.
 Elementos de relleno: formas geométricas, florales y animales
empleadas para rellenar espacios entre elementos del diseño.

29
Jacobsen, Charles; Oriental Rugs, a Complete Guide, Charles E. Tuttle Co. Rutland, VT, 1962. Trad.
[Link]. Métodos para dibujar diseños. Varían de un país a otro según el tipo
de tejedor; es decir: nómada, rural o urbano. Pueden dividirse en:
 Abstractos o geométricos: con líneas escalonadas o rectas.
 Representaciones o curvilíneos: con líneas curvas o redondeadas.
 Persianadas: estrechamente relacionadas con las alfombras de Irán,
tales como la herati, mina khani, boteh y arabesco. También recibe el
nombre de cachemira, piña o diseño de chal.
 Gul: polígono con varios motivos en su interior.
 Medallón: diseño del gran campo central empleado una o más veces
como el centro de una composición.
 Trifolio: diseño de tres partes sobre una base empleada principalmente
en las cenefas menores.
 Árbol de la vida: forma de árbol empleada con frecuencia en alfombras
para oraciones.
 Mihrab: motivo en forma de arco empleado en alfombras para oraciones.

[Link]. Significado de los diseños. Es uno de los aspectos de las alfombras

orientales sobre los que más se ha escrito y uno de los más incomprendidos.
Los estudiosos han trazado la evolución de los diseños, sus orígenes y cómo
han cambiado en el tiempo y bajo los diferentes imperios. Existen varias teorías
como explicación de los significados originales de algunos diseños. Hoy en día,
sin embargo, la mayoría de los tejedores no coincide frecuentemente en los
significados que los estudiosos conceden a los diseños.
.

1.1.4. Clasificación de las Alfombras

Las alfombras orientales se clasifican con dos parámetros diferentes: según el

estilo de vida del tejedor o tejedora y la zona geográfica del mundo en la que
fueron elaboradas. Aunque la mayoría de los tipos de alfombras tienen grupos
de características distintivas, siempre existirán excepciones a las distinciones
basadas en el estilo de vida y la geografía. El coleccionista debería tener en
mente que éstas son meramente líneas a seguir y en ningún caso reglas
definitivas.

[Link]. Estilo de vida del tejedor. Esta clasificación se refiere a como vivía el
tejedor, en qué tipo de vivienda habitaba y con qué propósito elaboró la
alfombra. Estos aspectos de la vida del tejedor se reflejan en el tamaño de las
alfombras, los diseños que aparecen en ellas, los materiales hilados para las
hebras, la elección de tintes y colores y los métodos técnicos empleados para
la textura.

Los términos empleados para describir el estilo de vida del tejedor son:
nómada, rural y urbano. Cada grupo despliega una serie de características que
son claves para conocer la forma de vida, entre ellos la elección de materiales
para la urdimbre y la trama, el número de colores utilizado, el acabado del
borde y las terminaciones, la altura del nudo, los tipos de diseño, el tamaño y la
forma de las texturas y otros aspectos técnicos.

Las claves para identificar el estilo de vida del tejedor residen en el material
utilizado: si la urdimbre y la trama son toda lana, todo algodón o una mezcla de
ambas fibras. El uso del algodón implica asentamiento. Las ovejas que
producen la lana pueden pastar libremente por diferentes zonas, implicando el
nomadismo de sus pastores, o pueden encerrarse en unos pastos que
pertenecen a un grupo de personas asentadas en esas tierras.
El número de colores se refiere al número de diferentes colores que emplea un
tejedor para crear los diseños de una alfombra. Los nómades emplean el
menor número de ellos y los habitantes de las ciudades el mayor.

El acabado del borde y las terminaciones se refiere al uso de orillo o

cubierto, si los lados son uniformes o no, el grado en el que los anchos de las
dos terminaciones son iguales, la profundidad del acabado del kilim en cada
terminación y la longitud de los flecos. Estas características revelan el tipo de
telar empleado por un tejedor. Los orillos aparecen con mayor frecuencia en las
alfombras nómadas y rurales, mientras que el cubierto tipifica las de las
ciudades.

La altura del nudo es la profundidad del nudo. Al cortar el nudo, el tejedor

quiere dejarlo lo suficientemente largo para que las terminaciones del nudo y
los nudos adyacentes no se diferencien, cubriendo así las hebras de la
urdimbre y la trama. Por tanto, la longitud de un nudo es un reflejo de la
densidad del nudo y, en general, las alfombras nómadas tienen una densidad
menor que las alfombras de las ciudades.
 Los tipos de diseño cubren desde si el diseño es
geométrico o floral y el grado de sus ángulos. El
modo en el que un tejedor acaba las esquinas de
las cenefas también se incluye en este enunciado.
Las esquinas de las cenefas pueden describirse
como reconciliadas o no reconciliadas, términos
que se refieren a la forma en la que el diseño se
vuelve en un ángulo de 90 grados al llegar a la
esquina. Si están deformados o cortados, se les
denomina no reconciliados. Si el diseño aparece
dibujado en un giro de 45 grados se le denomina
reconciliado. Las alfombras nómadas son las más
geométricas, las urbanas las más curvilíneas. Las alfombras rurales se
encuentran entre estas dos. Las alfombras de las ciudades y los talleres tienen
esquinas reconciliadas y las rurales generalmente no.

Tamaños y formas indican si las texturas fueron en principio alfombras o si

incluían texturas utilitarias, como alforjas, arreos de animales, etc. Los
nómadas elaboran piezas utilitarias y los campesinos y los habitantes de las
ciudades principalmente alfombrad de diferentes tamaños.

Las características técnicas contemplan el uso de la depresión de la

urdimbre, la seda como hebra para la urdimbre, trama o nudo, y la densidad de
nudo. Éstos varían en todos los tipos de tejedores y son aspectos específicos
que todo tasador entendido debería aprender.

[Link].1. Nómadas. El estilo de vida nómada en su forma más purista sugiere

aquellas tribus que habitan en viviendas portátiles, como las tiendas o yurtas,
que tienen rebaños de ovejas, caballos, camellos y cabras, que se desplazan
con cierta frecuencia de un sitio a otro, y que son más o menos totalmente
dependientes de sus animales y la tierra para asentarse. Esto implica tejer en
un telar portátil, emplear tintes obtenidos a partir de las plantas y elaborar
texturas para las necesidades de la vida diaria. Los tejedores nómadas
empleas diseños memorizados que se repiten y varían de una pieza a la
siguiente.
Teniendo en mente estos factores, es posible encontrar las siguientes
características en sus alfombras:
 Materiales: la urdimbre y la trama suelen ser de lana.
 Número de colores: un número escaso, generalmente entre tres y siete.
 Acabado del borde y las terminaciones: el borde suele acabarse con un
orillo, a veces con pelo de caballo o de cabra. Los bordes serán
irregulares y las terminaciones pueden diferenciarse en varios
centímetros de ancho. El acabado puede ser liso, coloreado, estampado
o con bandas, de 2 a 38 centímetros de ancho. Los flecos pueden medir
entre 12 y 25 centímetros y pueden estar trenzados.
 Altura del nudo: varía de media a larga.
 Tipos de diseños: geométricos, formas florales y animadas, son simples
y angulosos. Predominan los diseños globales. Las esquinas de las
cenefas son no reconciliadas.
 Tamaños y formas: numerosos.
 Características técnicas: la mayoría de las alfombras de los tejedores
nómadas se tejen con tramas a un solo nivel, es decir, sin depresión,
aunque algunas pueden mostrar una depresión menor. La media de
densidad del nudo está por debajo de los tres nudos por centímetro
cuadrado. A veces se emplea la seda en piezas especiales, pero sólo
unos pocos nudos o en áreas pequeñas.

[Link].2. Rurales. De acuerdo con Alastair Hull30 los tejedores que viven en
comunidades agrícolas pertenecen al estilo de vida rural. Al igual que los
nómadas pueden tener ovejas, caballos y cabras, pero el pastoreo y el cuidado
de los animales no es su principal fuente de ingresos. Cultivan varias cosechas
incluyendo el algodón, que es obtenido en suficiente cantidad como para hilarlo
y emplearlo en las alfombras en lugar de la lana. Debido a que están
asentados, construyen permanentemente telares del tipo vertical. También

30
Hull, Alastair; Kilim, The Complete Guide, Thames and Hudson, Londres, 1993.
poseen una gama más amplia de materiales para el entintado que los
nómadas.
Los tejedores rurales son capaces de tejer durante períodos más largos
durante el año, y en algunos casos durante todo el año. Los artículos tejidos se
producen tanto para ser vendidos como para el uso de la comunidad, ya que, al
tener contactos con una comunidad social más grande, están expuestos a
diseños de otros pueblos y ciudades.
Las alfombras rurales presentan las siguientes características:
 Materiales: las urdimbres son generalmente de algodón y las tramas de
lana o algodón.
 Número de colores: entre cinco y diez, con una variedad de tonos azules
y diferentes verdes.
 Acabado de los bordes y las terminaciones: los bordes se acaban de
cualquiera de las dos formas, pero son más comunes los bordes
cubiertos. Las terminaciones son regulares y existe menos diferencia en
el ancho de los bordes. El borde de un kilim es de 2,5 o 5 centímetros de
ancho y puede ser de color natural o teñido. Los flecos miden entre 2,5 y
10 centímetros de largo. En muchas alfombras los flecos de una
terminación no están cortados, pero sirven como vueltas de la urdimbre.
 Altura del nudo: de media a corta.
 Tipos de diseño: se emplea una gran cantidad de diseños, tanto
geométricos como florales, pero los dibujos son angulosos, no
redondeados. Los diseños pueden ser globales o centrados. Las
esquinas de las cenefas son no reconciliadas.
 Tamaños y formas: los tamaños pueden variar considerablemente de 60
por 121 centímetros a 308 por 548 centímetros. La mayoría de la
producción rural consiste en alfombras de varios tamaños para el suelo.
Existen algunas texturas utilitarias como alforjas y arreos para caballos.
 Características técnicas: la mayoría de las alfombras rurales se tejen
con las urdimbres al mismo nivel, pero muchas representan depresión.
La densidad de nudos es casi de 9 a 19 por centímetro cuadrado. La
seda se emplea sólo en piezas especiales y en cantidades pequeñas.
[Link].3. Urbanos. El estilo de vida urbano exhibe la gama más completa de
habilidades necesarias en la elaboración de las alfombras de tejido y diseño
más complejo. En las ciudades, el tejido es una actividad comercial establecida
y se lleva a cabo en talleres en los que el número de telares puede variar de
uno a muchos. El proceso de tejido se divide entre una variedad de diestros
artesanos: hiladores manuales y con máquinas, constructores de telares,
tejedores y, finalmente, rematadores. A diferencia de la textura nómada o rural
en las que el tejedor crea la alfombra desde que es lana hasta el producto
terminado, nadie podría decir que ha tejido una alfombra urbana.
Las características de las alfombras urbanas son las siguientes:
 Materiales: las urdimbres y tramas suelen ser de algodón. Para los
nudos se emplea la lana. La seda puede utilizarse para la urdimbre, la
trama y los nudos.
 Número de colores: generalmente de ocho a veinte.
 Acabado de los bordes y las terminaciones: los bordes se acaban en
principio con un cubierto de algodón. Los telares son permanentes, por
lo que los bordes tienen el mismo ancho. El acabado del kilim puede ser
desde algo menos de un centímetro hasta más de 2,5. Los flecos
alcanzan entre 2,5 centímetros y 10 centímetros de largo.
 Altura del nudo: de media a corta.
 Tipos de diseño: sobre todo curvilíneos. Expertos artistas dibujan los
diseños sobre papel para que los tejedores sepan cómo crear las líneas
curvas y las esquinas reconciliadas. La mayoría de los diseños
contienen medallones, arabescos y cuadrantes. También se emplean
diseños globales.
 Tamaños y formas: casi todas son alfombras de tamaños grandes o
medios.
 Características técnicas: la mayoría de las alfombras son tejidas con
depresión en la urdimbre. Muchas tienen más de 16 nudos por
centímetro cuadrado, aunque también son comunes las de 150 – 300.
También se emplea a menudo la seda.
[Link]. Origen Geográfico. Las áreas tradicionales del tejido de alfombras
son Turquía, el Cáucaso, Irán, Asia Central y China. Las alfombras de cada
zona presentan características técnicas peculiares, de las cuales se describen
a continuación las más importantes.

[Link].1. Turquía. Las tres áreas del tejido de alfombras de Turquía son las
regiones occidental, central y oriental. Las alfombras urbanas se tejen sobre
todo en la región occidental, las alfombras nómadas predominan en la región
oriental, mientras que las alfombras rurales se tejen en todo el país. Las
principales características de las alfombras turcas aparecen a continuación:
 Tipo de nudo: simétrico.
 Densidad del nudo: se encuentran desde nudos toscos hasta nudos
medios, siendo la mayoría de 6 a 14 nudos por centímetro cuadrado.
Las alfombras de las ciudades tienen una mayor densidad de nudos.
 Fibras de la urdimbre y la trama: en la mayoría de las alfombras rurales,
y en las nómadas, se emplea la lana como urdimbre y trama. Las tramas
de la lana suelen entintarse de rojo frecuentemente, aunque también
aparecen el marrón y el amarillo. En las alfombras urbanas se emplea
algodón para la urdimbre y la trama. La seda sólo aparece en detalles
menores en alfombras nómadas y rurales, en cambio, muchas de las
alfombras de las ciudades pueden ser completamente de seda o la seda
puede aparecer sólo para los nudos.
 Tintes y colores: se emplean todos los colores. La presencia de ciertos
colores diferencia las alfombras turcas: púrpuras, amarillos, naranjas,
verdes y salmones. A menudo aparece un tinte rojo azulado derivado de
la cochinilla. Los marrones son en general corrosivos.
 Tamaño de las alfombras: se hacen de todos los tamaños pero las más
comunes son pequeñas alfombrillas cuyas dimensiones oscilan entre 60
por 120 y 182 por 274 centímetros. Existen muchos tipos de alfombras
de oración, y los campesinos y los nómadas producen una gran variedad
de diferentes bolsas.
  Tipos de diseños y composiciones: se emplea una gran variedad de
diseños. Predominan los diseños florales tanto geométricos como
angulosos en las composiciones globales y centradas.
 Características técnicas: los acabados del borde son generalmente
orillos. Los flecos pueden ser largos o cortos con kilims estrechos o de
10 – 17 centímetros de ancho. La altura de los nudos presenta
variaciones. La depresión de la urdimbre aparece con frecuencia en las
alfombras urbanas.

[Link].2. Cáucaso. Las alfombras caucasianas son generalmente alfombras

rurales, aunque un grupo de grandes alfombras se tejía en las ciudades. Las
principales características de las alfombras del Cáucaso se ofrecen a
continuación:
 Tipo de nudo: simétrico.
 Densidad del nudo: los nudos pueden ser toscos o finos, encontrándose
la mayoría entre 6 a 19 nudos por centímetro cuadrado.
 Fibras de la urdimbre y la trama: la lana predomina en la urdimbre y la
trama. Las tramas son de colores rojos, azules y amarillos, tanto
naturales como teñidos. En algunas áreas también se emplea el
algodón.
 Tintes y colores: los colores primarios –rojo, azul y amarillo- son muy
comunes, al igual que el verde, naranja y púrpura. Se emplea un marrón
corrosivo.
 Tamaño de las alfombras: la mayoría miden entre 60 por 120 y 180 por
243 centímetros. Las alfombras urbanas de gran tamaño miden dos
veces y media tanto de largo como de ancho. Se elaboran muchas
alforjas.
 Tipos de diseños y composiciones: los diseños son geométricos y
angulosos. Como composiciones, son frecuentes dos o tres medallones
y composiciones globales. Suelen aparecer pequeños elementos de
relleno en el campo. Son comunes las alfombras de oración. Las
esquinas de las cenefas son no reconciliadas. Las alfombras urbanas
tienen diseños persianados.
  Características técnicas: los acabados de los bordes son orillos y
cubiertos. Los flecos tienen entre 7 y 17 centímetros o bien aparecen
anudados. Las terminaciones de los kilims no superan los 5-10
centímetros de ancho. La altura de los nudos presente variaciones.

[Link].3. Persia o Irán.

Las alfombras iraníes o persas se tejen en todas

las áreas del país y cubren la gama completa
de textura nómada, rural o urbana. A continuación
se enumeran las principales
características de las alfombras iraníes.

 Tipo de nudo: simétrico y asimétrico.

 Densidad del nudo: de tosco a fino, de
4 a 160 nudos o más por centímetro
cuadrado.
 Fibras de la urdimbre y la trama: lana, algodón y seda.
 Tintes y colores: se emplea la gama de colores al completo.
 Tamaños de las alfombras: se producen todos los tamaños y formas.
 Tipos de diseños y composiciones: se emplean todos los tipos de
diseños y composiciones.
 Características técnicas: se encuentran todos los tipos de acabados en
los bordes, fibras en la urdimbre, trama y flecos. Las terminaciones de
los kilims pueden ser de 2,5 a 15,2 centímetros de ancho. La longitud de
los nudos es variable.

[Link].4. Asia Central y Turcomanas31. Hans Bidder32 sostiene que son

generalmente alfombras nómadas y rurales. Las principales características de
estas alfombras se ofrecen a continuación:
 Tipo de nudo: simétrico y asimétrico
31
Término que abarca a: Kasakhstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Kyrgytán y Tajikistán.
32
Bidder, Hans; Alfombras del Turquestán Oriental, Londres, 1964.
  Densidad del nudo: de tosco a fino, 4-32 nudos por centímetro cuadrado.
 Fibras de la urdimbre y la trama: la lana aparece en las dos, si bien las
tramas son casi siempre de lana marrón.
 Tintes y colores: predominan los rojos, que varían del marrón rojizo al
púrpura. Los colores secundarios son el azul, el verde azulado, blanco,
marrón y amarillo.
 Tamaño de las alfombras: se producen todos los tamaños y las formas.
 Tipos de diseños y composiciones: los diseños son geométricos y las
composiciones globales. Las esquinas de las cenefas son no
reconciliadas.
 Características técnicas: las terminaciones de los bordes son en su
mayoría orillos. Las terminaciones de los kilims son de 5 a 38
centímetros de ancho. Los flecos miden entre 15,24 y 25,4 centímetros
de largo. La profundidad del nudo es variable.

[Link].5. China. Las alfombras chinas se tejen principalmente en el norte de

China, el Tíbet y Xinjiang, sobre todo en los centros urbanos. A continuación se
exponen sus principales características:

 Tipo de nudo: asimétrico, excepto en el Tíbet, donde se emplea una

técnica de lazada.
 Densidad del nudo: de tosco a medio, de 6 a 12 nudos por centímetro
cuadrado.
 Fibras de la urdimbre y trama: predomina el algodón, pero se usaba la
lana para las tramas de las antiguas alfombras de Xinjiang y Tíbet.
 Tintes y colores: los colores difieren en cada zona.
 Tamaño de las alfombras: predominan las de gran tamaño en China, las
pequeñas en el Tíbet y en Xinjiang las de tamaño medio.
 Tipos de diseño y composiciones: suelen ser diseños tradicionales
chinos en composiciones centradas y globales. Las esquinas de las
cenefas son reconciliadas excepto en las alfombras de Xinjiang.
 Características técnicas: el acabado de los bordes en las alfombras
chinas es cubierto en algodón. Los orillos se emplean en Xinjiang. Los
 flecos miden de 5 a 12 centímetros de largo. Las terminaciones de los
kilims no superan los 2,5 a 10 centímetros de ancho. La profundidad del
nudo es considerable, excepto en algunas alfombras de Xinjiang.

Ninguna de estas dos aproximaciones a la clasificación de alfombras debería

usarse sin referencias a la otra. Se complementan mutuamente y colaboran no
sólo en la identificación de alfombras sino
también en su apreciación.

1.1.5. Coleccionismo de Alfombras

Orientales

El coleccionismo de alfombras orientales

existe desde que se desarrolló el arte del
tejido de alfombras. En el Oriente Medio,
donde se elabora la mayoría, fueron
coleccionadas inicialmente por los tejedores
y otros interesados como una forma de
poseer riqueza. En los tiempos de desgracias, se vendían según la necesidad.
En Europa y en los Estados Unidos, no fue hasta finales del siglo XIX cuando el
coleccionismo de alfombras se convirtió en un pasatiempo, al igual que el de
pinturas, esculturas y otras formas artísticas. La primera ola de coleccionismo
se centró por completo en las alfombras clásicas o piezas tejidas antes de
1800. Los Fricks, Havemeyers y Rockefellers las compraban para sus hogares
de Nueva York, Newport y otros. La clase media americana compraba las
nuevas alfombras de Turquía, el Cáucaso y Persia.

Mientras tanto, en Europa se amasaban grandes colecciones, como las que

pertenecieron al barón Thyssen y a Calouste Gulbenkian. Los directores de los
museos de Berlín, Londres, Viena y Budapest compraron y crearon las
mayores colecciones de alfombras orientales del siglo XV al XVIII. Los
europeos habían comprado alfombras orientales durante siglos y continuaron
en la misma dirección. Aquellos con menores medios, como Ballard, Williams y
Mc Mullan, coleccionaron las alfombras del siglo XIX así como las clásicas.
Esta actividad de compra y coleccionismo se mantuvo hasta la depresión de los
años treinta. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial y la economía
mundial comenzó a recuperarse se produjeron diferentes respuestas en Europa
y en los Estados Unidos. En los Estados Unidos la gente se desprendía, o
almacenaba en áticos, de sus antiguas alfombras orientales y compraban las
nuevas moquetas de pared a pared. En Europa, donde se destruyeron durante
la guerra grandes cantidades de alfombras, sus propietarios las conservaban.
Los compradores europeos viajaban a Estados Unidos, compraban las
alfombras desechadas y las llevaban de vuelta a Europa.

Hacia mediados del siglo XX, gran parte de los coleccionistas de alfombras
eran generalistas, es decir, que compraban alfombras de todas las zonas en
las que se elaboraban. Desde los años sesenta el énfasis se ha dirigido al
coleccionismo de tipos específicos.

La mayor tendencia pertenecía a las

alfombras tribales o nómadas, pero muchos
coleccionistas se centran en tipos específicos
como las turcas, caucasianas, turcomanas,
Afshar, alforjas, alfombras de oración o
kilims.

Los coleccionistas proceden de todas las

actividades posibles. Pueden ser presidentes
corporativos o estudiantes graduados.
Pueden comprar sólo piezas en perfectas
condiciones o fragmentos raídos y hechos
jirones. A muchos les gusta mezclarse con otros coleccionistas, mientras que
otros son solitarios y desconocidos, excepto para unos pocos comerciantes y
casas de subastas.

Algunos sólo compran a los comerciantes, otros sólo a las casas de subastas y
muchos frecuentan puntos de venta en su tiempo libre. Algunos asisten a todas
las conferencias y otros no han acudido nunca a una de ellas. No existe un
grupo de características que defina al coleccionista de alfombras orientales. Al
igual que las propias alfombras, existe todo tipo de excepciones a la “norma”.

Lo que todos los coleccionistas tienen en común es que tienen que llegar a ser
expertos en su campo. Deben aprender a identificar los tipos de alfombra por
su composición, características técnicas, tipo de lana, cualidades estéticas y
rareza. Las dos tareas que tienen que desarrollar como coleccionistas son la
habilidad para identificar y evaluar las diferentes alfombras.

1.2. Alfombras Europeas

A pesar de haber sido muchas y muy variadas las circunstancias en que

floreció en Europa el tejido de alfombras, al decir de Ian Bennet 33 han sido
relativamente pocos los factores que determinaron dónde y cuándo se
establecieron los centros manufactureros. El contacto con Medio Oriente
supuso un impulso importante, como lo han sido la disponibilidad de lana, la
materia prima principal. En las tierras altas solían pastar ovejas y cabras y las
comunidades vecinas a ellas dependían de la lana para su sustento y para
protegerse del frío. También contribuyeron a la introducción de las alfombras
tejidas las condiciones socioeconómicas que se disfrutaban en las cortes reales
y en los centros de comercio. Los cortesanos y los mercaderes disfrutaban de
prestigio si poseían piezas de lujo como las alfombras y las coronas europeas
tenían los medios para solventar las industrias de alfombras en los diferentes
países. Estas se establecían en zonas con abundancia de agua (tintes) y
ocupaba mano de obra de niños.

1.2.1. Alfombras Españolas. Cuando los árabes ocupan España en el siglo

VIII se fundó un centro administrativo en la ciudad de Córdoba desde donde se
irradió la cultura oriental, cultura que incluía el arte de los tejidos orientales. Se
creó una industria local. Introdujeron en Europa el anudado de nudo sencillo,
único en usarse hasta el siglo XVII. Como se detalló en el apartado acerca de
33
Bennet, Ian; Rugs and Carpets of the World, Londres, 1977. Trad.
las alfombras orientales, este nudo, se ata alrededor de cada hebra alterna de
la urdimbre y, en la fila siguiente, alrededor de las otras hebras alternas. No
existen demasiadas muestras de alfombras españolas anteriores al siglo XV.
La interacción entre las culturas islámica y cristiana, que fue una característica
distintiva en la manufactura de las alfombras españolas, se refleja en los
diseños un tanto mezclados. Los motivos islámicos eran estrellas y árboles
pero se agregaron también motivos góticos, símbolos heráldicos o escudos.
Luego aparecieron diseños persas como el nudo sinfín y las granadas, fruta
que identificaba la ciudad del mismo nombre. Más adelante aparecen los
diseños del renacimiento italiano tales como guirnaldas y follajes. Cuando en
1492 son expulsados los moros de Granada muchos artesanos se quedaron y
crearon el estilo mudéjar. En el siglo XVII las alfombras españolas imitaron
diseños turcos hasta fines del siglo XVIII. El colorido que caracteriza las
alfombras españolas es el rojo, el verde o azul pálido y amarillo siempre
combinados.

1.2.2. Alfombras Francesas. En la época en que ya declinaba la producción

española, se creó en Francia una industria de telares de alfombras en el primer
cuarto del siglo XVII. El tejido de alfombras ya existía en Francia, por lo menos
desde hacía tres siglos, pero no quedan vestigios de ellas.
En 1608 Pierre Dupont consiguió una cédula para tejer alfombras en un taller
anexo al palacio del Louvre de París. Como su negocio creció tuvo que
mudarse a una vieja fábrica de jabón de las afueras de París. De allí en más se
conoció a sus alfombras como Savonnerie34. Las alfombras de la Savonnerie
se tejían con los mayores niveles técnicos, utilizando el nudo turco. Sin
embargo sus diseños eran totalmente occidentales. Eran tejidas por las
huérfanas de un hospicio cercano que tenían entre 10 y 12 años. Luis XIV
propicia el lujo de la corte real y las alfombras de la Savonnerie se hacen muy
requeridas, tanto para el Louvre como para las Tullerías y más tarde para
Versalles. Los diseños de la Savonnerie eran creados por Charles Le Brun y
solían representar guirnaldas de flores, motivos de la antigüedad clásica y
escenas mitológicas. Los talleres de la Savonnerie han fabricado alfombras
para los gobernantes franceses casi hasta la época actual. Los diseños
34
La Jabonería. Trad.
utilizados han ido variando de acuerdo con los estilos decorativos de la moda.
Los colores pastel y los motivos rococó del Luis XV dejaron el lugar a los tonos
terrosos y geométricos del neoclásico. Los diseños creados por los grandes
arquitectos Percier y Fontaine, durante el período Imperio se caracterizaron por
su clasicismo de lujo. En el siglo XIX, Viollet-le-Duc hizo una serie de alfombras
con diseños neogóticos típicos del eclecticismo de la época.

Otro centro de telares de alfombras de Francia fue Aubusson, localidad del sur
de París que siempre había contado con manufacturas de tapices. Hacia el
1740 el gobierno fundó allí una fábrica de alfombras. Unos años más tarde las
manufacturas fueron privatizadas. Aunque algunas alfombras de Aubusson se
anudaron a mano, la inmensa mayoría han sido de tejido plano. Sus diseños
suelen ser menos pretenciosos que los de la Savonnerie, pero no menos
sofisticados. La típica alfombra Aubusson del siglo XIX se adorna con un
diseño de complicadas guirnaldas o ramilletes de flores reproducidas con total
realismo hasta el mínimo detalle.

1.2.3. Alfombras Inglesas. En Inglaterra se fabricaron alfombras desde

mediados del siglo XV, pero se sabe muy poco de los trabajos de la época.
Quedan alfombras hechas a mano que elaboraban las señoras elegantes,
ayudadas por sus doncellas, y sus diseños seguían los motivos florales de los
bordados de ese entonces. Cuando los hugonotes son expulsados de Francia
en el siglo XVII numerosos tejedores se establecieron en Inglaterra.

Hacia fines de siglo montaron telares de alfombras en Wilton conocida por su

producción lanar y por su industria textil. Se tejieron alfombras de pelo anudado
en bucles y se desarrolló la técnica del arrasado de los nudos; cuyo resultado
fue un pelo aterciopelado al que se denominará Wilton. A mediados del siglo
XVIII dos antiguos empleados de la Savonnerie fundaron una fábrica en
Fulham. En esa época prosperaron otras manufacturas en Axminster y
Moorfields que cubrían la gran demanda de la nobleza y alta burguesía.
La fabricación de alfombras se fue mecanizando progresivamente en Inglaterra
desde 1800, aproximadamente, y empezó a declinar la producción de
alfombras anudadas a mano.

Hacia fines del siglo XIX, William Morris inició el diseño y manufactura de
alfombras anudadas a mano. Los diseños de Morris eran una amalgama de
elementos ingleses y persas e inspiraron un renacimiento del oficio del
anudado a mano. Se establecieron fábricas similares por toda Europa, entre
ellas las de Irlanda (Donegal), Bohemia (Maffersdorf) y Suecia. Los arquitectos
y artistas importantes hicieron diseños en estilos Arts & Crafts, Art Nouveau y
Secesión Vienesa35.

1.3. Tasación de Alfombras

Al decir de Judith Miller existen varios criterios generales que deben ser
considerados cuando se tasa una alfombra36, entre ellos:

 Condición: ¿Está la alfombra completa, el nudo gastado, están los

bordes enteros, existen pérdidas en las terminaciones de la alfombra,

35
Bennet, Ian; Rugs and Carpets of the World, Londres, 1977. Trad.
36
Miller, Judith; Miller’s Antiques and Collectables, The Fact at your Fingertips, Londres, 1996. Trad.
 existen daños debidos a manchas o polillas, ha sufrido alguna
reparación?
 Color: ¿Son los colores armoniosos, coinciden a la perfección y
corresponden al tipo de alfombra; son todos los tintes naturales o existe
alguno sintético; si existe difuminado, resta valor o lo añade a la
composición?
 Rareza: ¿Se trata de una pieza común en su tipo; existen muchas como
ella o se trata de un nuevo tipo de tejido?
 Calidad de la lana: ¿Se trata de una lana típica del tipo de alfombra, es
suave / áspera, seca / grasienta, lustrosa / apagada y duradera?
 Función: ¿Cuál era la función de la alfombra: bolsa, alfombra para el
suelo o adornos festivos; es nómada, rural o urbana?
 Época: ¿Coinciden con la fecha de elaboración indicada los colores, el
diseño, las condiciones, los motivos, las características técnicas y la
lana?
 Mérito estético: desde la perspectiva del tasador ¿ son agradables los
colores y la composición?
 Mercado: ¿existe demanda para el ejemplar evaluado? ¿Cuándo podrá
verse otro ejemplar similar?

1.3.1. Valores y Mercado. Todo tasador se pregunta cómo puede asesorarse

sobre el precio en el mercado de una alfombra, pero no existe una respuesta
aceptable en ningún sitio.

Los precios de las alfombras orientales antiguas son específicos del ejemplar y
su precio puede depender del lugar en el que se ponen a la venta; por ejemplo,
una casa de subastas, un establecimiento o por un comerciante. También
puede variar según los precios del mercado estén en alza o a la baja, si sale a
la venta en una ciudad con muchos coleccionistas o ninguno, si se trata de una
ciudad grande o pequeña, y si los coleccionistas se interesan por el mismo tipo
a la vez.
El valor en el mercado de una alfombra dada en un punto dado en un cierto
tiempo sólo es calculable con exactitud en las nuevas alfombras en las que
existe un precio de venta por centímetro cuadrado conocido.

Las alfombras nuevas y antiguas pueden compararse a las pinturas. La

mayoría de la gente sabe que los precios de las pinturas son muy variables,
dependiendo del mismo tipo de factores.

Los tasadores que prefieran fiarse de sus propios conocimientos y su

experiencia en la compra de alfombras deben asistir a las subastas y
suscribirse a sus catálogos para observar los precios del mercado. Los precios
que aportan los comerciantes suponen otra fuente de información valiosa, al
igual que la visita a las ferias de comercio, en las que a veces se venden
alfombras antiguas. Sólo manteniendo constante contacto con estas fuentes
puede tener un conocimiento del precio de una alfombra oriental coleccionable.
Incluso entonces, el precio estimado por los mismos coleccionistas entendidos
de una alfombra dada puede variar en gran manera.

2. Tapices

Se han llevado a cabo muchas clases diferentes de tejido de tapices en el

mundo entero. Todos los expertos coinciden en que el tipo de tapiz más familiar
es una gran colgadura de pared antigua, tejida con lana y que reproduce
escenas bíblicas, mitológicas o deportivas. El tapiz, en esencia, es un tejido
con la trama a la vista –tejido a mano, no bordado- limitando cada uno de los
colores a la zona donde es necesario.

Los diseños para los tapices solían inspirarse en temas clásicos dibujados por
artistas famosos. Se hacía una copia –el cartón o esbozo del trabajo- del
mismo tamaño que la obra final. Se usaban dos clases de telares, de nudo alto
y de nudo bajo37. El tejido de nudo alto se tejía en vertical, haciendo una
reproducción exacta del cartón, mientras que el tejido de nudo bajo se tejía en
horizontal y producía una réplica invertida del cartón. Probablemente los

37
Denominación francesa: Haute y Basse lisse.
tapices más famosos del mundo sean la serie de los Unicornios, ahora en el
Museo de Cluny de París, y The Cloisters, de Nueva York. El origen de los
unicornios ha sido un misterio durante años, pero estudios recientes atribuyen
su confección a Bruselas, hacia el año 1500.

2.1. Origen de los Tapices

2.1.1. Tapices Flamencos. El patrocinio de la corte de Borgoña

aseguró, en el siglo XV, el éxito de los tejedores flamencos de Arrás.
El trabajo típico de Arrás mostraba huertos y jardines o escenas de
caza y estaba repleto de hojas y flores. La ciudad textil de Tournai
creció en importancia, al decaer la de Arrás. Sus tapices mostraban
hasta en los más mínimos detalles las ceremonias, modas, flores, la
arquitectura y la vida de la corte de Borgoña en su época. Iprés,
Brujas y Gante fueron otros centros de producción de tapices
flamencos. Los talleres de Bruselas se hicieron famosos por sus
obras de gran calidad y se tejieron en ellos muchos elegantes temas
alegóricos y bíblicos en el Renacimiento y también millefleurs y
verdures38. Las Actas de los Apóstoles, la grandiosa serie que diseñó
Rafael para León X, necesitó cuatro años para tejerse y fue copiado
por talleres como el de Gobelinos. El tejido de tapices terminó en
Bruselas a finales del siglo XVIII.

38
Follaje. Trad.
 2.1.2. Tapices Franceses. En el siglo VIII
los moros que invadieron Francia trajeron
con ellos el conocimiento del tejido de
tapices. Hacia el siglo X se montaron
talleres artesanales en Saumur, Tours y
Reims.
Durante el reinado de Luis XIV se nombró a
Gobelinos como fábrica de la corona. Esta
manufactura prosperó produciendo diseños notables. Durante el siglo
XVIII aumentó la demanda de tapices de nudo bajo denominados
alentours. Eran paneles de tapicería para sillas y sofás. Tenían un
diseño central enmarcada como una pintura , dentro de un fondo
imitando el damasco, adornado con guirnaldas o ramos de flores. Los
productos de Aubusson –follajes, escenas de caza y temas religiosos-
fueron derivaciones y no fueron demasiado apreciados hasta
mediados del siglo XVIII, en que hubo una gran demanda de
pequeñas tapicerías decorativas en las que la fábrica era excelente.

2.1.3. Tapices Ingleses. Los primeros tapices ingleses que aún

existen son los que se hicieron en los talleres de William Sheldon a
mediados del siglo XVI. Se especializó en mapas de condados,
tejidos con rasgos arquitectónicos y geográficos, con los nombres de
las ciudades trabajados en letras romanas. Las piezas pictóricas
reflejaban la influencia de Flandes. Los trabajos empezaron a declinar
a principios del siglo XVII. La fábrica Mortlake, bajo mecenazgo real,
produjo tapices de gran calidad. Algunos con motivos mitológicos y
otros religiosos. Otras fábricas produjeron piezas de tapicería para
sillas o biombos39.

2.2. Tasación de los Tapices

En los ambientes interiores del siglo XVII y XVIII los tapices daban calidez a
los cuartos. Sólo decayó su fabricación cuando se hizo popular el papel para
39
Ginsburg Madeleine. [Link]. Trad.
revestir. Hoy día a pesar de que no son esenciales se han vuelto populares y
se coleccionan con avidez40. Muchas veces su tamaño conspira con su valor ya
que los ambientes modernos no permiten el uso de tapices demasiado
grandes, por lo que los compradores son más limitados. (Galerías, Museos,
Hoteles, Salas de Convenciones, Residencias y Embajadas).

Con las mismas premisas y criterio establecido en el análisis de la tasación de

alfombras se pueden resumir a continuación los parámetros a considerar por el
tasador para evaluar una pieza de tapicería:

 Condición
 Tamaño
 Antigüedad
 Origen, Fabricante
 Rareza
 Calidad del Tejido
 Mercado

40
Miller, Judith; Miller’s Antiques and Collectables, The Fact at your Fingertips, Londres, 1996.
 Unidad VIII - Resumen

► TASACIÓN : CONDICIÓN, ANTIGÜEDAD, ORIGEN, COLOR, FUNCIÓN, RAREZA,

MÉRITO ESTÉTICO, CALIDAD DEL MATERIAL, MERCADO

MUSEOS

► INFORMACIÓN COMERCIANTES ANTICUARIOS

CASAS DE SUBASTA

GALERISTAS

CATÁLOGOS y ANUARIOS

ORIGEN
FUNCIÓN DECORACIÓN
PERÍODO
► COLECCIONISTAS
ORIGEN

ESTILO Y DISEÑO

TIPO DE TELAR

ALFOMBRAS Y TAPICES ► DATACIÓN DISEÑO Y ESTILO

TAMAÑO

MATERIAL Y NUDOS

EUROPEAS: DISEÑO Y FABRICANTE

 ► DECORACIÓN ENCADENADO

ENREJADO

ELEMENTOS DE RELLENO

Tal como se ha establecido no existen respuestas universales para establecer

el valor de una alfombra o un tapiz antiguo. Los precios de las alfombras y
tapices antiguos son propios de cada ejemplar y esto dependerá de
circunstancias como la situación del mercado en ese instante, la demanda por
ese producto en particular y quien vende el bien. Además el valor en el
mercado de una alfombra o un tapiz, dada en un punto dado en un cierto
tiempo, sólo es estimable con exactitud en las nuevas alfombras en las que
existe un precio de venta por centímetro cuadrado conocido. La experiencia del
tasador, los catálogos, la información de los comerciantes y los valores de
subasta, constituyen una fuente de información que completa el ejercicio de la
tasación.
 Unidad VIII – Diccionario y Glosario

Arabesco, zarcillo o parra: línea recta o curva que comunica elementos de

diseño.
Bordes: normalmente los lados más largos de una alfombra. Puede rematarse
de una o dos formas, que se denominan cubierto y orillo, para crear un
acabado duradero. Un cubierto es un grupo de urdimbres dispuestas con una
hebra independiente de forma circular; este acabado tiene una apariencia
redondeada. Un orillo tiene pares de urdimbres cubiertas por una cubierta de
ocho figuras, que crea un borde más ancho y plano que el cubierto en sí.
Boteh: figura alargada similar a una hoja, pero más ancha y más redondeada
en la parte inferior.
Campo: el gran área en el centro de una alfombra. Está rodeado por las
cenefas o franjas y contiene los diseños y composiciones principales.
Cenefas u orlas: pueden variar de una a diez o más en número y son bandas
o tiras generalmente de ancho diverso alrededor del perímetro de una
alfombra.
Color base o color del campo: el único (normalmente) color sobre el que se
dispone la composición.
Composición: la impresión global que se crea en el campo de una alfombra.
Las composiciones son en principio centradas o globales. Una composición
global es una en la que el mismo diseño se utiliza en el campo de manera
repetitiva. Una composición centrada o de medallón consiste en un medallón
alrededor del cual se disponen otros diseños secundarios.
Cuadrantes: las composiciones centradas tienen con frecuencia la cuarta parte
de un medallón o diferentes diseños distintivos en las esquinas del campo, que
reciben este nombre.
Diseño: tipos específicos de elementos empleados para crear una composición
en el campo y las orlas de una alfombra.
Falda: algunas texturas, como los juvales y las alforjas, tienen una cenefa
ancha adicional, conocida con el nombre de falda, a un lado de la alfombra.
Flecos: se extienden a partir de las terminaciones y son las propias urdimbres.
Pueden alcanzar de 2,5 a 25 centímetros cuando son nuevas. Al igual que las
terminaciones, es lo que se deteriora primero y puede ser muy poco uniforme.
En algunos tipos de alfombra los flecos pueden aparecer trenzados o anudados
de maneras inusuales.
Herati: Disposición compleja de rosetas, palmetas y hojas alrededor de un
diamante y frecuentemente empleada en formas simplificadas.
Hoja: diseño plano con forma de hoja.
Mina khani: disposición compleja de rosetas y en palmetas en una parra y
frecuentemente empleada en formas simplificadas.
Palmeta: sección vertical de una flor.
Roseta: sección horizontal de una flor.
Terminaciones: suelen ser los lados más cortos de una alfombra. Puede
tratarse de una zona de textura plana de 2,54 a 30,48 centímetros de
profundidad. En las alfombras antiguas y usadas ésta es una de las primeras
zonas en presentar deterioro y puede perderse por completo.
 Unidad VIII – Bibliografía Específica

 Atterbury, Paul; Tharp, Lars; Enciclopedia de las Antigüedades, Editorial

Libsa, Madrid, 1999.
 Bennet, Ian; Rugs and Carpets of the World, Londres, 1977.
 Bidder, Hans; Alfombras del Turquestán Oriental, Londres, 1964.
 Edwards, A. Cecil; The Persian Carpet, Duckworth Ltd, Londres, 1975.
 Eiland, Murray; Oriental Rugs, a Comprehensive Guide, Little Brown and
Co., Boston, 1981.
 Ginsburg, Madeleine; La historia de los Textiles, Editorial Libsa, Madrid,
1993.
 Hubel, Reinhard; The Book of Carpets, Praeger Publishers, Nueva York,
1970.
 Hull, Alastair; Kilim, The Complete Guide, Thames and Hudson, Londres,
1993.
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