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THEMA 1

DIE MUSIK ALS SPRACHE UND ALS MITTEL DER AUSDRUCKSFORM. WERT
FORMATIV DER MUSIK. WAHNHEMNUNG UND AUSDRUCK. BEDEUTUNG DER
MUSIKALISCHE BILDUNG IN DER GRUNDSCHULBILDUNG. DER LEHRPLAN VON
MUSIKALISCHE BILDUNG BEI DER KONKRETISIERUNG VON UNTERRICHTSEINHEITEN
GLOBALISIERT.

0. EINLEITUNG

1. DIE MUSIK ALS SPRACHE UND ALS AUSDRUCKSMITTEL

1.1. KONZEPT UND HANDLUNG DER SPRACHE
1.1.1. Kommunikationsprozess
1.1.2. Arten von Sprache
1.2. DIE MUSIK ALS SPRACHE: MECHANISMEN UND ELEMENTE
1.2.1. Die musikalische Sprache
1.2.2. Mechanismen
1.2.3. Elementos constitutivos del lenguaje musical
1.3. DIE MUSIK ALS AUSDRUCKSMITTEL

2. FORMATION VALUE OF MUSIC

2.1. VORGESCHICHTE
2.2. BEREICHE DER MUSIKAUSBILDUNG

3. WAHNUNG UND AUSDRUCK

3.1. Wahrnehmung und Ausdruck
3.2. DIE MUSIKALISCHE WAHRNEHMUNG UND IHRE MITTEL
3.3. DIE MUSIKALISCHE AUSDRUCK UND SEINE MITTEL
3.4. Wahrnehmung und Ausdruck: Sequenzierung von Zielen und
CONTENIDOS POR CICLOS

4. IMPORTANCIA DE LA EDUCACIÓN MUSICAL EN LA ETAPA DE PRIMARIA

4.1. GRUNDLEGENDEN MERKMALE DER GRUNDSCHULBILDUNG
4.2. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG IM GRUNDSCHULBEREICH
4.3. EINFLUSS DER MUSIKALISCHEN BILDUNG AUF DIE ENTWICKLUNG VON
DIE PERSON

5. DER MUSIKALISCHE LEHRPLAN BEI DER KONKRETISIERUNG VON EINHEITEN

DIDAKTIKEN
5.1. KONZEPT DER UNTERRICHTSEINHEIT
5.2. ELEMENTE DER DIDAKTISCHEN EINHEITEN
5.2.1. Bedingende Elemente
5.2.2. Inhalte
5.2.3. Ziele
5.2.4. Methodologie
5.2.5. Aktivitäten
5.2.6. Ressourcen und Gruppierungen
5.2.7. Bewertung
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TEMA 1

DIE MUSIK ALS SPRACHE UND ALS MITTEL DER AUSDRUCKS. WERT
FORMATIV DER MUSIK. WAHNHEMUNG UND AUSDRUCK. BEDEUTUNG DER
MUSIKBILDUNG IM GRUNDSCHULBEREICH. DER LEHRPLAN FÜR
MUSIKALISCHE BILDUNG IN DER KONKRETISIERUNG VON DIDAKTISCHEN EINHEITEN
GLOBALISIERT.

0. INTRODUCCIÓN

In der Bildung wurden bis vor kurzem zwei Arten von Sprache bevorzugt: die verbale Sprache und
el lenguaje numérico. El primero intentaba desarrollar todas aquellas capacidades que
erlaubten es, die Kommunikationsprozesse, den Ausdruck und das Verständnis von Ideen zu verbessern. Der
Die numerische Sprache erlaubte es, die Fähigkeiten zur Abstraktion, Analyse und Synthese zu entwickeln.
Mengen und Elemente, logische Anordnung...
Die künstlerische Sprache wurde in den Hintergrund gedrängt. Der künstlerische Ausdruck
sammlung von Plastik und Musik, wobei letzteres von den Kenntnissen oder der guten abhängt
Wille der Lehrkräfte, die fast nie Spezialisten für Musik sind.
Aber glücklicherweise gewinnt die Musik im Bildungsbereich unseres Landes an Bedeutung.
eine allmähliche Bedeutung, da die Wichtigkeit der künstlerischen Sprachen anerkannt wird
in der persönlichen Entwicklung und im Ausdruck und in der Kommunikation von Gedanken, Erfahrungen und
Gefühle.

1. DIE MUSIK ALS SPRACHE UND ALS AUSDRUKSMITTEL

1.1. KONZEPT UND HANDLUNG DER SPRACHE

Es gibt eine große Vielfalt an Sprachen: verbale Sprache, die Wörter verwendet;
Gestensprache; Zeichensprache oder Signale.
In allen diesen Fällen ist das Ziel dasselbe: der Ausdruck und die Kommunikation von Ideen.

Sprache ist jedes Kommunikationsmittel zwischen Menschen, lebenden Wesen. Und

menschliche Sprache: ein System von Zeichen, das Ideen durch eine Nachricht ausdrückt, verbunden mit einem
menschliche Innenaktivität (Videl Lamiquiz)
Sprache ist die Fähigkeit, die der Mensch hat, um sich zu verständigen.
Gedanken, und auch jedes System, das dem Menschen dient, um dieses auszuüben.
Fakultät. Dieser gleiche Autor weist später darauf hin, dass es eine Vielzahl möglicher Sprachen gibt (Lázaro
Spulen
Jedes der Systeme, die der Mensch verwendet, um mit seinen ...
ähnliche Gefühle und Ideen (Enzyklopädie Larousse)

1.1.1. Kommunikationsprozess
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In jedem Kommunikationsprozess gibt es einen Sender, der die Botschaft übermittelt.

und ein Empfänger, der ihn empfängt. Diese Nachricht wird durch ein Medium übertragen (in der Regel
das Wort), das oft in Figuren, Gesten, Zeichnungen und auch in Geräuschen codiert wird.
Der Kommunikationsprozess, das heißt die Verwendung der Sprache, bleibt ...
vollständig, wenn der Empfänger die Idee, die der Sender ausgedrückt hat, erfasst hat.

1.1.2. Tipos de lenguaje

Es gibt eine große Anzahl von Sprachen, die zwar in ihrer Zielsetzung übereinstimmen
(die Kommunikation) variiert hinsichtlich der Inhalte und der verwendeten Mittel.
Die verbale Sprache nutzt das Wort, gesprochen oder geschrieben, als Unterstützung, und ist
verwendet, um Meinungen, Vorlieben, Bedürfnisse... auszudrücken
Die mathematische Sprache verwendet als Medium die Zahlen und die Zeichen und
versucht, die Beziehungen zwischen Mengen, Formen, Eigenschaften widerzuspiegeln,
Verhältnisse...
Die künstlerische Sprache, mit verschiedenen Medien, versucht auszudrücken
Gedanken und Handlungen mit ästhetischen Zielen

1.2. DIE MUSIK ALS SPRACHE: MECHANISMEN UND ELEMENTE

1.2.1. Die musikalische Sprache

Von der Musik sagt man oft, dass sie eine universelle Sprache ist. Und das ist wahr.
nur insoweit, als diejenigen, die sie hören, sie empfangen und genießen können, im Unterschied zu
ein Gedicht geschrieben, das nur diejenigen verstehen werden, die diese Sprache kennen. Aber was niemand
sichern, dass alle Rezipienten der Musik dasselbe verstehen. Dies
Die Unmöglichkeit basiert darauf, dass Musik als Ausdruck keine Sprache darstellt.
kodifiziert" (Fuentes und Cervera)

Die Musik kann als Sprache betrachtet werden. Realitäten und Konzepte
Als signifikant, Sender, Empfänger, materieller Träger, Ausdruck und Kommunikation sind
gemeinsam für den verbalen und musikalischen Ausdruck, der daher als verstanden werden kann
Sprache.
Die Musik als Sprache hat keine direkte semantische Information, aber
Darin liegt ihre große Kommunikationskraft, ihre Fähigkeit zu stimulieren die
Einbildung und Fantasie.

Musik ist eine künstlerische Sprache wie Malerei, Dramatisierung, das

Tanz... Sie haben die Absicht, "zu lernen, auszudrücken und
verschiedene Aspekte der äußeren Realität und der inneren Welt des Kindes kommunizieren und die
Mädchen.
Aber das Material, das er verwendet, macht die Musik zu einer künstlerischen Sprache mit
wichtige Unterschiede im Vergleich zu den anderen. Das Material, das er verwendet, ist der Klang,
immateriell und flüchtig.

Die Musik ist eine Sprache, die für den Menschen ebenso natürlich ist wie seine.
eigenen Sprache. Die Phasen, die sich in der Entwicklung der musikalischen Sprache abspielen, im
Kinder sind aus evolutionärer Sicht equivalent zu denen, die während der
das Erlernen der Sprache. Sie beginnen mit einem Gestammel, das sich bis zu ...
ein mittleres Reifegradniveau zu erreichen, das für alle normalen Individuen geme common ist.
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1.2.2. Mechanismen
Das Wesentliche ist, dass der Schüler mit dem Material in Kontakt kommt und
Erfahren Sie mehr über Ihre Möglichkeiten und Eigenschaften, ebenso in der Musikalischen Bildung.
Der Schüler muss sich von klein auf mit den Parametern vertrautmachen.
Klang (höhe, intensität, dauer und timbre) aus einer empirischen und praktischen Perspektive.
Da das Medium unterschiedlich ist, ist auch der musikalische Prozess unterschiedlich. Der
Der Emittent hat eine musikalische Idee, die er kommunizieren möchte. Diese musikalische Idee wird über die ...
Interpretation oder durch die Schöpfung (Improvisation) Aber oft hat der Sender es...
Es ist wichtig, eine Aufzeichnung dieser Nachricht zu hinterlassen; dafür ist es notwendig, einen Code zu haben.
In der Schule werden diese Codes der musikalischen Darstellung vielfältig sein; wir werden von den
nicht konventionell, von den Schülern selbst in Abhängigkeit von ihren Bedürfnissen geschaffen
Funktion dessen, was dargestellt werden muss) Während solche Codes fortschreiten
Die Schüler werden, je komplexer es wird, die Notwendigkeit eines Codes verstehen.
konventionell systematisiert.
Mit diesen Codes kann der Sender seine Nachricht übermitteln.
Musikalische Schrift, während der Empfänger die Idee durch das Lesen wahrnehmen kann
Musical.

1.2.3. Bestandteile der musikalischen Sprache

[Link] Rhythmus. Musik ist die organisierte Dauer in ihrer klanglichen Form. Der
Rhythmus ist für sich genommen auch Musik, deren Reichtum aus dem kommt
Stimmfarbe.
[Link] Melodie. Wenn wir in Bezug auf den Rhythmus von "Dauer" sprachen
organisiert" oder "Ordnung in der Dauer", jetzt können wir uns beziehen auf das
„melodische Ordnung“. Rhythmus und Melodie sind ausreichend, um zu bauen
verschiedene musikalische Sprachen (irische Lieder, Gregorianischer Gesang)
[Link] Harmonie. "Ordnung der Gleichzeitigkeit"; das heißt, die Harmonie, verstanden
ésta como la técnica que enseña a dominar los acordes y, en sentido más
umfassend, alle Klangzusätze sowie die Organisation der
Folgen.
[Link] Instrumentierung und die Orchestrierung. Es bezieht sich auf die Auswahl und
Kombination von Glocken.

Wenn wir die Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen den gesprochenen Sprachen und der
Musik, können wir sagen, dass beide Rhythmus und Melodie gemeinsam haben. Was ... betrifft
Die Unterschiede, der Hauptunterschied liegt darin, dass nur die Musik Harmonie verwendet; die
Musik ist die einzige klangliche Sprache, die die Organisation der Gleichzeitigkeit verwendet,
unter Berücksichtigung der Vielfalt der Klangfarben.

1.3. DIE MUSIK ALS MITTEL DER AUSDRUCKSFORM

Wenn wir den Ausdruck als Manifestation der eigenen Intimität verstehen
Bilder oder Symbole, ob mit oder ohne Empfänger, sprechen wir von einer Sprache für
expresarse sin más. Si esta expresión la queremos encauzar como sistema de comunicación, es
ich brauche, dass es einen Empfänger, einen Rezipienten gibt. Der nächste Schritt ist, dass der Rezipient es schafft
Die Nachricht verstehen.
Innerhalb der Musikpädagogik können wir verschiedene Arten unterscheiden
Ausdruck. Klassifizierung der Quellen und Cervera:
Der sprachliche Ausdruck, der die Manifestationen umfasst, die als Grundlage dienen
das Wort
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Die Körpersprache, Zusammenfassung der gestischen, mimischen und...

Haltungen
Der plastische Ausdruck, ein Compendium der kunsttechnischen Manifestationen: Licht,
color, volumen, forma
Der rhythmisch-musikalische Ausdruck, der die Manifestationen umfasst, die die benutzen
Bewegung und der geregelte Klang, fast immer miteinander verbunden.

Die Dramatisierung integriert verschiedene interdisziplinäre Ausdrucksaktivitäten, daher

was als ein fundamentales Element in Bezug auf musikalischen Ausdruck angesehen wird.
Die Aktivität und die Bewegung werden als Ausdrucksformen angesehen,
wenn es Mittel sind, die den Ausdruck erleichtern.
Der Ausdruck ist eine eigene Äußerung, die das Individuum macht.
unabhängig von den Kanälen oder Medien, die für diese Äußerung gewählt werden. Der Sender
drückt eine Reihe von Eigenschaften aus, die der Empfänger beurteilen wird, und egal welches Urteil, es wird nicht...
Nachricht ändern.

2. FORMATIVER WERT DER MUSIK

2.1. VORGEHENDE
Die ersten Dokumente, die wir über den formenden Wert der Musik besitzen, die
Wir verdanken es Damon (Philosoph-Musiker, 5. Jahrhundert v. Chr.). Die Reden von Damon handelten von „dem
Musik und der Bildungswert, den sie für die Jugend enthielt, und Einfluss auf das Konzept des
Verbindung zwischen der Welt der Klänge und der ethischen Welt”. Damón akzeptierte, dass die Musik
übt einen direkten Einfluss auf den Geist der Individuen aus.
Platon, der die Ideen von Damón fortführte, akzeptierte, dass Musik dazu dient, um
Die Seele zu erziehen, ohne das durch sie erzeugte Vergnügen zu leugnen.
Aristoteles, Schüler von Platon, ist der Meinung, dass nicht nur darüber gesprochen werden sollte.
musikalischen Ausführung, sondern auch ihrer Analyse.
Mit der Zeit wird die Musik immer mehr zu einem
Mein Ornatus für den virtuosen Ausführenden und auf der Suche nach sensorischem Genuss von Seiten des
Auditorium.

Andere Meinungen zur Bedeutung der Musik für die Bildung sind die von
Cervantes, "die Musik setzt die zerstreuten Gemüter wieder zusammen und lindert die Mühen, die aus dem entstehen
Geist”, und Luther „würde das Wenige, was ich über Musik weiß, für keinen Schatz hergeben“.

Willems war der erste, der die Bildungschancen erneut nachgewiesen hat.
Musik. Sie wird zwischen traditionellem Musikunterricht mit einem klaren Ziel unterscheiden:
technische Entwicklung des Instrumentalisten oder des Sängers und die musikalische Ausbildung, wobei akzeptiert wird, dass die
Musik kann Fähigkeiten wie Konzentration, Abstraktion, Vorstellungskraft entwickeln.
Kreativität...
Ausgehend von Willems und seiner Methode haben viele andere Autoren diese akzeptiert.
Postulate, was Anfang des 20. Jahrhunderts einen Wechsel in der Ausrichtung provozierte, der
gab der Musik. Und wir können das Jahr 1958 betrachten, das Jahr, in dem der II. Kongress stattfindet.
der UNESCO über Musikpädagogik, die in Kopenhagen stattfand, als Ausgangspunkt
para la revalorización de la Educación Musical en la escuela. Algunos de los argumentos
Ausgestellt auf diesem Kongress sind die folgenden:
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Das Singen ist ein ausgezeichnetes Mittel zur Entwicklung der sprachlichen Fähigkeiten des Kindes, in seiner
doppelte verständnisvolle und expressive Richtung. Auch werden bestimmte Formen unterdrückt.
Argot und Aussprachendefekte dank der Sorgfalt in der Artikulation und Vokalisierung
von den Wörtern
Die musikalische Praxis schafft emotionale und kooperativer Bindungen, die notwendig sind für die
Integration in die Gruppe, mit dem entsprechenden Verlust von gegensätzlichen Gefühlen gegenüber der
labor educativa: recelo, timidez...
La Educación Musical actúa como un verdadero relajamiento para el niño y rompe la
Spannung, die in anderen Fächern herrscht
Es ist ein hervorragendes Mittel, um das ästhetische Empfinden des Kindes zu entwickeln, während ...
erziehe den guten Geschmack

Ursachen, die die Implementierung der Musikausbildung verzögern können

1. Fehlen eines angemessenen musikalischen Klimas. Unser Land hat eine Musikkultur
arm
[Link] an Fachleuten oder angemessen ausgebildeten Personen. Wenn der
Der Pädagoge schließt seine Ausbildung an den Lehrerbildungsinstituten ab, konnte jedoch nicht
die musikalische Technik beherrschen, die dann an die Schülerinnen und Schüler weitergegeben werden muss
[Link] an einer attraktiven Methode
[Link] an humanen und materiellen Ressourcen. Wirtschaftliche Defizite
Mit den neuen Strömungen und aktiven Methoden können sie teilweise minimiert werden.
Einige dieser Ursachen. Der Musikunterricht wird sein Ausbildungs- und ästhetisches Ziel erreichen.
wenn die gewählte Methode die richtige ist und wenn die Auswahl von Zielen und Inhalten
sei die geeignete, die die Schüler motiviert und sich mit einer guten Auswahl ergänzt
Lieder, die zu seinen interpretativen Fähigkeiten und Interessen passen.

2.2. BEREICHE DER MUSIKAUSBILDUNG

Die moderne Pädagogik akzeptiert die Existenz von drei Sphären im Individuum: die
die sphäre oder der bereich des mentalen (kognitiven), die sphäre oder der bereich des physischen (psychomotorischen) und die sphäre oder
affektiv-soziale Bereich, oft vernachlässigt.
Und die Musik wirkt sich aus und trägt zur Entwicklung dieser Bereiche bei: die Interpretation
Eine Analyse eines Songs ermöglicht dem Schüler ein umfassenderes Wissen über dieses Musikstück.
(kognitives Aspekt), wird es Ihnen ermöglichen, die Gesangstechnik besser zu beherrschen (psychomotorischer Aspekt)
und wird es dem Kind ermöglichen, die Musik unter einem spielerischen Prisma (affektive Bereich) zu sehen.
Aber man erreicht auch nicht strikt musikalische Ziele durch das
musikalisches Werk.
Oriol und Parra: Gesang ist ein ausgezeichnetes Medium zur Entfaltung der Fähigkeit
Linguistik des Kindes in ihrer doppelten Vertretung: verstehend und ausdrücklich. Sie kommt, um zu beseitigen
bestimmte Formen von Jargon und Aussprachefehlern. Durch musikalische Praxis,
se crean lazos afectivos y de cooperación, necesarios para lograr la integración en el grupo, con
Der Verlust von Misstrauen, Schüchternheit... Die Musikalische Bildung wirkt als Entspannung für das Kind, und
bricht diesen Ton von Anspannung und Ernsthaftigkeit auf, dass es notwendig ist, anderen Fächern Ausstattung zu geben. Es ist ein
Ressource zur Entwicklung des ästhetischen Empfindens des Kindes.

Nach Pilar Figueras umfasst das Lernen von Musik und/oder fördert es:
1. Die Entwicklung der Hörfähigkeit. Auf das achten, was man hört.
Es impliziert einen Akt des Willens.
[Link] Entwicklung des Gedächtnisses. Vom Erinnern an Geräusche bis zur Einprägung eines hohen
Anzahl der Strophen.
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[Link] Entwicklung der Analyse-, Vergleichs- und Beziehungsfähigkeit.

[Link] Entwicklung der Abstraktionsfähigkeit. Einen Rhythmus oder eine Melodie verinnerlichen, von
Form, wie ich es innerlich höre, ohne es auszuführen oder zu hören.
[Link] Entwicklung der fantasievollen und kreativen Fähigkeit. Improvisationsaktivitäten,
sowohl melodische als auch rhythmische (P-R).
[Link] Entwicklung der Sensibilität gegenüber der Botschaft der Musik. Sie umfasst die Entwicklung des
kritisches Gefühl.

3. WAHRNEHMUNG UND AUSDRUCK

3.1. Wahrnehmung und Ausdruck

Die Grundbildung muss die Entwicklung der Fähigkeiten fördern.
notwendig für die Durchführung von zwei grundlegenden Prozessen. Der der Wahrnehmung von Darstellungen
plastische, musikalische und dramatische, sowie der Ausdruck von Gefühlen und Ideen, durch diese
denselben Mittel (MEC).
Beim Ausdrücken und Wahrnehmen musikalischer Äußerungen sind die Schüler
Sie müssen verstehen, dass eine Reihe von Regeln und Elementen notwendig ist, die die
kommunikative Codes: die persönlichen Codes, freier aber weniger genau, und die Codes
konventionell, strenger, aber universeller.
Die innere Welt der Schüler und die äußere Realität sind die Aspekte, die
Sie müssen ausdrücken und kommunizieren, ausgehend von der Beobachtung.

Die Wahrnehmung und der Ausdruck sind zwei Fähigkeiten, die zusammen mit der Analyse
die durch die Kunstpädagogik entwickelt werden. Mit der Musikalischen Bildung, das
Das alumnado nimmt eine akustische Umgebung wahr, an der es Anteil hat: die Geräusche seiner Umgebung, andere
Umgebungen mit anderen Klanglandschaften... Dieser aktive Zugang zur Musik, indem man erreicht
um einen angemessenen Einsatz seiner Stimme, seines Gehörs, seines rhythmischen Fähigkeiten und des
movimiento, le hacen comprender la importancia de percibir y de expresar lo percibido.

Die Wahrnehmungs- und Ausdrucksprozesse sollten grundlegend in den Kriterien sein.

von Inhalten. Die Lehr Einheiten sollten Modelle bereitstellen, die die
Schüler können nachahmen und verinnerlichen, was ihnen eine schrittweise Annäherung an die erleichtert.
Musikalische Kenntnisse.
Die Wahrnehmung ermöglicht es, die musikalischen Elemente der Umgebung aufzufangen und zu übertragen.
eine spontane und unsystematische Beobachtung zu einer autonomen Beobachtung, die näher bringt zu
Schüler zu einer sensiblen Analyse der Umwelt und des künstlerischen Geschehens zu führen und eine Darstellung zu haben.
internalisiert von den erlebten und erfahrenen Konzepten. Der spontane Ausdruck des Kindes.
das Wissen, das sie über die Elemente der Musiksprache besitzen, durch die Manipulation
von Musikinstrumenten mit einem fortschreitenden Umgang mit ihnen, ermöglichen es ihnen, zu realisieren
persönliche und bereichernde Erfahrungen.

Letztendlich sollte die Musikbildung darauf abzielen, dass die Schüler in der Lage sind
die Schönheit seiner Umgebung, der Natur, der Kunst zu genießen... Nur so wird er Zugang zu
eine bessere Lebensqualität.

3.2. DIE MUSIKPERCEPTION UND IHRE MITTEL

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Einer der Hauptaspekte der Musikausbildung sollte die Wahrnehmung sein.

Aktiviere und höre aufmerksam zu.
Wir beabsichtigen, das Bewusstsein für alle Geräusche zu schärfen und insbesondere für die
Geräusche, die nach bestimmten Mustern organisiert sind (Musik). Daher wird es grundlegend sein
den Schüler dazu bringen, die Geräusche seiner Umgebung zu identifizieren und deren Eigenschaften zu analysieren:
Differenzierung von Höhen, Identifikation von Klangfarben... Gleichzeitig erfolgt schrittweise die
wird versuchen, dem Kind die Beziehung zwischen solchen akustischen Parametern und den
elementos musicales: tono-melodía; duración-ritmo; intensidad-matices expresivos.

Das Hören ist das einfachste Mittel, um mit dem Prozess zu beginnen
Wahrnehmung: Sie kann ohne jegliches theoretisches Wissen erfolgen. Aber sie ist nicht einzigartig:
Durch das Musizieren werden auch die musikalischen Ideen wahrgenommen, die vermittelt werden sollen: wenn
Ein bestimmter Klang hat eine höhere oder tiefere Tonhöhe, ist kürzer oder länger, lauter oder leiser...

3.3. DER MUSIKALISCHE AUSDRUCK UND SEINE MITTEL

Wir haben mehrere Verfahren, die uns helfen, dies umzusetzen: die
musikalische Interpretation, Improvisation und musikalisches Schreiben. Das musikalische Schreiben ist das
späterer Prozess, da er den größten Grad an Abstraktion beinhaltet. Er ermöglicht uns
die musikalische Idee grafisch auszudrücken, die wir kommunizieren möchten. Die Interpretation und die
Improvisation, jedoch werden wir sie von Beginn der Grundschule an entwickeln.

In beiden Fällen werden wir die Stimme, die Instrumente und den Körper als Mittel verwenden.
durch Bewegung und Tanz.
Die Stimme ermöglicht es, musikalische und sprachliche Aspekte zu bearbeiten und daher können wir
ermöglicht die Globalisierung mit anderen Bereichen. Durch ein umfangreiches Repertoire an Liedern sollten wir gehen
die psychologische Entwicklung der Schüler, ihren Wortschatz, das Wissen über andere Bereiche und
gewohnheiten...
Die Instrumente werden gezeigt, um die Elemente gemeinsam zu bearbeiten.
Musikalisches und die Koordination, die Fähigkeit, sich an die Gruppe anzupassen, die auditive Entwicklung.
Die Bewegung und der Tanz, was das D.C.P. als "Sprache" bezeichnet.
„Corporal“, erlaubt es, musikalische Elemente und Elemente des Ausdruckstanzes zu verschmelzen.

3.4. Wahrnehmung und Ausdruck: Sequenzierung von Zielen und

INHALTE NACH ZYKLEN

ERSTER ZYKLUS
A)Percepción
Das Hauptziel ist es, bei den Schülern die Freude am Zuhören und am Produzieren zu wecken.
Geräusche und dass er sich mit den Geräuschen seiner nahen Umgebung vertraut macht (Geräusche von der
naturaleza, sonidos producidos con diversos materiales, objetos, instrumentos...) y
erkennen Sie bestimmte grundlegende Merkmale in Bezug auf Höhe, Dauer, Intensität und
Klänge
Es sollte ebenfalls eine Einstellung von Interesse und Neugier gegenüber den Geräuschen gefördert werden, die
sie umgeben
Ein weiteres wichtiges Ziel dieser Phase ist es, den Klang der Stille von ...
es als privilegiertes Element für seine Beziehung zu anderen zu erleben, besonders
en las actividades musicales en grupo
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Auf der anderen Seite wird die Schülerschaft in die Erkennung der musikalischen Aspekte eingeführt.
arbeitet innerhalb eines musikalischen Werks: Klangfarbe, Intensitätsänderungen, Variationen
Kontinuierliche Intensität, Geschwindigkeit und Form

B) Ausdruck
Die Fähigkeit zur Erkundung der Ausdrucksmöglichkeiten beim Schüler fördern.
vom Körper und der Bewegung und darauf physisch auf akustische Reize zu reagieren
Den Körper und die Bewegung als das geeignete Mittel nutzen, um Variationen auszudrücken.
von Höhe, von Dauer, von Intensität, Unterschiede von Klang-Schweigen...
Ebenso wird in diesem Zyklus der Schüler in das Erlernen der Musiksprache eingeführt.
eine intuitive Art
Die kreative und einfallsreiche Fähigkeit durch die Manipulation von Objekten und
Klanginstrumente, all dies in Spielsituationen, die einen Grad von
Genuss und emotionale Sicherheit ermöglichen die freie Ausdruck von Gefühlen
Die stimmlichen Ressourcen durch Nachahmung von Geräuschen, Improvisation usw. erkunden;
die Klangmöglichkeiten des eigenen Körpers, von Objekten und von einfachen Instrumenten und
die empirische Anerkennung einiger Aspekte des Rhythmus wie den Puls und den Akzent
Die Schülerinnen und Schüler in die Improvisationstechniken durch Fragen und Antworten einführen und
in der Verwendung verschiedener Schreibweisen
Aprender canciones y juegos infantiles y populares y el baile libre
Sich in den Grundkenntnissen des Kassettenhandlings einarbeiten, indem Klangaufnahmen, die im Unterricht erstellt wurden, aufgenommen werden.
Serien von Geräuschen..., die eine spätere Anhörung und Kritik der geleisteten Arbeit ermöglichen werden
um neue und bessere Möglichkeiten auszuwählen

ZWEITER ZYKLUS
a)Percepción
Das allgemeine Ziel dieses Zyklus besteht darin, die Fähigkeit weiterzuentwickeln
Wahrnehmung der natürlichen Elemente und der künstlerischen Ausdrucksformen der Umgebung,
durch gezielte und systematische Beobachtungen von Situationen und Objekten der Umgebung
nächster zum Schüler, und die schrittweise Annäherung an eine sensible Wahrnehmung von der
Realität, sowie die Möglichkeit zu fördern, die Fähigkeit zu entwickeln, zu unterscheiden und
die verschiedenen Klangelemente, die man aus der Umgebung wahrnehmen kann, in Beziehung setzen
Ausgehend von Spielsituationen, die Klassifizierung von Geräuschen nach Material bearbeiten
und die Vorgehensweise zu ihrer Ausführung, wobei kontinuierliche und gestufte Variationen unterschieden werden
von Höhe und Intensität sowie Aspekten von Dauer und Klangfarbe, die Fähigkeit zu entwickeln
die Klänge und Rhythmen erkennen und codieren
Sie daran gewöhnen, Geräusche wahrzunehmen und damit zu spielen sowie geeignete Geräusche auszuwählen.
für die musikalischen Erfahrungen, die stattfinden werden
Kurze Auditionen von ausgewählten Fragmenten und Werken durchführen, die es ermöglichen wird, dass
Schüler*innen finden Effekte und Beziehungen, die in der Aufnahme deutlich werden.
identifizierbar, sowie die Wertschätzung der Merkmale eines musikalischen Stücks
indem sie sie mit ihren eigenen musikalischen Erfahrungen vergleichen
Im Schüler eine Aufmerksamkeit gegenüber der Fülle an Geräuschen fördern
präsent in der Alltagswelt und in denen, die zur Veranschaulichung visueller Bilder verwendet werden
(Kino, Fernsehen...)
Die Annäherung an die Anerkennung der konventionellen und nicht konventionellen Elemente durchführen.
konventionelle musikalische Notation, unter Verwendung von Aktivitäten zur Lesung von Diagrammen
einfach
B) Ausdruck
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Das Wissen über die musikalische Sprache, das im vorherigen Zyklus begonnen wurde, festigen
Die Notwendigkeit bei den Schülern und Schülerinnen zu fördern, neue Formen auszuprobieren.
musikalische Darstellung einer Idee und die Geduld und das Interesse bei der Suche nach
neue Lösungen; das heißt, eigene Ausarbeitungen durch die Transformation von
Elemente des bekannten Modells
Neue Klänge mit verschiedenen Materialien und Instrumenten aus der Umgebung zu experimentieren
Die Vertonung von Texten, Gedichten und Liedern bearbeiten
Rhythmische Ausführungen und Begleitmuster durchführen, die die einschließen
Überlagerung von Teilen
Die Stimmgebung durch die Arbeit mit Onomatopoesie, rezitierten Texten verbessern,
cantados, imitaciones melódicas, etc., und instrumental
Das Repertoire an Liedern erweitern, einschließlich einstimmiger Lieder mit höherer Tonlage
Schwierigkeiten in den technischen Aspekten sowie grundlegende Formen der Polyfonie. Es wird verwendet werden
Cassette als ideales Medium für das Hören und die Kritik, sowohl für eigene Aufnahmen
wie die von anderen

DRITTES ZYKLUS
A) Wahrnehmung
Weiter vertiefen Sie die Entwicklung der Wahrnehmungs- und Analysefähigkeiten.
sensible für die Umgebung und das künstlerische Faktum, um die markantesten Aspekte zu überwinden
auffällig und sichtbar, eine objektivere Analyse der Realität erreichen
Sich mit dem Wissen über zeitgenössische musikalische Praktiken vertrautmachen und in das
progressives Wissen über die eigenen Manifestationen der Umgebung sowie die von
andere Völker und Epochen
Eine kritische Haltung und Verteidigung gegen Lärm- und Umweltbelästigungen fördern.
im Rahmen des Ziels, das akustische Umfeld zu sensibilisieren
Eine Einstellung zu fördern, die auf die klanglichen Effekte und die verwendete Hintergrundmusik achtet in der
Körper- und Selbstbild, versucht die Funktion dieses als Unterstützung der
künstlerische Ausdrücke
Die aktive und verstandesmäßige Zuhören von musikalischen Beispielen verschiedener Genres entwickeln
und Stile, eine kritische Haltung zur gehörten Musik zu fördern
Vertiefen Sie die Analyse der Soundparameter mit einem zunehmenden Grad von
Komplexität, minimale Höhenunterschiede erkennend, kaum erkennbare Veränderungen von
Intensität und auditives Erkennen der verschiedenen Instrumente
Die Erweiterung der Palette unkonventioneller Schriftarten und die Verwendung der konventionellen Schriftart für die
Lesen und Schreiben von Beispielen, die normalerweise im Unterricht bearbeitet werden
B) Ausdruck
Utilizar de forma autónoma los distintos elementos musicales trabajados, en sus propias
Produktionen
Musikproduktionen kooperativ durchführen und Vorschläge einbringen.
Erfahrungen, die man im Teamarbeit genießt und kritisch analysiert
Endergebnis
Continuar avanzando en la mejora del control en la expresión y emisión vocal
Das Repertoire an Liedern mit dem Erlernen anderer mit größerer Schwierigkeit erweitern durch
seine Merkmale und einfache polyphone Formen sowie Lieder für zwei Stimmen
Vertiefung der Instrumentaltechnik unter Verwendung von Schlaginstrumenten mehr
komplex, die eine höhere rhythmische Präzision sowohl bei individuellen Ausführungen erfordern
wie in der Gruppe, die harmonische Begleitungen einschließen
Instrumente höherer Komplexität unter Berücksichtigung ihrer Eigenschaften bauen
akustische
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Die Wiedergabegeräte für den Klang richtig verwenden und ihre Nutzung als
Medium zur Aufnahme eigener musikalischer Kreationen
4. BEDEUTUNG DER MUSIKALISCHEN BILDUNG IN DER PHASE VON
PRIMARIA

4.1. GRUNDLEGENDEN MERKMALE DER GRUNDBILDUNG

Die Grundschule umfasst chronologisch die Jahre von 6 bis 12.
Jahre. Und ein großer Teil der späteren Erwerbungen und Kenntnisse wird sich auf
Entwicklungen und Fähigkeiten, die in dieser Phase erworben wurden.
Die Grundschule ist in drei Zyklen von jeweils zwei Jahren organisiert.
Merkmale der einzelnen Zyklen:
1. Erster Zyklus (6-8 Jahre). Die Schüler in ihre Integration einführen
Gruppe. Man beginnt, die grundlegenden Fähigkeiten zu erwerben und ist abhängig.
vom Professor.
2. Zweiter Zyklus (8-10 Jahre). Die instrumentalen Fähigkeiten werden gefestigt und es
Neue Arbeitsmethoden beginnen: die kooperative Arbeit; sie sind weniger
dependientes del profesor.
[Link] Zyklus (10-12 Jahre). Die instrumentalen Fertigkeiten werden perfektioniert.
Es werden andere Arbeitstechniken beherrscht und ihre Autonomie wird gefestigt.

4.2. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG IM GRUNDSCHULBEREICH

Die Stimmübung fördert die Kommunikationsprozesse; aber gleichzeitig
ermöglicht das Arbeiten an der Artikulation, der Betonung, dem Satzbau, der Diktion. Die Instrumente
Musicals werden sich in neue Medien verwandeln, mit denen man Ideen und Zustände ausdrücken kann.
Mut... In der Körpersprache wird vor allem auf die allgemeine dynamische Koordination geachtet.
Gleichgewicht, Entspannung...
Wie Aristoteles dachte, handelt es sich nicht nur um die musikalische Ausführung, sondern
auch von seiner Analyse. Dazu wird es notwendig sein, dass der Educator ihm Kriterien vermittelt.
seletiv, die es ihnen ermöglichen, die ästhetischen Werte des Werks zu bestimmen. Wir müssen erreichen, in
die Schüler eine kritische und selektive Musikhaltung einnehmen, die diametral dem passiven Konsum entgegensteht
Auferlegt durch die Moden.
In der Grundschule sollten wir bei Jungen und Mädchen die Freude am Zuhören fördern und
Geräusche erzeugen, indem man sie analysiert und ihre Eigenschaften mit einer aufmerksamen Haltung erkennt.
Curiosa. All dies wird normalerweise im Kontext von altersgerechten Liedern behandelt.
von den Schülern und kurzen Hörproben von Fragmenten, die zur Bereicherung und Unterstützung anderer verwendet werden
Nachrichten.
Wir werden auch versuchen, dass die Schüler die Möglichkeiten verstehen und akzeptieren.
ausdrucksvoll von Stimme, Körper und Instrumenten. Diese Mittel werden die Interpretation beinhalten
Lieder und instrumentale Stücke, einfache Bewegungen und Choreografien sowie die Durchführung von
kinderspiele und traditionelle Spiele, die diese Aspekte vereinen.

4.3. Einfluss der Musikbildung auf die Entwicklung von

DIE PERSON
Dice Kurt Palhen, dass musikalische Ausbildung in der Wiege beginnt und dass zum
Um ein Kind in das Schulleben einzuführen, muss sein Gehör bereits ausgebildet sein.
Wir streben an, dass die Ausbildung ganzheitlich ist (LOGSE), die ermöglicht
Entwicklung der vollständigen Persönlichkeit der Schüler, dass sie bestimmte Gewohnheiten erwerben.
Intellektuelle und einige Arbeitstechniken, die ihn darauf vorbereiten, aktiv am Leben teilzunehmen.
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sozial und kulturell und fördert den Frieden, die Zusammenarbeit und die Solidarität. Wir dürfen nicht vergessen, dass
Musikalische Bildung als Teil der integrativen Bildung, um diese Ziele zu erreichen
Bildungsangebote.
Und dieser Einfluss auf die ganzheitliche Entwicklung der Person zeigt sich in drei
distintos campos: cognitivo, afectivo y psicomotor.

A) Kognitiv
a. Er erhöht sein Wissen und trägt zum Wissen über die allgemeine Kultur eines Volkes bei.
von seiner Geschichte
b. Entwickelt den Intellekt, indem es die Fähigkeiten zur Verständnisschärfe erhöht,
Synthese, Bewertung, Anwendung, um Schemen zu erstellen... (verbale Sprache)
c. Steigere und entwickle die Fähigkeiten zur Abstraktion und Problemlösung
(mathematische Sprache)
d. Erhöht die imaginative und kreative Kapazität. Es werden neue Probleme gelöst.
aus den erworbenen Kenntnissen. Diese kreative Einstellung wird gefördert, da
wenn aus dem vorhandenen Wissen aufgebaut wird, ist es dann,
Wirklich findet eine Lehre und ein Lernen statt

B) Affektiv
a. Es wird in diesem Bereich durch Werte, Interessen, Einstellungen und Neigungen beeinflusst.
dass die Musikalische Bildung vermittelt
b. Sie ist ein Überträger von affektiven Botschaften
c. Entwickelt die Sensibilität und fördert das Interesse daran.
d. Trägt zur Bildung von Einstellungen von Anstrengung, Aufmerksamkeit und Disziplin bei; Ordnung ist ein
ein äußerst wichtiger Wert in der Musik
e. Favorece el desarrollo del sentido crítico, además de valores estéticos

C) Psychomotor
a. Fördert die psychomotorische Entwicklung durch Koordinationsaktivitäten
Bewegungen durch den Rhythmus
b. Entwickelt das Körperschema aus sensorischen Informationen, sei es in Position
statisch oder in Bewegung
c. Fördert die allgemeine dynamische Koordination durch musikalische Aktivitäten, die
implizieren Karrieren, Sprünge, Gleichgewichte...
d. Desarrolla la coordinación óculo-manual al llevar a cabo el aprendizaje de cualquier
Musikinstrument. Die Entwicklung des Hörvermögens und des Sinns für Ordnung
wird das instrumentale Lernen beeinflussen und eine Koordination des Gehörs erfordern, Aspekte
physische und psychomotorische Aspekte.

Um die Bedeutung einer umfassenden, vollständigen, integralen Bildung zu unterstreichen, zitieren wir
einige Definitionen von Bildung, die uns Autoren von herausragender Bedeutung hinterlassen haben
aus der Geschichte der Pädagogik:
Platon: Der Seele und dem Körper all die Schönheit und Vollkommenheit zu geben, der sie fähig sind.
Pestaladey: Die natürliche, fortschreitende und systematische Entwicklung aller Fähigkeiten
Spencer: Die Vorbereitung auf das volle Leben
Ebenso wird die Musikpädagogik das Ziel haben, zur Entwicklung beizutragen
bei den Schülern und Schülerinnen die folgenden Fähigkeiten:
[Link] Möglichkeiten des Klangs als Element der persönlichen Darstellung verstehen und
autonom und lernen, sie zu nutzen
 16

[Link] Sie Ihr künstlerisches Wissen auf die Beobachtung von Situationen und Objekten an.
alltägliche Realität
[Link] Wissen über die grundlegenden musikalischen Elemente im Analyse verwenden
eigene und fremde künstlerische Produktionen
[Link] ausdrücken und kommunizieren, indem man verschiedene Botschaften produziert, und dabei die Codes verwendet
Grundformen der verschiedenen künstlerischen Sprachen sowie ihre spezifischen Techniken
5.Künstlerische Aktivitäten kooperativ durchführen
[Link] und Musikinstrumente erkunden, um ihre Eigenschaften zu kennen und
Möglichkeiten der Nutzung, expressive, kommunikative und spielerische Zwecke
[Link] Stimme und den eigenen Körper als Mittel der Darstellung und Kommunikation nutzen
musical
[Link] Kommunikationsmittel kennen, in denen der Klang operiert und die Kontexte, in denen
entwickelt sich
[Link] in die eigenen musikalischen Kreationen haben, Freude an ihrer Umsetzung haben und
schätzen Sie Ihren Beitrag zum Genuss und zum persönlichen Wohlbefinden
[Link] wichtigsten musikalischen Ausdrucksformen seiner Gemeinde kennen und respektieren
Autonome, sowie die herausragendsten des spanischen Erbes

5. DER LEHRPLAN FÜR MUSIKBILDUNG IN DER KONKRETION

VON DIDAKTISCHEN EINHEITEN

Der Lehrplan bezieht sich auf die systematische Organisation von Aktivitäten, die darauf abzielen, zu erwerben
die Kenntnisse, die im Programm ausgedrückt werden. Es muss alle Aktivitäten, Erfahrungen ausdrücken,
Lehrmethoden und eingesetzte Medien zur Erreichung der Ziele.
Derzeit haben wir im Bildungsbereich einen Lehrplan, der sich durch seine
offener und flexibler Charakter. Dies bedeutet, dass, ausgehend von dem D.C.P. (Design
Curricular Prescriptivo), sind die Educatoren dafür verantwortlich, den Lehrplan anzupassen an die
características del centro, de los alumnos, del nivel socioeconómico de la zona en la que se
Finde dieses Zentrum... Es sind die Lehrkräfte, die den Lehrplan konkretisieren müssen.
so entsteht das Curriculum-Projekt und die didaktischen Einheiten.

VORGEGEBENES CURRICULUM-DESIGN (DCP)

Erstellt vom MEC und von den Bildungsbehörden in denjenigen Gemeinschaften mit
übertragene Kompetenzen in Bildungsfächern zielen darauf ab, eine Homogenisierung von einer
eine Reihe von grundlegenden Punkten wie: die Etappen Ziele, die verschiedenen Bereiche, die dazugehören
des Lehrplans, der allgemeinen Ziele des Bereichs, der Inhaltsblöcke und der Orientierungen
Bewertende Didaktik.
Für den Bereich der Kunstpädagogik sind die allgemeinen Ziele wie folgt:
[Link] Verständnis der Möglichkeiten von Klang und Bewegung als Elemente von
darstellung und sie verwenden, um Ideen, Gefühle und Erlebnisse auszudrücken, auf eine Weise
persönlich und autonom, in Kommunikations- und Spielsituationen
[Link] Sie Ihr künstlerisches Wissen auf die Beobachtung der Merkmale an, die am meisten
bedeutende Situationen und Objekte der alltäglichen Realität auszuwählen, indem
diejenigen, die ich für nützlicher und geeigneter für die Durchführung der Aktivitäten halte
künstlerisch und expressiv.
[Link] Wissen über die grundlegenden musikalischen Elemente bei der Analyse verwenden
eigene und fremde künstlerische Produktionen und in der Erstellung eigener Produktionen
 17

[Link] ausdrücken und kommunizieren, indem man verschiedene Nachrichten produziert und dafür die
Codes und grundlegende Formen der verschiedenen künstlerischen Sprachen sowie deren Techniken
spezifisch
[Link] producciones artísticas de forma cooperativa que supongan papeles
differenziert und komplementär bei der Herstellung eines Endprodukts
[Link] und verschiedene Instrumente erkunden, um ihre Eigenschaften zu kennen und
Möglichkeiten der Nutzung zu expressiven, kommunikativen und spielerischen Zwecken
[Link] Stimme und den eigenen Körper als Instrumente der Darstellung und Kommunikation nutzen
musikalisch, wodurch das emotionale Gleichgewicht und die Beziehung zu anderen gefördert werden.
[Link] Medien kennen, in denen der Klang operiert und die Kontexte, in denen
sie entwickeln sich, indem sie in der Lage sind, die Elemente des expressiven Interesses kritisch wertzuschätzen und
ästhetisch
[Link] grundlegenden Elemente der musikalischen Notation verstehen und nutzen als Mittel von
Darstellung, Ausdruck und Wissen über musikalische Ideen, sowohl eigene als auch fremde
[Link] in die eigenen künstlerischen Arbeiten haben, Freude an der Umsetzung haben und
Ihre Beiträge zur Freude und zum persönlichen Wohlbefinden sowie Respekt zu schätzen
[Link] wichtigsten künstlerischen Ausdrucksformen in der Umgebung kennen und respektieren, so
wie die herausragendsten Elemente des kulturellen Erbes, die Kriterien entwickelnd
Eigenwertungen.
Hinsichtlich der Inhaltsblöcke ist zu beachten, dass im DCP erscheinen
reflektiert die von ganzem Bereich; die spezifischen musikalischen sind die folgenden:
Canto. Ausdruck von Stimme und Instrumenten
Musikalische Sprache
Körpersprache
- Kunst und Kultur (künstlerisches Erbe)

PROJEKT FÜR DEN BILDUNGSZENTRUM (PCC)

Es ist ein Entscheidungsprozess seitens der Lehrkräfte einer bestimmten
Etappe, festlegen, je nach den Eigenschaften des Zentrums und der Schüler, die Mechanismen
Lehrkräfte und didaktische Materialien, die verwendet werden und die Kohärenz des Prozesses gewährleisten werden.
erzieherisch.
Um diese Aufgabe zu unterstützen, hat die Verwaltung auch eine Reihenfolge von
Inhalte nach Zyklen, orientierender Art.

PROGRAMMIERUNG (Didaktische Einheiten)

Die Programmierung (jährlicher Art), bestehend aus einer Reihe von Didaktischen Einheiten
(von geringerer Zeitlichkeit,) liegt es im Ermessen jedes Lehrers.
Innerhalb der didaktischen Orientierungen, die vom MEC im DCP genannt werden, wird auf die verwiesen
Notwendigkeit, die Globalisierung von Inhalten zu suchen und zu erreichen.
Es wird dem Lehrteam und natürlich dem Musikexperten obliegen, zu erreichen
eine interdisziplinäre Globalisierung und eine intradisziplinäre Globalisierung.
In der intradisziplinären Globalisierung haben wir das Lied, das es uns ermöglicht, zu arbeiten.
vokale, instrumentale, motorische Aspekte...
Ausgehend von der Tatsache, dass die Musik eine Inhaltsinterrelation mit dem
resto der verschiedenen Bereiche auf natürliche Weise, Violeta Hemsy präsentiert eine Reihe von Aktivitäten
konkrete Beispiele, die die natürliche Beziehung zwischen Musik und anderen Fächern verdeutlichen:
Sprache und Literatur. Erstellung von poetischen Texten für bekannte Melodien oder
von den Schülern erstellt. Anpassung der Akzente und Rhythmen der Sprache an die Akzente und Rhythmen
musicales. Ritmos de refranes, adivinanzas, coplas...
 18

Zeichnung und Malerei. Illustration von Liedern basierend auf dem Text, vorgeschlagene Bilder.
durch beschreibende Musik...
Dramatische Künste. Empirische Erstellung von musikalischen Stücken, Begleitung
sonor für Marionettenspiele und Theateraufführungen.
Handarbeiten. Bau einfacher Instrumente.
Sprachen. Durch Lieder wird der idiomatische Wortschatz erweitert und gefestigt.
schnell.
Volks Tänze. Verschiedene Schritte in den Volkstänzen.
Körperliche Übungen. Der Rhythmus der Musik wird in körperliche Rhythmen übersetzt.
Mathematik. Anwendung der Brüche im Studium der Proportionen
rhythmische: Einheit, Vielfache und Untervielfache der Rhythmik.
Physik. Grundlagen der Akustik: Abstimmung, Ausführung und Konstruktion von
Instrumente.
Geschichte. Lieder, die historische Ereignisse erzählen. Historische und kulturelle Lage
von verschiedenen Musikarten und Liedern.
Geografie. Die Entsprechung hervorheben und untersuchen, die zwischen den ...
Merkmale der geografischen Umgebung der verschiedenen Länder oder der unterschiedlichen Zonen eines
das gleiche Land und die Musik.
Zoologie. Beobachten, und Wiedergeben von von Tieren erzeugten Geräuschen.

Das MEC präsentiert in den didaktischen Richtlinien für den Bereich Kunstpädagogik
Grundschule, die Interrelation von Inhalten zwischen diesem Bereich und den anderen.
Erkenntnis der natürlichen, sozialen und kulturellen Umwelt. Inhalte bezüglich
aspectos sociales: el respeto a los demás, la convivencia armónica, el valor del ocio, la
Organisation und Teilnahme am Gesellschaftsleben und Sensibilität gegenüber den Manifestationen
kulturelle Umfeld. Die zeitlichen Begriffe, die im Sachunterricht behandelt werden, sind
in Bezug auf die Inhalte über die individuelle und relationale Zeit im Bereich Bildung
Musical.
Sportunterricht. Der Rhythmus, die Dauer, die Sequenz... Beide verwenden das
K Körpersprache: „Der Körper: Ausdruck und Kommunikation“. Die Körperbeherrschung in Bezug auf die
Spannung und Entspannung.
Bereich der spanischen Sprache und Literatur. Gemeinsame Fragestellung bezüglich der
Kommunikation, der Ausdruck und die Darstellung. Sie entwickeln die grafische Darstellung in der Schrift und die
konventionelle und nicht-konventionelle Notationen in der musikalischen Darstellung, die Haltung und das
Bewegung als notwendige nicht-sprachliche Zutaten in der mündlichen Kommunikation und in der Musik.
Bereich Mathematik. Inhalte im Zusammenhang mit Zeit, Brüche und
Studie der Proportionen.

5.1. KONZEPT DER DIDAKTISCHEN EINHEIT

Wir können die Didaktische Einheit als einen Kern der Programmierung definieren, in dem
Es wurden eine Reihe von Aktivitäten erfasst, die notwendig sind, um in einem bestimmten Zeitraum zu erreichen.
konkret, eine Reihe von vorgeschlagenen Zielen.
Die allgemeine Struktur, die jede Einheit haben muss, wird wie folgt sein:
Eine Rechtfertigung und Prinzipien, die die Einheit darstellen. Man muss diese besitzen.
Notwendige Kenntnisse, die jede Einheit kennzeichnen
Eine Analyse der Einheit. Was wir erreichen wollen. Die Inhalte werden ausgewählt, ...
Es wird zeitlich eingeplant und die Methodik mit ihren Strategien organisiert. Es werden Vorschläge unterbreitet.
Ziele, die die allgemeinen des Zyklus entwickeln werden, und die Inhalte werden konkretisiert in
 19

konzeptionelle, attitudinale und prozedurale. Es werden die Mittel und Materialien vorgeschlagen; es
puede ir desde lo más amplio a lo más concreto
Wie es angewendet wird. Es wird an das Alter der Schüler und ihre Umstände angepasst. Die
Inhalte werden in Aktivitäten entwickelt, die umfassend zur Verfügung gestellt werden.
Anwendung. Gruppenorganisation. Es wird vorgeschlagen, wie bewertet wird, es wird beobachtet.
Systematisch und es wird mehr Wert auf das Endergebnis gelegt als auf die Unterschiede.
durch den Prozess.

5.2. ELEMENTE DER DIDAKTISCHEN EINHEITEN

a) Kontextualisierende Elemente: das Zentrum, das eine Vorschule sein kann und
Primarschule, Primarschule und Sekundarschule...; die Umgebung, städtisch, vorstädtisch oder ländlich; die
Schüler, die einem bestimmten Niveau und Zyklus angehören und deren Anzahl nicht mehr als ...
25; und die Zeitspanne, die die Entwicklung der Einheit in Anspruch nehmen wird
Didaktik
b) Bedingende Elemente, die unsere Arbeit beeinflussen werden: die
psychologische Merkmale und die soziologischen Merkmale der Schüler.
c) Elemente des Programmierungsprozesses: Inhalte, Ziele, Methodik,
Aktivitäten, Ressourcen und Bewertung

5.2.1. Bedingende Elemente

a) Psychologische. Wir müssen die Merkmale der
Schüler, sowohl auf emotionaler als auch auf kognitiver und psychomotorischer Ebene,
da dies unterschiedliche Strategien seitens des
Erzieher.
b) Soziologische. Wir müssen den Einfluss berücksichtigen, sowohl
positiv wie negativ des Umfelds, in dem es sich befindet
das Zentrum und das sozioökonomische Niveau. Ein sozioökonomisches Niveau
Es wird die fehlenden kulturellen Anreize in der Familie ansprechen.

5.2.2. Inhalte
Die Inhalte sind „Formen, die eine Auswahl der Elemente verkörpern
kulturell am stärksten repräsentativen und die den Bezugspunkt darstellen, von dem aus
werden bedeutungsvolle Lernprozesse stattfinden" (A. Escamilla). Es geht nicht um das
traditionelles Konzept von Bildung, bei dem der Inhalt nur dem entsprach
Konzept, sondern dass sie auch die Notwendigkeit von Verfahren verstehen
Arbeit und bestimmte Einstellungen, um diese Arbeit zu erledigen.
a) Conceptos. Figuras musicales y silencios, tipos de respiración,
Musikformen, Taktarten, Räume und Bewegungen
körperlich...
b) Verfahren. Das Musikhören, die Gesangsinterpretation oder
instrumental, der Tanz, die musische Lese- und Schreibfähigkeit...
c) Einstellungen. Respekt vor dem Gesang anderer, Interesse am Lernen
de..., Akzeptanz neuer Musikarten...

5.2.3. Ziele
Es sind die Aussagen, die den Typ von Fähigkeit oder Fertigkeit definieren.
Fähigkeit, die wir erreichen möchten, dass unsere Schüler/innen als Ergebnis der Intervention entwickeln
pädagogisch, die wir unternehmen möchten” (A. Escamilla).
 20

In den letzten Jahren bestand der bestehende Trend darin, die Ziele zu differenzieren.
je nach Bereich: kognitive, affektiv-soziale und psychomotorische Ziele,
unter Berücksichtigung nur des kognitiven Aspekts. Heute, nachdem dies überwunden wurde,
Wir können unsere Ziele in unseren Einheiten global erfassen und akzeptieren.
dass die drei Bereiche entwickelt werden.

5.2.4. Methodologie
Im unterstützenden Lehrmaterial (Rote Kisten), das das MEC herausgegeben hat, gibt es
eine Reihe von Prinzipien:
[Link]. Principios de Intervención educativa
a) Vom Entwicklungsstand des Schülers ausgehen
b) Die Sicherstellung des Aufbaus von bedeutungsvollen Lernprozessen
c) Die Fähigkeiten zum Lernen zu lernen entwickeln
d) Die Wissensschemata identifizieren, die der Schüler besitzt und
handeln Sie entsprechend
e) Eine intensive Aktivität des Schülers erreichen
[Link]. Spezifische Methodologie
Wir müssen angeben, ob wir konkrete Methoden verwenden werden: Kodaly,
Orff, Willems, Dalcroze...

5.2.5. Aktivitäten
Unsere didaktischen Einheiten müssen eine Reihe von Aktivitäten enthalten
verschiedene
Einführungsaktivitäten: um das Interesse der Schüler für das, was sie erwartet, zu wecken.
zu machen
Aktivitäten zum Vorwissen: um herauszufinden, welche Ideen oder
Konzepte von dem, was bearbeitet werden wird
Actividades de desarrollo: para dar a conocer nuevos conceptos, procedimientos
oder Einstellungen
Synthese-Zusammenfassungsaktivitäten: um die verschiedenen Inhalte zu verbinden
gelernt
Aktivitäten zur Konsolidierung: um die neuen Ideen mit den vorherigen zu vergleichen
die Schüler
Bewertungsaktivitäten: um das Niveau der Erwerbungen zu überprüfen
alumnos
Wiederherstellungsaktivitäten: für diejenigen Schüler, die nicht erreicht haben die
angestrebtes Niveau

5.2.6. Recursos y agrupamientos

Die Ressourcen sind die Mittel, die wir zur Verfügung haben, um die Durchführung der
actividades, y pueden ser: materiales (instrumentos, grabaciones...); personales (los
eigenen Schülern und dem Lehrer) und umweltbezogene (Geräusche des Feldes und der Stadt,
Auftritte in Auditorien...)
Was die Gruppierungen angeht, können sie sein: große Gruppe (die ganze Klasse),
Teams und Einzelarbeit.

5.2.7. Bewertung
 21

Was zu bewerten ist. Die Ziele unserer didaktischen Einheiten bilden

Die Bewertungsmaßstäbe zur Durchführung der Bewertung: ob sie assimiliert wurden
Konzepte, Verfahren wurden entwickelt und haben neue Einstellungen gefördert
Wie man evaluiert, Techniken. Direkte Beobachtung der durchgeführten Aufgaben von
die Schüler. Indirekte Beobachtung mit Tests, um den Grad der Assimilation zu studieren
die Inhalte.
Register. Follow-up sheets for cognitive and psychomotor skills and lists
zur Steuerung von Zielen; das Attitudinale in der Bewertungsskala, Anekdoten...
Wann zu bewerten. Ev. Initial: zu Beginn einer Lehrveranstaltung, um
Die Bedürfnisse der Schüler kennenlernen; Ev. Prozessual: ermöglicht die Nachverfolgung des
Prozess und seine Anpassungen und Modifikationen; Ev. Final: am Ende jeder didaktischen Einheit,
Folgerungen aus unserer Arbeit ziehen, die uns bei der Planung der
nächste Lehreinheiten.
Letztendlich könnte eine Unterrichtseinheit wie folgt strukturiert werden:
siguientes puntos: Título, Objetivos, Contenidos (conceptuales, procedimentales y
Einstellungen), Aktivitäten (rechtzeitig und sequenziert) von Basis, von
Wiederherstellung und Erweiterung, Gruppenklassen-Dynamik und Raumanordnung,
Ressourcen, Querschnittsthemen, Bewertung und Methodik.
22
 23

THEMA 2

DIE MELODIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG. INTERVALL, MELODIENLINIE,

FRASE MELÓDICA. RECONOCIMIENTO DE LA MELODÍA. TONALIDAD,
MODALITÄT UND TRANSPORT VON LIEDERN. HARMONISIERUNG VON LIEDERN UND
DE WERKEN INSTRUMENTAL. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM
AULA.

1. DIE MELODIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

1.1. EINFÜHRUNG UND KONZEPT DER MELODIE
1.2. MELODIEN UND RHYTHMUS
1.3. INHALTE UND MELODISCHE RESSOURCEN
1.3.1. Melodische Inhalte
1.3.2. Melodische Ressourcen
1.4. Die Melodie in der musikalischen Bildung

2. INTERVALO, LÍNEA MELÓDICA, FRASE MELÓDICA

2.1. INTERVALO: DEFINICIÓN. TIPOS Y ESPECIES
2.2. DIE MELODISCHE LINIE
2.3. MELODISCHE PHRASE ODER MUSIKALISCHE PHRASE
2.3.1. Konzept der melodischen Phrase
2.3.2. Abschnitte und Unterabschnitte der melodischen Phrase
2.3.3. Der Schlaganfall

2.3.4. Melodische Formeln

2.3.5. Melodische Strukturen
2.3.6. Satzstrukturen: binär und ternär
2.3.7. Strukturen des Satzes mit vier Perioden

3. RECONOCIMIENTO DE LA MELODÍA

4. TONALITÄT, MODALITÄT UND TRANSPORT VON LIEDERN

4.1. TONALITÄT
4.2. MODALITÄT
4.3. TRANSPORT VON LIEDERN

5. HARMONISIERUNG VON LIEDERN UND INSTRUMENTALWERKEN

5.1. Begleitung mit Bordón, Notenpedal und Ostinato
5.2. HARMONISIERUNG MIT TONALEN AKKORDEN
5.3. SCHRITTE ZUR HARMONISIERUNG UND INSTRUMENTIERUNG EINER
MELODIE

6. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM UNTERRICHT

 24

6.1. ALLGEMEINES
6.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN
6.3. MATERRIALE RESSOURCEN
6.4. ANDERE RESSOURCEN
6.5. DIDAKTISCHE EMPFEHLUNGEN
 25

THEMA 2
DIE MELODIEN IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG. INTERVALL, MELODISCHE LINIE,
FRASE MELÓDICA. RECONOCIMIENTO DE LA MELODÍA. TONALIDAD,
MODALIDAD Y TRANSPORTE DE CANCIONES. ARMONIZACIÓN DE CANCIONES Y
DE WERKEN INSTRUMENTAL. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM
AULA.

1. DIE MELODIEN IN DER MUSIKBILDUNG

1.1. EINFÜHRUNG UND KONZEPT DER MELODIE

Die Musik verhält sich wie eine weitere Sprache. Es ist nicht gewagt zu vermuten, dass die
Die Melodie stammt von den Betonungen der gesprochene Sprache, da es darin Variationen gibt von
altura y ritmo, lo que nos sirve para interrogar, aseverar, exclamar... y para frasear (comienzo y
final). Por tanto, existen unos elementos integrantes de ese lenguaje y que son los que permiten
der Ausdruck: die grafischen Elemente, die dazu dienen, die musikalische Idee festzuhalten; und die Elemente
Musikstücke, ohne die eine solche Idee nicht existiert. Diese prioritären musikalischen Elemente sind der Rhythmus, die
Melodie und Harmonie. Daher ist die Melodie eines der natürlichen Elemente, die...
die Musik.
Der Begriff Melodie stammt aus dem Griechischen: melos und ode = Gesang.
Es gibt mehrere Definitionen:
a) Real Academia: Die Melodie ist eine Folge von geordneten Klängen
Manier, die ein musikalisches Gefühl vermittelt, das dem Ohr und der
Intelligenz
b) Zamacois: Melodie ist eine Folge von Tönen, deren Intonationen nicht sind
immer die gleichen, ob ihre Werte es sind oder nicht
c) Willems: Die wahre Melodie stammt von einer Emotion, von einem Gefühl.
Die Melodie ist immer das Element gewesen und wird es immer sein.
Charakteristisch für die Musik. Sie kann verschiedene Inspirationsquellen haben.
exterieur. Aber die wahre Quelle der Melodie, die psychologische Quelle,
liegt in unseren eigenen Emotionen und Gefühlen.
d) Weitere Definitionen sind: „Organisierte Abfolge von Tönen“, „Profil eines
Klangkombination
grupo de notas que se percibe como una sucesión coherente”, “una
Melodie ist, einen Klang auf Spaziergang zu bringen (Paul Klee).

Zusammenfassend ist die Melodie die Abfolge von Klängen, die logisch angeordnet sind,
Sätze oder Absätze bilden, um eine musikalische Idee auszudrücken. Es ist das Element, das am meisten
 26

spontan und direkt von der Inspiration des Komponisten, und muss aus einem Rhythmus und einem bestehen
Erhöhung oder Senkung der Noten, aus denen sie besteht.

1.2. MELODIE UND RHYTHMUS

Die Ausdruckskraft einer Melodie hängt von der intervallischen Zusammensetzung ihrer Linie ab.
von Klang und von der rhythmischen Konfiguration davon.
Der Rhythmus ist das musikalische Element, das am engsten mit dem Primären verbunden ist.
und mit der motorischen Fähigkeit des Menschen. Die Melodie steht in Beziehung zu seinem emotionalen Leben.
El poder expresivo de la melodía ha sido observado en todo momento por los
Komponisten, hauptsächlich im Barock und in der Romantik, Epochen, die durch ihre
Ausdruckskraft. Aber diese Fähigkeit, Stimmungen zu kommunizieren und Gefühle auszudrücken, nicht
es war nicht nur auf die Komponisten der Kunstmusik beschränkt, sondern beispielsweise auch in der Musik
folklórica, las canciones de fiestas, de juegos... suelen transmitir alegría; y las de desamor, todo
das Gegenteil.
Es ist noch unklar, warum eine gute Melodie die Kraft hat, uns zu bewegen. Weder
Wir können nicht einmal mit Sicherheit sagen, was eine gute Melodie ausmacht.

1.3. INHALTE UND MELODISCHE RESSOURCEN

1.3.1. Melodische Inhalte. Sie können sein:
a) Deskriptiv: von Szenen oder Situationen mit Menschen, Tieren oder Dingen.
Deskriptivismus.
b) Kommunikativ: von Gefühlen oder leidenschaftlich. Impressionismus.
c) Reine Musik: Abfolge von Klängen ohne emotionale Inhalte. Barockmusik
y Dodecafonismo.

1.3.2. Melodische Ressourcen

Es gibt keine genauen Regeln, um eine ausdrucksstarke Melodie zu erreichen, aber
Es gibt Techniken, um diese Ausdruckskraft zu erhöhen. Diese Ressourcen sind die
Folgendes: Ornamentierung, Unterdrückung, Erhöhung (die gleiche Melodie mit Figuren von
mayor duración), disminución, secuencia (una frase se repite más alta o más baja),
imitación, inversión (intervalos que subían, bajan), ostinato, contratiempos...
Historisch wurde neuen Werken mangelnde Melodie vorgeworfen.
Offensichtlich ist das unmöglich, und was wirklich überraschend ist, ist das
Unausweichlichkeit der Melodie mit so begrenzten Mitteln. Die Variabilität der
Die Melodie ist unendlich.

1.4. Die Melodie in der musikalischen Ausbildung

Maneveau: In der Lehre wurde das Konzept der Melodie immer außerhalb von
Jede Zweifel, ohne Reflexion. Die Grundlage der Musikausbildung ist der Gesang. Ausgehend davon ist die Vorstellung
Die Melodie ist an die Sprache der betreffenden Gruppe gebunden, was die Vorrangstellung von
bestimmte melodische Arten.
So befürworten die meisten Pädagogen die Bedeutung der Lieder.
Populär als grundlegendes und wesentliches Instrument zu Beginn der Musikpädagogik.

Wir können verallgemeinern, dass die Einfachheit jederzeit im Vordergrund stehen sollte.
Musikalische Arbeit in der Schule, Einfachheit, die sich hier in einfachen Melodien auf tonaler Ebene übersetzt.
 27

rhythmisch, intervallisch... Mit einfachen Werken vermeiden wir die durch die Schwierigkeit verursachte Anspannung und
Wir bieten Genuss.

2. INTERVALO, LÍNEA MELÓDICA, FRASE MELÓDICA

2.1. INTERVAL: DEFINITION, TYPES AND SPECIES

Berücksichtigen Sie, dass es ohne Intervalle keine Melodie gibt; und mehrere Intervalle
Konsekutive bilden eine Melodie.
Definitionen: "Ein Intervall ist die Distanz der Intonation, die zwei verschiedene Töne trennt."
{"text1":"Distanz, die zwei Töne in derSoundskala trennt","text2":"Höhendifferenz zwischen zwei"}
notas”; “Distancia que media entre dos sonidos en función de su altura”; “Diferencia de
Höhe des Tons zwischen zwei Noten.
Arten von Intervallen:
a) Nach Nähe: zusammen oder getrennt
b) Según la trayectoria: ascendente o descendente
c) Nach der Ausdehnung: einfach oder zusammengesetzt
d) Je nach Ausgabe: melodisch oder harmonisch
Arten von Intervallen: Die Intervalle werden nach der Anzahl der Noten benannt, die zwischen
Der erste Ton und der zweite des Intervalls, einschließlich beider.
a) Größere: 2., 3., 6. und 7.
b) Minderjährige: 2., 3., 6. und 7.
c) Justos: 4., 5. und 8.
d) Beeinträchtigt: alle außer denen der 2. und denen der 6.
e) Erhöht: alle außer die der 3. und die der 7.
Die Durintervalle haben einen Halbton mehr als die Molintervalle. Die Übermäßigen, einen
ein Halbton mehr als die Dur-Akkorde, und die verminderten ein Halbton weniger als die Mollakkorde und
Die Gerechten.

Weitere Handlungsmöglichkeiten mit den Intervallen sind die folgenden:

Inversion: Ein Intervall umkehren bedeutet, die Position der Töne, die es bilden, zu ändern.
Enarmonische Intervalle: ändere den Namen der Töne, aus denen sie bestehen, und analysiere die
Intervalle, aber nicht das Klangresultat.

2.2. Die melodische Linie

Es ist eines der Elemente der Melodie, das man perfekt in der
Schrift: Das Profil der melodischen Linie wird beobachtet, indem die Köpfe der Noten verbunden werden, die bilden
die Melodie.

Shafer: „Eine Melodie ist es, einen Klang spazieren zu führen.“ Einige Melodien sind
frei und andere sind starr organisiert. Aber generell sind die Melodien eingeschränkt in
sein Bewegung durch feste Punkte, die "Höhen" genannt werden.
Die Intensität, der Klang und die Stille können eine Melodie bereichern.
 28

2.3. MELLODICHE FRASE O MUSIKALISCHE FRASE

Laut Zamacois bilden die Noten, wenn sie melodisch aufeinander folgen,
Formeln und Gruppen unterschiedlicher Ausdehnung, Geschlecht und Kategorie, für deren Bezeichnung es keine gibt
eine einheitliche Terminologie. Einige von ihnen sind:
A. Thema: kurzes musikalisches Fragment, das einen vollständigen Sinn hat und das Element darstellt.
Basis einer Komposition oder eines Teils davon, der wiederholt oder entwickelt wird
B. Grund: elementare Gruppe zuerst, oder generierendes Element des Themas
C. Design: wird oft auf eine melodische Zeichnung mit gleichmäßigem Rhythmus angewendet, auf der man besteht.
und dem es an der Präzision des Themas fehlt.
In musikalischen Kompositionen beginnt man oft mit einem Thema, das wiederholt wird.
transformando y desarrollando.
2.3.1. Konzept der melodischen oder musikalischen Phrase
Zamacois: Der Satz ist der vollständige Zyklus einer Melodielinie, der aus
Teilideen, die zur Bildung von Abschnitten und Unterabschnitten führen, immer wieder von
niedrigere Kategorie
Didaktisch-musikalische Gesellschaft: es ist die Abfolge mehrerer Perioden oder
Mitglieder der Phrase, die mit dem letzten von ihnen an einem Punkt des finalen Haltens oder der Kadenz enden
schlussfolgernd.
Der Satz wird binär, ternär oder quadratisch genannt, je nachdem, ob er aus 2, 3 oder 4 besteht.
Mitglieder.
2.3.2. Abschnitte und Unterabschnitte der melodischen oder musikalischen Phrase
Es gibt verschiedene Begriffe für diese Teile, es gibt keine Einheitlichkeit.
Wir werden die Terminologie von Zamacois folgen.
A. Perioden: Hauptunterteilungen des Satzes. Abfolge mehrerer rhythmischer Gruppen,
die in einem Ruhe- oder Kadenzpunkt enden, der keinen abschließenden Charakter hat
B. Unterperioden: Hauptunterteilungen des Zeitraums. Sie werden auch Abschnitte genannt.
Halbsätze oder rhythmische Gruppen
C. Miembros del subperiodo: principales divisiones del subperiodo = ictus
2.3.3. Der Schlaganfall
Jeder Satz, Zeitraum oder Unterperiode hat als extreme Stützen zwei
starke Zeiten, die die Namen Anfangs-Iktus und End-Iktus tragen. Das Glied des
subperiodo solo tiene uno, y ambos coinciden. Siempre corresponde el ictus a la parte
stärker des Takts.
2.3.4. Melodische Formeln
Der Charakter eines Satzes wird durch sein Ende bestimmt.
a) Suspensiva oder interrogative: vermittelt kein Gefühl des absoluten Endes, sondern von Ruhe
vorläufig. Es endet mit einer Note, die nicht zur Grundakkord gehört, sondern mit
IV oder V
b) Conclusiva o afirmativa: da sensación de reposo absoluto. Finaliza con la tónica
und männlicher Rhythmus
c) Inkonkrete: erzeugt einen inkonkreten Effekt im Vergleich zu einer aufschiebenden oder
konklusiv. Es kann in Tonik enden, aber mit weiblichem Rhythmus, oder auch in einem der
andere Noten des Grundakkords.
2.3.5. Satzstrukturen: binär und ternär
1) Estructuras binarias: consta de dos divisiones principales separadas por
eine Kadenz. Sie wird am häufigsten verwendet. Allgemein ist der erste Zeitraum
suspensiv und der zweite schlussfolgernd
2) Ternäre Strukturen: besteht aus drei Hauptteilen, die durch
drei Kadenzformen.
 29

2.3.6. Strukturen des vierperiodigen Satzes

Binäre Struktur, in der jeder Teil aus einer Gruppe besteht von
zwei Perioden. Es hat mehrere Kombinationen, und wenn die dritte Periode abschließend ist, dann
cuarto toma el carácter de CODA. Cuando lo es el segundo, se plantea si es una frase de
vier Perioden oder zwei Sätze aus jeweils zwei Perioden.
Der quadratische Satz besteht aus Perioden oder Gruppen von Perioden.
Binär und subperiodisch ebenfalls binär. Fast alle Tänze sind von dieser Art von Phrase.
Es gibt Sätze mit mehr als vier Punkten. Es gibt Sätze mit fünf.
Zeiträume, die aus einem abschließenden vierten Satz und einem fünften Abschnitt CODA bestehen, durch
eine binäre und eine ternäre und umgekehrt.
3. WIEDERERKENNUNG DER MELODIE

Willems: Die Bedeutung, die wir dem Zuhören beimessen, wird niemals übertrieben sein: zu
die Geräusche im Ohr empfangen und nicht durch das Ohr im Gehirn; es handelt sich um einen sensorischen Akt und nicht
affektiv oder mental. Es ist notwendig, im Kind das Verlangen nach dem Klang zu wecken; ebenso wie die Aufmerksamkeit
dem Klangphänomen, um die Grundlagen der auditiven Vorstellungskraft zu schaffen, die der Schlüssel ist
von der inneren Audition, weshalb wir sagen werden, dass es die Basis der auditiven Intelligenz ist.
Die Hörgymnastik sollte mit der Wiedergabe von Geräuschen beginnen. Andere
Aktivitäten sind mit dem Auf- und Abstieg des Schalls verbunden.

Der Lehrer sollte bei der Wahrnehmung von Melodien die grundlegenden Gesetze der melodischen Wahrnehmung berücksichtigen.
enseñar:
A. Es ist einfacher, aufsteigende oder absteigende Klangserien mit Geschwindigkeit zu erkennen.
moderat, um isolierte Geräusche unterschiedlicher Höhen zu unterscheiden
B. Die Höhenunterschiede werden deutlicher, je breiter das Intervall ist zwischen
sie
C. Die breiteren Intervalle werden leichter zu erkennen sein als die engen. Oktave,
besser als fünfte, fünfte besser als dritte...
D. Die konsonanten Intervalle haben akustische Priorität über die dissonanten, wenn sie
werden nacheinander oder melodisch ausgeführt
E. La simultaneidad o superposición de elementos atractivos ajenos a la altura (ritmo,
Intensität, Timbre, Text...) erschwert die reine melodische Wahrnehmung.
F. Melodien mit definierten oder kontrastierenden Phrasen werden früher wahrgenommen als solche, die präsentieren
untereinander leichte Variationen
Die melodischen Fähigkeiten entwickeln sich mit dem Alter.
Die Organisation der melodischen Strukturen beeinflusst die Wahrnehmung und das
Wohlgefallen
Die Wahrnehmung und die Wertschätzung der melodischen Strukturen hängen ebenfalls ab
von der musikalischen Akulturierung der Kinder und diese entwickelt sich mit dem Alter

In Bezug auf den Geschmack bevorzugen Kinder im Alter von 5 bis 6 Jahren tonale Melodien gegenüber Melodien
atonal, und diese Vorlieben verstärken sich zwischen 9 und 10 Jahren. Das Erlernen von Melodien
Atonale Musik ist schwieriger als tonale und pentatonische Musik ab einem Alter von 6 und 7 Jahren.
Vor der Idee, dass die pentatonische Skala den Kindern mehr Vorteile bietet, Zenatti
Stellt sicher, dass die Assimilation der pentatonischen Skala durch das Kind nicht frühzeitiger zu sein scheint.
die der heptatonischen Skala oder der tonalen Melodie. Der Vergleich der Ergebnisse zwischen
Lernerfahrungen mit pentatonischen und tonalen Strukturen bis zu 6 Jahren nicht
stellt erhebliche Unterschiede fest.

Das Erkennen einer Melodie erfordert bestimmte Fähigkeiten:

 30

1) Fähigkeit, Rhythmen zu verinnerlichen

2) Fähigkeit, hohe Töne zu unterscheiden
3) Fähigkeit, Töne zu unterscheiden
4) Fähigkeit zur Analyse, Synthese und Reflexion
5) Entwicklung des psycho-auditiven Bewusstseins
6) Fähigkeit zur Speicherung und zum Erkennen
Es ist auch wichtig, dass die Kinder die Fähigkeit zur Differenzierung entwickeln.
melodisch, das im Zusammenhang mit der Diskriminierung der Dur- und Mollmodi steht. In diesem Fall,
Die Arbeit im Klassenzimmer wird darin bestehen, dem Schüler genügend und ausreichend klare Beispiele zu zeigen.
von beiden Arten von Melodien ausgehend von ihnen bekannten oder in Jahren bearbeiteten Liedern
vorherige.

Das didaktische Material, das in den ersten Stufen verwendet wird, wird das Erkennen von Liedern sein.
bekannt von den Kindern und durch Instrumente mit verschiedenen Klangfarben gehört. Dem Kind ist es
Es ist einfacher, jene Melodien zu erkennen, die einen breiteren melodischen Bereich und einen Rhythmus besitzen.
vielfältiger.

4. TONALITÄT, MODALITÄT UND TRANSPORT VON LIEDERN

4.1. TONALITÄT
Zamacois: Als Tonart bezeichnet man die Gesamtheit der klanglichen Bestandteile eines
System, dessen Hauptachse diese Klänge ist, genannt Tonika, die die Regel ist,
funcionamiento de los demás.
Unser musikalisches System besteht aus zwölf Tönen, die geordnet sind wie
eine Folge von Halbtonschritten bildet die chromatische oder dodekaphonische Skala. Wenn die zwölf Töne
bilden ein System, der Hauptton wird Tonic genannt, und das gesamte Set, Tonart. Wenn ein Ton
Cesa in ihrer Funktion als Tonika und diese Funktion wechselt zu einem anderen Ton, es erfolgt eine Änderung von
Tonalität. Jeder der Töne, die eine diatonische Skala bilden (die die zwischen ihren...
Töne mit Trennungen von einem Ton oder einem Halbton) werden als Grad bezeichnet. Die verschiedenen
Graden, je nach ihrer Position oder ihrer Bedeutung, tragen diese Namen:

Ich – Tonic V – dominant

II – Supertonika VI – superdominant
III – mittels VII – sinnvoll oder subtonisch
IV – Subdominante

4.2. MODALIDAD
Modo: Verteilung oder interne Organisation der Töne und Halbtonschritte innerhalb der
diatonische Skala.
Eine Tonart kann zwei Modi haben: Dur und Moll. Unterschied zwischen
Ambas: Verteilung der Intervalle, die zwischen einigen ihrer jeweiligen Grade existieren.
Modo Mayor

I II III IV V VI VII VIII

 31

Molltonart

I II III IV V VI VII VIII

Die Modusgrade sind der III., VI. und VII.; aber derjenige, der definiert und charakterisiert.
Die Persönlichkeit des Modus ist III.
In der Tat beziehen wir uns, wenn wir über Tonalität sprechen, sowohl auf die Tonalität
Wie bei der Modalität trennen wir sie nicht: die Tonart G (Tonart) Dur (Modalität).

Innerhalb jedes Modus können verschiedene Skalen gebildet werden. Natürlich und grundlegend der
modo mayor son la misma. En el menor, no, pues la básica es la armónica.
Mixtas: das Tetrakord 1º, das eigene, das 2º, das des entgegengesetzten Modus und so wird es größer / kleiner resultieren.
der kleinere / größere, aber die Art, zu der es gehört, ist die seines ersten Tetrakords.
Mayor mixta principal: tetracordo 1º mayor, el 2º, de la menor armónica
Mayor mixta secundaria: tetracordo 1º mayor, der 2º, der natürlichen Moll
Moll-Akkord: 1. Moll-Tetrakord, 2. Dur-Tetrakord
Die Skalen können auch einfach und zusammengesetzt sein:
Einfach: sie steigen und sinken gleich.
Komplexe: gebildet aus 2 einfachen. Sie steigen auf eine Weise und fallen auf eine andere. So ist die
melodische Mollskala, die aufsteigt wie die gemischte Molltonleiter und absteigt wie die natürliche Molltonleiter.

Erläuterungen zur klassischen Tonalität:

1) Die bimodale Tonalität stammt aus dem 18. Jahrhundert (Barock). Zuvor wurden acht verwendet.
modos (griegos, gregorianos)
2) Der Mollton ist relativ zur Durton und unterliegt ihm. Die parallelen Tonarten
sind durch ein Intervall von 3. Minder getrennt, abwärts, wenn man von Dur nach Moll geht,
und aufsteigend, wenn wir von klein nach groß machen.
3) Neue tonale Theorien betrachten diese klassische Tonalität als veraltet: die dodekaphonische, die
Atonalität, Polytonalität, Intertonalität...

Um eine Melodie zu harmonisieren, muss man ihren Ton und ihren Modus kennen. Dazu muss man
beobachten Sie die Rüstung oder die Reihe von Veränderungen, die zwischen dem Schlüssel und der Angabe existieren
Kompass, und die als Kreuze oder b. gehalten werden können. Die Reihenfolge der Veränderungen bei Kreuzen ist Fa
do sol re la mi si, und die Reihenfolge der Bedenken ist umgekehrt, si mi la re sol do fa.
Wie findet man die Dur- oder Molltonart, die eine Tonart mit Vorzeichen repräsentiert?
Wenn die Rüstung Vorzeichen hat, befindet sich der Grundton der Dur-Tonart eine kleine Sekunde nach unten.
aufsteigend vom letzten Vorzeichen der Tonart. Eine absteigende kleine Terz davon
Die Grundtonika befindet sich in der Molltonalität. Wenn die Vorzeichen B's haben, ist die Grundtonika der
Die entsprechende Durtonart stimmt mit dem vorletzten b-Moll der Tonart überein.
Für jede Rüstung gibt es zwei mögliche Farbtöne und Modalitäten: die Dur- und die Moll-Tonart.
Minder. Um herauszufinden, welche der beiden die von dem Lied ist, folgen wir den folgenden Schritten:
a) Wir berechnen den Grundton der beiden Tonarten, wie wir gerade erklärt haben.
b) Wir bestimmen seine Sensiblen
c) Wenn in der Melodie die sensible des Dur-Modus auftaucht, ist es diese, und wenn die Moll-Tonika erscheint, ist es die
geringeren. Dann bestätigen wir es, indem wir die erste und die letzte Note beobachten, die normalerweise die
Tönika (vor allem die letzte), die dominante oder die vermittelte.
 32

Wie findet man die Rüstung einer Tonart? Wir müssen nur das umkehren
früher beschriebenen Prozess.

4.3. TRANSPORT VON LIEDERN

Definition: Transportieren bedeutet, ein musikalisches Werk in einer anderen Tonart auszuführen oder zu schreiben.
ernster oder höher als das Original, ohne dass sich seine rhythmisch-melodische Struktur ändert.
Finalidad: Hace posible la ejecución de una composición musical que hubiera
sido unmöglich in seiner ursprünglichen Situation.

1) Transporte escrito
Es fácil. Se practica cambiando la clave o cambiando las notas de lugar. Pasos a seguir:
a) Determinar si el transporte debe ser ascendente o descendente
b) Bestimmen Sie, in welcher Tonart sich das Fragment befindet, das wir werden
transportieren
c) Die Rüstung des Tons, in den transponiert wird, anbringen
d) Die Noten kopieren, indem man sie um das gewünschte Intervall nach oben oder unten verschiebt.
e) Die erforderlichen zufälligen Änderungen modifizieren
2) Mentale Transporte
Es ist komplizierter, weil man in der Geschwindigkeit, die für die Ausführung erforderlich ist, durchführen muss,
Änderung des Tons, der Rüstung und der accidentellen Vorzeichen.

Der Transport ist wichtig wegen seiner Anwendung in zwei Hauptfällen:

a) Man müsste darauf verzichten, Melodien zu spielen, die sehr hohe oder sehr tiefe Tessituren aufweisen.
für bestimmte Instrumente oder für die Stimmen der Schüler
b) Die Notenblätter mit vielen Vorzeichen wären für die Schüler schwer zu interpretieren.
Unmöglich für die nicht-chromatischen Platteninstrumente
c) Eine weitere Nützlichkeit besteht darin, wenn in der Klasse Schüler sind, die ein transponierendes Instrument spielen.
(Klarinette, Saxophon...) und wir möchten, dass sie gemeinsam mit den Flöten und den Instrumenten spielen.
von Platten
Der Transport ist für den Lehrer sehr wichtig, aber das Kind muss es fertig bekommen.
Nun muss er dieses komplexe System nicht kennen.

5. HARMONISIERUNG VON LIEDERN UND INSTRUMENTALWERKEN

Orff: Im Prinzip sollte die Begleitung ausschließlich rhythmisch sein.

Sanuy y González: Diese eigene Monorhythmik in der frühen Entwicklung von Kindern
wird sich in den einfacheren musikalischen Figuren widerspiegeln, die durch ihre Einheitlichkeit in der Wiederholung entstehen,
machbar die Orchestergruppe, sogar mit den kleinsten Kindern.
Die Musikinstrumente, die wir verwenden, müssen einfach und leicht zu handhaben sein:
Elementare Schlaginstrumente. Orff: Die Schlagtechnik ist die primitivste und die
Kinder können sich vom ersten Moment an zu Instrumentalisten entwickeln.

Die einfachsten und ursprünglichsten Formen der Begleitung sind die folgenden:
1) Der Pedalton: kann im Bass oder Sopran verwendet werden und mit verschiedenen rhythmischen Maßen
2) Der Bordón: Doppelte Pedalnote, geeignet für die Harmonisierung
3) Das Ostinato. Das nützlichste zur Instrumentierung wegen seines harmonischen Effekts und formativ wegen seiner
Wiederholung
 33

5.1. B begleitete mit Stock, Pedalnoten und Ostinato

A. Bordón: gebildet aus der Tonika und der Dominante. Wird im Bass verwendet und es gibt mehrere
tipos:
Einfacher Bordón harmonisch
abwechselnd

Doppelbordón mit dem Wechsel der Oktave

mit Bereichswechsel

3) Schwimmender Bordón mit beweglicher Quinte

mit Blüte

B. Nota Pedal: sie wird aus der Dominante in Oktave gebildet. Sie wird von den
Metallophone, wegen seines langanhaltenden Klangs
1) Fußnote in Dominante
2) Nota Pedal mit Tonika
C. Ostinati: sind Formeln, die sich während des gesamten oder eines Teils eines musikalischen Werks wiederholen.
ihm als Begleitung dienend.
1) Ostinato-rhythmisch: Instrumente mit unbestimmtem Klang und Körper
2) ostinato melodisch-rhythmisch: von einem bis vier Takten
3) ostinato harmonisch: Intervalle, Akkorde...
Um eine Melodie zu begleiten, wird das Ostinato in der Regel aus der Melodie selbst entnommen.
je nach ihrem harmonischen Sinn. Die vorherrschende Note des Ostinato muss übereinstimmen
harmonisch mit der Melodie, und die anderen werden Durchgangsnoten oder Verzierungstöne sein.
Jedes Instrument kann ein Ostinato tragen, und Ostinati können
simultan
D. Ein weiteres Begleitmittel ist die Paraphonie, die eine Begleitung von Stimmen ist.
parallelen. Es bietet mehrere Möglichkeiten, da man eine oder mehrere Stimmen hinzufügen kann.
parallelen über oder unter der Melodie, in der Begleitung... durch
Dritte, sechste, vierte und fünfte.
 34

Ebenso können die 5. und 3. (des Akkords) kombiniert werden, was einen Charakter verleiht.
feierlich und religiös; die 6. und 3. (des Akkords) verleihen einen sanften und süßen Charakter; und
Die 6. und 4. (des Akkords) verleihen einen lebhaften und jugendlichen Charakter.

5.2. HARMONISIERUNG MIT TONGEN

Harmonisieren bedeutet, die Harmonie für eine bestimmte Melodie zu schaffen, was bedeutet, dass
Auswahl der Akkorde, die diese Harmonie bilden sollen, und deren Realisierung.
entsprechend den Normen. Um eine Melodie zu harmonisieren, ist eine vorherige Analyse erforderlich, um
die Grenzen seiner Abteilungen und Unterabteilungen festlegen, um die Rhythmen ordnungsgemäß zu platzieren. Uns betrifft das ...
es interessiert das Wissen um eine einfache, schulische Harmonie.
En la música escolar, la tonalidad Mayor y menor constituye la organización
häufigeres Klangbild. Jede Melodie, die in einer gleichen Tonart verläuft, kann sein
begleitet unter Verwendung nur der Akkorde, die über die Tonstufen I, IV und erzeugt werden
V, da die 7 Töne einer bestimmten Tonart in diesen 3 Akkorden enthalten sind.

5.3. SCHRITTE ZUR HARMONISIERUNG UND INSTRUMENTIERUNG EINES

MELODIE
[Link]
1) Die Grundmelodie wird festgelegt
2) Es wird harmonisiert nach den Noten der Basismelodie
3) Die Bassnote wird der Grundnote in den Akkorden entgegengesetzt.
4) Die Harmonie wird vervollständigt
2. Instrumentierung
1) Der Bordón zu den tiefen Instrumenten
2) Das Pedalnotat in den Intervallen von Metall
3) Die Harmonie wird mit den Zwischenholzinstrumenten ausgefüllt
4) Se pueden hacer ostinatos con motivos melódico-rítmicos de la propia
Melodie
5) Die PAI wird dem rhythmischen und thematischen Charakter der Melodie Rechnung tragen.
6) Die Carillons, für die spitze Verzierung der Melodie
3. Weitere nützliche Tipps
1) Die Harmonisierung beginnt oft auf dem starken Schlag des Taktes
Fast alle Kinderlieder, die wir harmonisieren werden, verwenden die
Akkorde von Tonika, Dominante und Subdominante
3) Es wird auch häufig mit dem Grundakkord begonnen und abgeschlossen.
Es gibt normalerweise einen Akkordwechsel bei den länger dauernden Noten
5) Um zu wissen, welchen Akkord wir verwenden müssen, sollten wir darauf achten, welcher von
es enthält die Notiz, die uns den Wechsel angezeigt hat

6. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM UNTERRICHT

6.1. ALLGEMEINES
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Der didaktische Ansatz für die musikalische Aktivität sollte globalisierend sein.
so viel wie möglich zwischen dem Block zu differenzieren, auf den wir uns beziehen. Ideal in einer Musikklasse ist es
Behandeln Sie alle Blöcke, indem Sie ihnen eine Variation geben.
Man muss die Progression und die Kontinuität als Sequenzierungskriterium haben.
Der Schüler/die Schülerin soll immer der Protagonist sein
Die Inhalte sollten aus einer dreifachen Perspektive betrachtet werden: konzeptionell,
prozedural und attitudinal.

Die Initiation muss durch das Verfahren des Spiels in Frage gestellt werden. Willems: die
Die ersten Klassen sind dazu bestimmt, im Kind die Liebe zum Klang und zur
rhythmisch Bewegung. Lassen Sie uns den Kleinen beibringen, die Klänge zu hören und sich dazu zu bewegen mit
Lieder und/oder Rhythmen. Sobald die Kinder in der Lage sind, aufmerksam zuzuhören und zu hören
Geräusche und Lieder, wir können ihnen einreden, dass das, was sie tun, Musik und keine simplen Spiele ist.
Ausgehend vom Spiel wird das zweite Verfahren die Improvisation sein. Willems: ja
Wir wollen den Kindern helfen, es ist notwendig, dass wir uns so gut wie möglich mit ihnen harmonisieren.
Natur. Es ist nicht nötig, ihnen zu geben, sondern ihnen zu erlauben, zu nehmen und den Wunsch zu wecken, zu nehmen.
Orff-Schulwerk ist eine Einheit aus Musik, Sprache und Bewegung, die als
elementare Form und angepasst an die Welt des spielenden Kindes. Das Spiel des Kindes ist ein Tun
Schöpfer. Deshalb legt das Orff-Schulwerk das Prinzip der Improvisation fest.
Die ersten musikalischen Erfahrungen sollten in Wechselwirkung miteinander durchgeführt werden.
Musik mit der Sprache. Sanuy: Vor jeder musikalischen Übung gibt es die Übung des Sprechens.
Sprechen ist Musik machen. Sprechen mit Pausen und mit Atem wie in der Musiksprache.
Das Üben der guten Aussprache wird sich positiv auf die Ausbildung des Gehörs und des Rhythmus auswirken, singen
es ist die Fortsetzung des Sprechens.

6.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN

1) Die Worte verwenden, um Musik zu machen
Plan: 1) Silbenreiche Wörter rezitieren (Mond, Tisch...). Alle, die ausgesprochen werden.
sie werden die gleiche Betonung haben; 2) die ausgedrückten Wörter an die Tafel schreiben: lesen und
das erste Silbe stärker und die zweite leiser betonen; 3) die Worte mit stimmen
die kleine Terz Sol-Mi.
Wir können mit der Sprache spielen, indem wir bissilbige Wörter rezitieren oder singen und auch
trisilbische und polysilbische. Es wird mit Echo-Spielen und anschließend mit Spielen von
Frage-Antwort zur Bewertung der Improvisation der Schüler, um festzustellen, ob es
Lernen.
2) Eine rhythmische Phrase mit Melodie versehen
Planteamiento: 1) Gegebenenfalls eine rhythmische Phrase, werden wir sie lesen, klatschen oder spielen in einem
Instrument PAI.; 2) eine geeignete Melodie improvisieren; 3) die geschaffene Melodie erklingen lassen
in einem bestimmten Musikinstrument.
Jeder rhythmische Satz wird von den Schülern mit einer Melodie versehen. Die Kinder werden können
Tararear, die Flöte spielen oder vielleicht das Gesungene solmiso wiederholen, es in verschiedenen
Tonarten, einen Text hinzufügen...
3) Einen Text verwenden, um Musik zu machen
Planung: Sätze, Sprichwörter, Gedichte, Rätsel... Um einen SATZ zu bearbeiten.
Wir werden die folgenden Schritte durchführen: 1) einen Satz sagen; 2) die Akzente suchen; 3) die situieren
Pulsationen und sie markieren; 4) den Rhythmus grafisch darstellen; 5) die Linien anbringen
Trennwände; 6) eine Melodie erstellen.
Um ein GEDICHT zu erstellen, gehen wir die gleichen Schritte wie bei der Phrase von 1 bis 6 durch.
Erster Vers, und dann wiederholen wir es mit den anderen Versen.
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Durch die Worte erwerben die Schüler/Schülerinnen das Wissen über die Sprache
Musikalisch. In diesen Übungen werden die Kinder jede Silbe entsprechend ihrem Wert singen und
Notation, die sie haben werden, wenn wir sie in Notenschrift umwandeln.
Schoch: Tienen un placer especial en inventar una melodía propia para acompañar
kleine Gedichte. Wenn euch nichts einfällt, kann der Lehrer die erste in Musik setzen.
Vers; die Kinder werden eine Fortsetzung finden. Bald werden die Schüler finden wollen
sie selbst einen Anfang. Schließlich werden die Mutigsten aus eigener Kraft komponieren.
ein kleines Lied. Solche Übungen sind sehr wertvoll, um das Bewusstsein zu wecken und zu nähren.
schöpferische Kräfte.
4) Einfache Melodien und Lieder erkennen
Planteamiento: 1) Es wird angenommen, dass die Kinder zuvor ein kleines Wissen haben.
Kenntnis von Liedern; 2) die Melodie eines dieser Lieder durchzuführen
la voz o de instrumentos melódicos: tararear o tocar la melodía, reconocer la canción y
den Titel sagen, mit dem Lied spielen...
Es ist wichtig, dass die Kinder/kindern kürzlich das Lied gelernt haben. In Form von
Spiel, der Lehrer präsentiert die ersten Takten. Wir beenden das Spiel mit dem Singen der
Melodie bis zum Ende.
Schoch: Wenn die Klasse schon viele Lieder gesungen hat, wird der Lehrer eines Tages ein Lied spielen.
sehr einfache Melodie auf dem Metallophon. Und sie freuen sich, das bekannte Lied zu hören in einem
Instrument, und nicht immer gesungen.
5) Intuitiv die Intervalle erobern
Schoch: durante los primeros tres años, el espacio sonoro se conquistará en este orden:
S-M, S-L-S-M, S-M-D, D-M-S, M-S-D, S-L-S-M-S, S-L-S-D’, D-M-S-D’, S-D und D-S
D-L und L-D, D-D’. Man muss sich viel Zeit für die Anfänge nehmen; es ist das einzige
Weise, Sicherheit zu erlangen.
Willems: Diese Lieder können wertvolle Dienste leisten, wenn man die studiert
Intervalle. Die Lieder dieser Kategorie sind zum Singen: a) mit ihren Worten; b) mit der,
la, la; c) mit den Namen der Noten.
Mª Pilar Escudero und Mª Cateura haben Arbeiten zu diesem Punkt entwickelt. Laut dieser
letzte: der melodische Bereich jedes Liedes überschreitet niemals den der Kinderstimme (7. oder
8ª).
6) Andere Arten von Aktivitäten
a) Rythmisch-melodische Diktate
b) Melodische Diktate
c) Tonartwechsel zu Beginn von Liedern
d) Songfinale komponieren
e) Skalen und Akkorde anstimmen

6.3. RECURSOS MATERIALES

1) Geräumige, helle Aula, fern von externen Geräuschen
2) Normale und karierte Tafel
3) Franelograma
4) Gitterpapier
5) Kontinuierliches Papier, Karton und Farbstifte
6) Instrumente mit bestimmten Klängen. Die Schlaginstrumente aus Platten, durch
In vertikaler Anordnung ermöglichen sie den Schülern, von sehr jungen Jahren an
frühe, die Idee der aufsteigenden Bewegung sehr klar zu haben oder
nachkommend
7) Audiovisuelle Medien
 37

8) Spezifische Bibliografie des Schülers und des Lehrers

6.4. OTROS RECURSOS

Die Gesten mit der Hand
mit dem Körper
2) Die Fononimie
3) Unkonventionelle grafische Darstellung der Intervalle durch
Punkte oder Striche
4) Das Hörvermögen
5) Mobile Notiz: Zeiger mit Notiz an der Spitze
6) Die Hand als Notensystem
7) Pentagramm auf dem Boden
8) Cartogramme, Karten mit Knöpfen oder anderen
9) Vertikales Carillon auf der Tafel
10) Instrumente

6.5. DIDAKTISCHE EMPFEHLUNGEN

1) Fragmentación
2) Die Schwierigkeiten isolieren. Sie vorher vorbereiten, zum Beispiel mit Echos.
Spiel
4) Melodien mit kurzen Phrasen und einfachem Rhythmus verwenden (Einprägen und
einfache Intonation), ohne große Intervalle. Ansprechend. Tonal.
stabil, ohne Modulationen, mit einfacher Harmonisierung
5) Die Lesefähigkeit durch Spiele, Phononimie und andere Ressourcen unterstützen
vorher erwähnte (Franelogramm, mobile Notiz...)
38
 39

THEMA 3

DIE MODULATION. VERFAHREN UND BEISPIELE IHRER MECHANIK. FUNKTION

EXPRESIVA. DIDAKTISCHE RESOURCES FÜR DEN UNTERRICHT.

1. DIE MODULATION
1.1. DEFINITION DER MODULATION
1.2. CLASIFICACIÓN DE LAS MODULACIONES
1.3. TONALE AFFINITÄT ZWISCHEN TONALITÄTEN

2. VERFAHREN UND BEISPIELE FÜR SEINE MECHANIK

2.1. NORMEN ZUR ERKENNUNG DER SIMPELSTEN MODULATIONEN.
BEISPIELE FÜR SEINE MECHANIK
2.2. ARTEN DER MODULATIONEN
2.2.1. Diatonische Modulation
2.2.2. Farbmodulation
2.2.3. Enarmonikale Modulation
2.3. VERWENDUNG DER MODULATION ZUR HARMONISIERUNG DER MELODIE

3. AUSDRUCKSFUNKTION

4. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM KLASSEZIMMER

4.1. AKTIVITÄTEN
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 41

THEMA 3
DIE MODULATION. VERFAHREN UND BEISPIELE IHRER MECHANIK. FUNKTION
EXPRESSIV. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM KLASENZIMMER.

1. DIE MODULATION

1.1. DEFINICIÓN DE MODULACIÓN

Die Tonalität umfasst statische und dynamische Bedingungen. Die statische Bedingung
Die Tonalität wird durch die Musik repräsentiert, die sich nie von einer diatonischen Skala entfernt.
feste Klänge. Für unsere Ohren des 20. Jahrhunderts hört sich die Musik des 16. Jahrhunderts so an, und
auch Werke späterer Perioden, wie viele der Walzer von Schubert. Unserer
Die Auffassung von Tonalität beruht auf der Idee, dass ein tonales Stück "in" einem bestimmten Ton steht.
Dennoch ist es ästhetisch unerwünscht, dass ein Musikstück in einer bleibt
einzigartige Tonalität, es sei denn, sie ist sehr kurz. Die Kompositionen gewisser Länge beinhalten
Noten, die nicht zu seiner grundlegenden diatonischen Skala gehören, und mindestens einen Wechsel der Tonart.
„Modular ist es, von einem Ton zum anderen zu wechseln.“ Die Modulation ist die Handlung, durch die man
Kann im Verlauf eines musikalischen Werkes von einer Tonart in eine andere wechseln.
Der Vertrag über die Harmonie der Lehrmusikalischen Gesellschaft besagt, dass modulieren die
Der Übergang von einer zuvor festgelegten Tonart zu einer neuen.
Der Prozess, der den Wechsel von einem Tonzentrum zu einem anderen beinhaltet, wird genannt
Modulation. Das Wort impliziert, dass es gibt:
Eine Tonart, in der das Musikstück beginnt
Una tonalidad diferente hacia la que progresa, y
Ein Verfahren, durch das dies durchgeführt wird.

Es wird gesagt, dass sich der Ton geändert hat, nachdem...

moduliert, bleibt man einige Zeit in der neuen Tonart. Wenn der neue Ton angedeutet wird
Momentan kehrt man wieder zum Hauptton zurück, es wird gesagt, dass es eine Modulation gibt.
pasajera o flexión.

1.2. KLASSEN DER MODULATION

Die verschiedenen Handbücher bewerten sie mit unterschiedlichen Begriffen, je nach verschiedenen
Herangehensweisen, die im Grunde genommen dasselbe sagen.

1) gemäß dem verwendeten Verfahren

Diatonisch. Wechsel des tonalen Zentrums, ohne den diatonischen Verlauf in der Folge zu verändern
von den Akkorden.
Chromatik. In der Folge der modulierten Akkorde gibt es Chromatik.
Enarmonik. Einige der Töne des Akkords werden enharmonisch interpretiert.
 42

Direkt. Direkt von der ursprünglichen Tonart zur neuen Tonart wechseln
ohne Kontakt zu anderen Tonarten. Es wird auch als sofortige Modulation oder
einfach. Es ist das Gegenteil von allmählicher, indirekter oder zusammengesetzter Modulation, die
Führe es in Phasen durch.

2) Nach ihrer Dauer. "Die tonale Stärke einer Tonalisierung ist direkt proportional
einer Dauer.
Definitiv. Wenn sie fest etabliert ist (ihre Dauer ist ausreichend, um
uns dazu bringen, die vorherige Tonalität zu vergessen). Es ist typisch für Werke von einer Dauer
erheblich.
Intermediäre Modulation oder falsche Modulation. Sie erstreckt sich nur über einige Takte.
um bald zur vorherigen Tonlage zurückzukehren, die wir noch nicht vergessen haben. Es
typisch für kurze Werke, obwohl es auch häufig in langen vorkommt. Außerdem wäre es
extratonal, denn es wurde, wenn auch nur für kurze Zeit, eine neue Tonalität definiert.
Intratonale Modulation oder Tonalisierung. Manchmal wird die neue Tonalität auf
eine Dominante, die sich in ihrer Tonika auflöst (manchmal ein bisschen mehr), wobei diese
Tönika ein Grad der Haupttonart, in die sie sich sofort reintegriert
um ihre tonale Funktion zu erfüllen. Es handelt sich um eine vorübergehende Modulation, in der sie kann
eine Akkordfolge haben, in der keine Tonalität definiert ist
bestimmte (unbestimmte Tonalität) und in der auch der Grundton
übt immer noch seinen Einfluss aus.

Normalerweise folgt bei einer Modulation ein Prozess, der die folgenden
pasos:
Die Ausgangstonart muss für den Zuhörer klar sein.
Anschließend muss die Musik ihren tonalen Mittelpunkt zu einem anderen Punkt ändern.
Tonalität. Ein Akkord wird gewählt, der für beide Tonarten dient. Es wird ein Dreh- oder Pivotakkord sein.
dass wir eine doppelte Lesung, eine doppelte Analyse geben werden und dass es dazu dienen wird, die beiden zu verbinden
Tonalitäten. Dieser Akkord vermeidet den abrupten Effekt, der durch den Übergang von einer Tonalität zu
andere
Schließlich ist der Zuhörer über die Änderung informiert, wodurch das Neue bestätigt wird.
tonales Zentrum.

1.3. TONALE AFFINITÄT ZWISCHEN TONALITÄTEN

Alle Farbtöne sind miteinander verbunden, obwohl nicht alle die gleiche aufweisen.
Grad der Nähe. Der Ausdruck „benachbarte Tonarten“ bezieht sich auf jene, die sich befinden
eng miteinander verbunden, je nach ihrer Nähe im Quintenzirkel oder ihrer
Rüstung.
Wir können drei Arten von Nachbarschaft oder Ähnlichkeit zwischen Tonarten unterscheiden:
a) Nahe Tonarten oder erste Nachbarschaftsgrade
Ihre Nachbarschaft ergibt sich aus der Tatsache, dass ihre perfekten Tonika-Akkorde enthalten sind in der
gegebene Tonart. Es sind sechs und unterscheiden sich durch eine Veränderung in der Tonart, außer dem
relativ zur Haupttonart, die ebenfalls in diesem Nachbarschaftsgrad enthalten ist.
b) Tonalitäten des zweiten Grades der Nachbarschaft
Es sind diejenigen, deren perfekt gebundene Tonika nicht im gegebenen Ton enthalten ist, aber sie haben
Mit diesem hier haben sie zumindest einen Akkord gemeinsam. Es sind zwölf, und sie unterscheiden sich durch mehr als einen

Änderung im Gerüst.
c) Ferne Tonalitäten
Sie haben kein gemeinsames Akkord.
 43

Als Fazit können wir sagen, dass die Tonalität oder der Grad der Nachbarschaft von
dos tonalidades puede deberse a dos causas:
a) der Unterschied der Veränderungen, die zwischen den beiden Tonarten bestehen
b) die gemeinsamen Töne, die zwischen ihren jeweiligen Grundakkorden existieren
Die Modulation basiert auf der Fähigkeit einiger Akkorde, sein zu können
in verschiedenen Tonarten interpretiert, genau aufgrund der Verwandtschaft oder tonalen Affinität
was zwischen diesen Tonarten existiert, wie wir gerade gesehen haben. Wir werden diese Akkorde nennen
gemeinsame Akkorde, oder auch Übergangsaakkorde, Scharnierakkorde, Drehpunkte... Jeder Akkord ist geeignet, um zu wechseln.
seine tonale Funktion, aber je wichtiger sie in den beiden an der Änderung beteiligten Tonarten ist
de Ton, einfacher wird die Modulation durchgeführt werden können. Je mehr gemeinsame Akkorde,
mayor suavidad en la modulación. Los acordes comunes, según su clase, nos pueden conducir a
bestimmte Farbtöne. Zum Beispiel kann ein perfekter Mollakkord niemals I, IV oder V sein.
von einem Durton, dafür benötigen wir einen perfekten Durakkord.

Das Ohr verträgt Modulationen in ähnlichen Tonlagen besser als in anderen.

Leidenschaftliche. Der Ton, von dem ausgegangen wird, wird als Antecedent bezeichnet, und der, auf den moduliert wird, als Konsequente.

2. VERFAHREN UND BEISPIELE IHRER MECHANIK

2.1. NORMEN ZUR ERKENNUNG DER EINFACHSTEN MODULATIONEN.

BEISPIELE FÜR SEINE MECHANIK
Zuerst müssen wir die Tonart kennen, in der sich das Musikstück befindet. Für
Hallo, beobachte die Rüstung des Schlüssels und analysiere die Kadenz. Die Note, die die Aufmerksamkeit auf sich zieht,
die anderen und die als Ruhe dient, wird die Tönik sein, und die, die eine Funktion der Aufhängung ausübt, die
dominante. Wenn keine umfassende Analyse durchgeführt wird, können wir uns irren.
Sobald wir uns über die Tonart des musikalischen Werkes im Klaren sind, fahren wir fort
die folgenden Aspekte zu beobachten:
1) Wenn wir auf eine unbeabsichtigte Abweichung stoßen, die nicht gerechtfertigt werden kann wie
6º o 7º grado, ni como nota de adorno, podemos afirmar que se ha producido una
Modulation
2) Wenn im Dur-Modus eine Aufwärtsalteration in der 5. Stufe auftritt, wird es geben
una modulación al modo relativo menor
3) Wenn wir im Mollmodus sind und feststellen, dass die sensible aufhört, sensibel zu sein, wenn sie nicht führt die
Änderung, wahrscheinlich hat sich der relative Ton in Dur geändert
4) Sowohl im Dur- als auch im Mollmodus wird die aufsteigende Veränderung der 4. Stufe,
führt uns zum Ton der Dominante
5) Der herabgesetzte 7. Grad führt uns in den Ton der Subdominante
6) Man kann nicht von einer auf drei oder mehr Änderungen wechseln, sondern es muss von einer auf
von zwei bis drei und vice versa. Wenn wir eine veränderte Note beobachten würden, die nicht ...
entsprechen dieser Norm, wird wahrscheinlich in irgendeiner geringeren Weise sensibel sein.
die fünf Töne, die sich auf diese Tonart beziehen.

Die charakteristischen oder differentiellen Noten sind die Noten, die unterschiedlich resultieren.
alteradas entre la tonalidad que se abandona y la nueva. Entre las notas características se
distingue a una de ellas como característica principal y las demás son secundarias. La
Hauptmerkmal ist oft: die sensible des neuen Tons, die Subdominante des neuen Tons oder
die Dominante des Durmodus, wenn man von einem Mollton zu seinem verwandten Dur wechselt.
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Damit das Hauptmerkmal wirklich herausstechen kann, muss es Teil eines

Akkord, der die Dominante als Grundton hat. Andernfalls hat er den Wert eines
sekundäre Eigenschaft. (Keine Dreiklangakkorde vereinen die drei Noten, die versammelt werden können
características principales; pero sí las reúne el acorde de 7ª de dominante, y de ahí su
außergewöhnliche modulierende Wirksamkeit).
2.2. ARTEN DER MODULATIONEN
2.2.1. Diatonische Modulation
Es wird auch Modulation durch Transformation und/oder durch gemeinsamen Akkord genannt.
Es tritt auf, wenn das neue tonale Zentrum angegangen wird, ohne die diatonische Marschrichtung der
Stimmen. Dieses modulierte Verfahren basiert auf der Fähigkeit, die alle haben
die Akkorde, um verschiedenen Tonarten angehören zu können, obwohl sie eine Rolle spielen
verschiedene tonale Funktionen in jeder von ihnen (siehe Punkt 1.3.).
So kann der Akkord C-E-G, die Tonika von C-Dur, auch sein
dominante von F-Dur oder F-Moll, oder Subdominante von G-Dur oder G-Moll.
Daher besteht die diatonische Modulation darin, die tonale Funktion zu ändern.
dass ein Akkord in einem tonal (hauptsächlich) Zentrum eine andere Rolle spielt als in einem anderen (Zentrum)
tonales Sekundär). Der gemeinsame Akkord kann jeder Akkord des Haupttonzentrums sein
(mit oder ohne Tonfunktion), die im sekundären Tonzentrum übernehmen kann
jede Funktion oder sogar keine Funktion haben. Der Übergang wird verständlicher sein, wenn der Akkord
Gemeinsam spielt es im sekundären Tonzentrum eine wichtige Rolle.

Der Akkord, der die tonale Funktion wechselt, gehört zu beiden

Tonalitäten können nicht von der ersten getrennt werden und die zweite definieren, sondern das hängt ab.
des cadenzalen Prozesses, der auf diesen Akkord folgt.
Wenn die Modulation endgültig ist, die Kadenz, die die neue bekräftigt.
Die Tonart kann authentisch oder plagal sein. Aber man sollte die Wirksamkeit der Kadenz nicht vergessen.
Rota, die der authentischen oder der plagal vorausgeht, Wirksamkeit, die sich in einer Modulation zeigt.
außergewöhnlich.
Wenn der Akkord, der die tonale Funktion ändert, dazu übergeht, ...
neuer Ton Subdominantenfunktionen, der kadenzielle Prozess entfaltet sich mit
Erleichterungen. Mögliche Fortsetzungen: a) wechselt sofort zum dominierenden und von dort
dieser zum Dominantton; b) wechselt zum Dominantton, bleibt aber in gebrochener Kadenz, um danach zu,
eine authentische oder plagal; c) bevor man zum Dominanten geht, wird es mit einem anderen von
gleiche Funktion wie die Ihre, aber charakteristisch für den neuen Ton. Folgend auf einen Akkord, der
ändert seine Funktion zu Subdominante, der kadenzielle Prozess gewinnt an Fülle und
Rotundidad, wenn diesem Akkord der 6/4 kadenzielle Akkord als Akkord des neuen Tons folgt.
 45

Wenn der Akkord, der die tonale Funktion wechselt, dazu übergeht, eine Rolle zu spielen in der
neuer Ton die Funktion der Dominante, ihre unmittelbare Auflösung auf die neue Tonika ist
möglich; aber die Modulation hat alle Merkmale einer vorübergehenden.
Wenn der Akkord, der die tonale Funktion ändert, zur neuen Tonika wird,
es kann kein Ende markieren, sondern einen Beginn einer Etappe.

2.2.2. Chromatische Modulation

Es aquella que se efectúa sin la ayuda del acorde mixto o pivote,
existierend zwischen dem letzten Akkord der Tonart, die wir verlassen haben, und dem ersten der
Tonalität, zu der wir gelangen, ein oder mehrere Klänge, die unterschiedlich verändert sind.
kromatisch. (Das Normalste ist, dass es eine gleiche Stimme ist, die die Note führt, die
klang chromatisch verändern). Der letzte Akkord des Haupttonzentrums kann sein
irgendeiner von denen in dieser Tonart. Der erste Akkord des sekundären Tonzentrums (der, der
Produziert das Chromatismus) ist oft eine Dominante, eine Subdominante und, seltener,
die Tonic
Es ist nicht ratsam, eine Notiz zu duplizieren, die eine Änderung bewirken wird.
kromatisch mehr als wenn es um das Grundlegende geht und eine der doppelten Noten vorhanden ist
im Bass. Es ist auch nicht günstig, die Note zu duplizieren, die die Änderung vorgenommen hat.
chromatisch, wenn eine solche Verdopplung durch direkte Bewegung erreicht wird.
Die natürliche resolutive Tendenz jeder Notiz, die gerade durchgeführt wurde
Cromatismus ist, in gemeinsamer Gradation in die gleiche Richtung fortzufahren. Man muss respektieren
diese Tendenz.

Die chromatische Folge kann sein:

Zwischen zwei Akkorden, deren konstitutive Noten dieselben sind, aber unterschiedlich.
verändert eine oder mehrere. Die Modulationen aufgrund dieses Verfahrens haben keine
Die Austerität und tonale Kraft der diatonisch ausgeführten; erweisen sich als hart.
wenn sie zu fernen Farbtönen führen. Daher sollten sie als betrachtet werden
Hilfsmittel der diatonischen Modulation, insbesondere für abrupten Modulationen.
 46

Zwischen Akkorden, deren Bestandteile nicht gleich sind, obwohl sie es sein können.
einen oder mehrere. Die chromatischen Ketten dieser Art, die am meisten
Natürlich entfalten sich diejenigen, die eine gemeinsame Note unter den

Zwei Akkorde oder alle Stimmen bewegen sich in minimalen Bewegungen.

2.2.3. Enarmonische Modulation

Es besteht darin, von einem Tonzentrum zu einem anderen zu wechseln, sodass zwischen dem letzten
Akkorde der Haupttonart und der erste der Neben Tonart gibt es mehrere oder
alle enharmonischen Klänge. Wenn sie es sind, werden wir sagen, dass es eine totale Enharmonie ist, und wenn
Nicht alle sind es, teilweise.

2.3. VERWENDUNG DER MODULATION ZUR HARMONISIERUNG VON MELODIE

In einer Melodie zeigt sich die Modulation durch die Veränderungen.
accidentales. Andere Male weist die Melodie keine accidentalen Änderungen auf, aber ihre Linie
Eine Melodika kann moduliert werden; so kann sie ohne Modulation oder mit Modulation harmonisiert werden.

3. AUSDRUCKSFUNKTION

Die Monotonie ist in der Kunst unverzeihlich. Eines der wichtigsten technischen Mittel
Und faszinierend, um Reichtum und Vielfalt der Harmonie zu verleihen, ist die Modulation, weil es ein Element ist.
von Vielfalt. An einem einzigen tonalen Zentrum zu bleiben, ist nur akzeptabel, wenn das Werk sehr kurz ist.
Der Zweck der Modulation ist es, Kontraste, Dynamik, Bewegung, Farbe zu erreichen.
Vielfalt, in einem gut organisierten Gesamtton und in Bezug auf einen bestimmten Plan, der seine
Schwerpunkt im Hauptton.

Die Modulation ist ein künstlerisches Mittel, dessen Ziel es ist, die Melodie oder Harmonie zu bereichern.
sie mit einem Hauch von klanglichen Kontrasten zu versehen und die Monotonie zu vermeiden.
Zamacois: "Wenn der Übergang von einer Tonart zur anderen aufgrund der Modulation wirksam wird,
Sinkt das Interesse des Hörers an den harmonischen Elementen der Tonart, die verlassen wird, zu der
 47

Warum es zugunsten derjenigen erhöht wird, die dem Ton angehören, in dem sie sich befinden." Es ist das Prinzip
psychologische Auffassung, dass "bei einem neuartigen Ereignis eine Aktivierung der Aufmerksamkeit stattfindet". Obwohl
Der Tonänderung ist auditiv leicht zu erkennen, man muss sich daran gewöhnen.
wahrnehmen.
Die Moll-Tonarten vermitteln uns ein Gefühl von Traurigkeit, die Dur-Tonarten uns
Infundieren ein Gefühl von Vitalität, und so haben die verschiedenen Komponisten es im Laufe der Zeit genutzt.
Geschichte. Aber manchmal wird dies nicht erfüllt, weshalb man sich fragen müsste, ob die Beteiligung
Emotiva hängt eher von der Abfolge bestimmter melodischer Intervalle als von der Modalität ab.
in sich selbst.
Außerdem können wir in einem großen Teil der aktuellen Musik nicht von Modulation sprechen, da nicht
Es gibt das Konzept des Tons und daher kann es auch kein Konzept des Tonwechsels geben: Musik
atonal oder dodekaphonisch.

4. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM UNTERRICHT

Es geht nicht darum, dass die Kinder die Mechanik des Modulationsprozesses verstehen.
Der Professor sollte es gut kennen, um seinen Schülern Aktivitäten anzubieten, die auf die ...
Wahrnehmung des Phänomens durch Gesang, das Hören und die Instrumentierung.
Sie sind eine wertvolle Hilfe in dieser Hinsicht: die Bewegung, die plastische Darstellung, die
Fononimia, Spiele von Aufträgen...
Das Kind muss es fertig bekommen. Es imitiert, hört, singt, spielt..., nimmt wahr, fühlt, und
versteht.

4.1. AKTIVITÄTEN
Einfache Instrumentierungen, bei denen der Harmoniewechsel den Wechsel von
tonales Zentrum. Beispiele:
Fragment eines musikalischen Schlittenfahrt
In Zaragócica
Vor einem Wechsel des Tonzentrums in einer mit Bordun begleiteten Melodie, bitten Sie die
Kinder, die nach dem neuen Bordón suchen

Gut vorbereitete Hörproben, in denen der Klangwechsel sehr klar ist.

produziert durch die Modulation. Wenn wir uns mit einem Schema, einer Zeichnung oder einem Musikogramm helfen können
y/o der Lese- und Schreibfähigkeit, besser.
Fragmento de Paseo musical en trineo
Sinfonie Überraschung (94) von J. Haydn
In Saragossa

Canto:
In Zaragócica
Ein Morgen im Mai
Jedes bekannte Lied, zu dem wir Variationen modulieren oder hinzufügen können.
eine zweite Strophe in einer anderen Tonart, um ein Lied, ein Rondo zu machen...
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THEMA 4

DIE HARMONIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG. AKORD, ARTEN VON AKORDEN,

INVERSIONES. SU ORIGEN. CADENCIAS PRINCIPALES. RECURSOS DIDÁCTICOS
ZUM ARBEITEN IM KLASSENRAUM.

DIE HARMONIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

1.1. INTRODUCCIÓN Y CONCEPTO DE ARMONÍA
1.2. DIE HARMONIE IN DER MUSIKPÄDAGOGIK
1.3. BEITRÄGE IN DER PRIMARSTUFE

2. AKKORD, AKKORDARTEN, INVERSIONEN

2.1. EL ACORDE: INTRODUCCIÓN Y CONCEPTO
2.2. ARTEN VON ACCORDEN UND IHRE INVERSIONEN
2.2.1. Dreiklang- oder Quinte-Akkorde
2.2.2. Akkorde der Septime
2.2.3. Akkorde der Novena
2.3. VERSCHLÜSSELUNG DER AKKORDE

3. SEIN URSPRUNG
3.1. TIMBRE UND HARMONIKEN
3.2. ORDNUNG DER HARMONISCHEN

4. HAUPTCADENZEN
4.1. PERFECTE O AUTHENTISCHE CADENZ
4.2. PLAGALE CADENZ
4.3. UNVOLLENDETE CADENCIA
4.4. GESTÖRTE ODER UNVOLLSTÄNDIGE RHYTHMUS
4.5. SEMICADENCIA
4.6. ANDALUSISCHE CADENZ

5. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM UNTERRICHT

5.1. LEHRMATERIALIEN FÜR DIE ARBEIT IM KLASSENZIMMER:
ALLGEMEINHEITEN
5.2. LEHRMATERIALIEN FÜR DIE ARBEIT IM UNTERRICHT: VORSCHLÄGE
DE AKTIVITÄTEN
5.3. RECURSOS MATERIALES

6. ANDERE INTERESSANTE DATEN

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TEMA 4

DIE HARMONIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG. AKKORD, AKKORDARTEN,

INVERSIONES. SU ORIGEN. CADENCIAS PRINCIPALES. RECURSOS DIDÁCTICOS
UM IM KLASSE ZU ARBEITEN.

1. DIE HARMONIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

1.1. EINFÜHRUNG UND KONZEPT DER HARMONIE

Das Wort Harmonie bezeichnet seit der Antike sehr unterschiedliche Vorstellungen. Das
Der harmonische Orden ist die Ordnung der Gleichzeitigkeit und steht im Gegensatz zur rhythmischen und melodischen Ordnung, die
organisieren das Folgende. Aber bevor man die Simultaneität bezeichnet, bezeichnete das Wort "Harmonie" das
seit dem 18. Jahrhundert ist Harmonie im Bereich der musikalischen Komposition die Kunst von
Akkorde miteinander verknüpfen (Maneveau).
Rimsky-Korsakov („Praktisches Harmonielehre“). Die Disziplin, die sich mit
Objekt das Studium der verschiedenen Akkorde, ihrer Beziehung zueinander, der Kombinationen
accidentales y del uso que de ellas debe hacerse en la composición musical, se denomina
Wissenschaft der Harmonie.
Karolyi. Harmonie ist die gleichzeitige Kombination von zwei oder mehr Klängen.
Andere Definitionen: "Es ist die gleichzeitige Kombination verschiedener Klänge,
unter Berücksichtigung des Akkords, seines generierenden Prinzips"; "es ist der Teil der Musik, der die studiert
verschiedene Möglichkeiten der gleichzeitigen Kombination mehrerer Noten, das heißt, es beschäftigt sich mit der
Bildung der Akkorde sowie der Beziehungen zwischen ihnen.

Nichtsdestotrotz, aufgrund der verschiedenen Wendungen, die stattgefunden haben innerhalb des
In der Welt der musikalischen Komposition sind die präsentierten Definitionen äußerst begrenzt.
Es ist wichtig, zwischen Harmonie und polyphoner Musik zu unterscheiden: Die erste befasst sich mit
die musikalische Entwicklung unter Verwendung des Akkords als generierenden Grundsatz; im zweiten Fall ergibt sich die
Simultanität von Melodielinien, das heißt, es gibt auch Akkorde, aber durch Überlagerung von
verschiedene Melodien.

In Anlehnung an Copland entsprangen Rhythmus und Melodie natürlich aus dem Menschen,
aber die Harmonie war eine intellektuelle und allmähliche Schöpfung. Die Harmonie war vor dem unbekannt.
9. Jahrhundert. Bis dahin war die gesamte Musik, von der wir wissen, homogen gewesen, und so ist es...
todavía en los pueblos orientales.
Die Griechen kannten bereits die Gleichzeitigkeit musikalischer Klänge, aber nur das
Sie verwendeten es außergewöhnlich und nannten es „magadiza“.

Wie bereits erwähnt, stammen die ersten Beispiele für Harmonie aus dem 9. Jahrhundert, aber
Hinsichtlich des Ursprungs gibt es zwei Theorien:
a) Evolutionäre Theorie: Die Harmonie entstand als ein natürlicher und allmählicher Prozess, der
erlaubte den Übergang von der Monodie zur Polyphonie
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b) Historische Theorie: Die Harmonie im Gesang entstand in einem konkreten Gebiet und in einem
bestimmter Moment, der das Ergebnis der ästhetischen Merkmale, der Art des Gesangs ist
Region.
Heutzutage ist die zweite Theorie viel akzeptierter.

Die ersten Formen der Harmonie erscheinen unseren Ohren markant

primitiven. Es lassen sich drei Klassen oder Formen primitiver Harmonien unterscheiden:
1) Organum. Besteht darin, die Melodie "zu harmonisieren", indem man Intervalle von Quarten hinzufügt.
Quintas Justas. Die Hauptmelodie nannte man „cantus firmus“ oder „vox principalis“, und die
zweite oder hinzugefügt "vox organalis".
2) Discantus. Erscheint im 13. Jahrhundert und besteht darin, dass die beiden Stimmen, die in der Form
anterior marchaban von forma paralela, jetzt gehen sie in entgegengesetzten Bewegungen. Von dieser
Modalität wird den Kontrapunkt hervorrufen.
3) Faux-Bordón. Letzte Form des primitiven Kontrapunkts. Sein Hauptmerkmal ist, dass
Er führte die Intervalle der 3. und 6. ein, die bis dahin verboten waren.

Vor diesem polyphonen Konzept stellen wir im gleichen Renaissance-Zeitalter fest, dass
Es beginnt eine Entwicklung in der Polyphonie, die durch die Tendenz gekennzeichnet ist, mehr Aufmerksamkeit auf ...
las relaciones entre todas las voces de cada conjunción simultánea o acorde y a considerar el
Polyfonischer Diskurs, der aus der Folge dieser harmonischen Konjunktionen besteht.
darstellt grafisch wie schallende vertikale Säulen. Es handelt sich um eine Polyphonie
ausgewogen und statisch. Diese polyphone Schrift bietet eine radikalere Seite in der
Konzentration des melodischen Wertes auf eine einzige Stimme, während die übrigen auf reduziert werden
haltende Akkorde. Es ist die begleitete Melodie.

1.2. DIE HARMONIE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

Solange der musikalische Akt in der melodisch-rhythmischen Ordnung bleibt, befindet er sich in
eine Verlängerung der Sprache, relativ einfach zugänglich und in einem Gebiet gelegen, das nicht ist
völlig musikalisch. Es ist die Harmonie, die die Musik völlig befreit" (Maneveau).
Nach der Untersuchung der Melodie und der Intervalle ergibt sich als logische Anordnung die
Ich arbeite mit dem Harmonischen. Das harmonische Hören kann relativ einfach erlernt werden.
und in kurzer Zeit.
Die Einführung in die Harmonie sollte darin bestehen, zuerst das Lehren und Lernen zu vermitteln
Simultaneität von zwei Klangobjekten, nach drei usw. Diese Eroberung erfolgt schrittweise:
Zuerst findet der Sprung von eins nach zwei statt, danach der von zwei nach drei, und dass der zweite ist
unvergleichlich schwieriger als das erste.
Wir können diesen Fortschritt beginnen, indem wir in zwei Stimmen arbeiten, in denen man...
parallele Bewegungen oder gegensätzliche Bewegungen durchführen:
1) Parallele Bewegungen. Am häufigsten verwenden sie Terz- oder Sextintervallen.
(dritte Inversionen).
2) Entgegengesetzte Bewegungen. Das Prinzip der entgegengesetzten Bewegungen besteht darin, von der
reine Dissonanz, um in Konsonanzen zu enden.
Sobald dies bearbeitet ist, können wir mit dem Hören von Akkorden fortfahren.

Das Lernen der Harmonie kann auf zwei Ebenen stattfinden: die Schaffung von
die Harmonie, die Praxis, sowohl vokal als auch instrumental, was das Hören seiner beinhaltet, oder ausschließlich
Ihr Hören ist etwas passiv. Diese letzte Aktivität vermittelt das Gefühl, dass es einfacher wäre.
dass das erste, dennoch kann das Kind beim ersten aktiv teilnehmen an der
 53

harmonische Konstitution durch die Verwendung eines Instruments. Diese Aktivitäten sind
Werden mit einer Vielzahl von kurzen und abwechslungsreichen Übungen beginnen.
Darüber hinaus ist zu beachten, dass keine Art von Erfahrungen ausgeschlossen werden sollte.
auditiven Möglichkeiten und ihre auditorischen Erfahrungen nicht auf die Akkorde der Harmonie beschränken
gewohnt
Willems. "Es ist verständlich, dass im Falle, dass sie nicht gleichzeitig gehen können, ...
prioridad a la teoría dejando para más tarde la práctica viva y profunda del mundo sonoro; pero
Es ist bedauerlich, dass dies oft passiert.

1.3. BEITRÄGE IN DER PRIMARSTUFE

Die Arbeit an der Harmonie in der Grundschule, durch instrumentale und vokale Praxis,
es ist wichtig, da es die Entwicklung der Konzentration, des harmonischen Gehörs und von der ermöglicht.
Musikalisches Gedächtnis
a) Konzentration. Die gleichzeitige Interpretation mehrerer Melodien erfordert das
Entwicklung der Fähigkeit, aufmerksam zu sein auf das, was gerade getan wird und was gemacht wird.
hörend
b) Musikalisches Gedächtnis, das es ermöglicht, die zu interpretierende Melodie zu erinnern, auch wenn man sich in einem Zustand befindet,

andere verschiedene hörend

c) Harmonisches Gehör, das es ermöglicht, verschiedene gleichzeitig erklingende Klänge zu erfassen, ihre entsprechende
Höhe und Dauer...

2. AKKORD, ARTEN VON AKKORDEN, INVERSIONEN

[Link] AKORD: EINLEITUNG UND KONZEPT

Rimsky-Korsakow. Überlagerung von zwei, drei oder vier Tönen. Die Töne
Sie müssen so überlagert sein, dass sie Intervallen von 3. bilden; nur in diesem Fall.
Sie werden einen Akkord bestimmen.
Copland. En definitiva, ein wahres Akkord besteht immer aus drei oder mehr
verschiedene Geräusche; die Akkorde von zwei Klängen sind zu mehrdeutig.
Es ist die Überlagerung von drei oder mehr Klängen, die untereinander Intervalle bilden und
dessen Ausstrahlung simultan ist.

Gemäß Willems kann der Akkord unter einem dreifachen Aspekt betrachtet werden:
1) Aus physikalischer Sicht ist der Akkord eine Gruppe von drei Tönen, die wahrgenommen werden.
das Hörorgan
2) Aus emotionaler Sicht ist der Akkord eine Ansammlung von Intervallen. Die Intervalle in Beziehung setzen.
Akkorde mit einer Überlagerung von Terzen sind ein psychologischer Fehler und führen dazu, zu fallen in
eine mechanistische Haltung, fernab von Kreativität und Kunst
3) Aus mentaler Sicht ist der Akkord eine tonale Funktion. Von den Aspekten des
Akkord, dies ist der Hauptakkord, da er die Verkettungen der Akkorde regelt: die
Harmonie.
Die tiefste Note dieser Dreiklangsordnung ist der Grundton des Akkords.
El resto se denominan, según el intervalo que forman con la fundamental, tercera y quinta del
Akkord.

2.2. ARTEN VON AKKORDEN UND IHRE INVERSIONEN

 54

Je nach dem Gefühl, das sie vermitteln, können sie sein:

a) Konsonante Akkorde. Sie erzeugen ein Gefühl der musikalischen Entspannung, der Ruhe. Dazu ist
Fundamental, dass sie aus konsonanten Intervallen bestehen. Es sind die perfekten Akkorde.
Bürgermeister und perfekter Minderjähriger.

b) Acordes disonantes. Transmiten una idea de tensión musical

In unserer westlichen Musik ist es üblich, dass jeder dissonante Akkord dazu neigt,
von einem anderen Konsonanten gefolgt werden, genau wegen seines instabilen Charakters.

Je nach der Anzahl der Laute, aus denen sie bestehen, können sie sein:
a) Dreiklangsakkorde. So werden die Akkorde genannt, die aus drei Tönen bestehen: Grundton,
3. und 5.
b) Akkorde mit mehr als drei Tönen. Tetrakorde, die aus vier Tönen bestehen (die der 7.) und
Pentakorde, gebildet aus fünf Tönen (denen der 9. Lage).

Es ist nicht dasselbe, die Grundnote als den Bass eines Akkords. Wie wir sehen werden
Später bestimmt der Bass oder die tiefste Note den Zustand der Akkorde, und die Position die
Bestimme den höchsten Ton. Die Triaden können auf jedem Grad der Skala gebildet werden.
und in jeder Tonart
2.2.1. Dreiklangs- oder Quintakkorde
Dieser Akkordtyp kann unter vier Aspekten betrachtet werden:
Perfekto Mayor: 3. Mayor und 5. Justa
Perfekte kleine Terz: kleine Terz und reine Quinte
De 5ª vermindert: kleine 3. und verminderte 5.
De 5ª Aumentiert: 3ª Dur und 5ª Aumentiert

Wenn wir Dreiklangakkorde über jeden der verschiedenen Stufen bauen

Eine Skala, wir erhalten Folgendes:
- Perfekter Durakkord über den Stufen I, IV und V der Durtonleiter und über die
Grados V und VI des Mollmodus
- Perfekter vermindeter Akkord über den Stufen II, III und VI des Dur-Systems und I und IV des
Molltonart
- verminderten Quintakkord über den Stufen VII des Dur-Modus und II und VI des
Molltonart
Erweiterter Quintakkord über dem III. Grad der Molltonleiter
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Umkehrung der perfekten Akkorde. Umkehrung ist die Veränderung des Klangs.
gravis oder scharf. Ob ein Akkord fundamental oder umgekehrt ist, hängt von der
Hinweis, der im Bass ist. Demnach wird es möglich sein, die Triaden mit drei Tönen zu zählen.
zwei Investitionen tätigen:
1ª) Acorde de sexta; se indica con el número 6. La 3ª está en el bajo
2ª) Akkord von Quarte und Sexte. Die 5. ist im Bass.
Die Investitionen werden als zu denselben Graden gehörend betrachtet.
Skala, von der ihre Grundlagen abgeleitet werden.

2.2.2. Septimakkorde
Der Septakkord ist ein tetrakordischer Akkord, bestehend aus vier Tönen, der gebildet wird durch das
Akkord mit der hinzugefügten 7. auf den tiefsten Ton. Es wird mit dem
Nummer 7.
Der wichtigste dieser Akkorde ist der natürliche Septakkord. Er wird gebildet
das hinzuzufügende perfekte große Akkord mit der natürlichen Konsonanz der kleinen Septime. Da dies
Ein Akkord kann nur auf dem V. Grad gefunden werden, er wird auch als 7. bezeichnet.
die dominante. Sie wird mit einer 7 über einem + Zeichen symbolisiert. Das + unter der 7 zeigt an, dass die
Sensible des Tons erscheint im Akkord.
Es besteht daher aus: Grundton, 3. große Terz, 5. reiner Quinte und 7. kleine Septime.
La particularidad de este acorde es su tendencia resolutiva. En la 7ª de dominante, según
seine Position, es gibt eine 5. verringerte oder seine Investition, die 4. erhöhte, zwischen der 3. und der 7. des
Akkord. Und diese beiden Töne neigen natürlicherweise dazu, sich im Grundakkord aufzulösen. Durch
Diese beiden Noten, die 3. und die 7., werden als auflösende Tendenznoten bezeichnet und belegen ihre
Die Bedeutung der Tatsache, dass sie uns bei der Erkennung der Farbtöne orientieren.
Akkorde, die vom natürlichen 7.-Akkord oder Dominantakkord abgeleitet sind:
Akkord der 7. Major. Die 7. ist Major. Er bildet sich über den Stufen I und IV des Modus.
Mayor und über den III. und VI. des Moll ohne sensible
Akkord der verminderten 7. Die Terz ist klein. Er wird über die Stufen II, III und VI gebildet.
modo Dur und über den I, IV und V des Mollmodus ohne sensible
Akkord der 7. Stufe der Leitton. Der Grundton ist um einen chromatischen Halbton erhöht. Se
Form über die VII. Stufe des harmonischen Moll und wird durch ein
7 durch eine Linie gekreuzt
 56

Akkord von 7. niedriger über 5. vermindert. Gebildet aus der Grundton, 3. niedriger,
5. erniedrigte und 7. kleine, und wird mit einer 7 über einer 5 ausgedrückt, die mit einer
Rayita. Sie bildet sich über der VII. Stufe der Durtonleiter, über dem 7. Akkord von
sensible; und über den II. Grad der Molltonart.

Inversionen des Septakkords. Es gibt drei davon:

1ª) Akkord Quinte und Sext. Die 3. ist im Bass und es wird eine 6 über eine 5 geschrieben.
2ª) Akkord von Terz und Quarte. Die 5. ist im Bass und es wird eine 4 über einer 3 geschrieben.
3ª) Zweiklang. Die 7. liegt im Bass und wird mit einer 2 geschrieben.
La característica de cada una de las inversiones está en el intervalo de 2ª
was aus der Umkehrung der 7. stammt. Die verschiedenen Positionen der drei Töne
Vorgesetzte verändern nicht den Charakter der Investition, sondern werden immer in Betracht gezogen
Beziehung zum tiefsten Klang. Die Änderung der drei oberen Stimmen ändert nur
die Anordnung und die melodische Position des Akkords.

2.2.3. Neuntöne
- Akkord der natürlichen 9. oder der Dominante. Er entsteht, indem man zum natürlichen 7. oder zu
dominante der 9. Dur. Sie wird über dem V. Grad des Dur-Modus und über dem
VII. Grad der Molltonleiter ohne sensible. Im ersten Fall wird er auch häufig
Dominante-Major-9. Akkord anrufen.
- Mollneunerkord. Er unterscheidet sich von dem vorherigen durch seine Mollneun. Er wird über dem
V. Grad des harmonischen Moll, wobei er den Namen dominante 9. erhält.
weniger
- Dur-9-Akkord. Er unterscheidet sich vom natürlichen Akkord durch seine große Septime. Er wird platziert
über den I. und IV. Grad des Dur-Musters und über den III. und VI. des Moll-Musters ohne
vernünftig
- Neunertakkord über einem verminderten Septakkord. Er unterscheidet sich vom natürlichen Akkord durch seine
3. Minder. Es wird über die Graden II und VI des Dur-Modus und über die Graden I platziert.
y IV des molls ohne sensible
- Andere Typen: Ein vermindertes Septakkord über einen verminderten Septakkord, und ein Neunklang
über einen verminderten 5. Akkord, aber es sind Akkorde von geringem Gebrauch.
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Inversionen des Akkords der 9. Die Regeln sind die gleichen wie die
bezüglich des 7. Akkords, obwohl komplexer, da er vier Umkehrungen hat,
obwohl die vierte Investition normalerweise nicht genutzt wird.

2.3. CIFRADO DE LOS ACORDES

Als Erweiterung ist es interessant, die Verschlüsselung der Akkorde zu erwähnen. Es versteht sich
durch die Verschlüsselung der Akkorde in einen Zifferncode, der über einer Note platziert wird, zeigt uns an oder
bestimme die signifikantesten Intervalle eines bestimmten Akkords, der in Beziehung zu
Diese Notiz. Es gibt verschiedene Arten der Verschlüsselung:
Im internationalen Notensystem entspricht jeder Note ein Großbuchstabe: A = La, B
= Ja, usw. Die veränderten Noten verwenden den Buchstaben plus die entsprechende Alteration: D# =
Re sostenido. Die Notation für die Akkorde verwendet den Buchstaben seiner Grundtonart und einen anderen.
Ein Buchstabe oder ein Zeichen, um seine Art zu definieren. Die älteren verwenden Großbuchstaben und die
menores la letra mayúscula y una “m” o el signo “-“
Die Behinderungen werden mit einem Großbuchstaben gefolgt von dem Zeichen „o“ oder „dis“ verschlüsselt.
Das traditionelle System, das auf arabischen Zahlen basiert
Das von P. Hindemith, A. Schönberg und W. Piston verwendete System
Der von D. De la Motte verwendete, den wir funktionale Verschlüsselung nennen können, da er ausdrückt,
mit den Buchstaben (T, t, D, S, s) die tonalen Funktionen der verschiedenen Akkorde
Wir werden die klassische Verschlüsselung behandeln, da sie die bekannteste und am häufigsten verwendete ist.
in den Harmonielehren und auch wegen seiner historischen Bedeutung, da es verwendet wurde in der
barocke Verschlüsselung.
Es ist notwendig, eine Reihe von Konventionen zu kennen, die zu berücksichtigen sind für
korrekte Interpretation
1) Die Notation beschreibt immer Intervalle vom Grundton aus. Die Ziffern werden über oder
unter den Noten des Basses. Manchmal zeigen sie alle Intervalle an, aber normalerweise ist es
que indiquen los característicos solamente
Eine durch eine schräge Linie durchgezogene Ziffer zeigt an, dass das Intervall verringert wird.
3) Ein Kreuz vor einer Zahl bedeutet, dass es sich um die sensible handelt.
4) Una línea horizontal a continuación de un número indica que debe prolongarse la
Nota oder der Akkord bis zum Ende derselben
5) Eine Null über einer oder mehreren Noten des Basses zeigt an, dass diese Noten nicht gespielt werden dürfen.
Harmonisiert. Dasselbe geschieht, wenn der italienische Ausdruck „tasto solo“ erscheint, der
bedeutet nur niedrig
6) Wenn die Verschlüsselung über einer Stille platziert ist, muss der Akkord gespielt werden auf
Diese Pause mit dem Akkord, der dem folgenden Ton entspricht.
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7) Wenn eine Note eine Alteration hat (die nicht im Schlüssel steht), wird sie gesetzt.
Änderung vor der Zahl, die das Intervall der Note ausdrückt. Aber wenn die Note
Alteriert ist die dritte, die Alteration wird ohne Zahl angegeben, obwohl man die drei angeben kann.
auch.

3. SEIN URSPRUNG

3.1. TON UND HARMONIKEN

Der Klang ist die Eigenschaft jedes Tons, die es uns ermöglicht, ihn von allen anderen zu unterscheiden.
darüber hinaus besteht es aus einer Amalgam von Klängen.
Aber was geschieht in dieser Mischung von Geräuschen? Eigentlich nehmen wir einen Klang wahr.
básico, fundamental, de frecuencia más grave que todos los demás y de mayor intensidad, y
ein ganzes Set von Geräuschen mit viel geringerer Intensität und verwandten Frequenzen
mathematisch mit dem fundamentalen. Diese Klänge werden als sekundär bezeichnet,
sympathisch, harmonisch...
Dieses Verhältnis von Frequenzen zwischen Oberton und Grundton ist von größter Bedeutung.
Wichtigkeit, da von ihr die Ordnung unserer diatonischen Skala abhängt und die
Akkordbildung.

3.2. ORDNUNG DER HARMONIKEN

Wenn ein schwingender Körper in Schwingung gerät, lässt er einen Klang hören.
fundamental und andere Harmonische. Diese bilden zusammen mit dem Grundton Intervalle von der
nächste Art:
Fundamental: DO
Primer armónico: Intervall von 8ª = DO
Zweites Harmonisches: Intervall von 12. = G
Dritter harmonischer: Intervall von 15. = C
Vierter Harmonisch: Intervall von 17ª = MI
So nehmen wir immer wahr, wenn ein klingender Körper vibriert, auch wenn wir es nicht sind.
sich dessen bewusst, der perfekte große Akkord.
 59

4. HAUPTCADENZEN

Die Kadenz wird mit den verschiedenen Satzzeichen verglichen, die wir verwenden.
gesprochene oder schriftliche Sprache; das gleiche wie in diesem verwenden wir das Komma, das Semikolon, den Punkt und
Folgend und Punkt, im musikalischen Ausdruck gibt es verschiedene Arten von Kadenzen, je nach
detención que se realice sea más conclusiva o menos.
Arin und Fontanilla: "Unter Cadenz versteht man die Ruhe, die am Ende eines
Phrase oder musikalischer Zeitraum.
Didaktisch-Musikalische Gesellschaft: "Es sind Ruhepunkte, die aufeinander folgen in den
musikalische Kompositionen, die in Phrasen, Perioden, Gruppen... zerlegt werden." "Sie sind wie die
Punktuation in der Sprache und ohne sie ist ein musikalisches Werk nicht möglich. Nach diesem sind die Kadenz
Sie drücken eine Schlussfolgerung aus oder stellen einfach eine Trennung zwischen zwei musikalischen Ideen her.
verschiedene”. Und das ist die Funktion der Kadenz.
Darüber hinaus legen sie den Ton fest oder konfigurieren ihn und sorgen für Kohärenz in der formalen Struktur von
das Werk.

Chailley und Challán: Damit es einen Rhythmus gibt, müssen zwei Voraussetzungen erfüllt sein:
a) Klanganordnung mit einem kadenzierenden Sinn
b) Detonation des musikalischen Satzes.

Die Kadenz kann den Satz mit mehr oder weniger Kraft beenden oder unterbrechen. Wir können
differenzieren zwischen endgültigen Kadenzarten (perfekt, plagal und unvollständig) und hängenden Kadenzarten
(unvollständig, unterbrochen oder gebrochen und Halbschritt).

4.1. PERFECTE CADENCE O AUTHENTIC

Verkettung des Dominantakkords mit dem Grundakkord, beide in
Grundzustand (V – I).
Obwohl alle Positionen gut sein können, ist für eine Beendigung
bevorzugen diejenigen, bei denen der obere Teil in der Tonik endet.
Perfekte Kadenz erster Ordnung: I – IV – V – I
Perfekte Kadenz zweiter Ordnung: IV – I (6/4) – V – I

4.2. PLAGALISCHE CADENZ

Verknüpfung des Subdominantakkords mit dem Grundakkord, beide
im Grundzustand (IV – I). Der Subdominantakkord kann durch den Akkord ersetzt werden
de II oder VI Grad.
Oben wird in der Regel die 3. bevorzugt, die sehr gut ist.
Effekt und kann verdoppelt werden, wenn gewünscht.

4.3. UNVOLLENDE CADENZ

Es hat die Merkmale der perfekten Kadenz, aber mit einem oder beiden seiner
umgekehrte Akkorde.
 60

Diese Kadenz wird abschließend sein, wenn nur der erste Akkord umgekehrt präsentiert wird.
wenn der Grundakkord weiterhin im Grundzustand bleibt. Andernfalls wird es
suspensiv

4.4. UNTERBROCHENE ODER GESTRÖRTE CADENZA

Es bildet sich mit den Dominantakkorden in Grundstellung mit einem anderen Akkord.
anders als der der Tonika, in der Regel der der VI. Stufe.
Bricht das musikalische Gefühl auf unerwartete Weise. Zunächst wird es gleich präsentiert.
dass die perfekte Kadenz den Grundakkord ankündigt, aber in einem Akkord auflöst
unterschiedlich, häufig im VI, oder auch im II oder IV.
Wird häufig zur Modulation verwendet.

4.5. SEMICADENCIA
Zwischeneinlage, die keinen abschließenden Charakter hat und als Verbindung dient mit der
Die charakteristischsten Griffe sind der V und der IV; das heißt, über den Akkord von
dominante oder subdominante, gefolgt von einem beliebigen Akkord der Tonart.

4.6. ANDALUSISCHE CADENZA

Kadenz des modalen Charakters, die auf einer tonalen Phrygischen Skala aufgebaut ist
Bürgermeister. Man sollte sie nicht mit der Phrygischen Kadenz verwechseln: während diese die Elemente präsentiert von
Eine ausstehende, spannungsgeladene Kadenz, die andalusische Musik hat alle Komponenten von
die resolutiven oder abschließenden Kadenz
Es wird normalerweise mit den Harmonien von A-, G, F, E gebildet.

5. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM UNTERRICHT

5.1. LEHRMITTEL FÜR DIE ARBEIT IM KLASSEZIMMER:

ALLGEMEINES
Es wird empfohlen, dass die ersten Kontakte mit der Harmonie stattfinden
durch das gezielte Hören des Dur-Akkords, das dem Wissen folgen sollte
aus der Dur-Tonleiter. Wenn das Kind sich daran gewöhnt, die Skala und die Akkorde zu singen,
wird in der Lage sein, auditiv den wesentlichen Charakter der Klänge des Akkords zu erkennen, sich zu positionieren in der
tonalidad dada, leer entonadas las melodías y así estará en condiciones de iniciarse en la práctica
Harmonika.
Die Harmonisationsübungen können pädagogisch in Ebenen organisiert werden.
von unterschiedlicher Schwierigkeit. Es ist notwendig, auf die Stufenfolge der Aktivitäten zu achten, die man
verwenden. In einer normalen, psychologischen Basisbildung, in der das Kind entsprechend erzogen wird
Gesetze der Evolution und wo das Sensorische dem Affektiven und dieses dem Mentalen vorausgeht, die
Fortschritte können harmonisch erzielt werden, indem eine echte und lebendige Intelligenz vorbereitet wird, die reich an
sensorische und affektive Erfahrungen.
In Bezug auf die Harmonisierung von Melodien und/oder Liedern in unserem Liederbuch
infantil die Begleitakkorde bleiben innerhalb der drei Grundakkorde: Tonika,
Dominante und Subdominante, in denen sich alle Noten der Skala befinden. Auf diese Weise,
 61

Jede Melodie, die auf die sieben Töne einer Tonart beschränkt ist, kann durch diese harmonisiert werden.
Akkorde.

Allgemeine Richtlinien zur Durchführung der Verbindungen der Harmonien der Tonika,
Dominante und Subdominante.
Wir werden sie nacheinander entsprechend den Bedürfnissen des zu harmonisierenden Liedes verknüpfen.
in der folgenden Form: I – IV – V – I, oder I – IV – V – V7 und I. In der Molltonleiter sind die Akkorde
repräsentativ werden dieselben sein: I, IV und V. Aber im Moll-Modus ist die Spannung der Verbindung V – I
es ist nicht so ausgeprägt, da die 7. in einem Abstand von einem Ton steht und nicht zum Klang drängt
Hauptton. Um einen größeren Schub zu erreichen, wird die VII. Stufe um einen Halbton erhöht, was zu einem
harmonische Skala. Dennoch sollte sie nicht immer verwendet werden, da es Melodien im Modus gibt
Moll und im Melodischen.

5.2. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE ARBEIT IM KLASENRAUM: VORSCHLÄGE

DE AKTIVITÄTEN
A. Instrumentalpraxis
Wir können die Metallophone verwenden, die Instrumente sind, deren Lamellen, wie ihr
Der Name deutet darauf hin, dass sie aus Metall gebaut sind. Ihre Verwendung ist zunächst interessant.
vom harmonischen Arbeiten, aufgrund der langen Dauer der erzeugten Töne.
Daher beginnen wir mit der Durchführung melodischer Intervalle, die keine sind
mehr als Paaren von Klängen in unterschiedlicher Höhe, die nacheinander erzeugt werden. Beim Schlag, durch
Beispiel, auf dem Blatt "Do" und dann auf dem Blatt "Mi" schlagen, der Klang beider.
Sie bleiben lange Zeit und verschmelzen miteinander, was zu einem ersten harmonischen Gefühl führt.
auditiv. Dies können wir auch mit den Glockenspielen erreichen.
Wir können auch die Xylophone verwenden, die Schlaginstrumente aus Lamellen sind.
Holz. Und wir werden zwei verschiedene Arten verwenden.
- Durch die Erzeugung harmonischer Intervalle: das sind zwei Töne unterschiedlicher
Höhen, die gleichzeitig stattfinden. Sie sind eigentlich keine Akkorde, aber sie sind
sehr nah. In diesem Fall ist es ratsam, dass der Lehrer angibt, die
Pulsation, damit die Schläge gleichzeitig von mehreren Schülern ausgeführt werden.
- Durch die Produktion von Arpeggien: Dieses Mittel ist nichts anderes als die Dissoziation von
die Töne, die einen Akkord bilden, und ihre eindringliche und relativ
schnell. Vom C-Dur-Akkord wären die Töne do – mi – sol – do’ das Arpeggio.
Neben der Verwendung von Platteninstrumenten können wir auch an der
armonía a través del grupo de flautas dulces. Siempre que se tenga un cierto dominio, el
Der Professor muss zweite und sogar dritte Stimmen ausarbeiten, die mit diesen ausgeführt werden sollen.
Instrumente.
Schließlich müssen wir die Zweckmäßigkeit kommentieren, dass der Spezialist beherrscht
ein harmonisches Instrument: Klavier oder Gitarre. Dies wird ihm erlauben, mit der Entwicklung zu beginnen, von
die frühesten Altersstufen, des harmonischen Gehörs der Schüler, durch die Begleitungen
von den Liedern.

B. Vokale Übung
Für diesen Fall werden wir uns auf Ostinati, Kanons und parallele Lieder stützen.
Desde el Segundo Ciclo de Primaria se pueden trabajar formas polifónicas sencillas: cánones y
ostinatos, mientras que, ya en el Tercer Ciclo, esto se ampliaría con composiciones polifónicas
aufwendiger und homophoner Parallelgesang.
Die Ostinatos sind musikalische Formen, die aus der Wiederholung desselben bestehen.
Rhythmus.
 62

In diesen einfachen Fällen, die wir gerade aufgeführt haben, ist eine Hauptmelodie
begleitet von einer anderen und weiteren, die begleitend wirken. Die Überlagerung der Notizen, die
Bei silbischer Übereinstimmung entstehen Akkorde.

C. Bewegungen
Laut J. Dalcroze kann jedes musikalische Element mit dem verbunden werden
Bewegung. Es stimmt, dass es am häufigsten der Rhythmus ist; aber es ist auch wahr, dass es
kann die Melodie und die Harmonie darstellen.
Der Grundakkord erzeugt beim Zuhörer einen Zustand des Abschlusses, der Ruhe, der
Distension. Der Dominantakkord erzeugt das genaue Gegenteil: Spannung, Unvollständigkeit. Der Akkord
Die Subdominante ist ein ambivalenten Akkord: sie erzeugt kein charakteristisches Gefühl, sondern
que conduce al acorde de la tónica (distensión) o de dominante (tensión). Los acordes
Konsonanten erzeugen Gelassenheit, während Dissonanzen Unruhe hervorrufen.
Und all dies muss vom Schüler verstanden und durch Sequenzen widergespiegelt werden.
motorische, im Allgemeinen improvisierte, die sanfte, ruhige Bewegungen enthalten, in einem
plano inferior, und andere, die brutaler und angespannter sind, in mittleren oder oberen Ebenen.

D. Hörprüfung
Aber um an all dem oben Genannten zu arbeiten, ist eine vorherige Arbeit notwendig.
auditiven Diskriminierung, die es den Schülern ermöglicht, jeden musikalischen Aspekt zu unterscheiden, zwischen
anderes das harmonische.
Phasen dieses Auditions:
a) Audición sensorial, para entrar en contacto con el material sonoro y que
das Ohr gewöhnt sich an die Veränderungen
b) Affektive Hörverständnis, das dem Schüler ermöglichen wird, den emotionalen Charakter zu erfassen, die
Ausdruckskraft, die der Autor uns vermitteln wollte
c) Geistiges Hören, von höherer intellektueller Ordnung, das den Kindern hilft, zu erfassen
und die verschiedenen musikalischen Elemente zu unterscheiden. Es geht darum, zu beginnen mit
das Verständnis der Existenz einer internen Anordnung der Klänge, die
übertragen dieses Gefühl

5.3. RECURSOS MATERIALES

Geräumige, helle und ruhige Aula
Normale und karierte Tafel
Franelogramm
- Kartogramme mit den grundlegenden Akkorden
Papiers mit Linien
- Instrumente mit festgelegter Höhe
- Tasteninstrumente
Audiovisuelle Medien
- Spezifische Bibliografie

6. OTROS DATOS INTERESANTES

Conceptos de consonancia y disonancia.

Beide Konzepte beziehen sich auf die wahrgenommene Stabilität oder Instabilität in einem Komplex aus zwei oder
mehr Geräusche.
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In der westlichen tonalen Musik sind die konsonanten Intervalle diejenigen, die behandelt werden als
stabil sind und keine Auflösung erfordern. Die dissonanten Intervalle sind diejenigen, die man als
die eine Instabilität aufweisen, die eine Lösung in Richtung einer Konsonanz erfordert. In den meisten von
die Theorien der westlichen tonalen Musik, die Intervalle des Unisons, der reinen Quinte und der Oktave
(mehrere ihrer Oktavmultiplikationen) sind immer perfekte Konsonanzen. Die kleine Terz, die Terz
Der Quarte, die kleinste Sexte und die große Sexte sind immer unvollkommene Konsonanzen. Die reine Quarte ist
perfekte Konsonanz, wenn sie in einer Simultanität von drei oder mehr Noten erscheint, aber nicht einschließt
die tiefste Note; wenn es umgekehrt ist, ist es Dissonanz. Alle anderen Intervalle sind Dissonanzen.
Die Akkorde sind dissonant, wenn sie nur ein dissonantes Intervall enthalten.

Wie man die Harmonie schreibt.

Normalerweise wird in vier Stimmen geschrieben: Sopran die obere Stimme und in Violinschlüssel; Alt die
zweite und in Violinschlüssel; Tenor die dritte und in Violinschlüssel, wissend, dass sie eine Oktave klingt
unterlegen; und schließlich die Basslinie, in F-Schlüssel auf der vierten Linie.
Wenn wir diese Schrift auf zwei Linien übertragen, als ob wir für Klavier schreiben würden, in der
In der oberen Zeile werden die Stimmen des Soprans und des Alt in Violinschlüssel geschrieben, und in der zweiten
línea se coloca la clave de fa en 4ª línea y se escribe las voces del tenor y del bajo.

Bewegung der Stimmen.

In einer einzigen Stimme wird gesagt, dass die Bewegung gemeinsam ist, wenn sie durch ein
Intervall nicht größer als eine Sekunde. Es ist disjunkt oder springend, wenn es durch ein
große Sekunde.
Aber harmonisch, was uns interessiert, erfolgt die Bewegung in zwei oder mehr Stimmen.
gleichzeitig. Diese Bewegung ist parallel, wenn das Intervall zwischen den Stimmen gleich bleibt.
Konstant, zumindest innerhalb des allgemeinen Typs. Die Bewegung ist direkt, wenn sich die Stimmen bewegen in
die gleiche Richtung, aber durch verschiedene Intervalle. Wenn eine Stimme steigt, während die andere ...
Baja, es un movimiento contrario. Por último, diremos que es un movimiento oblicuo si una voz
Sie bleibt ruhig, während sich die anderen bewegen.
Was ist das Harmonisieren von Bässen und Spitzen?
Dieser Ausdruck bedeutet, dass wir nur die Stimme des Basses oder die Stimme des Tiple und die Notation haben.
die Akkorde, die jede dieser Stimmen begleiten. Unsere Aufgabe in diesen Fällen ist es,
die Akkorde vervollständigen und die Melodien der übrigen Stimmen schreiben.

Welche Prioritäten setzen sich in der Arbeit mit den Grundschülern durch?
Nachahmungslernen (auf das Lesen verzichten)
Bau einfacher Ostinati
- Einfache Merkfähigkeit
Beteiligung aller
64
 65

THEMA 5

DIE TEXTUR: TYPEN. DIE TEXTUR IN DER INSTRUMENTIERUNG VON SONGS UND
IN MUSIKWERKEN. DIE FORM. FORMANALYSE VON GESANGEN.
HAUPTGESTALTEN DER MUSIK.

0. EINFÜHRUNG

1. LA TEXTURA: TIPOS

2. DIE TEXTUR IN DER INSTRUMENTIERUNG VON LIEDERN UND IN WERKEN

MUSICALS

3. DIE FORM
3.1. DIE MUSIKALISCHE FORM: IHRE DEFINITION
3.2. STRUKTURELLE PRINZIPIEN
3.3. DIE MUSIKGENRES UND DIE MUSIKFORM
 66

4. FORMALER ANALYSE VON SONGS

5. HAUPT MUSIKFORMEN
5.1. EINFACHE FORMEN
5.2. KOMPLIZIERTE FORMEN
5.2.1. Die Suite
5.2.2. Die Sonata, die Sinfonie und das Konzert
5.2.3. Das Oratorium und die Kantate
5.2.4. Die Oper und die Zarzuela
 67

TEMA 5

DIE TEXTUR: ARTEN. DIE TEXTUR IN DER INSTRUMENTIERUNG VON LIEDERN UND
IN MUSIKWERKEN. DIE FORM. FORMALANALYSE VON LIEDERN.
HAUPT MUSIKFORMEN.

0. INTRODUCCIÓN

Jedes Kunstwerk muss organisiert werden, um Kohärenz zu verleihen. Das Gemälde muss sein
etwas mehr als eine Mischung aus Linien und Farben, und die Musik, etwas mehr als eine bloße Abfolge von
Geräusche. Die Richtlinien, die es ermöglichen, ein Kunstwerk zu organisieren und Kohärenz zu verleihen, sind die Form von
die gleiche. In einem Gemälde kann die Form total und sofort wahrgenommen werden. In der Musik nicht,
weil eine ihrer Eigenschaften ihre Entwicklung im Laufe der Zeit ist. Das ist der Grund, warum der Zuhörer
hat Probleme mit der Form; erkennt intuitiv die kohärente Organisation, hat aber Schwierigkeiten.
sie intelligent wahrnehmen.
 68

Die Hauptbestandteile der Musik sind der Rhythmus, die Melodie und die Harmonie, aber
Es gibt auch andere Elemente, die damit zusammenhängen, nämlich die musikalische Form und die Textur.
Die musikalische Form hängt von der Melodie, dem Rhythmus und der Harmonie ab. Und die Textur
Sie ist auch mit den melodischen Linien und der Harmonie eines bestimmten Werks verbunden.
Musical.
Das Wissen um diese Elemente ist grundlegend, um die Struktur korrekt zu gestalten.
Lieder, ihre Phrasierung, Momente, in denen verschiedene Stimmen sich von den anderen abheben müssen...

1. LA TEXTURA: TIPOS

Definition: Das Wort Textur, lateinischen Ursprungs, bedeutet: "Anordnung und Ordnung von
die Fäden eines Gewebes" innerhalb des Vorgangs des Webens. In der musikalischen Sprache hat sich
kürzlich dieses Konzept, um „die Art und Weise, wie sich die melodischen Linien kombinieren“ anzuzeigen.
Wir definieren es als „die Art und Weise, wie die Stimmen oder die verschiedenen Teile oder Linien miteinander verwoben werden innerhalb von einer
musikalische Komposition

1) Die monophone Textur

Es ist die einfachste von allen. Sie besteht aus einer Melodielinie ohne jegliche Art von
Harmonie oder Begleitung, ausgeführt von einer Stimme oder einem Instrument, einem Chor oder mehreren.
Instrumente im Unison. Es wird ausschließlich bis zum 9. Jahrhundert verwendet. Ein Beispiel ist der Gesang.
Gregorianisch. In der orientalischen Welt sind sowohl die chinesische als auch die indische Musik von Textur.
monophonisch.
Grafische Darstellung:

2) Die homophone oder harmonische Textur

Kann als begleitete Monophonie betrachtet werden, das heißt, in der Textur
homofonisch gibt es eine Hauptmelodie, die auf Akkorden basiert. COPLAND: "Es besteht aus
in einer Hauptmelodie und einer Begleitung von Akkorden.
Grafische Darstellung:

Es beginnt im 16. Jahrhundert. Bis zu diesem Zeitpunkt wurde Musik ausschließlich vokal konzipiert.
(monophonisch) oder kontrapunktisch (polyphon). Der Grund, der das Auftreten von der
Homophone Musik war das Bedürfnis, eine größere Klarheit bei der Übertragung zu finden.
del texto in der Opernmusik, was mit dem Modell sehr schwer zu erreichen ist
kontrapunktisch.
So haben wir zwei Möglichkeiten, eine Folge von Akkorden auszuführen:
 69

a) Eine Folge, in der jede Stimme des Akkords zu ihrem nächsten Ton geht,
das heißt, kontrapunktisch oder mit getrennten melodischen Stimmen

b) Eine einzige Stimme und alle anderen werden auf die Bedingung bloßer reduziert.
Begleiter, die harmonisch ausgeführt werden, bei denen man auf etwas verzichtet.
von der Methodik der getrennten Stimmen. Es wird Monodie oder Melodie genannt
begleitet

Dies ist die derzeit verwendete Textur für das sogenannte leichte Lied oder
moderna; es die Textur, die quantitativ am meisten zu unseren Ohren gelangt, da es die
häufiger.

3) Die polyphone oder kontrapunktische Textur

COPLAND: Die polyphon geschriebene Musik bewegt sich gemäß melodischen Fäden.
getrennt und unabhängig, die zusammen die Harmonien bilden. Es besteht aus der Kombination
von einer Melodie zur anderen und anderen, die immer den Wert und die Unabhängigkeit der ...
jeweiligen melodischen Linien; das heißt, wenn zwei oder mehr melodische Linien verlaufen zu
gleichzeitig, mit der gleichen Bedeutung und gewisser Unabhängigkeit.
Grafische Darstellung:
 70

SCHAFER: Die Textur, die durch einen Dialog von Linien erzeugt wird, wird Kontrapunkt genannt.
Der Ursprung dieses Begriffs stammt von dem lateinischen Begriff "punctus contra punctum".
Die ersten polifonischen Manifestationen beschränken sich auf das Organum (9. Jahrhundert), wo
Es findet eine parallele Bewegung von zwei melodischen Linien statt. Kurz darauf, Ende
des 11. Jahrhunderts werden die schrägen und entgegengesetzten Bewegungen eingeführt, wobei die
erste kontrapunktische Werke (Discantus).
La textura polifónica requiere un oyente que posea la aptitud de poder escuchar y
distinguir distintas melodías cantadas por distintas voces o instrumentos (escuchar
horizontal), anstatt nur den globalen und kompakten Klang zu hören, der von ihnen erzeugt wird
(vertikal hören).
Unter normalen Bedingungen und mit Hörexperienzen kann man unterscheiden
deutlich die melodischen Linien der Musik für zwei und drei Stimmen. Die Schwierigkeit entsteht, wenn
Die Polyphonie besteht aus vier, sechs oder acht unterschiedlichen melodischen Linien. Wenn wir generieren
wenige melodische Linien erzeugen einen klaren, relativ leicht wahrnehmbaren Klang, aber
Wenn wir viele musikalische Linien erzeugen, entsteht eine dichte Textur, die schwer zu
wahrnehmen
Andererseits halten die wiederholten Anhörungen der polyphonen Musik besser stand.
unser Interesse und unsere Aufmerksamkeit, als würde es sich um Musik und homophones Material handeln, da
Es ist immer möglich, etwas Neues in Ihrem Hören zu finden.

2. DIE TEXTUR IN DER INSTRUMENTIERUNG VON LIEDERN UND IN

Musikalische Werke

SCHAFER: Sofern keine besonderen Effekte erzielt werden sollen, wird stets die bevorzugt.
Reinigung in der Musik. Der erfahrene Komponist entlastet; der ungeschickte Komponist überlädt. Das Ziel
Sie sollten hören, was passiert.
Ausgenommen bestimmte Momente oder Zeiträume in der Musik (zum Beispiel die Polyphonie
renacentista), in den meisten musikalischenWerken treten unterschiedliche Arten von Texturen auf.
Deshalb muss der Zuhörer in der Lage und bereit sein, der Textur zu folgen und sich anzupassen.
dass der Komponist zu jedem Zeitpunkt verwendet.
COPLAND: Die unterschiedlichen Texturen tragen unterschiedliche emotionale Bedeutungen mit sich.
Melodische Linie ohne Begleitung erzeugt einen größeren Eindruck von Freiheit und persönlichem Ausdruck
direkt eine komplizierte Handlung von Klängen. Die homophone Musik ist im Allgemeinen einfacher.
attraktiv, auf den ersten Eindruck, als die mehrstimmige Musik, da das Hören von der
Polyphone Musik erfordert mehr Reifung und Hörfähigkeiten sowie größeren intellektuellen Aufwand.
um aktiver zuhören und die verschiedenen melodischen Linien unterscheiden zu können. Es
Es wünschenswert, dass die verschiedenen Texturen verwendet werden, um die Möglichkeiten zu bereichern.
Ausdruck.

In der Grundschule sollte die zu verwendende Textur homophon sein, indem man auf
die elementaren und einfachen Formen harmonischer Begleitungen: das Ostinato, der Bordun und die
Pedalnoten. Dazu verwenden wir die Platteninstrumente (PAD) aus verschiedenen Stimmlagen.
Die Verwendung einer polyphonen Textur erfordert eine gewisse Beherrschung der Instrumente.
Musik, die normalerweise nicht in der Grundschule erworben wird. Aber wenn wir sie nutzen, müssen wir
verschiedene melodische Linien zur Originalversion komponieren, mit einem gewissen Charakter der Unabhängigkeit,
aber harmonisch miteinander verbunden. Um diese Instrumentierungen durchzuführen, ist es ratsam, dass die
verschiedene Stimmen von Instrumenten mit einem ausgeprägten melodischen Charakter erzeugt werden, wie es sein kann
sei ein Satz von Blockflöten.
 71

Die PAI-Instrumente ermöglichen uns eine interessante und reichhaltige Arbeit mit den kleinen Formen.
Musik-Elemente (Kanone, Lied, Rondo...), auch wenn es nur durch rhythmische Texturen erfolgt.
Außerdem können wir immer die Körperinstrumente und die Bauinstrumente verwenden.
eigenen. Sowohl die einen als auch die anderen können und sollten mit den formalen Instrumenten in der
aufwändigere Instrumentierungen.
Ebenso sollten transparente und klare Texturen verwendet werden, um die zu vermeiden.
dicht und opak. Und das Erste, was wir tun müssen, um zu instrumentieren, ist die Akkorde zu bestimmen.
(die Harmonie).

Im Allgemeinen können wir sagen, dass:

Die Arbeit mit der monophonen oder monodischen Textur ist die einfachste.
Die Arbeit mit der harmonischen und homophonen Textur ist von großer Einfachheit und
Nützlichkeit. Die Kinder arbeiten durch Nachahmung an den einfachen Ostinatos, die begleiten zu
die Melodie
Die kontrapunktische Textur erfordert eine Arbeit des Lesens jeder Linie oder Stimme, oder
aprenderlas de memoria. Es apropiada para la flauta dulce. Además, para ser
tocadas con estos instrumentos de láminas, las melodías deben tener unas
angemessene Merkmale (Einfachheit, Vorherrschaft von zusammenhängenden Intervallen, einfach
Memorisierung...)

3. DIE FORM

3.1. DIE MUSIKALISCHE FORM: DEFINITION

ZAMACOIS: Eine musikalische Komposition ist nicht mehr als eine organisierte Gesamtheit
de musikalischen Ideen; und diese Organisation bildet ihre Form.
DE PEDRO: Die musikalische Form, die als Präsentation, Koordination und
Entwicklung bestimmter Ideen zu einem homogenen und einheitlichen Ganzen, ist etwas Lebendiges und in
konstante Evolution. Jedes Werk hat einen eigenen und ursprünglichen formalen Plan, ein Plan, der antworten kann
auf stereotype und universell akzeptierte Formen oder auf neuartige strukturelle Formen und
einschließlich der Aktualisierung oder Erinnerung an alte Bestimmungen, die aus unterschiedlichen Gründen
hatten aufgehört, verwendet zu werden.
Zusammenfassend ist die MUSIKALISCHE FORM die Art und Weise des Aufbaus oder wie sie ist
eine musikalische obra geschaffen.
Wir können zwischen einfachen Formen unterscheiden (sie bestehen aus einer einzigen Bewegung oder sind
kurze) und komplexe (bestehen aus mehreren Sätzen und sind umfangreich).

Die Möglichkeiten, die Musik zu strukturieren, haben sich im Laufe der Zeit verändert.
Zeiten, entsprechend den ästhetischen Veränderungen, der Vervollkommnung der Instrumente usw., und
So finden wir sehr strukturierte Formen (die klassischen) und auch Formen von freierer Art.
(im Romantismus).
Die Form kann nicht nur in großen Werken entdeckt werden, sondern auch in der
Wir finden es in den Kleinen. Und es sind diese kleinen Werke, mit denen wir arbeiten werden.
Primaria.

3.2. STRUKTURPRINZIPIEN
Die zwei grundlegenden Zutaten, um ein musikalisches Werk mit Inhalt zu füllen, sind: die
Wiederholung und der Kontrast oder die Opposition.
 72

COPLAND: Um das Gefühl von Gleichgewicht zu schaffen und aufrechtzuerhalten in einer

Die musikalische Komposition sollte strukturell auf dem Prinzip der Wiederholung basieren.
El motivo de este principio es el hecho de la naturaleza un tanto amorfa de la
Musik, was die Nutzung struktureller organisatorischer Ressourcen notwendig macht.
Die musikalischen Kompositionen, deren Strukturen auf dem "Prinzip von" basieren
Die "Wiederholung" kann in 5 verschiedene Kategorien unterteilt werden: 1) die exakte Wiederholung; 2) die
Wiederholung nach Abschnitten; 3) die Wiederholung durch Variation; 4) die Wiederholung durch Mittel
del Behandlung geflohen; und 5) die Wiederholung durch Entwicklung.
Außer der ersten, die offensichtlich einfach ist, die anderen
Kategorien werden nach den folgenden typischen Formen unterteilt.

1) Wiederholung nach Abschnitten oder symmetrisch

a) Form in two parts (binary A-B): Die meisten Tänze der Suite
Antigua vom Ende des 17. Jahrhunderts und der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, neigen dazu
llevar esta forma o similar (la allemande, la courante, la zarabanda, la
giga, die Möwe, die Bourré...)
b) Form in drei Teilen (ternär A-B-A): Bekannt als Lied oder Song.
c) Rondó (A B A C A D A...): Das typische Merkmal ist die Rückkehr zum Hauptthema.
nach jeder Abschweifung.
d) Freie Verfügung der Teile: Jede Verfügung, die sinnvoll ist
musikalisch (ABB, ABCA, ABACABA).
2) Wiederholung durch Variation
a) Basso ostinato: Eine kurze Phrase wird immer wieder vom Bass wiederholt.
während die höheren Stimmen ihren normalen Verlauf nehmen
b) Passacaglia: Sie basiert auf einem sich wiederholenden Bass, aber die Phrase, die sich ...
Wiederholen ist wirklich ein melodischer Satz, der sich nicht nur auf das Wiederholen beschränkt.

wörtlich, sondern es werden gewisse Variationen in ihrem

Entwicklung
c) Chacona: Ähnlich wie die vorherige, beginnt aber nicht mit einem Thema im Bass
nicht begleitet, sondern von Anfang an gehört mit
begleitende Harmonien. Das Thema des Basses zeigt nicht die Wichtigkeit
exclusiva que el passacaglia. Ambas son de origen español
d) Tema con variaciones: la más importante. Se trata de un tema, original o
von einem anderen Komponisten entnommen und einer Reihe von Variationen unterzogen, und es ist
häufig, dass am Ende das Thema in seiner ursprünglichen Form wieder aufgegriffen wird
3) Wiederholung durch geflüchtete Behandlung
Fuga
b) Concerto Grosso: Eine Art von instrumentaler Fugenform, die aus drei besteht.
oder mehr Zeiten, in denen zwei Instrumentalgruppen verwendet werden, eine
klein genannt Concertino, gebildet aus beliebiger Kombination von
Instrumente, und ein weiteres großes oder tutti, zwischen denen sich ein
dialektischer Austausch
c) Prelude für Chor: Basierend auf den Chormelodien, die sich
Sie sangen in den protestantischen Kirchen, die Komponisten führten durch
eine Reihe von Variationen der folgenden Art: 1) unberührt erhalten
melodía y dar mayor interés a la armonía acompañante; 2) centrar el
Interesse am eigenen melodischen Thema, es zu bereichern und ihm zu verleihen von
Gracia und Üppigkeit; und 3) eine Art Flucht um eine zu entwickeln
Melodie des Chors
 73

d) Motetes y Madrigales: Formas fugadas que proliferaron durante los siglos

XV, XVI und XVII. Es sind vokale Kompositionen ohne Begleitung;
während der Motette religiös ist, hat das Madrigal profanen Text und seine
Charakter ist weniger ernst.
4) Wiederholung durch Entwicklung
a) La Sonata: Forma del Primer Tiempo = Exposición, Desarrollo y
Wiederaufstellung.

Die anderen grundlegenden formalen Kategorien sind diejenigen, die auf der Nicht-
Wiederholung und die sogenannten freien Formen.

Das andere Prinzip für die Strukturierung der Form ist das Prinzip der
Opposition, sei es agogisch, rhythmisch, dynamisch oder timbrisch.

3.3. LOS GÉNEROS MUSICALES Y LA FORMA MUSICAL

Die Musikgenres beschreiben den Inhalt der musikalischen Komposition, und
Die verschiedenen Musikformen können innerhalb eines bestimmten Genres eingeordnet werden. Die
Verschiedene Bezeichnungen der Musikgenres werden häufig mit gegensätzlichen Begriffen präsentiert:

DE PEDRO führt eine technische Klassifizierung durch: vokale Musik, instrumentale Musik
o gemischt.
[Link] Formen. Beinhaltet alle musikalischen Formen, die geschrieben sind, um zu sein
Cantadas. Diese Gruppe unterteilt sich wiederum in zwei:
a) Homophone Formen
- liturgischen Ursprungs
- folkloristischen Ursprungs
b) Kontrapunktische polyphone Formen

Música religiosa Profane Musik

Gesangsmusik Instrumentalmusik
Ernste Musik Popmusik
Reine Musik Dramatische Musik
Kammermusik Konzertmusik
 Organum polifonisches Rondō
Diafonie polyphone Lied
- Discanto Madrigal
Leitung - motete
Gymel Volkslied
- Korallen usw.

[Link] Formen: Sie sind geschrieben, um von Instrumenten interpretiert zu werden.

Flucht spontan
Sonate Erfindung
Sinfonie studium
- concierto Fantasie
Präludium Variation
nocturno
 [Link] Formen
a) Formen der Bühnermusik
Oper
Zarzuela
Ballett
b) Sinfonisch-dramatische Formen
Kantate
Oratorium
Leidenschaft
symphonisches Poem

4. FORMALANALYSE VON LIEDERN

SANUY Y GONZÁLEZ: Das Kind sieht die Dinge und die Situationen im Ganzen.
Als Einheit. Es ist jedoch notwendig, es in die formale Welt der Musik einzuführen, in
der klangliche Aufbau, in den verschiedenen Phasen eines Musikgebäudes.
Die elementare Form ähnelt den großen Formen, mit dem Unterschied, dass diese eine ist
Fortsetzung und Folge der Entwicklung der Ersten. Wie logisch ist, bevor man sich mit dem beschäftigt
Um komplexere Formen zu erlernen, muss man zuvor einfachere Formen assimiliert haben.
In diesem Abschnitt beziehen wir uns nur auf das Lied und basierend auf dem 'Prinzip von
Wiederholung, werden wir uns nur mit den folgenden Arten von musikalischer Form befassen:

A. Primärtyp Form A
Es steht ein Teil A mit bestimmter Ausdehnung und Charakter zur Verfügung und wird als solcher betrachtet.
als Einheit. Seine Verwendung ist gering aufgrund seiner geringen Reichweite. Es ist die elementarste Form
(die exakte Wiederholung), die wir durch A A A A darstellen können. Es sind Lieder, in denen
Die gleiche Musik wiederholt sich, um eine bestimmte Anzahl aufeinanderfolgender Strophen zu singen. Man
utilisiert in sehr kindlichen Liedern. "Der Cocherito leré", "Ich habe eine Puppe", "Ich bin der
Laternenanzünder

B. Binärer Typ von Form A B

Auf einen Teil A folgt ein anderer B mit einer anderen Melodie. "Die Farben", "Vögelchen, die
cantas”. Auch alle Lieder und Weihnachtslieder, die diese Struktur haben, sind so aufgebaut.
durch einen Refrain (A) und eine Strophe oder Vers (B).

C. Lied
Die am häufigsten verwendete elementare Form (A B A). Auf einen Teil A folgt ein anderer B, und für die
Die Erlangung des Gleichgewichts wiederholt den ersten Teil A. Es ist der Ursprung der "Form
Sonata” (Exposición, Desarrollo, Reexposición): “Campanitas del lugar”, “Los gatitos”,
„Die Taube geht nicht weg“, „Die Sonne schien ihm nicht.“

D. Canon
Basiert auf der Nachahmung, in unterschiedlichem Abstand von Takten und in unterschiedlicher Höhe von
Intervalle. Es ist eine Einführung zum Verständnis des Kontrapunkts: "Unter einem Knopf"
["kikirikí","Fray Santiago"]
 E. Rondó
Es basiert auf dem "Prinzip der Wiederholung". Wenn das Thema des Refrains mehrmals wiederholt wird,
Im Wechsel mit anderen wird es für das Kind leicht verständlich. Einfache Struktur: ein
Teil A, Refrain, wird immer nach jedem der verschiedenen Teile, B oder C, wiederholt.
die wir Coplas nennen: „Lied der Instrumente“, „Lasst uns ein
Safari.

Als didaktische Ressourcen für das bessere Verständnis aller dieser musikalischen Formen,
wir können Zeichnungen, Farben... verwenden
Was wir im Hinterkopf behalten müssen, ist, dass die Analyse keine theoretische Arbeit sein sollte, sondern
margen der musikalischen Praxis, sondern ein "Wahrnehmen lassen" der Schüler von der Ausdehnung, Textur,
Struktur, Phrasierung, Tessitura, Klangfarbe... des Werkes; durch Fragen, die gut formuliert sind,
werden die Schüler und uns selbst leiten, sodass wir wissen, ob die Ziele erreicht werden.
vorgesehen:
Wie viele Takte hat das Werk?
Wie viele Sätze?
Bis wohin geht dieser Satz?
- Was ist der höchste Ton? Was ist der tiefste?
Gibt es ein Motiv, das sich wiederholt?
Wo würden wir in der Interpretation atmen?
- Was macht solches Instrument? Was antwortet solches andere?
Letztendlich müssen wir über den Rhythmus nachdenken (Natur, Maß, Figuren,
Beginn und Ende), Melodie (Noten, Intervalle, Tessitur, Motive, Tonart und Modalität), Harmonie
(Stimmen, Vertikalität, Textur), Form (Phrasierung, Wiederholungen, Imitationen, Kontraste), und, wie könnte es anders sein,
articulación, dinámica, agógica, tímbrica, letra (si la hay)...

5. HAUPT MUSIKFORMEN

5.1. EINFACHE FORMEN

1) Binäre Formen. Sie bestehen aus zwei deutlich unterschiedlichen Sätzen,
die dem Schema A A oder A B entsprechen. Das zweite A und der Satz B werden von
abschließender Charakter.
Hebe den Liedtyp hervor, der aus einer Strophe (Nebensatz) und einem Refrain besteht.
Weihnachtslieder, Kreislieder... Die meisten Tänze
von der alten Suite (Ende des XVII. und erste Hälfte des XVIII.) sind gewöhnlich
diese Form mitnehmen.
2) Formas ternarias. Pueden presentar distintas ordenaciones, desde A A A
bis A B C. Die gebräuchlichste Form ist Lied oder Song.
Ein B Ein
Ausstellung Entwicklung Wiederaussetzung
Schluss. o Ausset. Ausset. O Schluss. Schlussfolgernd

3) Rondó. Es war ein französischer Gesangstanz, bei dem eine Stimme anstimmte
verschiedene Strophen, auf die der Chor mit dem Refrain antwortete. Der Refrain
Es war immer dasselbe, aber die Strophen änderten sich. Formel A B A C A
Der Rondo aus fünf Teilen (2 Kontraste und 3 Wiederholungen) ist gewöhnlich die
gewöhnlichste Länge.
 Es ist eine besonders geeignete Form für die musikalische Improvisation, sowohl
rhythmisch wie melodisch.
4) Kanon. Musikalische Komposition, in der die Nachahmung von zwei oder mehr Teilen erfolgt.
hält während der gesamten Komposition.
Wir können zwischen offenem Canon unterscheiden, wenn sowohl der Vorgänger als auch der Nachfolger geschrieben sind.
wie der Konsequente, und geschlossen, wenn nur letzterer geschrieben ist. Die Kanones
In der Primarstufe verwendete Materialien sind geschlossene Kanons und zeigen uns mit einem
Nummer, wo die verschiedenen Stimmen eintreten müssen.
5) Fuge. Kontrapunktische Komposition, die aus einem einzigen Tempo besteht, geschrieben
im polyphonen Stil, auf eine bestimmte Anzahl von Stimmen und strukturiert
entsprechend einem formalen Plan, der aus der insistierenden Wiederholung eines besteht
Thema und dessen Nachahmung, mit freien Fragmenten zwischen den Wiederholungen. Es
sagen, ist gekennzeichnet durch Monothemen: ein einziges Thema namens
Motiv oder "Subjekt", das von einem oder mehreren sekundären Themen begleitet wird
genannt „Gegengründe oder Kontrapunkte“.
Elemente der Flucht:
a) Subjekt: Das Thema wird oft Subjekt oder Motiv genannt. Es ist ein Satz
melodisch mit vollem Sinn und mit interfalligen Merkmalen und
rhythmisch gut definiert in der Haupttonart. Ein Subjekt kann sein
modifiziert durch Erhöhung, durch Verringerung, durch Umkehrung der
Intervalle), durch Rückwärtsskalierung (Lesen von Ende zu Anfang), und durch
jede beliebige der möglichen Kombinationen dieser Änderungen.
Antwort: Melodisch bewahrt es die gleiche Physiognomie wie das Subjekt,
nur dass sie von einer Stimme präsentiert wird, die auf die reagiert, die sie ausgedrückt hat und in
der Ton des Dominanten. Diese Transposition erfährt eine Reihe von Änderungen
(Mutationen) zur Erhaltung der tonalen Einheit
c) Contrasujeto: Es una idea melódica de características distintas (über
alles im rhythmischen Aspekt) der des Subjekts. Es hat geringere Bedeutung und
Sein Zweck ist es, das Subjekt durch Kontrast hervorzuheben.
Teile der Flucht:
a) Präsentation: Die Vorstellung des Motivs oder Themas findet statt.
Hauptton, am Ende dessen erscheint in einer anderen Stimme die
Antwort im Ton der Dominanten. Eine dritte Stimme reproduziert von
neues Motiv in seiner ursprünglichen Form, während eine vierte Stimme
wiederum die Antwort. Das Gegenüber erscheint im Folgenden
des Subjekts und der Antwort, gleichzeitig mit der Nachahmung dieser durch
Teil der verbleibenden Stimmen.
b) Entwicklung: Besteht aus einer Reihe von verkürzten Wiederholungen
(Motiv-Gegenmotiv) in den vier benachbarten Tonarten. Es wird getragen von
Es gibt eine Abwechslung zwischen den Episoden oder Unterhaltungen mit aufeinanderfolgenden
Präsentationen des Subjekts. Die letzte Episode ist meist aufgebaut
über die Dominante, die den Eintritt der "Engen" in die
Wiederexposition.
c) Reexposition: In der Haupttonart, mit der Neuheit, dass die
sucessive Einträge der Stimmen werden vorweggenommen, der Raum bleibt von
Zeit zwischen der Initiierung des Subjekts und seiner „enger“ Antwort. Das
Die Anzahl der Enge, die ein Leck haben sollte, schwankt normalerweise zwischen zwei und
cinco, que suelen concluir con una pedal sobre la tónica.
6) Thema und Variationen. Es besteht darin, ein Thema zu nehmen, das normalerweise kurz ist und
einfach und ihn Variationen unterwerfen, indem man jeden seiner Parameter ändert
 (Rhythmus, Harmonie und Gegenpunkt, Klang...) ohne dabei seine zu verlieren
wesentliche Merkmale.

5.2. KOMPLEXE FORMEN

5.2.1. Die Suite
Die Suite ist eine musikalische Form, die die Zusammenstellung verschiedener
Instrumentalstücke, mehr oder weniger unabhängig, angeordnet, um interpretiert zu werden
anschließend, als Ganzes.
Es war eine der musikalischen Formen der Jahrhunderte XVII und XVIII. Es erscheint mit
Andere Bezeichnungen: Ordre (Frankreich), Partita (Deutschland) und Sonata (Italien). Nach
Bach schränkt seine Bedeutung und seinen Gebrauch ein, wobei nur der der Sonate bleibt, zurückkommend zu
wieder erscheinen in der Mitte des 19. Jahrhunderts, jedoch bereits als Orchesterkomposition,
integriert aus einer Reihe von freien Formteilen (in Bezug auf Struktur und Stil), aber
verwandt auf eine Weise, die rechtfertigt, dass sie interpretiert werden.
konsekutiv. So ist es notwendig, zwischen "Alter Suite" und "Moderne Suite" zu unterscheiden.
Die am weitesten verbreitete Struktur, die als Vorgängerin von der
Sonate in vier Zeiten, ist die folgende:
1ª) Allemande: Tanz deutschen Ursprungs, vierfacher Takt, normalerweise 4/4, und
mäßiges Tempo (allegro moderato oder nur moderato). Anakruse beginnen.
2ª) Courante: Französische Stimme im ternären Takt, normalerweise in 3/4 und 3/2, obwohl
auch 3/8 und 6/4. Es wurden zwei Typen verwendet: einige schnelle und andere langsame. Die primitiven
waren von schneller Bewegung.
3ª) Zarabanda: Spanischen Ursprungs, dreiteiliges Metrum, normalerweise 3/4, Bewegung
pausiert und edlen Charakters.
4ª) Giga: Von unbestimmtem Ursprung, gilt sie als englisch oder italienisch. Dreivierteltakt
3/8 oder seine Verbindungen 9/8 und 12/8. Sehr lebhafte Bewegung
Andere Tänze, die gewöhnlich in der Suite verwendet wurden:
5ª) Minué: Danza francesa cortesana preferida en la Corte de Luis XIV. Compás
ternario allgemein 3/4. Seine Bewegung war in seinen Ursprüngen fast langsam, und
Später wurde es leichter.
6ª) Gavotte: Französischen Ursprungs. Takt 2/2 und moderates Tempo.
7ª) Pavana: Eine sehr alte Tanzform, spanischen oder italienischen Ursprungs, im binären Takt geschrieben.
Der Quaternario, mit langsamer Bewegung, der als Einführung zu einem anderen schnellen Tanz diente.
8ª) Gallarda: Französischer Tanz. Dreiteiliger Takt. Von der Courante absorbiert oder verschoben.
9ª) Andere Tänze: Siciliana, Passepied, Chacona und Pasacalle, Mussette...

5.2.2. La Sonata, la Sinfonía y el Concierto

A) Die Sonate
Etymologisch war die Sonate ein Stück, das gespielt werden sollte, um 'erklungen' zu werden.
Widerstand gegen "Cantata", die ein Werk zum "Singen" sein sollte.
Im 17. Jahrhundert wurden Sonaten in einem einzigen Tempo geschrieben. In der
zweite Hälfte dieses Jahrhunderts, verwendeten einige Autoren es als Synonym für Suite, aber
mit dem Unterschied, dass die Sonate aus reinen Musikstücken bestand. Durch
Dann wurden zwei Arten von Sonaten verwendet: Sonate da Camera und Sonate da Chiesa oder
religiös.
Die meisten Sonaten wurden für Instrumente geschrieben.
Tastatur allein oder begleitet von einem melodischen Instrument.
Die Formen der Sonate im eigentlichen Sinne ist vielleicht die wichtigste der
Musikalische Formen und hat als strukturelle Unterstützung unzähliger Meisterwerke gedient.
Die Sinfonie; die Ouvertüre, die sich von der Oper abspaltete und zur Sinfonie führte; das
Quartett, normalerweise aus Streichern; und das Konzert.
Struktur der Sonate:
Erster Satz: Allegro. Es ist der wichtigste, dessen Struktur das sogenannte annimmt
„Forma Sonata“: Exposition, Entwicklung und Reexposition.
a) Exposition. Besteht aus zwei musikalischen Themen unterschiedlichen Charakters, wenn das erste ist
rhythmisch, der zweite wird melodiös sein. Es kann mit einer kurzen langsamen Einführung beginnen,
und mit einer kleinen Coda enden.
Estructura:
Modulierende Einführung
- Erster Themenpunkt, im Hauptton
Brücke der modulierenden Übergänge
- Zweites Thema, in der Dominante, wenn der Hauptton in Dur ist, und
en un tono vecino si el tono principal está en modo menor
Kleine Coda oder Cadencial Gruppe
b) Entwicklung. Zeitraum der größten kreativen Möglichkeiten, unter Verwendung der behandelten Themen.
früher und sie erweitern, sie reduzieren, sie fraktieren, sie einführen
einige neue... "Modulierende Entwicklung"
c) Reexposition. Es besteht aus der Wiederholung der beiden vorgestellten Themen in der
Exposición pero llevando a cabo modificaciones técnicas, como que el segundo tema
kann sich im Hauptton entwickeln. In seinem Schluss kann eine kurze erscheinen
Coda.
Estructura:
- Erstes Thema im Hauptton
Modulierende Übergang
- Zweites Thema im Hauptton
Kurze Coda
Zweite Zeit: Andante oder Adagio. Es ist derjenige, der die größte Flexibilität zulässt. Formen
verwendet:
a) Dieselbe wie im Allegro, mit zwei Themen, bei denen die Entwicklung gestrichen wurde.
b) Die Form Lied. Jede der Abschnitte kann durch das Thema bestehen.
Haupt- und andere untergeordnete oder weniger wichtige.
- Monothematisches-bipartites Lied (Art Suite)
- Monothematisches dreiteiliges Lied (Einleitung-Modulabschitt-Wiederholung)
- Lied entwickelt (vorheriges Lied + eine neue Wiederholung)
Liedsonate
c) Das Rondó
d) Ein Thema mit Variationen
Dritte Zeit: Besteht aus einem Menuett in zwei wiederholten Sätzen, dem ein Trio folgt,
auch wiederholt, um zum Anfang zurückzukehren und den ersten Teil ohne Wiederholungen zu hören
diesmal. Beethoven ersetzte dieses Menuett durch ein Scherzo: A (Menüett) B (Trio) und C
(minué).
Viertes Tempo: Es ist normalerweise ein Rondó, das die Form einer Sonate annimmt: Rondó-Sonate.

Ausstellung Desarrollo Reexposition

Ein B A’ C A’’ B’ A’’’
Tono Tono Ton (A + B) Hauptton
Pral Nachbar Pral Tonkonflikt

B) Die Sinfonie
 Die Sinfonie ist ein musikalisches Werk, das für Orchester geschrieben wurde,
bestehend aus mehreren Teilen (normalerweise vier) und konzipiert nach der Form der
Sonate.
Der Begriff Sinfonie hatte im Laufe der Geschichte verschiedene Bedeutungen:
a) Als Synonym für Ouvertüre, in der primitiven italienischen Oper, die aus drei bestand
tiempos o partes: rápido – lento – rápido (siglo XVII)
b) Als Synonym für Orchester-Sonate, ein Begriff, der bis in die heutige Zeit bestehen bleibt
18. Jahrhundert
Die Schöpfung der Sinfonie wird Stamitz, einem deutschen Komponisten, zugeschrieben.
y a Haydn, apodado “el padre de la Sinfonía”, puesto que además de componer más de
Cien Sinfonien, war derjenige, der seine Form zentrierte und das endgültige Modell festlegte, dem gefolgt werden sollte.
Nach den großen Komponisten legte er seine Struktur auf vier Zeiten fest und sicherte sein
konsistenter Charakter, der das thematische Entwickeln generalisiert und erweitert. Mozart und
Beethoven würden die Sinfonie zu höchsten Graden des Perfektionismus führen, der weiterhin in
die Romantik andere nicht weniger wichtige Komponisten (Schubert, Mendelssohn,
Schumann, Brahms, Tschaikowski... und im 20. Jahrhundert Mahler, Strawinsky und Turina).

C) Das Konzert
Ab der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts kann man definieren als
eine Komposition, die in mehrere Sätze (normalerweise drei) unterteilt ist und für das
Glanz eines oder mehrerer Soloinstrumente, mit denen ein Orchester zusammenarbeitet.
Laut diesem sprechen wir bei Doppelkonzert und Dreifachkonzert von einem
Konzert, in dem zwei oder drei Soloinstrumente auftreten.
Man kann vier Arten von Konzerten unterscheiden:
Concerto Grosso: Eine Art instrumentale Fugenform, bestehend aus drei oder mehr
Zeiten, in denen zwei Instrumentengruppen verwendet werden, eine kleine, Concertino,
bestehend aus einer beliebigen Kombination von Instrumenten, und ein großer, oder tutti, zwischen denen
es entwickelt sich ein dialektischer Austausch.
Ihre formale Struktur war wenig definiert, schwankte zwischen der Fuge und der Suite, und ihre Anzahl
Die Zeiten waren unbestimmt. Ihre Schaffung verdankte sich dem Italiener Corelli und verbreitete sich allgemein.
während der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts und zu Beginn des 18. Jahrhunderts.
Präklassisches Konzert: Es war weiterhin von der Fuge und der Suite beeinflusst. Es hatte drei Sätze:
vivo – lento – vivo. Bach und Vivaldi komponierten Konzerte dieser Art.
Klassisches Konzert: es entwickelt sich Mitte des 18. Jahrhunderts und zu Beginn des 19. Jahrhunderts.
Mozart passte die Sonatenform mit einigen Detailvarianten an, um die Themen zu erreichen.
Die Hauptakteure könnten vom Solisten zur Orchester und umgekehrt wechseln. Er fuhr mit drei fort.
tiempos: vivo – lento – vivo (ej.: Allego, Forma Sonata; Lento, forma variable; y
Allegro, Rondó). Eine der Innovationen, die es brachte, war die Doppelte Exposition: Erste
Ausstellung, durchgeführt von der Orchestermusik und zweite Ausstellung, durchgeführt vom Solisten.
A la finalización del último solo del Primer Movimiento, se suele realizar una Cadencia
Die Cadenza, die aus einer Improvisation besteht, die vom Solisten über die Idee gemacht wird
Thema, auf dem der gesamte erste Teil basiert. Obwohl in einem
Ursprünglich war es völlig improvisiert, ab dem 19. Jahrhundert war es üblich, dass die
Komponisten sie schrieben.
Posklassisches Konzert: Zielt darauf ab, die doppelte Exposition zu unterdrücken oder sie durch eine zu ersetzen.
Wiederholung des Themas A und des Themas B, weshalb es näher an der Sonatenform ist.

5.2.3. Das Oratorium und die Kantate

A) Das Oratorium
 Es ist eine vokal-instrumentale Komposition, mit lyrischen Teilen und
dramatische Texte über biblische und religiöse Themen ohne Szenografie oder Aktion.
Der Begriff Oratorium hat seinen Ursprung in der Tatsache, dass die ersten
Kompositionen dieser Art wurden für die "Kongregation des Oratoriums" geschrieben.
gegründet in Rom von San Felipe Neri. Ihr musikalischer Ursprung stammt aus der Entwicklung der
„geistliche Lobgesänge“ und des Motets.
Das erste erhaltene Oratorium ist die „Reppresentatione di anima e
di corpo” von Emilio dei Cavalieri.
Im Entwicklung des Oratoriums sind beteiligt: ein Erzähler (Storico) oder
Szenenreporter; Solostimmen, Charaktere, die monodisch singen und sich entwickeln
die dramatische Aktion und die lyrischen Momente; der Chor, der diese Aktion mit einem Ziel kommentiert
edifizierend und moralisch; und das Orchester.

B) Die Kantate
Kantate wurde ursprünglich verwendet, um sich auf jede Art von
Vokalmusik. Ab dem 17. Jahrhundert änderte es sich und wurde darauf beschränkt, sich auf eine zu beziehen.
kleine gesungene Szene, und ebenso wie das Oratorium nur für seine Aufführung bestimmt.
Einige Autoren sagen, dass die Kantate nichts weiter als ein kleines Oratorium ist.
Die ersten Kantaten bestanden nur aus dem Wechsel von Rezitativen und
Arias mit einfacher Begleitung eines Instruments. Später würde es sich verwandeln in
eine Komposition für Solisten und Chöre mit Begleitung und orchestralen Zwischenspielen
bestimmt für die Kirche oder für das Konzert.
Während des Klassizismus und der Romantik erfährt die Kantate eine
Rückschritt, der im 20. Jahrhundert mit neuem Elan wieder auftritt (Stravinsky,
Schoenberg, Halffter...)

Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen dem Oratorium und der Kantate

Viele Jahre lang basierte der Unterschied auf der Ausdehnung wie
Valls Gorina weist darauf hin: „Oft wird der Kritiker perplex und in einen Konflikt geraten.
die Zeit, mit Präzision zu bestimmen, wo die Grenzen eines Genres enden und wo
beginnen die vom anderen.
a) Ähnlichkeiten:
1. Die musikalische Entwicklung eines literarischen Textes über ein Thema, das im Allgemeinen religiös ist,
obwohl nicht liturgisch und nicht für den Gottesdienst geeignet
2. Das Übernehmen des dramatischen Stils, des musikalischen Rezitativs und der Melodie in die Oper
begleitet, aber ohne auf die religiöse kontrapunktische Polyfonie zu verzichten
3. Das Entnehmen großer koralliger Fragmente, zwischen denen sich Rezitative hindrehen, die
sie erklären die Aktion, und die, die Arias, Duette ..., alles davon gehalten und
bereichert durch das Orchester und die Orgel
b) Unterschiede:
1. Während das Oratorium ein fundamentally religiöses Genre ist, ist die Kantate
beliebiges Thema akzeptieren
2. Während das Oratorium Chöre und Solisten benötigt, die die
Verschiedene Charaktere in der argumentativen Entwicklung, die Kantate erlaubt viele Varianten.
(Solist begleitet von Kammerensemble; Solisten, Chor und Orchester kombiniert)
auf jede Weise...)
3. Das Oratorium erforderte eine gewisse Inszenierung, während die Kantate keine verlangt.
eine spezielle Montage, und die Gründe für ihre Schaffung ergeben sich aus variablen Umständen
die sie mit bestimmten sozialen Annahmen verbindet.
 5.2.4. Die Oper und die Zarzuela
Die Oper
Jedes vollständig interpretiertes Bühnenwerk, in dem Gesang vorkommt
mit Worten.
Es werden unterschiedliche Kriterien präsentiert, ob die Oper Theater ist oder
Musik. Die Wahrheit ist, dass eine Symbiose zwischen Theater, wo die Szene impliziert ist, entsteht.
die Lichttechnik, die Choreographie, die Kostüme... und die Musik, die Melodie, Stimme und
orquesta.
Er entstand Ende des 16. Jahrhunderts in Italien. Seine Etymologie stammt von der
lateinisches Wort „opus“ (im Plural, opera), das Werk bedeutet.
Die Oper ist in Akte unterteilt, die jeweils aus mehreren Szenen bestehen.
compuestas por una sucesión de acciones o relatos, constituidos por: recitativos, arias,
Romanzen, Duette, Trios, Quartette, Chöre, Tänze...
Der Text wird als Skript bezeichnet. Dieses kann sich mit verschiedenen Themen befassen:
historisch, mythologisch, komisch, liebevoll...
Elemente der Oper:
a) Ouvertüre: Orchester-Einführung mit gedimmtem Licht und geschlossenem Vorhang. Es erscheinen
esbozados die Hauptmelodien, die später interpretiert werden
Stimmen. Nachdem die Ouvertüre beendet ist, öffnet sich der Vorhang und die Handlung beginnt.
b) Interludio: Instrumentalpassage zwischen zwei Szenen oder Akten, und von geringerer Ausdehnung als
Das Präludium
c) Rezitativ. Passage, in dem die melodisch-musikalische Deklamation stattfindet, in dem
Welcher Charakter singt, während er Ereignisse erzählt. Er wurde von dem Cembalo begleitet in den
erste Opern, später durch ein Streichquartett ersetzt und später durch die
Orchester. Ist keiner tonalen Verpflichtung unterworfen. Es soll die geringste
mögliche Empfindung von Musik und sich der Natürlichkeit so gut wie möglich annähern
Spontaneität der gesprochenen Sprache.
Wir können zwei Arten unterscheiden: den trockenen Rezitativ und den ausdrucksvollen Rezitativ. Im
zuerst, bereits in Desuso, blieb die Stimme allein, rhythmisch frei und getragen von
Akkorde des Schlüssels. Im zweiten wird die Deklamation von dem Orchester getragen, und es ist
gemessen, obwohl mit Flexibilität.
d) Arie: Es ist ein langer Abschnitt, in dem einer der Charaktere, begleitet von der
Orchester, singt ein lyrisches und ausdrucksstarkes Thema. Wir unterscheiden zwischen der großen Arie, der Arietta und dem
arioso. Die erste ist eine umfangreiche aria vom reexpositorischen Typ in ternärer Form. In der ersten
Teil, in dem das Virtuosität des Sängers zum Ausdruck kommt, wird das Thema präsentiert. Der Teil
central ist melodischer und einfacher, obwohl von größerem Interesse, und in der Präsentation wird
Sie führen Variationen ein, die das in der ersten Hälfte behandelte Thema bereichern.
La arieta es un aria de poca extensión y simplicidad melódica, y el arioso, de corta
Erweiterung, ist eine melodische Phrase ohne thematische Struktur und mit recitativem Charakter, die
es nimmt Form an, bis es zu Aria wird.
e) Romanze: Es ist ein lyrisch-sentimentales Lied, dessen Thema die Liebe ist. Sie neigen dazu
predominar las escritas en forma ternaria reexpositiva (A B A) y las del tipo
estrófico.
f) Duo, Trio oder Terzett, Quartett usw.: Musikalisches Stück, an dem eine Anzahl beteiligt ist
bestimmte Charaktere in der Qualität von Solovokalen. Ihr Auftritt kann durch
separat, im Dialogmodus, und andere gleichzeitig.
g) Konzertante. Stück, das fast immer am Ende eines Aktes platziert ist, in dem mitwirken.
alle musikalischen Komponenten: die Charaktere, der Chor und das Orchester, und es wird angestrebt
conseguir un efecto apoteósico.
Tipos de ópera:
a) Große Oper: Diejenige, die eine Reihe von Elementen einführt, die mehr ergeben.
effiziente Mittel, um die Aufmerksamkeit und Begeisterung des Publikums zu wecken: Argument, fast
immer historisch; reich an Action und szenischer Bewegung; großes Ballett...
b) Lyrisches oder musikalisches Drama. Es verdankt sich Wagner, und darin lebt und entwickelt sich die Musik.
Drama in vollständiger Identifikation und Verschmelzung mit dem Wort und dem Thema. Unterschied zwischen
dramatisches Lied und Oper: Erstere sucht den Ausdruck, während letztere danach strebt, mehr zu sein
bezahlbar.
Die musikalische Konzeption des Lyrischen Dramas basiert auf dem „Leitmotiv“, das Einheit verleihen wird.
und Kohärenz zur Oper: es ist ein musikalisches Motiv, das eine Landschaft charakterisiert und beschreibt,
un estado anímico, o un personaje concreto, de forma que cada vez que escuchemos
Diese Melodie oder Akkorde erinnern uns an das charakterisierte Element.
c) Ópera bufa: Sie entwickelte sich in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts in Venedig und
während des 18. Jahrhunderts in Rom und Neapel. Es war ein kurzes Werk. Sein Name stammt von dem
groteske Rolle des Hofnarren, an eine tiefe Stimme übertragen.
Eigenschaften: Anmut, Leichtigkeit, Frivolität und Humor, spontane populäre Melodie,
größere Intervention des Chores
d) Operette: geringere Variante der Oper, mit leichtem Charakter, unterhaltsamen und fröhlichen Themen,
mit gesprochenen Passagen. Es hatte große Akzeptanz Ende des letzten Jahrhunderts und
Prinzipien des aktuellen.

B) Die Zarzuela
Es ist ein typisches und ausschließlich spanisches Genre, eine wesentliche Differenz
zwischen Zarzuela und Operette.
Definition: Szenisches Werk mit populärem und traditionellem Charakter (al
weniger ab der Mitte des 18. Jahrhunderts), in der gesprochene Szenen mit
Sprüche. Es ist typisch spanisch.
Sein Name stammt von den Darstellungen, die der Kardinalinfant D.
Fernando, Bruder von Philipp IV., gab zu Beginn des 17. Jahrhunderts in einem nahegelegenen Anwesen
in Madrid, die "Zarzuela" genannt.
Hay que distinguir entre “zarzuela grande” y “género chico”. La
Die erste besteht aus drei oder vier Akten, der zweite wird so genannt, weil jeder
Eine der kleinen Zarzuelas bestand aus einem einzigen Akt.
Der erreichte Glanz des "género chico" führte zu dem Missverständnis von
diesen Begriff als Synonym für Zarzuela verwenden, wenn er eine Variante davon ist.
Man muss im género chico einige besondere Merkmale erkennen, zusätzlich zu der ...
Kürze: Während es in der großen Zarzuela dramatische Themen und Komödien gibt von
komplizierte Aktion, die Drehbücher des kleinen Genres suchen das Sainete. Juwelen des Genres
Junge Sohn: „Die Verbena von der Taube“ (Bretón), „Die Revoltosa“ (Chapí)...

ANHANG
Fuga

Sonatenform
Basso ostinato

Sinfonie mit Sonatenform

Leitmotiv

THEMA 6
DIE MUSIKALISCHE BILDUNG DURCH DEN RHYTHMUS. FREIER RHYTHMUS, RHYTHMISCH UND
MÉTRICO. RITMO Y LENGUAJE. RITMO Y MOVIMIENTO. RITMO Y EJECUCIÓN
INSTRUMENTAL. POLYRHYTHMIE. KLEINE RHYTHMISCHEN FORMEN: ANALYSE UND
IMPROVISATION. BILDUNGSINTERVENTION.

1. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG DURCH DEN RHYTHMUS

1.1. EINFÜHRUNG
1.2. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG DURCH DEN RYTHMUS

2. RITMO LIBRE, RÍTMICO Y MÉTRICO

2.1. KONZEPT DES RITMUS
2.2. ARTEN VON RHYTHMEN
2.3. ELEMENTE DES MUSIKALISCHEN RYTHMUS
2.4. FREIER RHYTHMUS
2.5. RHYTHMUS RITMISCHE
2.6. Metrischer Rhythmus
2.6.1. Der Rhythmus und das Metrum
2.6.2. Hauptformeln für Rhythmus und Metrik

3. RITMO UND SPRACHE

3.1. BEITRÄGE DER ORFF-METHODE
3.2. APORTACIONES DEL MÉTODO INTEGRAL
3.3. BEITRÄGE DER KODÁLY-METHODE
3.4. ANDERE TECHNIKEN

4. RITMO UND BEWEGUNG

5. RHYTHMUS UND INSTRUMENTAL AUSFÜHRUNG

6. POLYRYTHMIE
6.1. KONZEPT
6.2. ARTEN DER POLYRYTHMIE
6.3. FORMEN DER POLYRYTHMIE
6.4. ELABORIERUNG EINER EINFACHEN POLYRYTHMIEN

7. KLEINE RHYTHMISCHE FORMEN. ANALYSE UND IMPROVISATION

8. EDUCATIVE INTERVENTION
8.1. NOTWENDIGKEIT DER RHYTHMISCHEN BILDUNG
8.2. ZIELE IM RHYTHMISCHEN BEREICH
8.3. EINFÜHRUNG IN DEN RHYTHMUSUNTERRICHT
8.4. EINLEITUNG IN DEN RHYTHMUS: ENTWICKLUNGSPHASEN
8.5. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN
THEMA 6
DIE MUSIKALISCHE BILDUNG DURCH DEN RHYTHMUS. FREIER RHYTHMUS, RHYTHMISCH UND
METER. RHYTHM UND SPRACHE. RHYTHMUS UND BEWEGUNG. RHYTHMUS UND AUSFÜHRUNG
INSTRUMENTAL. POLYRYTHMIE. KLEINE RHYTHMISCHE FORMEN: ANALYSE UND
IMPROVISATION. BILDUNGSINTERVENTION.

1. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG DURCH DEN RHYTHMUS

1.1. EINFÜHRUNG
Der Rhythmus kann von seinem dreifachen Aspekt betrachtet werden:
a) psychomotorisch: Koordination von verketteten Bewegungen
b) affektiv: Synchronien und Asynchronien mit demselben Rhythmus und mit anderen Elementen
der Gruppe
c) kognitiv-perzeptiv. Vorstellungen von Zeitlichkeit und Raum
Der Rhythmus tritt in der Natur und im eigenen Körper auf. Der Rhythmus ist Bewegung,
orden, organización, proporción, vida, forma, inteligencia, instinto, fuerza, repetición,
Alternanz, Symmetrie, Dauer, Intensität, Maß, Ruhe, Wille usw. Der Rhythmus ist verbunden
al movimiento: alle Spiele, in denen sich das Kind körperlich frei ausdrückt, werden ihm helfen
dass sie sich ihres Körpers bewusst werden und ihr rhythmisches Potenzial bereichern.
Aber was verstehen wir unter musikalischem Rhythmus? In seinem umfassendsten Sinne umfasst es
der zeitliche Aspekt der Musik (im Gegensatz zum Höhenaspekt); das heißt, er umfasst die Zeiten, die
Akzente, die Takte, die Gruppierung der Noten in Zeiten, von Zeiten in Takten,
Kompass in Sätzen, und so weiter.

1.2. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG DURCH DEN RHYTHMUS

Willems behauptet, dass der Rhythmus das Elementare und Prioritäre in der Musik ist: es gibt kein
Melodie ohne Rhythmus und Harmonie ohne Melodie. Deshalb ist der Rhythmus zum Element geworden.
Musik, die zuerst in der Schule ohne musikalische Vorkenntnisse bearbeitet werden kann.
Man muss den Rhythmus in den ersten Momenten der Musikausbildung bearbeiten. Das
Das Kind beobachtet, imitiert und wiederholt; wenn wir dazu die Affektivität hinzufügen, wird das Kind seine
Zufriedenheit und wird zu einem effizienteren Lernen in der Musikbildung bereit sein.
Der Rhythmus hat eine große Bedeutung in der musikalischen Erziehung. Die Kinder schlagen und
sie bewegen sich unkontrolliert, um sich zu kontrollieren und ihren Körper zu beherrschen,
sich im Rhythmus zu bewegen, den eine Musik vorgibt, oder durch ihren inneren Rhythmus.
Der Rhythmus ist angeboren. Und der Rhythmus einer Person hängt von ihrer Fähigkeit ab
körperlich auf den musikalischen Reiz reagieren. PIAGET: zirkuläre Reaktionen: Das Kind stimuliert sich selbst zu
selbst wenn es sich bewegt; reagiert auf seine eigenen Bewegungen, die sich ausweiten
permanente, sei es allein, mit Gegenständen, mit anderen Kindern oder mit Erwachsenen. Die musikalische Bildung
strebt durch den Rhythmus ein primäres Ziel an. Die Koordination von Bewegungen durch
des Rhythmus. Und im Allgemeinen verfolgt er auch das Ziel, die persönlichen Beziehungen zu fördern und dass sie annehmen
Bewusstsein für ihre eigenen Fähigkeiten zu entwickeln und diese zu akzeptieren. Die musikalische Bildung wird anregen, um
Hallo, die spontanen Antworten der Schüler/innen auf den musikalischen Reiz.
Willems: es ist wichtig, zwischen den Elementen zu unterscheiden, die ihrer Natur innewohnen,
was entwickelt werden muss, und diejenigen, die gemäß einer Konvention gelehrt werden müssen
adoptiert. Das Kind hat den rhythmischen Instinkt. Man muss ihn entwickeln.
Der Rhythmus kann durch Wiederholung und Variation entwickelt werden.
2. FREI, RHYTHMISCH UND METERISCH
 2.1. KONZEPT DES RITHMUS
Es gibt eine Vielzahl von Definitionen für diesen Begriff:
Klassisch: Rhythmus ist die Ordnung der Bewegung
2) Vicent d’Indy: Ordnung und Proportion im Raum und in der Zeit
3) Zamacois: Rhythmus ist das Verhältnis, das sie in Bezug auf den Wert zueinander haben.
die Noten, die nacheinander ausgeführt werden
4) Maneveau: Musik ist die organisierte Dauer in ihrer klanglichen Form, es ist
sagen, der Rhythmus. In dem Maße, in dem der Rhythmus (regulierte Bewegung und
gemessen) organisiert die Dimension der Musik selbst lässt sich sagen, dass
stellt ein wesentliches Element davon dar. Der Rhythmus allein ist bereits
Musik, deren einziger Nebenreiz aus dem Timbre stammt.

Der Rhythmus ist die geordnete Bewegung.

Die Rhythmik ist die Ordnung der Bewegung.
Die Metrik ist das Maß der Bewegung.
Diese drei Konzepte wurden häufig verwechselt. Der Rhythmus, die Rhythmik und die
Metrik besteht aus drei verschiedenen Kategorien. Der Rhythmus, eine vitale Antriebskraft, die animiert.
ein plastisches oder klangliches Material. Die Rythmik, die Wissenschaft der rhythmischen Formen, die umfasst die
Schreiben und die Regeln der Satzbildung. Die Metrik, eine einfache Form der Messung.

2.2. ARTEN VON RHYTHMUS

A) Der plastische Rhythmus: Es ist derjenige, der eine konkrete Ordnung oder Alternanz bestimmt in
irgendein plastisches oder konstruktives Element eines Werkes. (z. B.: die Symmetrie eines Gebäudes).
B) Der räumliche Rhythmus. Er ist derjenige, der in Verbindung mit der Zeit steht und uns dient, um zu definieren mit
Genauigkeit der Bewegungssequenzen. Es ist eine Abfolge von Punkten, die im Raum angeordnet sind. Kommt
assoziiert mit dem Tanz.
C) Der musikalische Rhythmus. Er ermöglicht es uns, von einer Anordnung oder Sequenzierung zu sprechen.
Geräusche in der Zeit. Unsere westliche Musik artikuliert sich mit Momenten der Spannung (Akzente)
Y Distension. Und je nachdem, wie sie angeordnet sind, sprechen wir von binären Rhythmen (1 Spannung und 1
distension) und ternäre Rhythmen (1 Spannung und 2 Distension).

2.3. ELEMENTE DES MUSIKALISCHEN RYTHMOS

1) Puls: Ein System, das aus regelmäßigen Zeiten oder Pulsationen besteht, auf dem
Der Rhythmus wird etabliert: der Schlag. Die schwarze Figur symbolisiert den musikalischen Puls.
2) Tempo: Durchschnittliche Frequenz des musikalischen Pulses; die normale Geschwindigkeit des
Marsch. Gibt dem Lied einen allgemeinen rhythmischen Sinn.
3) Akzent: Pulsation, die periodisch hervorsticht. Gibt ein Gefühl der Unterstützung oder
höhere Intensität. Dient zur Bestimmung des Taktes.
4) Takt: Division der Zeit in gleiche Teile. Es ist die Maßeinheit, die
Es wiederholt sich bis zum Ende einer Komposition. Es kann binär, ternär oder quaternär sein.
5) Unterteilung des Tempos: Eine Einheit, die kleiner ist als das Tempo; sie wird unterteilt in
zwei oder drei Schläge, wobei sich die einfachen von den zusammengesetzten Takten unterscheiden lassen.
6) Rhythmische Werte und Pausen:
- Grundlagen: von 1, 2, 3 oder ½ Zeiten
- indirectos: primario y secundario
Stille
 Das Interessante ist, dass solche Rhythmen den Schülern nicht auf eine Weise angeboten werden
theoretisch. Die rhythmischen Elemente und die Pausen werden die Schüler/innen durch die erfahren.
rhythmische Ausdruck in:
a) Körperbewegungen
b) Sprache
c) Schlaginstrumente

2.4. FREIER RHYTHMUS

Definition: es der nicht gemessene Rhythmus.
Beispiele: Der Gregorianische Gesang, der seinen Rhythmus um die Betonung strukturiert
vom Text; einige Volkslieder; Werke von Stravinsky, Messiaen, Alain und anderen Komponisten
zeitgenössisch.

Der freie Rhythmus unterscheidet sich vom rhythmischen Rhythmus:

- Der freie Rhythmus verwendet keine mensurale Notation, sondern die verwendeten Zeichen nicht
geben die Dauer jedes Tons absolut an
Der freie Rhythmus verwendet keine Taktangabe.
- Der freie Rhythmus weist einen unregelmäßigen Puls ohne periodische Akzente auf, während
dass der rhythmische Rhythmus einen regelmäßigen Puls hat.

Die Übungen zur Wiedererkennung und Improvisation sind wichtig. Einige

Die Übungen sind die folgenden:
1) Mit einer einzigen Glocke beginnen. Ein Schlag wird regelmäßig wiederholt und es werden zwei hinzugefügt.
drei... nacheinander. Sie werden alle gleichzeitig das Gehörte wiederholen.
2) Zu dem vorherigen Beispiel werden Klangobjekte hinzugefügt. Der Lehrer wird einen Rhythmus klopfen und der
Der Schüler wird in gleicher oder in irgendeiner anderen Weise antworten.
3) Ir sich einen Rhythmus von einem zum anderen zu geben
4) Rhythmische Spiele von P - R
5) Eco-Spiele. Sie werden die letzten beiden Klänge einer rhythmischen Prosodie wiederholen, die sagt das
Professor.
6) Verwendung von Körperpercussion zusammen mit Onomatopöien
7) Übungen mit langsamen - schnellen Kontrasten
8) Übungen zur Echo mit schnellen - langsamen Kontrasten
9) Die Elemente der Natur nachahmen
10) Rhythmen mit Silben: Echo
11) Freie Rhythmen mit Sprache: Rätsel, Sprichwörter, Kinderreime, Zungenbrecher, Gedichte...
Importante unir la sílaba al golpe.
12) Improvisation von kurzen - langen Klängen

2.5. RHYTHMUS RHYTHMISCH

Der Rhythmus ist ein wesentlicher Bestandteil des Lebens. Man kann Rhythmen ausführen, ohne zu wissen, was
Sohn. Der lebende Rhythmus hat immer existiert und transzendiert die Formeln und Regeln.
Zunächst kannte die Rhythmik nur die Werte der Dauer. Danach, als
Beginn des Mittelalters, als sich das Lateinische in die verschiedenen Volkssprachen verwandelte, wurde
Sie berücksichtigten die Werte der Intensität und die Akzente. Mit der Entwicklung der Polyphonie und der
Harmonie, der Akzent erhöht ihre Bedeutung und trägt zur Schaffung des Taktes bei.
 Es ist das Gegenteil des freien Rhythmus. Es impliziert einfach eine gewisse Regelmäßigkeit in der
Platzierung der Akzente und der Dehnungen.
Teil der Beziehung zwischen den Klängen. Ein Rhythmus wird festgelegt, wobei
Einheit die Figur von schwarz, und was einen Rhythmus von einem anderen unterscheiden wird, ist das Tempo.
Marta Schinca: Damit die Kinder die Reihe der klanglichen Einheiten im Chor ausführen,
Es ist sehr gut, den Klang durch Wörter zu ersetzen, in diesem Fall durch ein einziges Silben. Die Anpassung
Und Kontrolle, die derjenige durchführen muss, dessen Tempo unterschiedlich ist, um den Rest zu begleiten.
Kinder ist ein erster Kontakt mit dem ordentlichen Maß, es ist eine gute Übung für die
zeitliche Wahrnehmung.
Innerhalb der Klangeinheiten ist es auch möglich, die Einheit der Stille zu verwenden.
Einen der Klänge unterdrücken, aber seine Dauer respektieren, indem man ihn durch eine Stille ersetzt.
Um mit diesen klanglichen Einheiten zu arbeiten, können wir die geschaffenen rhythmischen Silben verwenden.
durch:
- Kodály: taa, ta, titi, tiritiri, timri, tititi
- Elizalde: don, dan, dale, diridiri

2.6. Metrischer Rhythmus

Es ist derjenige, der nicht nur die geordnete Situation von arsis und thesis berücksichtigt, sondern
auch die Dauer der Klänge.

2.6.1. Der Rhythmus und die Metrik

Definition: Die Metrik ist der Teil der musikalischen Technik, der sich mit der
Struktur des Rhythmus in seinen verschiedenen Kombinationen, wobei die Maßeinheit berücksichtigt wird
(U.M.) der Kompass.
Unterschiede zwischen Rhythmus und Metrik: Der Rhythmus existiert für sich allein, und die Metrik
Es ist eine menschliche Schöpfung, deren Zweck es ist, das Verständnis und die Kontrolle über das Tempo zu erleichtern.
Dalcroze: Der Rhythmus ist ein lebenswichtiges Prinzip, die Metrik ein Prinzip
intellektuell.
Zamacois: Wenn Rhythmus und Metrum verbunden sind, repräsentiert letzteres das
Inhalt und das ist der Kontinent.
Es ist notwendig, dass eine Übereinstimmung zwischen der Struktur des Rhythmus und der
Metrik, an die man sich im Takt hält, denn andernfalls würde der Rhythmus zerstört werden.

2.6.2. Hauptsächliche rhythmische und metrische Formeln

A) Hauptsächliche rhythmische Formeln
Rhythmische Konzepte, die die Bildung von rhythmischen Formeln erklären:
a) el ritmo está formado por dos percusiones: una fuerte y una débil; b) cuando las dos
Die Schlaginstrumente haben die gleiche Dauer, der Rhythmus ist binär; c) wenn die laute Percussion...
Doppelt zur Schwachen, der Rhythmus ist ternär; d) die Griechen schufen zahlreiche poetische Rhythmen
die später für ihre Musik verwendet wurden. Die Hauptrhythmen bestehen aus 2 oder 3
Die Dauer ist wie folgt:
Troqueo _u
Yambo u_
Espondeo --
Pirriquio uu
Dactylus _uu
Anapäst uu_
Kritiker _u_
Anfíbraco u_u
 Moloso ---
Tribraquio uuu

e) das Gleiche, was die Buchstaben in Silben gruppiert, gruppieren die Silben in Wörtern und diese in
Sätze, die musikalischen Figuren werden in elementaren rhythmischen Formeln gruppiert, die übergehen zu
andere wichtigere bilden.
Definition: Rhythmusformel: unbestimmter Teil des Rhythmus, der
Es hat bereits einen Sinn. Minimal rhythmisch: die reduzierter Rhythmusform, die erfordert, an
menos, dos valores. Puede ser de valores iguales o de valores desiguales.
Charakteristische rhythmische Formeln: Bolero, Sardana, Zortzico,
muñeira, seguidilla.
Es gibt auch rhythmische Formeln, die auf einem minimalen Rhythmus basieren.
von ungleichen Werten:

B) Hauptmetrische Formeln
Rhythmische Konzepte, die die Bildung metrischer Formeln erklären:
Die Rhythmen können je nach ihrem Anfang oder Ende in folgende Kategorien eingeteilt werden:
a) tético, anacrúsico oder protetisch, und acéphal
männlich und weiblich
Definición: Fórmula métrica: es el esquema representativo de un
Art der rhythmischen Formel, was ihre Teilung in Hälften, Drittel ... betrifft. Es ist
gebildet aus einer bestimmten Anzahl von gleichen metrischen Teilungen. Metrisches Minimum:
Die reduzierte metrische Formel. Sie kann binär oder ternär sein.
Jede rhythmische Formel kann in eine metrische Formel integriert werden.
Hervorhebungen: Das sind die Noten, die in unserem Ohr eine...
Bedeutung Relief. Sie können sein durch:
längere Dauer
b) größere Intensität
c) diferencias de entonación
d) Unterschiede im Klang

3. RITMO UND SPRACHE

Man muss mit dem Kind in sanfter und klarer Stimme sprechen; es mag Wiederholungen und rhythmische Sprache.
Das Sprachenlernen wird angenehm oder unangenehm sein, je nachdem, ob es motiviert war oder nicht.
angenehme und sichere Umgebung. PIAGET legt die senso-perceptive Funktion von zwei bis sechs Jahren fest.
Jahre, eine Phase, in der die Lernfähigkeit maximal ist und von entscheidender Bedeutung ist.
Bei der Durchführung von rhythmischen Übungen im Zusammenhang mit der Sprache werden wir deren berücksichtigen
natürlicher Rhythmus. Es wird spielerisch geschehen, und die Spiele mit der Sprache werden das Gefühl fördern
rhythmisch.
Marta Schinca: Die Kombination mehrerer Wörter im Satz, als Grundlage der Abfolge
temporär und mit der rhythmischen Vielfalt, die die verschiedenen Betonungen und Dauer verleihen
Wörter und Silben und die natürlichen Pausen der Sprache ermöglichen es, diese Elemente zu verwenden, um
das Kind in die Erfahrung des rhythmischen Sinns lenken.

Sprechen ist Musik machen, auch wenn es nicht in Noten geschrieben ist. Sprechen mit Pausen und Atemzügen.
Wie in der Musiksprache, die gute Aussprache zu üben, die sich auf eine bessere auswirken wird.
Ausbildung des Ohrs und des Rhythmus, und schließlich singen, das die Fortsetzung des Sprechens ist. Die
Die Prinzipien des Gesangs sind im Wort enthalten: Timbre, Agogik, Dynamik, Rhythmik usw.
Die Wörter und Silben sind phonetisch musikalische Muster. Das Kind versteht
Viel besser die rhythmische oder dynamische Essenz eines Wortes als die einer Reihe von Werten
Musicale.
Wir können verallgemeinern, dass Sprache ein ideales Mittel zur Förderung darstellt.
und die Musikalität sowie das rhythmische Gefühl des Kindes zu entwickeln. Im Volksglauben aller Länder
wir haben eine gute Menge an Reimen, Zungenbrechern, Sprüchen, Weisheiten, Redewendungen gefunden..., die sich
Es gewöhnt, rhythmisch zu rezitieren oder zu wiederholen, begleitet oder nicht, zu Spielen. Es ist erstaunlich, dass die
Sicherheit, Natürlichkeit und Ungezwungenheit, die die Kinder in diesen Spielen zeigen.

3.1. BEITRÄGE DER ORFF-METHODE

„Vor jedem musikalischen Übung, sei es melodisch oder rhythmisch, gibt es das
ejercicio de hablar”. Estas palabras de Carl Orff se convierten por su lógica indiscutible, en ley
básica para cualquier formación.
Für Orff konnte der verbale Rhythmus der Sprache genutzt werden, um die Schüler zu Beginn zu motivieren.
in der Musik. Nach Orff würde das Wort zum Generator des musikalischen Rhythmus werden. Es ähnelt
Die Meinung von Dalcroze, obwohl er das Verfahren ändert. Der musikalische Rhythmus muss sein
ausgedrückt durch die Körperbewegung und von hier aus den Unterricht durchführen
musikalisch. Orff wechselt vom verbalen Rhythmus zum körperlichen Rhythmus ohne und mit Bewegung, und arbeitet dann
mit Orff-Instrumenten.

3.2. BEITRÄGE DER INTEGRALMETHODE

Es handelt sich darum, dass einer rhythmischen Körpersequenz mit zunehmender Komplexität
Ein Verschieben assoziieren; später, im Einklang mit dem vorgegebenen Rhythmus, sollten die Schüler.
einfaches verbales Äußern zunächst (Onomatopoesien) und schwierigere
später.
So entwickelt sich die Konzentration, die Koordination und die Aussprache.

3.3. BEITRÄGE DER KODÁLY-METHODE

Kodály schuf eine Reihe von Silben, die verwendet werden konnten, um zu lernen mit
Die rhythmisch-musikalische Figuration wird erleichtert: Es sind die rhythmischen Silben, die das Studium erleichtern.
vom geschriebenen Rhythmus.

[Link] TECHNIKEN
Aktivitäten präsentiert von Rivas García:
1) Sprachspiele mit Körperpercussion
Es erfolgt durch Echo. Hierbei wird nicht nur der Rhythmus imitiert, sondern auch die Bewegungen und die
Worte. Der Rhythmus kann mit den gebräuchlichsten Körperpercussionen ausgeführt werden. Für
Den Rhythmus des Wortes ausdrücken, wird für jede Silbe eine Perkussion ausgeführt. Mit oder ohne
Intonation.
2) Spiel der Intonation mit Illustrationen
Erlauben Sie dem Kind zu lesen, ohne die Noten oder die Buchstaben zu kennen. Der Rhythmus der Sprache wird ausgeführt.
durch körperliche Perkussion. Es wird gesungen, wobei der natürliche Akzent der ...
Worte, und kann mit Instrumenten begleitet werden.
4. RITMO UND BEWEGUNG

Die Menschen haben einen inneren Rhythmus, der uns voneinander unterscheidet. Es gibt auch einen
äußeres Rhythmus, dessen Manifestation von der Fähigkeit der Person abhängt, zu ordnen
simultan zugleich die Zeit und den Raum. Jeder Bildungsprozess wird die berücksichtigen
individuelle Merkmale der Schüler.
Marta Schinca: Bevor Sie mit der Arbeit beginnen, ist es sehr hilfreich, sie frei herumlaufen zu lassen. In
esta prueba, ya se pueden destacar algunas características individuales, motrices y de tempo
Innenraum. Auch indem sie ihnen folgen lassen, indem sie ein sehr einfaches rhythmisches Schema durch Schritte folgen.
Die natürliche Hör- und Rhythmusfähigkeit jedes Einzelnen entdecken.

Um den Rhythmus zu studieren, müssen wir von lebensbejahenden und fröhlichen Erfahrungen ausgehen, die einladen zu
teilnehmen.
Willems: Der Rhythmus, eines der drei grundlegenden Elemente der Musik, ist der Ausdruck.
direkt aus einem der konstitutiven Elemente der menschlichen Natur: das physische Leben. (Es ist das
vitaler Rhythmus, den Gesetzen des Lebens unterworfen, und nicht die Metrik, die der Organisation unterworfen ist
cerebral). Der musikalische Rhythmus steht in Beziehung zum Gefühl der vergehenden Zeit. Wir
wir führen die praktische Erfahrung dieses Gefühls des Zeitverlaufs durch
Körperbewegung.
In diesem Abschnitt müssen wir die Dalcroze-Rhythmik erwähnen. Die Dalcroze-Methode basiert auf
la base de que el ritmo es el elemento de la música que en primer término y con más fuerza
Es beeinflusst die Empfindlichkeit von Kindern. Die moderne Musikausbildung hat die Entdeckungen angenommen
de Dalcroze. Kein modernes Verfahren kann diese rhythmisch-körperliche Erziehung vernachlässigen, auf
alles im Initiierungszeitraum.
Zu Beginn des Jahrhunderts stellte Dalcroze eine Methode vor, bei der der Rhythmus als der
principio general sobre el que descansa la enseñanza y aprendizaje del solfeo. El ritmo se trabaja
verbunden mit der Körperbewegung.

El cuerpo se mueve. Este movimiento está ordenado en el tiempo y el espacio. Cada

Das Individuum hat einen Grad in seiner Reaktionsfähigkeit auf den Rhythmus, aber was zählt, ist die
Erzieher ist die Bildung des rhythmischen Instinkts.
Willems: Die drei Elemente, die durch den rhythmischen Instinkt erfasst werden müssen, sind: das
Tempo, der Takt und die Unterteilung der Tempi.
Marta Schinca: Um das Kind zu einer wahren Assimilation der rhythmischen Übung zu führen,
dieses einmal wahrgenommen und gespeichert, muss auch im Raum manifestiert werden können durch das
Bewegung. Der Körper hat drei imaginäre Achsen, die ihn durchdringen. Diese drei Achsen bilden eine
dreidimensionales Kreuz, das die drei Dimensionen bestimmt, in denen sich der Körper bewegt.
Willems: In vielen rhythmischen Übungen können wir die Nuancen der Intensität ausnutzen.
natürlich mit den agogischen Nuancen verbunden.

Die Bewegung wird durch italienische Wörter angezeigt, durch die Angabe
metronomisch, oder durch beide. Diese Bewegungswörter gruppieren sich in fünf
bloques:
1) Die, die eine gleichmäßige Bewegung anzeigen: sind die Lüfte
2) die, die eine allmähliche Beschleunigung oder Verzögerung der Bewegung anzeigen
 5.2.4. Die Oper und die Zarzuela
Die Oper
Jedes vollständig interpretiertes Bühnenwerk, in dem Gesang vorkommt
mit Worten.
Es werden unterschiedliche Kriterien präsentiert, ob die Oper Theater ist oder
Musik. Die Wahrheit ist, dass eine Symbiose zwischen Theater, wo die Szene impliziert ist, entsteht.
die Lichttechnik, die Choreographie, die Kostüme... und die Musik, die Melodie, Stimme und
orquesta.
Er entstand Ende des 16. Jahrhunderts in Italien. Seine Etymologie stammt von der
lateinisches Wort „opus“ (im Plural, opera), das Werk bedeutet.
Die Oper ist in Akte unterteilt, die jeweils aus mehreren Szenen bestehen.
compuestas por una sucesión de acciones o relatos, constituidos por: recitativos, arias,
Romanzen, Duette, Trios, Quartette, Chöre, Tänze...
Der Text wird als Skript bezeichnet. Dieses kann sich mit verschiedenen Themen befassen:
historisch, mythologisch, komisch, liebevoll...
Elemente der Oper:
a) Ouvertüre: Orchester-Einführung mit gedimmtem Licht und geschlossenem Vorhang. Es erscheinen
esbozados die Hauptmelodien, die später interpretiert werden
Stimmen. Nachdem die Ouvertüre beendet ist, öffnet sich der Vorhang und die Handlung beginnt.
b) Interludio: Instrumentalpassage zwischen zwei Szenen oder Akten, und von geringerer Ausdehnung als
Das Präludium
c) Rezitativ. Passage, in dem die melodisch-musikalische Deklamation stattfindet, in dem
Welcher Charakter singt, während er Ereignisse erzählt. Er wurde von dem Cembalo begleitet in den
erste Opern, später durch ein Streichquartett ersetzt und später durch die
Orchester. Ist keiner tonalen Verpflichtung unterworfen. Es soll die geringste
mögliche Empfindung von Musik und sich der Natürlichkeit so gut wie möglich annähern
Spontaneität der gesprochenen Sprache.
Wir können zwei Arten unterscheiden: den trockenen Rezitativ und den ausdrucksvollen Rezitativ. Im
zuerst, bereits in Desuso, blieb die Stimme allein, rhythmisch frei und getragen von
Akkorde des Schlüssels. Im zweiten wird die Deklamation von dem Orchester getragen, und es ist
gemessen, obwohl mit Flexibilität.
d) Arie: Es ist ein langer Abschnitt, in dem einer der Charaktere, begleitet von der
Orchester, singt ein lyrisches und ausdrucksstarkes Thema. Wir unterscheiden zwischen der großen Arie, der Arietta und dem
arioso. Die erste ist eine umfangreiche aria vom reexpositorischen Typ in ternärer Form. In der ersten
Teil, in dem das Virtuosität des Sängers zum Ausdruck kommt, wird das Thema präsentiert. Der Teil
central ist melodischer und einfacher, obwohl von größerem Interesse, und in der Präsentation wird
Sie führen Variationen ein, die das in der ersten Hälfte behandelte Thema bereichern.
La arieta es un aria de poca extensión y simplicidad melódica, y el arioso, de corta
Erweiterung, ist eine melodische Phrase ohne thematische Struktur und mit recitativem Charakter, die
es nimmt Form an, bis es zu Aria wird.
e) Romanze: Es ist ein lyrisch-sentimentales Lied, dessen Thema die Liebe ist. Sie neigen dazu
predominar las escritas en forma ternaria reexpositiva (A B A) y las del tipo
estrófico.
f) Duo, Trio oder Terzett, Quartett usw.: Musikalisches Stück, an dem eine Anzahl beteiligt ist
bestimmte Charaktere in der Qualität von Solovokalen. Ihr Auftritt kann durch
separat, im Dialogmodus, und andere gleichzeitig.
g) Konzertante. Stück, das fast immer am Ende eines Aktes platziert ist, in dem mitwirken.
alle musikalischen Komponenten: die Charaktere, der Chor und das Orchester, und es wird angestrebt
conseguir un efecto apoteósico.
Tipos de ópera:
 (laut Violeta de Hemsy)
1) Varios grupos que ejecutan los distintos elementos rítmicos: pulso, acento, ritmo,
subdivisión del tiempo, contratiempo, silencios...
2) Gruppen, die gleichzeitig verschiedene rhythmische Werte ausführen, um begleitend zu sein.
Melodie
In beiden Fällen ist es nicht ratsam, dass alle Gruppen gleichzeitig eingreifen.
Die Teilnahme der gleichen muss durch die auferlegten Merkmale geregelt sein von den
verschiedene Sätze.
3) Rhythmisches Canon: jede Gruppe folgt der vorherigen mit einem Takt Abstand, wobei
intervenieren 2, 3 oder 4 Gruppen. Die verschiedenen Teile werden von Instrumenten unterschiedlicher Art ausgeführt.
Briefmarken.
4) Ostinato: gleichzeitige Ausführung von zwei oder mehr unabhängigen rhythmischen Mustern
Jede Gruppe hat eine unabhängige und vielfältige Intervention. Es ist der authentischste Fall von
Polyrhythmie.
In der Polyrhythmik muss man das Niveau und die Möglichkeiten der rhythmischen Ausführung anpassen.
individuales y grupales. Recomendamos no abordar una nueva experiencia o ejercicio sin estar
vollkommen überzeugt, dass das Kind in der Lage ist, die vorhergehenden Aufgaben zu erledigen
Schwierigkeit.

6.4. ELABORATION VON EINFACHEN POLYRYTHMIEN

Orientierungen für die richtige Durchführung:
1) Uns zu überlegen, wie viele rhythmische Linien wir in dieser Polyrhythmik erscheinen lassen möchten. Das
es hängt vom Niveau der Beherrschung und der Praxis in dieser Art von Ausführungen ab, die von den
Schüler. Beginnen Sie mit zwei, um schrittweise zu erhöhen.
2) Bestimmen Sie die Anzahl der rhythmischen Abschnitte, die die gleiche Anzahl wie die Linien haben muss.
Es ist vorteilhaft, dass die Abschnitte der Polyrhythmik eine gute Differenzierung haben.
Timbre.
4) Je nach Wissensstand der Schüler wird das Lernen durchgeführt und die
Praxis der Polyrhythmik durch Nachahmung oder schriftlich.

7. KLEINE RHYTHMISCHE FORMEN. ANALYSE UND IMPROVISATION

Die formalen Elemente sind die gleichen in der einfachen Schulmusik wie in der großen.
Musik, aber in der Schulmusik können sie sich nicht entwickeln, denn sie würde aufhören, einfach zu sein. Ohne
Embargo, wenn wir wollen, dass das Kind später die Entwicklung einer Sonate verstehen kann,
Sie müssen zunächst die Formen verstehen, die sie hervorgebracht haben.
Für das Kind ist es natürlicher, die gesamte Einheit eines Werkes zu verstehen als die verschiedenen.
Teile, aus denen es zusammengesetzt ist, daher muss man es in das Verständnis einführen.
Form, wie das Werk aufgebaut ist. Die Schüler werden von Anfang an, geleitet durch den
Maestro oder Maestra, die kleinen Werke in Ihrer Nähe.

Ostinato
Insistentes Wiederholung eines rhythmischen Fragmentes. Am häufigsten ist dieses Ostinato
Begleiten Sie im Rhythmus oder zu einer Melodie, um die Monotonie zu vermeiden.
Rhythmisches Canon
 Benutzen Sie zwei deutlich unterschiedliche Sätze oder bereits bekannte kurze Lieder. Sie beginnen mit Unterstützung.
prosodisch alle im Einklang, dann mit zwei Einsätzen und endet ohne prosodische Unterstützung,
den Rhythmus innerlich tragend.
3) Rhythmisches Lied: A-B-A
Diese Form zu bearbeiten ist Vorarbeit für die Arbeit am Rondó.
4) Rhythmisches Rondó: A-B-A-C-A...
Está basado en la repetición, y el tema principal reaparece al menos tres veces.
Sowohl das Rondó als auch das Lied können die Fähigkeiten fördern und verstärken.
de Improvisation, da es nur notwendig ist, das Hauptthema festzuhalten, und die
demás partes son susceptibles de ser improvisadas por los niños.

Neben diesen zuvor genannten rhythmischen Formen gibt es weitere Mittel, die es ermöglichen, das
trabajo del ritmo en la escuela.
a) Dissoziation der rhythmischen Sätze: Verteilung der verschiedenen Elemente, aus denen sie bestehen
unter verschiedenen Gruppen
b) La variación. Las variaciones rítmicas sobre un tema pueden ser trabajadas de forma
improvisiert. Von den verschiedenen Aspekten der Variation ist vielleicht das Tempo das einfachste
für die Schularbeit. Aber so einfach sie auch sein mögen, ist es ratsam, sich sehr gut darauf vorzubereiten.
Terrain, bevor die Kinder darauf zugreifen. Die Kinder müssen daran gewöhnt sein,
Figuren zerlegen (schwarz in zwei Achtelnoten), zusammenfassen (der entgegengesetzte Weg zum vorherigen), zu
einige Rhythmen durch andere ersetzen...
c) Improvisation: es wird uns ein Maß für die Lockerheit, technische Beherrschung und Grad der Spontaneität geben.
dass der Schüler besitzt. Um dieses Verfahren zu aktivieren, wird am häufigsten das Schema von P – R verwendet.
Das vorschreibende Curriculum-Design sagt über Improvisation, dass sie eine Ausdrucksform ist.
musikalisch und kreativ dramatisch, frei und spontan, die dem Spiel ähnlich ist und die ermöglicht
Der Erwerb von Fähigkeiten, um die Erfahrung zu machen, ein musikalisches Material zu schaffen,
coreográfico y dramático.
La improvisación ya fue propuesta por Orff en sus escritos, en los que hace unas sugerencias
für das gute Funktionieren dieser Methode:
a) Dass nicht die gesamte Klasse auf einmal improvisiert, sondern aufeinanderfolgende Improvisationen durchführt.
Gruppen von 4 oder 5 Schülern
b) Es ist ratsam, dass der Schüler nicht absolute Freiheit in der Improvisation hat, sondern dass der
Der Professor wird einige Punkte festlegen, die in den Improvisationen aller übereinstimmen werden.
los alumnos: las figuras, la extensión...

8. BILDUNGSEINGRIFF

8.1. NOTWENDIGKEIT DER RHYTHMISCHEN BILDUNG

Ausgehend vom natürlichen Rhythmus und dem Rhythmus als spielerisches und beobachtbares Element,
Es fällt leicht, das Kind in den Rhythmus einzuführen. Der Prozess bedeutet, die Bewegung zu entdecken und zu schätzen.
natürlich um zum Takt zu gelangen.
Einige Kinder haben Schwierigkeiten, den Rhythmus zu markieren, was eine
Defizienz, die auf schwerwiegendere hinweist. Derzeit gibt es Studien zur Korrektur.
diese Situationen mit Psychomotorik und Rhythmotherapie. Die Hilfe von Bewegung und von der
Worte sind wertvoll, um diese Fälle zu lösen. Tänze und Lieder sind hervorragend.
Vorbereitung auf das rationale Studium des Rhythmus.
 8.2. ZIELE IM RHYTHMISCHEN BEREICH
[Link] und reproduzieren Sie den Rhythmus verschiedener natürlicher Klangphänomene und
künstlich
[Link] Pulsation verschiedener Tempi wahrnehmen und die Körperbewegungen anpassen
[Link] die grundlegenden Werte von Schwarz, Achteln und Weiß unterscheiden, um
später sie erleben
[Link] Erkennen des Rhythmus von Wörtern sowie von elementaren rhythmischen Formen
Lieder
[Link] musikalischen Akzent in binären Takten wahrnehmen und ausführen
[Link] grundlegenden Fähigkeiten in Bezug auf den Körper, den Raum, die Gruppe und die Musik erwerben, um
der freie und kollektive Tanz
7. Tanzen von Liedern, einfache Schritte in Kindertänzen durchführen
[Link] der Erstellung von Rhythmen für kleine Choreografien teilnehmen.

8.3. EINFÜHRUNG IN DEN UNTERRICHT DES RYTHMUS

Se deben desarrollar los elementos del ritmo:
-Vitalrhythmus (mit Körperpercussion)
-Tempo
-Akzent
Unterteilung des Tempos
Einmal ein intuitives Verfahren verwendet, müssen die Konzepte verfeinert werden.
Erworben. Es ist wichtig für die rhythmische Bildung, wiederholen und gruppieren. Zu Beginn
Wir müssen die rhythmischen Muster mit neutralen Klängen (Körperperkussion) und mit
regelmäßige Bewegungen. Das Tempo dieser Aktivitäten sollte festgelegt werden und eine
objetividad.
Fuentes und Cervera: Bei der Genauigkeit und Präzision der Bewegung spielt das eine Rolle
Rhythmus, der Takt und das Gedächtnis. Der Takt kann mehr als die reale Dauer unterworfen sein.
Bewegung (andante, allegro...), und diese erlauben Modifikationen (rall. oder accel.). Die Unterteilung
Die Zeit wird begonnen, wenn das Verständnis der Unterteilung der Zeiten des Taktes erfolgt.
ist ausreichend klar. Es wird durch Rhythmusübungen überprüft: rhythmisches Lesen,
einfache Begleitungen... Dies ist das Verfahren, um den Takt und seine Funktion zu entdecken.

Der Unterricht im Rhythmus wird von dem ästhetischen Konzept des Moments beeinflusst.
Komponisten haben die Kraft der Rhythmussuggestion genutzt, um emotionale Effekte zu erzielen.
So haben es Beethoven und seine romantischen Nachfolger gemacht. Zuvor, mit Bach, die
Die Komposition verlief mit einer Art Rhythmus während des gesamten Werks, aber ab Beethoven
Es werden viele Änderungen im Rhythmus eingeführt. Häufig kommt es bei diesem Wechsel zur Ansammlung von Noten.
Kurze im jeden Takt, um ein bestimmtes Klima zu erreichen. Die spanischen Rhythmen erreichten große
Verbreitung mit Albéniz, Granados, Falla und Turina. Bei Schönberg ist der Rhythmus ein Faktor von
freie Animation. Bartok, Strawinsky und Messiaen haben auch eine große Beziehung zur Rolle
vertrauen im Rhythmus.

8.4. EINFÜHRUNG IN DEN RHYTHMUS: ENTWICKLUNGSPHASEN

Zur Einführung in den Rhythmus werden die natürlichen Elemente verwendet, getrennt oder
Kombinieren sie sie. Die Übungen beginnen im binären Takt, im "Echo", zuerst mit Skizzen.
von zwei Takten und anschließend mit vier Takten zu arbeiten. Es ist ratsam, dass jeder
Rhythmusschema beginnt und endet mit einem starken Teil.
Zu entwickelnde Phasen
Palmear frei
von klingenden Handflächen zu tauben Handflächen
mit den Fingern klatschen
2) Spiel im Echo
einen Rhythmus geben und mit dem gleichen Schlag und dem gleichen Rhythmus antworten
Wörter benutzen und dann nur den geschlagenen Rhythmus
3) Leer über eine rhythmische Achse

4) Einen Rhythmus lesen und die Körperelemente kombinieren

Es ist ratsam, immer die gleiche Reihenfolge einzuhalten. Es ist nicht ratsam, Pfeifen bei Kindern zu verwenden.
klein.

5) Leere Rhythmen mit Cartogrammen

mit Zeichnungen
6) Die Körperelemente in die rhythmischen Muster mischen
einfache Mischungen verwenden, um sie dann zu komplizieren
sie sollten auf einer gleichen Horizontalen geschrieben werden

7) Rhythmische Diktate
Wiederhole das Klatschen von zwei Takten im Echo. Achte darauf, wo die Akzente sind. Se
höre zu, es wird wiederholt, es wird auswendig gelernt, es wird in der Luft korrigiert und schließlich wird es dargestellt

grafisch
usar | y | |
körperliche Elemente verwenden
8) Auf den Tisch klopfen
wiederholen im Echo
9) Rhythmische Diktate mit Instrumenten
zwei verschiedene Stempel (Chinakasten und Tisch)
usar | y | |
zwei Farben verwenden, eine für jede Glocke
derselbe Ablauf wie in Phase 7
10) Die Stille einführen
Die Stille ist die Abwesenheit von Geräuschen, jedoch mit der gleichen Dauer wie ihre
entsprechende Figur
es mit Bildern verstärken: brennende - erloschene Kerzen
mit der Geste der Finger über den Lippen verstärken
11) Lesen über eine rhythmische Achse Figuren und Pausen
12) Den Rhythmus eines einfachen Liedes lernen
binär und mit einfachen Zeiten. Man wird es nach Gehör lernen
Der Rhythmus wird durch Gehen oder Klatschen markiert.
13) Die Figuren einführen

14) Einen Rhythmus vorgeben und improvisierend antworten

Übungen zu P – R
15) Rhythmisierte Skizzen in Gruppen erstellen
Über derselben rhythmischen Achse wird oben das Schema der ersten Gruppe geschrieben und
unterhalb der zweiten Gruppe
16) Von rechts nach links und von links nach rechts lesen
17) Kartogramme mit Figuren verwenden
die gleiche Dynamik wie in der fünften Phase

8.5. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN

A) Zur Erkennung des Pulses
Die schwarze Figur repräsentiert den musikalischen Puls. Wir werden uns mit dem Grundwert vertraut machen.
de negra.
Die Pulsationen mit immer leiser werdenden Schlägen abtasten.
den Puls beim Gehen machen
in zwei Gruppen, die einen Text rezitieren: während die eine den Puls schlägt, macht die andere
markiere den Akzent
B) Um Bewegungen zu koordinieren
man wird das Tempo einiger Klangphänomene, natürlicher oder künstlicher Art, beobachten und
werden mit Körperbewegungen nachgeahmt
C) Für freie Rhythmen
Echobeispiele kurzer freier rhythmischer Muster, die vom Lehrer erfunden wurden.
zuerst mit gleicher Antwort
Sekunde mit improvisierter Antwort begleitet von Text
dritter, der improvisierte Bewegungen ausgehend von dem musikalischen Stimulus
D) Für das Wetter
Es wird Musik gespielt und ihrem Tempo gefolgt. Erkennen, wann es Änderungen gibt.
Tempo.
reconocer y seguir diferentes tempos, primero con movimientos, segundo con
körperliche Instrumente und drittes mit Musikinstrumenten
Die Tempi mit Beschleunigung und Verzögerung folgen
Nutze die Tempiwechsel bei der Melodienerfindung für einen Text
E) Für lange und kurze Geräusche
sich im Rhythmus von langen und kurzen Klängen bewegen
die Klänge mit der Stimme oder mit Instrumenten begleiten
mit unkonventionellen Grafiken darstellen
F) Zur Entdeckung des Rhythmus
die Sprache verwenden, während man den natürlichen Akzent respektiert
realizar polirritmias
imitieren mit rhythmischen Ostinati
den Rhythmus eines Liedes mit Körperinstrumenten oder Percussion verfolgen
G) Für das Erkennen des Taktes
Verwenden Sie Lieder, Texte oder einfache Melodien in binären oder viertaktigen Takten.
den musikalischen Akzent markieren
die Pulsationen erkennen
 THEMA 7

Pädagogisch-musikalische Strömungen des 20. Jahrhunderts. Analyse und

PROJEKTION DERSELBEN IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG.

1. PÄDAGOGISCH-MUSIKALISCHE STRÖMUNGEN
1.1. INTRODUCCIÓN
1.2. GRUNDLAGE DER PÄDAGOGISCHEN MUSIKSTRÖMUNGEN
DES 20. JAHRHUNDERTS

1.2.1. Kreativität
1.2.2. Imaginación
1.2.3. Aktivität
1.2.4. Participación
1.2.5. Annäherung an die Realität
1.2.6. Globalización
1.2.7. Ludizität
1.3. HAUPTMUSIKALISCHE METHODEN DES 20. JAHRHUNDERTS
1.3.1. Die Dalcroze-Methode
1.3.2. Die Kodaly-Methode
1.3.3. die Orff-Methode
1.3.4. El método Willems
1.3.5. Die Martenot-Methode
1.3.6. Die Ward-Methode
1.3.7. Die Suzuki-Methode
1.3.8. Die Elizalde-Methode
1.3.9. Mª Montessori

2. ANALYSE UND PROJEKTION DERSELBEN IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

Schüler
2.1. DIE PÄDAGOGISCH-MUSIKALISCHEN STRÖMUNGEN DES 20. JAHRHUNDERTS: ANALYSE
Y PROJEKTION DERSELBEN IN DER MUSIKPÄDAGOGIK
SCHÜLER
2.1.1. Analyse der pädagogisch-musikalischen Strömungen des 20. Jahrhunderts in der
Schulmusikausbildung
2.1.2. Projektion der pädagogisch-musikalischen Strömungen in der Bildung
Schulmusical
2.2. Didaktische Anwendung der verschiedenen musikalischen Methoden
DEN VERSCHIEDENEN ZYKLEN DER GRUNDBILDUNG
2.3. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG IN DER WIRTSCHAFTSGEMEINSCHAFT
EUROPAE
2.3.1. Allgemeine Linien der musikalischen Ausbildung in der E.E.C.
2.3.2. Die Musikausbildung in Deutschland
2.3.3. Die Musikalische Bildung in Ungarn
2.3.4. Die Musikpädagogik in Spanien
 THEMA 7
PÄDAGOGISCH-MUSIKALISCHE STRÖMUNGEN DES 20. JAHRHUNDERTS. ANALYSE UND
PROJEKTION DERSELBEN IN DER MUSIKALEN BILDUNG.

1. PÄDAGOGISCH-MUSIKALISCHE STRÖMUNGEN DES 20. JAHRHUNDERTS

1.1. INTRODUCCIÓN
Im 20. Jahrhundert, insbesondere nach dem Zweiten Weltkrieg, hat man produziert
wichtige Beiträge im Bereich der musikalischen Pädagogik.
Die Sorge um die Musikausbildung hat einen herausragenden Platz eingenommen
zuerst in Deutschland und Ländern in Mittel- und Nordeuropa, und anschließend in den
mediterrane Länder.
Die formative Rolle der Musik hat einen bemerkenswerten Platz eingenommen, damit
die Bildungsverwaltungen der verschiedenen Länder die Notwendigkeit eines
spezifische Lehrkräfte. Ebenso sind eine Reihe von aktiven Methoden erschienen, unter denen
wir heben die von: Émile Jacques-Dalcroze, Zoltan Kodály, Carl Orff, Edgar Willems hervor...
Pero el punto de partida para la revalorización de la importancia de la Educación
Musical an der Schule, war das "II. Kongress der UNESCO über Musikalische Pädagogik", in
Kopenhagen, an dem Musiker und Pädagogen teilgenommen haben, die Folgendes präsentierten
afirmaciones:
1) Der Gesang ist ausgezeichnet für die Entwicklung der sprachlichen Fähigkeit des Kindes in seiner doppelten
vertiente: comprensiva y expresiva.
2) La práctica instrumental crea lazos afectivos y de cooperación, necesarios para alcanzar la
Integration der Gruppe
3) Die rhythmische Aktivität fördert die physiologische und motorische Entwicklung sowie das musikalische Gedächtnis.
4) Die Musikausbildung, die sich in einer entspannten Umgebung entfaltet, wirkt als
Entspannung für den Jungen und das Mädchen, um die Anspannung und Ernsthaftigkeit anderer Fächer zu brechen.
Die musikalische Erziehung ist ein hervorragendes Mittel, um das ästhetische Empfinden und die
guter Geschmack

1.2. GRUNDLAGEN DER PÄDAGOGISCHEN MUSIKSTROMUNGEN

DES 20. JAHRHUNDERTS

Diese modernen aktiven Methoden teilen eine Reihe von Prinzipien,

fundamentiert sowohl sociologisch, als auch psychologisch und pädagogisch.
a) Soziologische Grundlage:
Bildung für alle
Wichtigkeit der eigenen kulturellen Manifestationen
b) Psychologische Fundierung:
Bildung, die in jungen Jahren begonnen wird
Gemäß der evolutiven Entwicklung des Kindes
Beitrag zur ganzheitlichen Entwicklung des Menschen
c) Pädagogische Fundierung:
Educación y no enseñanza
Die Musik leben, bevor man sie theoretisiert
 Wert des Körpers als Vermittler zwischen Musik und Individuum
Bedeutung des Liedes. Durch es können die Aspekte gelehrt werden
Musicals
Ludizität
Kreativität und Improvisation

Wir werden die pädagogischen Prinzipien umfassender studieren.

1.2.1. Creatividad
Diese Kreativität kann sich auf verschiedene Weise entwickeln, abhängig von
die verschiedenen Inhaltsblöcke, die bearbeitet werden:
a) Vocalerziehung: Improvisation von Liedern und Melodien zur Musikalisierung von Texten
vorgeschlagene Rhythmen; Suche nach Ersatztexten für die, die besitzen die
Lieder, die vom Erzieher vorgeschlagen werden; Fragen- und Antwortspiele
Musiktheater; melodische Rätsel...
b) Instrumentalbildung: Erfindung von Melodien mit Platteninstrumenten oder mit
flauta; realización de creaciones propias para ambientar historias; redacción de
instrumentale Geschichten, in denen Charaktere erscheinen, die mit
Instrumente und deren Verwendung
c) Lecto-Schreiben: Erstellung von melodischen, rhythmischen Codes oder einer Kombination aus beiden;
Erstellung dynamischer oder ausdrucksvoller Codes, die Nuancen mit Farben verbinden...
Diese unkonventionellen Codes sind trotz ihrer höheren Ungenauigkeit viel
mehr kreativ für das Kind
d) Bewegung und Tanz: Assoziation von Musik mit Bewegungen, die improvisiert werden;
Schaffung verschiedener Schritte für Musik, die gerade gehört wird; Schaffung von
Choreographien zu einfachen Musikstücken...
Todas las actividades musicales permiten incidir en el desarrollo creativo
des Kindes, sollten aber vom Pädagogen geleitet werden, um musikalisches Chaos zu vermeiden. Es
Darüber hinaus wird eine Steigerung des Selbstwertgefühls des Kindes sowie eine schrittweise
Respekt für die kreative Arbeit eigener und fremder Produktionen.

1.2.2. Vorstellungskraft
Vorstellungskraft und Kreativität sind ein einheitlicher Prozess: Sie sind zwei Phasen, aber
die nacheinander entstehen. Die Vorstellungskraft ist die theoretische Auffassung, während
Kreativität ist die Umsetzung.
Viele Male sind sie so intim miteinander verbunden, dass es unmöglich ist
Sie zu unterscheiden, was eine klare Tatsache ist, ist dass es eine direkte Beziehung zwischen beiden gibt: a
größere Vorstellungskraft, größere Möglichkeiten kreativer Fähigkeit.

1.2.3. Aktivität
Die Haltung des Kindes gegenüber der Musik sollte aktiv sein, eine Einstellung, die in
die Grundlage eines doppelten Prozesses: Empfang und Ausdruck. Empfang von Inhalten, wie
es passiert in den Hör- und Lese-Schreibaktivitäten; und Ausdruck von Ideen, Erlebnissen oder
Gefühle, die in der sprachlichen, instrumentalen und tanzenden Aktivität entstehen und
Bewegung. Die beiden Phasen dieses Prozesses müssen einzeln bearbeitet werden.
Sogar in den Blöcken, in denen man zu einer Passivität neigen könnte
(Hören und Schreiben) Die Haltung muss aktiv sein.

1.2.4. Teilnahme
Die Musikbildung sollte auch ein Verhalten erreichen
_partizipativ des Kindes. Wenn dies nicht der Fall ist, wird es normalerweise durch Hemmungsprobleme verursacht.
auf Schüchternheit oder geringe Integration in die Gruppe zurückzuführen, oder auf eine unzureichende Wertschätzung der
Eigenes Arbeiten. Daher sollte die musikalische Teilnahme darauf abzielen, Einstellungen zu erreichen.
de:
a) Desinhibition: that the child understands music as a slow process. For
tanto el niño debe vencer la timidez o el temor a “no hacerlo bien”
b) Gruppengeist: die Durchführung von Aktivitäten, bei denen jedes Kind eine
differenzierte Arbeitsweise zur Schaffung eines gemeinsamen und globalen Werks, hilft zu
Integration.
c) Exigencia de un trabajo bien hecho: si bien hay que plantear la no exigencia de
eine große Perfektion, man muss auch verlangen, dass sie sich selbst mehr fordern
Vollkommenheit in der Durchführung von Aktivitäten. In dieser Anforderung liegt die
Möglichkeit einer allmählichen Evolution.
d) Selbstbewertung: als Ergebnis dieser Erreichung höherer Niveaus in der
Durchführung von Aktivitäten werden die Kinder überprüfen, wie fähig sie sind zu
realizaciones más complejas. La satisfacción personal y su autovaloración serán
die logische Reaktion.

1.2.5. Annäherung an die Realität

Dieser Ansatz beginnt mit einem physischen Annäherung: Die Musik wird ...
es für ihn etwas Gewöhnliches und wird in seinem Bildungszentrum stattfinden, was
wird es ihr ermöglichen, es als bevorstehende Aktivität zu sehen. Zweitens muss es ihr erlauben
sich dessen bewusst zu werden, welche Musik in seiner Umgebung am häufigsten ist und dies
er wird es schaffen, ihm die Existenz vieler weiterer Typen zu zeigen, die sie nicht kennen oder die bleiben
zu weit weg für ihn.
Dank der musikalischen Bildung werden Sie in der Lage sein, die verschiedenen zu beobachten.
Nutzungen, die die audiovisuellen Medien mit dem Klangmaterial machen. Es wird angestrebt, dass die
Musikausbildung soll Kinder für die Lärmbelästigung sensibilisieren.
bestehende, wie sie sich auf ihr Leben und ihre Persönlichkeit auswirkt und was zu tun ist, um sie abzuschwächen.
Schließlich zielt die neue Musikausbildung darauf ab, dass die Kinder die akzeptieren und kennenlernen.
verschiedene musikalische Ausdrucksformen und in der Lage sind, Werte darin zu finden
ästhetisch.

1.2.6. Globalización
Die Grundbildung muss gewährleisten, dass das Kind auf Weise erworben wird
Global eine Reihe von Fähigkeiten, zu denen folgende gehören:
- die Fähigkeit der Sprachentwicklung als Aktivität zum Erinnern, Planen,
Ideen erstellen und übertragen, Fähigkeit, die im Kommunikationsprozess genutzt wird
die motorische Wahrnehmungsfähigkeit, da in der Primarstufe eine ganze Reihe von
Prozesse und qualitative sowie quantitative Veränderungen, die mit der Motorik verbunden sind und die
entsprechen der Agilität, der Flexibilität, der Kraft, der Ausdauer...
die Fähigkeit zur Abstraktion, die mit Phänomenen der Wertschätzung und Dissoziation verbunden ist
elementos, códigos, procesos de transformación, ciclos... Esta capacidad debe ser
analog + vergleichend
Die Musik ermöglicht die Entwicklung aller vorherigen Fähigkeiten.
benannt. Aus diesem Grund strebt man ihre Globalisierung mit allen unterrichteten Fächern an
in der Schule, um eine Verstärkung und Vertiefung der vorgeschlagenen Ziele zu erreichen.
Es wird daher notwendig sein, ein Lehrplanprojekt zu erstellen, in dem die verschiedenen
Bereiche konzentrieren ihre Arbeit und globalisieren die Aktivitäten auf der Grundlage von "Interessezentren" für
Ergebnisse in den verschiedenen Fächern erzielen.
 1.2.7. Spielerei
Das Spiel ist wichtig für den Lernprozess des Kindes. Durch
Im Musikalischen Spiel wird das Kind lernen, kommunikative Beziehungen zu seinen
Gesellen; das Verständnis für die Existenz notwendiger Regeln, um zu erreichen
gültige Produktionen; und Respekt für alle Ausdrucksformen zu erreichen.
Die Musik, als spielerische Aktivität, wird dazu beitragen, dem Kind einen Punkt zu geben
eine tolerantere Sichtweise, die den Geist der Zusammenarbeit und der Gruppenintegration erleichtern wird.

1.3. Hauptsächliche musikalische Methoden des 20. Jahrhunderts

1.3.1. Die Dalcroze-Methode
Émile Jacques-Dalcroze, Pädagoge und Komponist aus der Schweiz, geboren in Wien.
Ich träume von einer Bildung, in der der Körper das Bindeglied zwischen dem Klang und
nuestro pensamiento”.
Ihre Methodik besteht primär darin, immer in
Funktionsweise des Körpersinns und des Muskelsinns.
Für Dalcroze ist die Rhythmik eine Disziplin des muskulären Rhythmus. Es geht nicht darum
nicht von "rhythmischer Gymnastik", sondern von einer musikalischen Grundausbildung, die den Erwerb ermöglicht
von allen Elementen der Musik. Es versucht, die Fähigkeiten gleichzeitig zu verbinden.
Aufmerksamkeit, Intelligenz, Schlagfertigkeit, Sensibilität, Bewegung, Improvisation und
Entspannung. Zielt auf die Wahrnehmung des Hörsinns und den anschließenden Ausdruck des Körpers ab.
de lo percibido.
Die Dalcroze-Methode konzentriert sich mehr auf die frühkindliche Bildung, wo
es fördert die Verbindung von Psychischem mit Physischem. Die Klassen dürfen 30 nicht überschreiten.
minutos.
Elementare Prinzipien der Dalcroze-Methode
[Link] Rhythmus ist Bewegung
[Link] Bewegung ist materiell
[Link] Bewegung benötigt Raum und Zeit
[Link] Bewegungen der Kinder sind physisch und unbewusst.
[Link] körperliche Erfahrung formt das Bewusstsein. Wissen auf intellektueller Ebene wird
einmal die sensorische und motorische Erfahrung erworben wurde
[Link] Regulierung der Bewegungen entwickelt das rhythmische Denken
Grundlegende Merkmale dieser Methode. Um die Entwicklung des Rhythmusgefühls zu erreichen,
vom Gehörsinn und vom Tonempfinden.
[Link] basiert auf Improvisation (die Kinder gehen frei umher, und der Klavier beginnt)
eine sanfte und langsame Melodie zu spielen, ohne ihnen etwas zu sagen, nehmen die Schüler wenig an
ein wenig seinen Schritt im Takt der Musik). So führt er die Figuren ein: die
Schwarze zum Marschieren, die Viertelnote zum Rennen, zum Springen

[Link] werden geeignete Übungen zur räumlichen Orientierung entwickelt.

[Link] werden geeignete Übungen entwickelt, um die Nuancen spüren zu lassen.
[Link] werden expressive Bewegungen für die Interpretation und den Charakter entwickelt.
Musikalisches Werk
[Link] Stille wird spürbar sein, in Verbindung mit der Unterbrechung der Märsche mit
Abwesenheit von Geräuschen (Stuhlen Spiel)
 Die Rhythmik beschäftigt sich nicht besonders mit der musikalischen Technik, noch mit
von der Körpertechnik. Es beschäftigt sich mit der Beziehung zwischen Musik und dem Individuum.
1.3.2. Die Kodály-Methode
Zoltan Kodály, un ungarischer Komponist und Musikwissenschaftler. Der Wert von Kodály ist
Zahl in der doppelten Dimension der folkloristischen und der pädagogischen Forschung.
Kodály parte vom Prinzip, dass "Musik nicht als Entität verstanden wird
abstrakt, sondern verbunden mit den Elementen, die sie hervorbringen (Stimme und Instrumente).
Praxis mit einem elementaren Schlaginstrument und dem Sinn der kollektiven Ausführung
Das sind die Hauptpunkte, auf denen seine Methode basiert.
Die Musik gemäß Kodály hilft den Menschen, sich besser zu verstehen und
Bereichert seine innere Welt, indem er die Schönheit genießt. Ohne Musik gibt es kein spirituelles Leben.
Die musikalische Erziehung sollte so früh wie möglich beginnen. Zuerst in der Familie und
nach der Schule.
Grundsätze der Kodály-Methode
1. Die Musik ist notwendig
[Link] das authentisch Künstlerische ist für Kinder wertvoll.
[Link] echte Folkloremusik sollte die Basis des nationalen musikalischen Ausdrucks sein
in der Bildung
[Link] und Bewegung müssen in den Kinderliedern zusammengehören
[Link] Elemente der Musik durch Gesang und Instrumentalpraxis kennenlernen
[Link] musikalische Bildung für alle erreichen, indem die Musik gleichwertig betrachtet wird mit
andere Fächer des Lehrplans
KODALY: „Unser Ziel ist die ungarische Musikkultur. Unsere
Medien, die Verbreitung von Musiklesen und -schreiben durch die Schulen,
die ungarische Art zu sein zu wecken. Parallel dazu ist es notwendig, das
Niveau des allgemeinen Geschmacks in Bezug auf Musik.
Características
[Link] das Folklore als Grundlage
[Link] rhythmische Silben

[Link] die Phononymie, die es den Kindern ermöglicht, zu singen, ohne die Noten zu kennen.
geschrieben: der Lehrer solfiziert, die Kinder machen die Phononymie
[Link] rhythmische Element wird durch die Lieder eingeführt.
[Link] Sie das "relative Solfeggio", das einen Transposition auf den ersten Blick besteht.
Betrachte das „do“ als Anfangston aller Dur-Tonleitern. Die Kinder
Sie beginnen, Musik mit dem System des 'relativen Solfeggio' zu lesen und assoziieren nur.
Das grafische Bild der Noten mit den Buchstaben des Alphabets, wenn sie bereits beherrscht werden.
der Gesang im relativen Solfège.
[Link] Hand als Notenblatt, bei dem jeder Finger eine Linie darstellt und zwischen den
dedos los espacios.
Eine andere Möglichkeit, die Noten zu schreiben, ist mit den Anfangsbuchstaben ihrer Namen darunter.
von den rhythmischen Figuren, die in einer einzigen Linie dargestellt sind.
 1.3.3. Die Orff-Methode
Carl Orff, deutscher Komponist und Orchesterdirigent. Seine Methoden von
Lehre, als Schüler von Dalcroze, sind in seinem „Schulwerck“ dargelegt.
Seine Methodik basiert auf der Beziehung zwischen Rhythmus und Sprache; sie lässt die Musik fühlen.
bevor man sie lernt: auf vokaler, instrumentaler, verbaler und körperlicher Ebene. Es beginnt mit dem
Namen rezitieren, Anrufe... Soll die Vorstellungskraft der Kinder wecken; sucht
Vorschläge, die dem kreativen Lehrer als Quelle und Orientierung für vielfältige dienen.
musikalische Möglichkeiten.
Orff betrachtet das Wort als den Ursprung des Rhythmus. Es werden oft Silben verwendet.
rhythmisch:

Ähnlich wie Kodaly nimmt Orff die Elemente seiner Methode aus dem Folklore.
aus seinem Land (Deutschland) und seiner Tradition.
Proceso de este método
1. Ab von dem Wort für
[Link] Phrase erreichen
[Link] Satz wird an den Körper (Schlaginstrument) übertragen
[Link] la percusión corporal
[Link] zur kleinen Schlaginstrumenten
6.Übertragen auf die Instrumente mit festgelegter Höhe
Die Orff-Instrumentierung zielt darauf ab, nicht nur die Bedürfnisse zu erfüllen.
ausdrucksvolle des Kindes, durch die Ausführung eines bestimmten Instruments, sondern auch
seine Teilnahme an der Gruppe, die Improvisation und Kreativität zu fördern. Die
Die Merkmale dieser Instrumentierung sind: die Qualität, die angemessene Größe für das Kind,
einfache Handhabung, Vielfalt und Vielseitigkeit. Diese Instrumente ermöglichen Begleitungen
mit Ostinatos, Bordunen oder mit einer einfachen Harmonie mit Grundakkorden (I – IV –
V).
Orff-Instrumente
- PAI: maracas, triángulo, crótalos, güiro, caja china, pandero, pandereta,
Klingeln...
- PAD: Glockenspiele, Xylophone und Metallophone, Pauken...
Flautás de pico, hauptsächlich Sopran
Die Elemente der musikalischen Struktur werden durch folgendes erlangt
Verschiedene Märsche und Bewegungen (nach Dalcroze). Die Bewegung entsteht aus den
eigene Ressourcen des Kindes, auf natürliche Weise: gehen, rennen, springen, sich drehen...
Bewegung und Körperpercussion werden oft mit dem Ausdruck des Körpers in Verbindung gebracht.
sowohl mit Verschiebung als auch ohne.
 1.3.4. Die Willems-Methode
Willems konzentriert seine Aktivitäten auf das Spiel, durch das er entdeckt
Innere Rhythmen und untersucht die instinktiven, emotionalen und mentalen Ebenen des Kindes.
Willems: „Es wäre oberflächlich und falsch, die Musik mit einem Tempel zu vergleichen,
y los elementos fundamentales de una obra de arte con los materiales utilizados en ella.
Die konstitutiven Elemente der Musik sind an sich lebenswichtige Elemente der Ordnung.
körperlich, emotional und mental
Al auf die Natur beziehen
von der Musik, Musik Menschliche Natur wir denken an euch drei
Elemente Ritmo Physiologisches Leben (Aktion) fundamentales: der Rhythmus, die
Melodie y la Melodie Gefühlsleben (Empfindlichkeit) Harmonie. Das ist dreifach
Aspekt de die Harmonie Geist Leben (Wissen) Musik dessen Zugang
es fällt leicht in der Praxis täglich wir
erlaubt, Parallelen zur menschlichen Natur zu ziehen, da diese Elemente
respektive steuerlich der physiologischen, affektiven und mentalen Lebensbereiche.

Die Eltern und Pädagogen sollen die Wichtigkeit eines

musikalische Erziehung, die auf die wesentlichen Fähigkeiten des Menschen Einfluss nimmt. Die
Musikalische Praxis strebt danach, ein kulturelles Element zu sein, das gleichzeitig Einfluss auf die
Sinne, das Herz und der Geist, die harmonisch vereint werden.
Phasen des Musikunterrichts
[Link] sensorische Entwicklung
[Link] des rhythmischen Instinkts
3.Pädagogisch ausgewählte Lieder
[Link] des „Tempos“ und des „Charakters“ durch Märsche
Die Willems-Methode konzentriert sich auf das Hören, da dies die
die eigentliche Natur der Musik, und durch sie muss das Kind motiviert werden.
Die Methode richtet sich besonders an den Beginn der Bildung.
musikalisch, obwohl die angenommenen Prinzipien für jede musikalische Bildung gültig sein sollten.
Die konkreten Grundlagen müssen gesichert werden, bevor die Studie beginnt.
des Solfegios. Wenn die musikalische Entwicklung gut geführt wird, kann man dann zu den
abstrakte Erfahrungen, ohne auf extramusikalische Mittel zurückzugreifen (es ist gefährlich zu verwenden
marginale Medien und falsche Assoziationen im Unterbewusstsein schaffen, bezogen auf die Nutzung von
Farben, Entchen...).
Medien und Materialien
- Vielfalt an Materialien für die auditive Arbeit: Glocken, Schellen, Rasseln,
klingende Gläser, Hämmer, irgendwelche Objekte, Kolbenflöte, Sirenen, Ansprüche,
Intratonal-Carillon, harmonische Rohre, formale Instrumente...
Die diatonische Skala
- Das natürliche Klatschen der Rhythmen, unter Berücksichtigung der pendelartigen Natur von
los de dos tiempos und rotatoria von den dreien

1.3.5. Die Martenot-Methode

Französischer Komponist und Ingenieur. Das Kind zeigt die "gleichen Reaktionen"
psicosensorialen und motorischen Fähigkeiten, die der primitive Mensch hatte", weshalb man daran arbeiten muss
Instinkt des Rhythmus in seinem reinen Zustand. "Der Geist vor dem Wort, das Herz vor
der Verstand
Postulat: "Bei der Arbeit ist das Kind in der Lage, Anstrengungen zu entwickeln.
intern gehalten durch spontane Impulse; aber es wird nicht in der Lage sein, das zu halten
Esfuerzo, wenn keine relativen Ruhepausen eingelegt werden." Daher sucht er nach intensiven Anstrengungen, aber von
kurze Dauer.

Ziele
1. Die Musik lieben lassen
[Link] musikalische Entwicklung in den Dienst der Bildung stellen
[Link] Entwicklung des Seins fördern
[Link] Mittel, um die Energien zu kanalisieren
[Link] theoretischen Kenntnisse lebendig in musikalischen Spielen vermitteln
[Link] Auditorien für Qualität bilden
Bei den Aktivitäten dieser Methode müssen folgende Punkte durchgeführt werden:

a) Stille Spiele
b) Innere Audition
c) Übungen basierend auf der Verwendung der Sprache
d) Sensorische Ausbildung
Die "rhythmischen Echos", mit der Silbe "la", sind vorgeschlagene rhythmische Zellen
por el maestro que deben terminar en un valor prolongado para el reposo. Imitar y repetir
Eine Formel entwickelt das Sinnesorgan. Ebenso beginnt man mit der Intonation von der
Imitation. Die Silbe "nu" kann steigen oder fallen, während sie die Bewegung folgt.
melodisch mit der Geste. Die "Entspannungsübungen" und die "Stille-Spiele" sind
auch typisch für diese Methodik.

1.3.6. El método Ward

Justine Ward konzentriert ihre Methodik auf die Stimmbildung. Sie berücksichtigt drei
Grundlegende Elemente, die in jeder gesungenen Musik zu berücksichtigen sind: Kontrolle der Stimme,
perfekte Stimmung und präziser Rhythmus. Diese Methode betrachtet die Stimme als das Instrument
Wichtiger. Jeder Ton muss klar, rein, eindeutig, mit einer leichten und agilen Stimme erzeugt werden.
Diese Autorin wurde inspiriert, als sie in einer katholischen Kirche einen Kinderchor hörte.
Gregorianischer Gesang.
Es erfolgt eine Klassifizierung der Stimmen, je nach Grad von
Erworbene Perfektion, aber niemand wird ausgeschlossen, sondern es wird angestrebt, dass alle
Kinder sollen die größtmögliche Perfektion erlangen:
I. Optimal: gute Stimme und Rhythmusgefühl
II. Regulares: gute Stimme und regelmäßiges Rhythmusgefühl oder gutes Rhythmusgefühl und
reguläre Stimme
III. Sie haben eine schlechte Stimme und ein schlechtes Rhythmusgefühl
Die Methode verwendet eine verschlüsselte Notation, die einer Höhe entspricht
relativ von jeder Dur-Tonart. Die Klänge werden körperlich dargestellt, und ihr
Die graphische Darstellung erfolgt durch Zahlen von 1 bis 7 (die 7 Noten der Skala).
Ward: "Der Rhythmus existiert nur, wenn man zwei Elemente in Beziehung setzt: ein
Impuls und ein Fall (Arsis und Thesis).

1.3.7. Die Suzuki-Methode

Schinichi Suzuki konzentriert seine Methodik auf das spezifische Lernen.
von der Technik der Violine. Ihr Motto ist "lernen durch Zuhören".
 Prinzipien
1. Der Mensch ist Produkt seiner Umgebung.
[Link] eher, desto besser, beim gesamten Lernen
[Link] Wiederholung der Erfahrung ist wichtig für das Lernen
[Link] los maestros como los padres deben continuar desarrollándose para que el
das Kind sich in einer förderlichen Umgebung für sein Lernen befinden kann und
Entwicklung.
Das Violinspiel sollte etwa im Alter von 3 oder 4 Jahren begonnen werden, da
que el violín educa el oído y el niño aprende por imitación.
Sein Anfang erfolgt mit einfachen rhythmischen Motiven auf den Saiten.
1. und 2. in der Luft. Anschließend wird er passende Stücke auswählen, die von Suzuki ausgewählt wurden, in
Diejenigen, die auf den reinen Klang, deren Ausdruckskraft und Musikalität achten.
Es ist eine individuelle Methode (eine wöchentliche Einzelstunde). Die Kinder
lernen besser, indem sie andere Kinder ihres Alters beobachten, die die gleichen Übungen durchführen, deshalb
was sich zu einer Methode der gruppenbezogenen Intervention entwickelt und die Kohäsion und die
Kameradschaft (alle 15 Tage treffen sie sich und bilden kleine Gruppen).
Die musikalische Schrift wird beginnen, sobald das Kind erworben hat ein
sichere Beherrschung des Instruments.
Suzuki hält die Familie in der musikalischen Erziehung für unerlässlich, und
Engagiert aktiv die Eltern vor und während des gesamten Prozesses.

1.3.8. Die Elizalde-Methode

Spanische Beitrag, der tatsächlich keine neuen Ideen bringt, sondern dass,
Ausgehend von dem beliebten spanischen Lied, strukturiere die Inhalte.
Nutze die Phononomie, indem du die Positionen von Chevais einsetzt. Als Ressource.
rhythmisch, verwendet die folgenden rhythmischen Phoneme oder Silben:

1.3.9. Mª Montesori
Hervorhebt die musikalische Bildung für die Kleinsten sowie die
Bedeutung der Entwicklung der auditiven Sensibilität.
Schlägt die Verwendung verschiedener Materialien und Klangobjekte für den
Entwicklung des Hörsinns: Holz, Pappe, Metall, Kästchen voller verschiedener
Materialien zur Unterscheidung von Klängen, Höhen, Intensitäten...

2. ANALYSE UND PROJEKTION DERSELBEN IN DER BILDUNG

SCHULMUSICAL

2.1. DIE PÄDAGOGISCH-MUSIKALISCHEN STRÖMUNGEN DES 20. JAHRHUNDERTS: ANALYSE

Y PROJEKTION DERSELBEN IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG
SCHÜLER
 2.1.1. Analyse der pädagogisch-musikalischen Strömungen des 20. Jahrhunderts in der
Schulische Musikausbildung
Maneveau: „Alle diese Methoden haben das Verdienst, die Bildung zu gründen.
musikalisch in der unmittelbaren Erfahrung und in der Praxis der Handlung, dem Rhythmus das gewährend
Leitpapier. Aber sie beruhen nicht auf einer ausreichenden Analyse der Komponenten des
Rhythmus und seine Effekte. Andererseits sind die ausgeübten Rhythmen die der Musik.
traditionell.
Sie haben auch das Verdienst, auf dem Gesang und auf einigen zu basieren
einfache und unmittelbare instrumentale Praktiken. Aber sie bleiben im tonalen System eingekerkert.
die verpflichtenden Grenzen hat.
Auch Maneveau weist auf einige schwache Aspekte hin, die die Einschränkung der
Wirksamkeit dieser verschiedenen Methoden:
1. Sie beginnen mit „einer“ Musik, nicht mit „der“ Musik
[Link] vermeiden nicht das Hindernis des Solfeggio
[Link] führen nicht in die Musik oder in die Musik von heute ein.
[Link] zielen zunächst darauf ab, Leser zu formen.
[Link] sind in ein kohärentes System eingeschlossen.
Trotz der negativen Aspekte muss man sehr positiv hervorheben
seinen Beitrag zur musikalischen Bildung, indem er die strengen Gewohnheiten durchbrach, die er hatte
traditionelle Lehre und die Lehre durch die Freude am Spiel anzugehen wie
instrumento metodológico y no como finalidad.
Ebenso müssen die verwendeten methodologischen Instrumente
als bloße Hilfsmittel angesehen werden und nicht als Zweck an sich selbst (zum Beispiel, die
fononimia).

2.1.2. Projektion der pädagogisch-musikalischen Strömungen in der Bildung

Schulmusical
Die musikalische Aktivität im schulischen Umfeld, inspiriert von den neuen
pädagogisch-musikalische Strömungen, sollte das Singen, den Rhythmus, die Bewegung, die
Instrumentalpercussion und einfache Instrumente mit bestimmtem Klang, wie die Flöte und
das kleine elektronische Keyboard...
Es sollte mit den einfachsten musikalischen Elementen begonnen werden; man muss
den Kindern das Empfinden für den Klang und seine Eigenschaften, für den Rhythmus und das
Bewegung, der muskalischen Interpretation, die Kreativität und Improvisation fördernd,
und die Erfahrung des musikalischen Werks (die aktive Wahrnehmung).

2.2. DIDAKTISCHE ANWENDUNG DER VERSCHIEDENEN MUSIKMETHODEN

ZU DEN VERSCHIEDENEN ZYKLEN DER GRUNDBILDUNG
Referenz: "Didaktische Anwendung" vorgeschlagen von der Professorin Elisa Márquez
Ramos in seinem "Lehrerprojekt" (1989).

A) INHALTE
FRÜHEN KINDHEIT UND ERSTER KREIS
Rhythmische Erziehung
Dalcroze-Methode verschiedene Werte durch das Gehör unterscheiden
sich ihnen anpassen die Bewegung
sie grafisch erkennen
Improvisation
Orff-Methode aus dem Wort als rhythmusgenerierende Zelle
 Namenserien, Anrufe, Ausrufe, Reime, Sprichwörter
Körperpercussion
Ostinati und rhythmische Echos
rhythmische Fragen und Antworten
Rhythmus, Puls und Akzent
rhythmische Improvisation
rhythmische Instrumente
Willems-Methode Körperrhythmus
Audition von Körperrhythmen mit Unterscheidung der Timbres
Kodály-Methode { die Verbindung von Rhythmus mit der Klanghöhe
Stimmbildung
Orff-Methode: Rhythmische Struktur des Textes durch Puls, Betonung und Rhythmus
Intonation des Liedes mit „la“
Lied mit Text
Kodály-Methode absteigender kleiner Terz-Intervall
Fononimie
pentatonische Skala
Lieder, die auf folklorischen und nationalen Themen basieren
Methode Martenot { traditionelles Kinderliederbuch
Hörbildung
Orff-Methode aufsteigende und absteigende Intonation der Skala
melodisches Zeichnen
melodische und rhythmische Diktate
Willems-Methode Entwicklung des Hörens
Erkennung von Höhe und Intensität (tief-hoch)
starkes Klavier
schnelle oder langsame Bewegung
bewegte Klänge
Gedächtnis der Klänge
Körperrhythmen hören und innere Wahrnehmung
Aufmerksamkeitsspiele
Kodály-Methode musikalische Diktate
Audition der gesungenen Melodien
Martenot-Methode Stille Spiele
Innere Hörfähigkeit
Melodienerkennung
Dauer der Klänge
Höhe der Klänge
Audition von Klangfarben
harmonisches Hören
Bewegungen der Klänge
Musikdiktate
Instrumentelle Bildung
Orff-Methode Orff-Instrumentarium
Wartung des Tempos
Suzuki-Methode die Geige
Musikspiele

ZWEITER ZYKLUS
Rhythmische Erziehung
 Dalcroze-Methode Übungen, die die Aufmerksamkeit fördern
Vorbereitung und Übung des Körpers
Reaktionsübungen
Mengenübungen: der Raum
Übungen zur individuellen Ausdrucksweise

Gesangliche und auditive Erziehung

Kodaly y Martenot melodía: escala pentatónica; identificación de notas,
partida: sol-mi
ritmo: pulso, cartones de ritmo, acento
Harmonie: Gesang in zwei Stimmen, Kanons, musikalische Spiele
forma: clave, línea melódica, estructura

DRITTE STUFE
Die Erfahrung des Gesangs und der Musik nach Kodály
Repertoire von Liedern aus der Volkstradition
Musik Auditionen
Chorgesang

B) AKTIVITÄTEN
FRÜHE BILDUNG UND ERSTE STUFE

Rezitation von Worten

Beginn des Intervalls der kleinen Terz, mit phonomimischem Gestus
Studium der pentatonischen Skalen
melodische Zeichnungen einer Melodie
bekannte Lieder erkennen
Mit geschlossenen Augen in die Luft zeichnen und mit den Händen die melodische Bewegung.
von dem Lied, das sie hören
Es werden abwechselnd verschiedene Klingeltöne ertönen; jedes Kind soll das aufschreiben, was es hat
escuchado
hacer escuchar cuatro campanitas, sin mirar deben adivinar qué campanita toca
einige Takte eines Liedes zu verinnerlichen. Auf einen Klaps des Lehrers müssen
wieder am richtigen Ort erscheinen

ZWEITER UND DRITTER ZYKLUS

Der Lehrer spielt rhythmische Formeln; die Kinder tanzen dazu.
Die Schüler lernen und wiederholen Lieder, die das Intervall sol-mi enthalten.
es beginnt, um die Grundlagen der relativen Solfeggio zu legen
Die Kinder bewegen sich im Rhythmus des regelmäßigen Pulses.
Mit den Rhythmuskarten üben sie Kombinationen aus Vierteln und Achteln.
Gesang der Kanones
 harmonische Diktate
Als Abschluss die verschiedenen Methoden, die in den verschiedenen Aktivitäten verwendet werden sollen
sind die folgenden:
Zur Vorbereitung eines Gesangs: Kodaly
für die Instrumentierung: Orff
für die Bewegung: Dalcroze
für die innere Audition: Martenot
Wir können auch auf zwei Aktivitäten des Verfahrens verweisen.
Martenot wirklich wichtig, um sie in die Praxis umzusetzen:
1. Die Entspannungsübungen
1º) Lassen Sie die Kinder sitzen oder sich hinlegen. Sie schließen die Augen und machen in Stille.
eine tiefe Inspiration, werden die Luft halten und sie dann ausstoßen, während sie
Versuche, den Teil des Körpers zu entspannen, auf den du deine Aufmerksamkeit richtest. Durch dieses
Die Aktivität stärkt die Konzentrationsfähigkeit.
2º) Ihnen zu sagen, dass sie sich "wie eine Stoffpuppe" bewegen sollen: aufrecht, mit leicht gespreizten Beinen.
getrennt, den Körper lockern und mit Elastizität bewegen
3º) Stehend sollen sie langsam die Arme nach oben heben, als ob sie versuchen würden
einen Gegenstand nehmen, der sehr hoch ist und zerbricht, weshalb die Kinder herunterkommen werden
Die Arme werden sich nach unten gleiten.
Aktivitäten, die sich auf die Entspannung bestimmter Muskeln konzentrieren, wie zum Beispiel in der schnellen
Dehnung und nachfolgende Entspannung dieser
2. Die Spiele der Stille
Es ist angemessen, diese Aktivität nach den Entspannungsübungen durchzuführen. Ausgehend von einem
gemütliche Situation in völliger Stille, werden die Augen schließen und versuchen, alles zu erkennen und
jede der Geräusche, die außerhalb des Klassenzimmers entstehen.

2.3. DIE MUSIKBILDUNG IN DER WIRTSCHAFTSGEMEINSCHAFT

EUROPÄISCH
2.3.1. Allgemeine Leitlinien der Musikalischen Bildung in der C.E.E.
Am 5. November 1987 hat das Europäische Parlament genehmigt
Einigkeit über den "Entschließungsantrag", der aus einer Reihe von 5 bestand.
Vorschläge. Das Set dieser 5 Vorschläge bildete eine Einheit und wurde als eine einzige präsentiert.
Vorschlag mit dem Titel "Vorschlag für eine Resolution zur Lehre und Förderung der
Musik in der Europäischen Gemeinschaft
A. Positives kulturelles Ergebnis des Europäischen Jahrs der Musik, erklärt
1985 von der Europäischen Gemeinschaft und vom Europäischen Rat auf Vorschlag des
Europäisches Parlament, das die europäische Musik "von Bach bis Rock" umfasste
B. In Anbetracht dessen, dass trotz des positiven Bilanzs noch immer vorhanden sind
Viele Probleme in Europa bei der Organisation des Musiklebens und der
Unterricht von Musik in den Schulen
C. Die zunehmend wichtige Rolle der Musik in der Gesellschaft bewerten
modern
D. Bewusst, dass die europäische Musik in Europa ein echtes und ...
wahre "gemeinsame Sprache", weshalb es ein entscheidendes Element werden kann
für die kulturelle Vereinheitlichung Europas
E. Feststellend, dass ein umfangreiches Musikvermögen der Vergangenheit der "ernsten" Musik,
Beliebt und folkloristisch wartet immer noch darauf, entdeckt zu werden.
F. Die Diskrepanz zwischen der reichen Sprudelfähigkeit der Gesellschaft und der
unzureichende politische Initiative bei der Organisation der Musik
Propuestas:
[Link] wird angenommen, dass sowohl die Europäische Gemeinschaft als auch jeder Staat Maßnahmen ergreifen müssen.
Maßnahmen zur Dezentralisierung der öffentlichen Finanzierung und der Strukturen
Musicals, um die Randgebiete und weniger entwickelten Regionen mehr zu fördern.
wirtschaftlich, um Musik zu konsumieren und Musikstudiengänge zu studieren
[Link] que las legislaciones nacionales garanticen la enseñanza de la música en
alle Schulen in der Pflichtschule und die organisierte als Wahlfach in
die folgenden Etappen
[Link]ücksichtigen Sie, dass diese Gesetzgebungen folgende Hauptziele haben sollten:
die effektive Schutz von Talenten gewährleisten, die Musikkarrieren erleichtern,
Die Präsenz von Musik und musikalischer Kultur in der Ausbildung und im
das Leben aller Bürger der Gemeinschaft
[Link]ücksichtigen Sie die pädagogischen und didaktischen Methoden des Musikunterrichts
Sie sollten in den Schulen darauf abzielen, das Kind zu erziehen, damit es die Musik versteht.
innerhalb ihres sich entwickelnden kulturellen Horizonts; in den Instituten müssen
zart zur Überwindung jeglicher technischer Einschränkung und um zu erreichen, dass die
Studierende sollen in der Lage sein, sich den Problemen der Forschung zu stellen.
historisch, die Beziehung zwischen der Musik und den anderen Künsten...
11. Fordert die Kommission auf, Projekte zur Erweiterung der Nutzung zu entwickeln und zu finanzieren.
therapeutische Musik bei psychophysischen Defiziten, Störungen
Psychomotorik, Anpassungsprobleme und andere.
Zusammenfassend sind die wichtigsten Aspekte, die hervorgehoben werden sollten, die am meisten betreffen

direkt zur verpflichtenden Musikbildung gehören die folgenden:

die Lehre von Musik an allen Schulen zu gewährleisten
Die Methoden des Musikunterrichts sollten an den normalen Schulen darauf abzielen, ...
Das Kind erziehen, damit es die Musik in seinem eigenen Horizont versteht.
kulturell
- Projekte entwickeln und finanzieren, um den therapeutischen Einsatz von Musik auszubauen
Besondere Bildung

2.3.2. Die Musikausbildung in Deutschland

Base: “La Educación Musical en la República Federal Alemana” del
Professor Egon Kraus (1990).
a) Bedeutung und Ziele der Musikausbildung in Deutschland: der Unterricht
Musik fördert die kreativen Fähigkeiten des Kindes. Dies wird geschehen, wenn
Die Musikpädagogik wird nicht als ein subsidiäres technisches Fach betrachtet.
(Gesang), sondern eher als Teil der gesamten ästhetischen Erziehung. Auf diese Weise
wird Teil des Bildungskerns
b) Die Methodik: Das Kind begreift die Musik als Ganzes, als eine Einheit
inseparable de la palabra, tonos y movimientos rítmicos. Esta totalidad logra su
Angemessene Form in den Liedern und Spielen des Kindes
c) Bedeutung des Liedes: Im Unterricht sollte eine Brücke von der authentischen
Volkslied zu den Liedern unserer eigenen Zeit (musikalische Pädagogik von
Die musikalischen Elemente werden nicht in Skalen und Akkorden gelernt, sondern auf
beginnend mit dem Kinderlied
d) Die Inhalte: Der Unterricht in der Lese- und Schreibfähigkeit von Notizen ist heute eines der
viele Aufgaben, die in einer integrierten Form dargestellt werden, anstatt nacheinander.
Der Gesangstrainings, das Gehörtraining, die rhythmische Ausbildung, die
Improvisation, der Anbau des Volksliedes, die instrumentale Begleitung
 und musikalische Literatur. Ebenso gibt es in den melodischen und rhythmischen Übungen
Priorität auf den Wert der individuellen Entdeckungen und Schöpfungen des Kindes
e) Die Instrumentierung: Der Musikunterricht beschränkt sich nicht auf den Gesang. Er nutzt auch
Die Schlaginstrumente. Die Hände und die Füße werden als Punkte verwendet.
natürliche Ausgangsmaterialien der rhythmischen Ausbildung. Die Schlaginstrumente,
Wie Xylophone und Metallophone dienen sie als Brücke vom Rhythmus zur Melodie. Die
Das Werk von Carl Orff war ein großer Anstoß auf diesem Gebiet.
f) Stundenpläne: Ab dem dritten Jahr verlangen die Grundschulen zwei Stunden.
wöchentliche Musikunterricht. In den ersten zwei Jahren ist der Unterricht
integriert, ohne sie in separate Fächer zu unterteilen. Für den Gesang und Gruppen
Instrumentale nehmen spezielle Stunden in Anspruch, normalerweise zwei pro Woche.
g) Das Lehrpersonal: der Musikunterricht in der Grundschule obliegt dem
ordentlicher Professor der Klasse.
Zusammenfassend: die bedeutendsten methodologischen Aspekte in Deutschland:
- betont die Bedeutung des Gesangs
- hebt die Bedeutung von Improvisation, Kreativität und der
rhythmische Erziehung
- Betrachten Sie die instrumentale Begleitung als unverzichtbar für die
Musikbildung, und als Brücke zwischen Rhythmus und Melodie

2.3.3. Die Musikbildung in Ungarn

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die musikalische Ausbildung in Ungarn gering.
der größten Teil der Bevölkerung. Kodály und Bartók führen eine Sammlung von der
música folklórica húngara (1905-1906). El objetivo general perseguido fue el de enseñar
a la gente educada a ser húngara y educar a los millones de húngaros. Se recopilaron
100.000 Volkslieder.
Die musikalische Erziehung des Volkes war die größte und bedeutendste Aufgabe.
Folkloristische Musik wurde zur Grundlage für die schulische und berufliche Musikbildung.
Gründe für diese Tatsache:
Kodaly glaubt, dass alle Kinder zuerst ihre Musiksprache lernen sollten.
materna und somit über diesen Weg Zugang zur universellen Sprache der Musik erhalten. Die Musik
Folklore ist familiär. Jedes Kind, das folkloristische Lieder gehört hat,
Eltern oder Großeltern, wenn sie anfangen, Musik zu lernen, werden sie die Musik fühlen
Folkloristik als ein natürliches Fach der Lehre; der Unterschied besteht darin,
was die Kinder bis jetzt spontan und unbewusst gesungen haben,
wird von da an Teil des Lehrprozesses werden
2) Die folkloristische Musik erfüllt nebenher eine Funktion der eigenen Bildung.
Die nationale Musikkultur spielt ebenfalls eine entscheidende Rolle in der
Musikpädagogik
3) Die Folkloremusik ist eine lebendige Musik und stellt eine endlose Reihe von
Kunstwerke. Die einfachen Formen der Folkloremusik und die Komplexitäten von
la música culta comparten la misma profundidad y sinceridad de contenido.
Bartók und Kodály haben die ungarische Volksmusik an ihren Platz gebracht
Zentrale aller Aktivitäten, die eine Wiedergewinnung der Vergangenheit erreichen, eine reiche
Öffnung zur zukünftigen Musik und ein Wissen und Anerkennung ihres Folklore
musical a nivel europeo y mundial.
Merkmale des Musikunterrichts in Ungarn: der Ausgangspunkt und
Die Grundlage der musikalischen Ausbildung ist der ungarische Folkore. Jedes Jahr lernen sie etwa
30 Lieder. In höheren Klassen werden sie Lieder aus dem Folklore anderer Länder lernen und
von klassischen Autoren.
 Unterricht, der auf den verschiedenen Bildungsebenen durchgeführt wird:
Frühkindliche Bildung
Lernen eines bestimmten Repertoires von Liedern
Einführung in die musikalischen Elemente: Pulsation, Rhythmus, Höhe...

Erste Klasse
Es werden drei Noten gelehrt: Sol, Mi und La. Es werden die Intervalle: kleine Terz, große Quarte und große Sekunde bearbeitet.
Um Langeweile zu vermeiden, lernt man auch Lieder, die mehr besitzen
Intervalle, aber nicht wie Notenlesen
Es werden nur die schwarzen Figuren und die Achteln im Paar, die Stille der Halben und der
Zweistufiger Kompass
Zweite Klasse
Das Lernen wird mit den Noten do, re und la grave erhöht, indem man zu den Noten kommt.
pentatonische Do, Re, Mi, Sol, La. Und wenn man sie beherrscht, kann man sich schon dem widmen
Lernen des Halbtons
es wird das Weiße und sein Schweigen gelehrt
Dritte Klasse
Die Lehre der Halbtonschritte. Am Ende dieses Kurses kennen die Kinder bereits die
sieben Grade der Skala
das Lernen der runden Form, die Synkope von zwei Zeitmaßen und der Takt von vier
Teile
Vierte Klasse
Das Ziel des vierten Jahres ist es, alle sieben Noten zu assimilieren und das Lesen zu üben.
Schrift
Unterricht der weißen Note mit Punkt und dem entstehenden Takt: der aus drei Teilen besteht
Die Einführung in die Poliphonie erfolgt durch die Kanons, die
werden im dritten Jahr praktiziert. In den höheren Klassen der Primarstufe (5., 6.)
7º und 8º), wird das relative Solfège mit dem absoluten Solfège simultan betrieben, und anschließend die
Tonarten, die Schlüsselverzierung...
Bezüglich der Lehrkräfte ist es vom ersten bis zum vierten Jahr der
mismo maestro de cada curso el que está calificado para la enseñanza de la música.
Von der fünften bis zur achten Klasse wird der Musikunterricht von Musiklehrern erteilt.
besonders vorbereitet.

2.3.4. Die Musikausbildung in Spanien

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts blieb man in Italien und Spanien ein wenig
gleichgültig gegenüber diesem Trend. In Spanien, ab dem 'Gesetz über die allgemeine Bildung' von
1970 wurde das Programm der musikalischen Bildung mit gewisser Gründlichkeit entworfen.
aber der Mangel an geeignetem Lehrpersonal ließ dieses Fach dem guten Willen des
Diensthabender Meister.
Mit der LOGSE tritt ein äußerst wichtiges Ereignis in Bezug auf die
Musikalische Erziehung, und es wird ausdrücklich deutlich, dass 'der Unterricht in der
Die Musik wird von Lehrern mit der entsprechenden Spezialisierung unterrichtet. Deshalb wird ...
Schaffe die Fachrichtung "Fachlehrer für Musikpädagogik".
Andererseits haben die verschiedenen Methoden ihren Einfluss auf
Spanien. Seit 1965 hat die schulische Bildung ihre methodologischen Quellen erhalten.
del Centro de Europa, y muchas de ellas se basan en el folklore autóctono del país de
Herkunft. Angesichts dieser Einflüsse stellen sich uns Fragen: Ist die Verwendung korrekt?
von der pentatonischen Skala in einem Land mit diatonischer Tradition? Akzeptieren spanische Kinder
Die Rigigkeit der Kodály-Methode? Entfernt sich die Dalcroze-Rhythmik nicht von der Musik in ihrer ...
 reinste Auffassung? Es ist notwendig, eine eigene Identität unserer Systeme zu suchen.
Musikalische Lehren. Als Alternative basiert die Methode Luis Elizalde auf dem Gesang.
und im spanischen Folklore.

ANHANG I – ZUSAMMENFASSUNG

Das Solfège sollte keinen Platz in der Schule haben, da es nicht als Selbstzweck existieren sollte.
das gleiche, sondern es muss zwingend mit einer instrumentalen Praxis verbunden sein. Es gibt viele
andere Möglichkeiten, Musik zu praktizieren und zu machen, die in der Lehre entwickelt werden sollten
Schüler. Das Solfège ist ein Code, der es uns ermöglicht, Musik zu lesen oder zu schreiben, und genau aus diesem Grund,
Es ist, was gelernt werden muss, nicht als Zweck an sich, sondern als Mittel.
Es ist nicht möglich, Kindern, die nicht motiviert sind, das Lesen oder Schreiben beizubringen. Mit Musik
Wir stehen vor demselben Mechanismus. Uns wird gesagt, dass man Notenlesen lernen muss, um ...
ein Instrument ansprechen. Es ist, als wollten wir einem Kind, das nicht sprechen kann, das Lesen beibringen. Man
Sie lernen die Noten, ohne Verbindungen zwischen diesen Zeichen und den Klängen, die sie darstellen, herzustellen.
Der Rhythmus wird wie mathematische Beziehungen gelernt, die nichts mit dem Leben zu tun haben.

Dieser Schnitt zwischen den intellektuellen Vorstellungen und der körperlichen Praxis ist das, was er fühlte.
vivamente Émile Jacques-Dalcroze. Apartó los bancos y empezó a hacer moverse a los alumnos
und entwickelte eine ganze Methode, die er "körperliches Solfège" nannte. Er lässt die Schüler das leben
Körperrhythmus. Das öffnet viele Türen zur Körpersprache, zum Tanz und zur
Musikschrift.
Dalcroze arbeitet an der Entspannung, der Grundlage der Methode, und an der Stille, aber auch an den
Implikationen der Rhythmik mit der Vorstellungskraft, der Gestik, dem Körpersprache.

Edgar Willems lässt sich von Dalcroze inspirieren. Er befürwortet die musikalische Erziehung von der Wiege an.
(Wiegenlieder, Liedchen) und zur sensomotorischen Sensibilisierung im Haus, wie zu den
Bewegungen zur Entwicklung des Rhythmusinstinkts. Propagiert die rhythmische und melodische Erziehung.
Vor der Instrumentenarbeit wird viel Wert auf die Gehörbildung gelegt, in der sich ...
In großem Maße Hör- und Entdeckungsspiele der Klänge. Es ist ein ganzheitliches Verfahren, das ...
Es werden Mittel eingesetzt, die von dem konkreten Klang zum Abstrakten übergehen, das heißt vom Instinkt zum Bewusstsein.
und zum Automatismus.
Er lässt singen, wobei das Singen eine synthetische Aktivität ist. Er arbeitet an der Improvisation, der
Gedächtnis, das innere Hören, das Zuhören. Dem Studium der Intervalle kommt ein wichtiger Platz zu.
und den intratonalen Raum für die auditive Entwicklung.
Das Studium des Rhythmus erfolgt durch Körperbewegungen. Man muss das Leben leben
„realer Rhythmus“ um Rhythmen schreiben zu können.

Die Methode des Komponisten Karl Orff wurde vom "Kindheitsvolkstum" und von
Die Musik der Antike. Ausgehend von dem Prinzip, dass das Kind ontogenetisch durchläuft
die gleichen Etappen der Menschheit, denke daran, dass Musik für Kinder am Anfang sein sollte,
eine elementare Musik.
Die Studie des Rhythmus ist der Ausgangspunkt, mit der Assoziation Rhythmus-Worte. Der Rhythmus ist
lebe körperlich (Schläge, Klapsen auf die Oberschenkel, mit den Füßen), aber auch
instrumentell, durch ein „Instrumentarium“, das Orff speziell konzipierte, damit es
für Kinder zugänglich und von guter Klangqualität.
 Zu Beginn verwendet Orff zwei Töne (absteigende kleine Terz); nach und nach kommt er zu
fünf, die eine pentatonische Skala bieten, an der er lange arbeitet. Das heißt, dass
Es gibt eine Progression in der Arbeit, die vom Wort zum Rhythmus und von diesem zur Melodie führt.
La improvisación es uno de los aspectos mayores del Schulwerk. Una gran parte del
Arbeit erfolgt anhand von Texten. Die Notation wird eingeführt, nachdem das Kind...
ein sehr lebendiges Wissen über jedes Problem erworben. Zunächst sind es der Klang, die Rhythmen und
ausschließlich nach den Symbolen.

Die Kodály-Methode wurde in Ungarn geboren. Zoltan Kodály entwickelte zusammen mit Bartók eine enorme
Forschungsarbeit über die ungarische Folklore, in der ihre Lehre verankert ist. Es ist ein
globaler und intuitiver Ansatz, der dem Rhythmus und dem inneren Hören den Vorrang gibt. Er bietet großen
Wichtigkeit der Verwendung von Phononimie und Solmisierung. Sobald die Kinder...
aprendido fórmulas rítmicas, aprenden globalmente su escritura, su análisis. Los niños hacen
viele rhythmische Spiele und es kommen polyrythmische Kreationen zustande.
Para trabajar la melodía, Kodaly utiliza la fononimia. Los niños pueden realizar cantos a
zwei oder drei Stimmen ohne zu wissen, wie man Musik liest. Ihre Arbeit basiert vor allem auf der Skala
pentatonisch. Es beginnt mit dem Bewusstsein für die "Beziehungen" (Intervalle), wobei die
Erstens, wie bei Orff, die dritte absteigende sol-mi. Die Improvisationsarbeit hilft dabei
den tonal-modalem Sinn, den Formensinn und den harmonischen Sinn entwickeln. Diese Methode ist
verwendet seit der Vorschule.

Die Methode Martenot beschäftigt sich getrennt mit dem Studium des Rhythmus, der Intonation, der
Hörverständnis und Lesen. Für die mündliche Arbeit zieht Martenot die gesprochene Stimme der
Instrumente. Verwendet rhythmische "Verzauberungs"-Formeln, die verkettet werden können, wobei
berücksichtigen Sie das natürliche Tempo des Kindes (schneller als das des Erwachsenen). Die Formeln wiederholen sich
vokal während das Kind den Takt mit seinen Händen schlägt (motorische Dissoziation). Eine
Sobald die Kinder diese Dissoziation erworben haben, nähern sie sich dem rhythmischen Lesen, indem sie die
Pulsation. Ebenso für das gesprochene Lesen der Noten.
Gleichzeitig wird das freie Singen geübt, das mit Gesten verbunden ist, um zum Singen zu gelangen.
bewusst unter der Leitung eines Regisseurs. Beide entwickeln den inneren Gesang und die Atmung.
Die innere Hörfähigkeit entwickelt sich durch Gesangs-, Nachahmungs- und Hörübungen. Martenot
Unterscheide zuerst zwischen rhythmischer Improvisation und melodischer Improvisation.

El método Ward ha sido creado con el fin de llevar la música a la escuela. Los niños
aprenden a utilizar su voz para producir sonidos. Se les conduce a reconocer en las canciones
die Elemente, aus denen sie bestehen. Sehr bald singen, erkennen und schreiben sie kleine Sätze.
Musikstücke, und sie können einfache Diktate machen. Sie lernen, mit diesen Vorstellungen zu spielen, um zu erreichen
Musik "für sie" komponieren. Die Arbeit ist im Wesentlichen vokal. Die Notation der Höhe wird
Es wird mit Zahlen gearbeitet, die die Grade der Skala darstellen. Sie werden mit Zahlen Höhen notiert.
relativ und nicht die absoluten Höhen.

Wir haben eine Übersicht über die wichtigsten aktiven Methoden gemacht. Sie werden so genannt, weil
Alles fördert die Teilnahme des Kindes, und es basiert nicht auf theoretischem Wissen, sondern auf dem
Im Gegenteil, sie lassen leben und Erfahrungen machen, um später zur Analyse auf Basis zu gelangen.
konkret. Gleichzeitig sind diese Methoden das Ergebnis einer persönlichen Schöpfung, sie sind
abgewichen von den verschiedenen Personen, die sie benutzen. Man muss auf die Vorstellungskraft zurückgreifen, um
die Essenz der Methode zu übertragen und sie nicht in ein Kochbuch zu verwandeln. In den meisten Fällen
In diesen Methoden spielt der kollektive Ausdruck eine hervorgehobene Rolle. Die Körperbewegungen
sind sehr wichtig.
 Alle diese Methoden fördern auch die Improvisation.
Das Ziel dieser Methoden ist es, die Kinder zum Erwerb eines musikalischen Codes zu bringen. Diese
Die Aneignung der Notions des Solfeges erfolgt relativ schnell in Ward. Gleichzeitig,
Es ist evident, dass die Freiheit des Lehrers bei Dalcroze, Willems und Orff viel größer ist als bei
in Martenot, das viel mehr als Lehrmethode mit einer Progression konzipiert ist
estricta.
Wir können nicht sagen, dass es eine gute Methode und eine schlechte gibt. Was an allen interessant ist,
es la voluntad de salir de los esquemas tradicionales. Ahora les toca a los enseñantes hacer gala
de Vorstellungskraft, um zu versuchen, zu vermeiden, dass sie sich in ein rigides und sklerotisches Modell verwandeln.

ANHANG II
Sobald die Methoden bekannt sind, wählen wir das aus, was uns am meisten interessiert:
- Dalcroze-Methode: der Körper als Vermittler in Reaktionsspielen =
Übungen zur motorischen Reaktion auf Musik
- método Willems: juegos de discriminación auditiva = tambor, reclamos,
Glocken, Klangboote...
- método Orff: trabajo instrumental, la utilización de los ritmos del lenguaje
- Kodály-Methode: Systematisierung des Lernens von Lese- und Schreibfähigkeiten und der
systematische Ausbildung des Ohrs, die davon abgeleitet ist
 THEMA 8

DIE MUSIK ALS TEIL DER INTEGRALEN ENTWICKLUNG DES KINDES.

FUNDAMENTOS PSICOPEDAGOGISCH DE LA EDUCACIÓN MUSICAL.
MUSIKENTWICKLUNG UND MUSIKUNTERRICHT.

1. DIE MUSIK ALS TEIL DER INTEGRIERTEN ENTWICKLUNG DES KINDES

1.1. EINLEITUNG
1.2. BEITRAG DER MUSIK ZUR INTEGRALEN ENTWICKLUNG DES
JUNGE
1.3. NÜTZLICHE ANWENDUNGEN DER MUSIK FÜR DIE INTEGRALEN ENTWICKLUNG
DEL NIÑO EN EL PLANO EDUCATIVO

2. PSYCHOPÄDAGOGISCHE GRUNDLAGEN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

2.1. INTRODUCCIÓN
2.2. PSYCHOPÄDAGOGISCHE FUNDAMENTE
2.3. INTERVENTIONSPRINZIPIEN
2.4. DAS KOGNITIV-EVOLUTIONÄRE MODELL

3. MUSIKALISCHE ENTWICKLUNG UND MUSIKUNTERRICHT

3.1. MUSIKENTWICKLUNG UND MUSIKUNTERRICHT:
ALLGEMEINES
3.2. WANN SOLLTE DIE MUSIKAUSBILDUNG BEGINNEN?
3.3. Musikalische Entwicklung des Babys
3.4. EVOLUCIÓN DEL NIÑO A TRAVÉS DE LA MÚSICA Y DESARROLLO DE
DER MUSIKALISCHE AUSDRUCK
3.5. DER MUSIKMEISTER
3.6. METHODOLOGIE UND ORGANISATION DER SITZUNGEN
 THEMA 8
DIE MUSIK ALS BESTANDTEIL DER INTEGRALEN ENTWICKLUNG DES KINDES.
FUNDAMENTOS PSICOPÄDAGOGISCH DE LA BILDUNG MUSIKAL
MUSIKENTWICKLUNG UND MUSIKUNTERRICHT.

1. DIE MUSIK ALS TEIL DER INTEGRALEN ENTWICKLUNG DES

JUNGE

[Link]ÜHRUNG
Die Musik ist eines der mächtigsten Mittel zur Entwicklung einer Persönlichkeit
voll und harmonisch, ein Konzept, das in allen großen Zivilisationen akzeptiert wird durch die
Geschichte.
Platon drückt Folgendes aus: "Ist Musik nicht der Hauptbestandteil der Erziehung,"
weil sich die Zahlen und die Harmonie schon sehr früh in die Seele einschleichen und sich an sie anheften
Ella, und sie erreichen, dass die Anmut und das Schöne immer als notwendiges Ergebnis von ihr eintreten.
Wie soll dieser Teil der Bildung gegeben werden? Und auch, warum, einen jungen Menschen zu bilden.
Wer bei der Musik auf das achtet, was an den Werken unvollkommen und mangelhaft ist,
die Natur und die Kunst; sie wird die Schönheit loben, die sie beobachtet, wird sie in ihre Seele aufnehmen, wird sich davon nähren
Mit ihr wird man auf diesem Wege in die Tugend geformt werden; und da dies von frühester Jugend an geschehen wird.
tierna, bevor die Vernunft ihn erleuchtet, kaum dass sie erschienen ist, wird sie seine Seele durchdringen, und er wird
wird sie durch die geheime Beziehung verbinden, die die Musik im Voraus zwischen der
razón y él. He aquí las ventajas que se buscan al educar a los niños en la música”.
In der Linie von Platon hebt Teplov (1979) die Bedeutung der hervor.
künstlerische Studien, darunter die Musik, wobei sie die Anwesenheit von voraussetzen
Fähigkeiten in der Sphäre der Empfindungen und der Wahrnehmung.
Aber dies ist aus pädagogischer Sicht nicht genau genug.
In der Realität sind während der musikalischen Aktivität alle beteiligt, formen und entwickeln sich.
Fähigkeiten.
Die Musik erhält Werte, die von den traditionell zugewiesenen abweichen;
erweitern sich ihre Reichweite und trägt definitiv zur ganzheitlichen Entwicklung des Kindes bei; die
Lehrmethoden wurden entwickelt, um auf die neuen Bildungsanforderungen zu reagieren.
ausüben.
Die traditionelle Musikpädagogik hat das Ziel, einige zu entwickeln
technische Fähigkeiten, auch wenn andere wie Vorstellungskraft, Kreativität ungenutzt bleiben
Die Spontaneität... Die neue Musikpädagogik verfolgt ein anderes Ziel: Das Prioritäre ist nicht
son die technischen Kenntnisse, sondern das Kind selbst und seine eigenen Interessen. Um ihn herum
sie müssen die Programme und Methoden entwickeln, die eine aktive Teilnahme ermöglichen und basierend auf
in der eigenen musikalischen Erfahrung. Dies führt zu Veränderungen in den Ergebnissen: es werden keine Werke mehr sein.
Meisterinnen, aber sie werden den künstlerischen Faktor implizieren, der jede persönliche Schöpfung umschließt.
Was ist dann der Zweck der aktuellen Musikausbildung? Zum Erreichen beitragen
von den ethischen und ästhetischen Werten der Schüler und Fähigkeiten im Musikbereich entwickeln
psychologische.
 Das Organische Gesetz 1/1990 vom 3. Oktober zur allgemeinen Ordnung des Systems
Bildend, im Vorwort steht: "Das erste und grundlegende Ziel der Erziehung ist es,
den Jungen und Mädchen, den Jugendlichen beider Geschlechter eine umfassende Ausbildung zu bieten, die
ihnen erlaubt, ihre eigene und wesentliche Identität zu formen sowie ein Verständnis von der
Realität, die gleichzeitig das Wissen und die ethische sowie moralische Bewertung derselben integriert. So
Die umfassende Ausbildung muss darauf abzielen, ihre Fähigkeit zu entwickeln, kritisch und
In einer axiomatisch pluralen Gesellschaft, die Freiheit, die Toleranz und die Solidarität.

MEC „Dekret über den Lehrplan“. Königliches Dekret 1.344/1.991 vom 6. September (BOE Nr. 220, vom 13.
Die Notwendigkeit, eine umfassende Entwicklung der Schüler zu gewährleisten
Diese Phase und die Erwartungen der Gesellschaft stimmen darin überein, einen Lehrplan zu verlangen, der nicht
beschränkt sich auf den Erwerb von Konzepten und akademischem Wissen, das mit der Lehre verbunden ist
traditioneller, sondern auch andere Aspekte einbezieht...
(Auf Seite 8): "Die Schulpflicht hat zum Ziel, das Kind zu fördern, damit es
Notwendige Lerninhalte, um aktiv und kreativ in die Gesellschaft zu leben und sich zu integrieren.
sucht, dass dieser Lehr-/Lernprozess für ihn bereichernd ist. Auf diese Weise
strebt die ganzheitliche Entwicklung des Menschen an” (...) “Die Grundschule muss
grundlegend zur Entwicklung der Kommunikations- und Denkmöglichkeiten beitragen
logisches Denken und Wissen über die soziale und natürliche Umgebung der Schüler...
Im Artikel 4 (Seite 10) gehört zu den Zielen der Grundschule das b): "Sich verständigen auf"
durch verbale, körperliche, visuelle, plastische, musikalische und mathematische Ausdrucksformen,
Entwicklung des logischen, verbalen und mathematischen Denkens sowie der ästhetischen Sensibilität, die
Kreativität und die Fähigkeit, die Werke und künstlerischen Ausdrucksformen zu genießen.

1.2. BEITRAG DER MUSIK ZUR INTEGRALEN ENTWICKLUNG DES

JUNGE
Die Musik, sowohl für sich selbst als auch in Interaktion mit anderen Disziplinen,
trägt zur ganzheitlichen Bildung und Entwicklung des Kindes bei. Laut Elisa Márquez sind dies die
{"contribuciones más importantes":"wichtigste Beiträge"}
a) Das Gleichgewicht zwischen Musik und Gymnastik trägt zur vollständigen Bildung des Menschen bei,
sowohl aus physischer als auch aus psychischer Sicht. In Griechenland stand die Gymnastik zur Verfügung.
für die Entwicklung und Vollkommenheit des Körpers und der Musik zur Entwicklung und Vollkommenheit
Der Seele; um eine perfekte Harmonie des Menschen zu erreichen, war die Praxis von...
Ambas.
b) Die Musik trägt zur psychomotorischen Ordnung bei. Diese Art von Aktivität erfordert es, zu setzen
in Betrieb eine Reihe von Fähigkeiten wie: die Aufmerksamkeit, das Gedächtnis, das
Wissen über den Raum, das Wissen über den eigenen Körper, das Gleichgewicht, die
Koordination von Bewegungen, die Unabhängigkeit der Gesten, die Sensibilität, die
Vorstellungskraft und Kreativität, soziale Integration usw.
c) Die Musik bildet und perfektioniert die Sinne. In diesem Sinne verwendet Willems den Begriff von
„Sensorialität“, die sich auf die Tatsache bezieht, im Sensorischen zu leben, zu handeln und zu reagieren.
sensorisch, ihm fühlen, wahrnehmen, Geräusche, Intensitäten, Tempi unterscheiden lassen
usw.
d) Die Musik ist eine Therapie für sowohl psychologische als auch körperliche Krankheiten. Heute
día hay que hablar deMusicoterapia, “una técnica para-médica que consiste en el
rationaler Einsatz von Musik zu therapeutischen Zwecken.
e) Die Musik trägt zur Verfeinerung der Sprache bei. Sanuy: "Das Wort kann
als ein gemeinsames Element beider Aktivitäten angesehen werden, weshalb die Klasse von
Musik gehört sowohl zur Klasse der Sprache als auch zu der vorherigen.
 f) Musik fördert und verstärkt die Kreativität. Die Kreativität entspricht den Fähigkeiten
und Möglichkeiten des Kindes im Allgemeinen. Die produktive musikalische Aktivität führt in der Regel zu dem
Ein Gefühl von Glück, Zufriedenheit und Freude, das seine Förderung unterstützen wird.
Extrapolation auf andere Bereiche ihres Alltags.
g) Die Musik weckt die Sensibilität und das Gefühl für das Ästhetische im Menschen. Es
Notwendig ist ein Set von musikalischen Aktivitäten, die das Kind darauf vorbereiten, sie zu schätzen.
genießen Sie diese ästhetischen Erfahrungen und entwickeln Sie Ihren persönlichen Musikgeschmack.
h) La música crea intensas emociones en el hombre. Desarrolla la sensibilidad emotiva;
erweitert die emotionale Erfahrung des Menschen, indem sie nicht nur intime Gefühle widerspiegelt, die
son nicht nur bekannt, sondern offenbaren auch neue Gefühle.
i) Die Musik trägt zur Schaffung religiöser Gefühle bei.
j) Die Musik bildet und diszipliniert den Charakter („Die Musik zähmt die Bestien“). Die Wirkung
Die entspannende Wirkung der Musik wird seit der Antike genutzt.
k) Musik ist ein Vehikel zum Verständnis von Kultur und Geschichte. Für
Um jede Art von Musik zu verstehen, ist es notwendig, sie im kulturellen Kontext zu situieren.
wo es komponiert wurde.
l) Die Musik, durch den Folkore, ermöglicht es uns, andere Rassen und Kulturen kennenzulernen. Es sollte sein
ebenso ein entscheidendes Instrument sowohl für die Bildung multikulturell wie
interkulturell.

1.3. APLICACIONES ÚTILES DE LA MÚSICA AL DESARROLLO INTEGRAL

DAS KIND IM BILDUNGSKONTEKST
Eigenschaften der Musik, die, angewandt im Bildungsbereich, begünstigen und
potenzieren die ganzheitliche Entwicklung des Kindes.
1) Bedecke das Kind mit einer Sensibilität, die
es ist ein gemeinsamer Nenner für alle Facetten und Berufe, die er in seinem Leben ausübt
2) Lass den Geist des Kindes Kontakt mit den
Werte, die Sie umgeben
3) Viele Kinder haben durch ihre Praxis korrigiert
psychische Defekte
4) Suprime el complejo de inferioridad
5) Es ist ein hervorragendes Ausdrucksmittel, geeignet für
Die inneren Erlebnisse des Kindes durch seine Vorstellungskraft und Sensibilität zu wecken.
6) Entdecke vor der Gesellschaft die Werte, die das Kind
besitzt und zwingt ihn, sie zu benutzen
7) Ein kritisches Urteilsvermögen wird erworben; die Kinder lernen zu
frei ihre Gefühle ausdrücken, lernen die Schönheit zu lieben
8) Es ruft persönliche Unruhe hervor, die das Kind
drückt sich in seinen Melodien und Bewegungen aus
9) Serena die Leidenschaften des Menschen, reguliert seine
Instinkte und ist eine Brücke zwischen seinem Inneren und seiner Umgebung
10) Verleiht den Kindern den Geist der Zusammenarbeit in
Gruppe
11) Erhöhe das intellektuelle Niveau
12) Die funktionale Musik (Hintergrundmusik) bedeutet die Schaffung
einer psychologisch günstigen Umgebung für menschliche Aktivitäten.
13) Die Hintergrundmusik in unseren Klassenräumen ist
wichtig, denn es stimuliert das Kind sanft, beseitigt die Anspannung der Arbeit, lindert
seine Müdigkeit und Langeweile, weshalb die Leistung höher ist
 14) Bereichert das innere Leben, hebt den Geist und bekräftigt
die edelsten Gefühle; ihm zu helfen, aus seinem Egoismus herauszukommen, hilft ihm, zu überwinden die
Materialität seiner Arbeit, die seinem Geist Zufriedenheit verschafft, die ihn von den
ordentliche und gewöhnliche Aspekte, die sich ihm präsentieren.

2. PSYCHO-PEDAGOGISCHE GRUNDLAGEN DER BILDUNG

MUSIKALISCH

2.1. EINLEITUNG
Es gibt zwei grundlegende Grundlagen oder Prinzipien, auf denen die Bildung basieren sollte.
Musical:
1) Psychologische Prinzipien, die die
konstitutive Elemente der Musik in Beziehung zur menschlichen Natur, um
um mit gutem Urteil die Ausgangspunkte der Musikkultur festzulegen
2) Ein umfangreiches und vollständiges audiomaterial für
die rhythmischen und auditiven Grundlagen der Kunst der Musik festlegen
Ausgehend vom ersten Punkt wissen wir nicht, ob es existiert.
tatsächlich angeborene musikalische Prinzipien im Menschen, daher muss man beginnen mit
desarrollar los elementos propios de la naturaleza humana y posteriormente abordar aquellos
die notwendig sind zu lehren.
Die Kinder besitzen drei verschiedene Bereiche, die miteinander verbunden und voneinander abhängig sind: das
sensorisch oder physisch, das Affektive und das Mentale oder Kognitiven. So ist jede Aktivität
Musik wird die Entwicklung der ganzheitlichen Persönlichkeit des Kindes ermöglichen: die Interpretation
von einem Lied, kollektiv bedeutet: die Beherrschung einer Gesangstechnik (physischen Aspekt oder
physiologisch); das mehr oder weniger tiefe Wissen über die notwendigen Faktoren dafür
korrekte Interpretation (kognitiver Aspekt); das Vergnügen an dieser Interpretation (Aspekt)
affektive). Aber außerdem entwickeln sich andere Aspekte der kindlichen Persönlichkeit: das Bedürfnis nach
la existencia de reglas y su aceptación para la correcta realización vocal, el respeto por otros
Kollegen, vielleicht mit einer weniger effektiven Technik, die Notwendigkeit kollektiver Aktivitäten, die
Bedeutung der individuellen Rollen bei solchen Aktivitäten...

2.2. PSYCHOPÄDAGOGISCHE FUNDAMENTE

Die zugrunde liegenden psychopädagogischen Prinzipien im Basislehrplan sind
enmarcan dentro de una concepción constructivista del aprendizaje que planea lo siguiente:
1. Die Untersuchung der Denkprozesse des Lehrers und des Schülers. Das Wissen
Der Prozess der psychologischen Evolution des Schülers ist für den Educador unerlässlich, um
das Verständnis des Verhaltens des Schülers.
[Link] Etablierung von Lehr-Lern-Modellen, die auf den Prozessen des Subjekts basieren, die
lerne, aus den Fähigkeiten und Erfahrungen des Schülers ausgehend. Dies stellt die Aufgabe, zu geben
Wichtigkeit des gesamten Prozesses der musikalischen Sensibilisierung vor unserer Arbeit,
Die musikalische Umgebung der Schüler, ihre Vorlieben usw. kennenlernen.
[Link] Anstoß des Lehrers, der den Schülern den Erwerb erleichtert
Kenntnisse, Einstellungen und Verfahren. Dies ermöglicht die ganzheitliche Entwicklung der
Persönlichkeit des Schülers und verlangt, dass der Pädagoge sein Verhalten ändert: wird ein
Vermittler zwischen den Schülern und dem musikalischen Ereignis.

Zusätzlich zu all dem Vorhergehenden muss auch auf die Aspekte geachtet werden
sozial. Deshalb:
 [Link] muss den sozialen Kontext des Individuums und sein "spezifisches Gewicht" kennen
aprendizaje: intentando potenciar todo lo que tenga de positivo y mediatizando lo
negativ
[Link] Pädagoge sollte auch die individuellen Erfahrungen als Elemente fördern.
lernfördernd und kollektiv, sich gegenseitig ergänzend.

Alles, was gesagt wurde, befindet sich innerhalb einer konstruktivistischen Auffassung des
Lernen; das bedeutet, dass:
- Lernen ist ein Prozess der persönlichen Konstruktion
Lernen bedeutet nicht zu kopieren, sondern sich vielfältige kulturelle Inhalte anzueignen und zu strukturieren.
- en dicha construcción deben intervenir:
die eigenen Schüler
die Inhalte
los agentes mediadores (familia, compañeros y profesores)
Auf diesen psychopädagogischen Grundlagen beruhen die Interventionsprinzipien.
Bildung, die wir als Nächstes sehen werden.

2.3. INTERVENTIONSPRINZIPIEN
a) Vom Entwicklungsniveau der Schüler ausgehen. Ihre Fähigkeiten und Kenntnisse kennen.
Vorausgehende Kenntnisse, wir werden die Inhalte korrekt sequenzieren können
b) Die Förderung des Aufbaus von signifikanten Lernprozessen, das sind die,
stellen Beziehungen zwischen den neuen Inhalten und den bereits beherrschten her
c) Zur Entwicklung der Fähigkeit "lernen zu lernen" beitragen, indem man die
Schüler mit größerer Autonomie. Dies wird durch die prozeduralen Inhalte erreicht.
d) Eine intensive körperliche und geistige Aktivität beim Schüler fördern. Diese Aktivität
benötigt ausreichende Motivation durch emotionale, soziale und
Intellektuelle.
e) signifikantes Lernen erfordert die Modifikation der Wissensschema
dass der Schüler besitzt, mit dem entsprechenden Ungleichgewicht und der anschließenden Rehabilitierung, die
Es wird von der pädagogischen Intervention, dem Grad und der Art der Unterstützung abhängen, die der Schüler erhält.

Diese fünf Prinzipien führen zu folgendem Ergebnis:

1. Die Existenz eines integrierten Bereichs mit einem globalisierenden Ansatz. Die Bildung,
Im Allgemeinen wird sie globalisiert dargestellt, was die künstlerischen Sprachen nicht ausschließt; aber das sollte nicht
nicht ausschließlich als künstlerische Globalisierung verstanden werden, sondern dass auch die Musik
direkt mit anderen Bereichen verbinden: Sprache (Textgestaltung); Sportunterricht
(psychomotorische Aspekte); Mathematik (Brüche und Proportionen = rhythmische Figuren und ihre
temporale Beziehungen); Naturkunde (geografische Merkmale verändern Tänze).
[Link] ist notwendig, den Entwicklungsstand der Schüler und die Art zu kennen
in dem sie sich dem Wissen über die Realität nähern. Dies ist ein grundlegendes Prinzip für die
Zeit, die Inhalte zu sequenzieren. Diese Sequenzierung sollte einen zyklischen Charakter haben: in jedem
ciclo deberán ser ampliados todos los contenidos importantes trabajados en el ciclo anterior.
[Link] musikalische Element muss von zuvor assimilierten anderen ausgehen. Es
Es notwendig, dass der Erzieher das genaue Mittelmaß zwischen dem Gelernten bestimmt.
Kind und was es lernen kann. Das Neue sollte wiederum die Grundlage für zukünftige Lernprozesse sein.
So lernen die Kinder im rhythmischen Bereich zuerst die viertelnote und fangen dann an, daran zu arbeiten.
die Paare von Achtelnoten.
[Link] des Prozesses der Ausdrucks- und Kommunikationsfähigkeit der Musiksprache und ihrer
Verbindung mit den anderen Sprachen. Der Lehrer muss erreichen, dass die Schüler die akzeptieren
Musik als eine neue Sprache zu verwenden, mit einem ausgeklügelten Code, der eine ganze Reihe impliziert
von intellektuellen Prozessen (Wahrnehmung, Gedächtnis, kreative Fähigkeit, Hörvermögen...) und sozialen
(Ausdruck, Kommunikation und Beziehung zu anderen).
5. Motivation. Obwohl der künstlerische Bereich von sich aus motivierend ist, ist die Motivation
es ist der Hauptmotor des musikalischen Bildungsprozesses. Um eine volle Motivation zu erreichen
Wir müssen die Interessen der Schüler kennen.
2.4. DAS KOGNITIV-EVOLUTIVE MODELL
Das Kind, das reift, interagiert mit einer strukturierten Umgebung, Interaktion
was die komplexen kognitiven Transformationen des sich entwickelnden Kindes anregt und prägt. Die
Instruktive Umgebungen bringen das Kind absichtlich in konfliktbehaftete Situationen. Das Lernen ist
produzieren beim Entwickeln der Strategien zur Problemlösung, die notwendig sind, um zu lösen
los conflictos cognitivos en el ambiente. En el campo musical, observaremos al niño
Musikprobleme durch erfinderische Mittel lösen.

Gemäß diesem Modell gibt es eine Reihe von kognitiven Strukturen und Prozessen von
Darstellung, die am Kindesentwicklung beteiligt sind:
1º) Etappen der anfänglichen Repräsentationsprozesse (Bruner)
Demonstriere und schematisiere die anfänglichen Ebenen des musikalischen Denkens. Bruner präsentiert drei
Arten von repräsentationalen Prozessen:
a) die repräsentationalen Prozesse, die auf motorischen Handlungen basieren
b) die darstellenden Prozesse, die auf Bildern basieren
c) die repräsentationalen Prozesse, die auf den Sprachsystemen basieren
Diese drei Arten drücken Arten von Wissen aus, die von den ersten reichen
sensorimotorische Antworten auf vollständig funktionsfähige symbolische Systeme.
Die Kinder verwenden zunächst eine Reihe von Kritzeleien, die die Handlung des Werks einfangen.
um die strukturellen oder rhythmischen Merkmale davon zu skizzieren; obwohl seine Empfindungen des Pulses
Musikalische oder rhythmische Elemente sind möglicherweise mit den Kritzeleien koordiniert, die Kinder können kaum lesen.
später. Sie zeigen eine größere Fähigkeit, Bilder zu verwenden, die die repräsentieren.
Lied. Schließlich erfinden und übernehmen sie symbolische Systeme, um rhythmische Dimensionen zu verschlüsseln oder
tonale der Melodie.

2º) Interaktion zwischen der Entwicklung und der formalen musikalischen Vorbereitung (Piaget und Wygotski)
Verwendet, um das Konzept der Kompositions- und Improvisationsentwicklung zu stützen.
Swanwick und Tillman führten eine bedeutende evolutionäre Studie zur Zusammensetzung durch
Musikalisch. In dieser Studie wird die anfängliche Aufnahme des Kindes von musikalischen Materialien reflektiert und
seine spätere Beherrschung derselben.
Daher ist die musikalische Entwicklung von Kindern im Alter von 3 bis 15 Jahren,
Es durchquert vier klare Ebenen mit jeweils zwei Stufen: der Initiierung und der Abschlusssituation:
Auf der ersten Ebene konzentriert sich das Kind auf das Beherrschen der Materialien. Es nutzt die
Komposition zur Erkundung der sensomotorischen Aspekte der Interpretation und von
die Manipulation von Noten und Rhythmen, wobei der Ausdruck kaum Beachtung geschenkt wird
Auf der zweiten Ebene erstellt das Kind expressive Werke und nimmt Materialien vom
alltägliche Sprache
Auf der dritten Ebene fördert das Engagement des Kindes in der bildhaften Interpretation es
Es führt dazu, das Gefühl für die musikalische Form zu berühren und zu entwickeln.
Im vierten und letzten Level wird sich das Kind der Situation seines Werkes bewusst.
in einer Tradition und der expressiven Wirkung der Musik.
In jeder dieser Ebenen erscheint eine Spirale der Assimilation und Akkommodation, die
stellt ein Parallelismus der anfänglichen Auffassung der musikalischen Materialien durch das Kind dar und das
posterior dominio der selben.
 Jede Pädagogik muss sich an die evolutionären Strukturen anpassen, die die ...
kognitive Psychologie. Das heißt, eine Pädagogik, die auf dem kognitiv-evolutionären Modell basiert, muss
die folgenden Kriterien eindeutig festlegen:
- Mehrere Darstellungen des musikalischen Wissens einbeziehen. In einem musikalischen Umfeld in der
dass die meisten Kinder keine intensive Anleitung erhalten können, ist erforderlich
un modelo de educación musical que dé vigor al niño en todas las manifestaciones de
unsere Musikkultur.
- Präsentation von geordneten Dimensionen musikalischer Ausdrucksformen. Wenn wir von einer
Musikalische Bildung, die die musikalische Produktivität in den Vordergrund stellt, muss
sich die aktive Schaffung vorzunehmen. Das Konzept der "Musikproduktion" kann erweitert werden.
um Aspekte der Komposition und der Darstellung einzubeziehen.
- Vorschlagen von aufeinanderfolgenden Aufgaben in aufsteigender Reihenfolge der Komplexität. Wenn wir annehmen, dass die
Musikproduktion sollte voraussetzen, dass die Kinder eine aktive Rolle übernehmen, die
Musikalische Wahrnehmung muss mit Produktivität und Denken in Beziehung gesetzt werden.
reflexiv. Die diskriminierende oder erkennbare Fähigkeiten, die mit der
Interpretation oder Komposition von Musik sichern den Erfolg in der Musikproduktion.
- Presentar aspectos de la sucesión pedagógica relacionados con la edad. El
reflexives Denken, gefördert und bereichert durch Fähigkeiten
interpretativ und mit der Wahrnehmung verbunden, ermöglicht es, dass die musikalische Erfahrung
Erleichtern Sie die intrapersonale Entwicklung und fördern Sie, wenn Sie in einer Gruppe involviert sind,
die soziale Interaktion.

3. MUSIKENTWICKLUNG UND MUSIKUNTERRICHT

3.1. MUSIKENTWICKLUNG UND MUSIKUNTERRICHT:

ALLGEMEINES
Das grundlegende Ziel einer musikalischen Bildung sollte die Schaffung eines
Brücke der engen Kommunikation zwischen dem Kind und der Musik.
Durch die musikalische Ausbildung werden beim Kind zwei Aspekte entwickelt.
komplementär: Einerseits die ganzheitliche Entwicklung des Kindes fördern; andererseits seine
spezifische Fähigkeiten für die Musik und ihm die entsprechenden "Instrumente" dafür zu geben
Entwicklung.
Der Musikunterricht und das gesamte Spektrum seiner Lerninhalte haben als
Ziel ist die Entwicklung der folgenden Fähigkeiten:
Den Klangraum als Teil des Mediums wahrnehmen und die Geräusche diskriminieren
quantitativ und qualitativ
- Percibir el discurso musical: parámetros del sonido y estructuras básicas
- Organisieren Sie das Klangmaterial in rhythmischen, melodischen, harmonischen Strukturen.
Form, Charakter usw.; die Fähigkeit entwickeln, sie ausdrucksvoll zu interpretieren
- Symbolisch den Klangdiskurs darstellen und lesen, einschließlich der Verwendung von
Kodex der musikalischen Sprache
- Acceder a la vida musical como una experiencia activa mediante el uso adecuado
der Stimme, des Musikhörens, der Bewegung und der instrumentalen Fähigkeiten

3.2. WANN SOLL DIE MUSIKALISCHE BILDUNG BEGINNEN?

 Die aktuellen pädagogischen Strömungen werden als umweltbewusst definiert, und davon
desprende que preconicen que la enseñanza musical se debe llevar a cabo cuanto más pronto
besser.
SUZUKI: „Das Talent, das sich auf Musik oder ein anderes Gebiet bezieht, ist nicht
erblich und wir müssen die Mittel und Methoden finden, um es durch die
Bildung. Talent ist nicht angeboren und jedes Kind kann Fähigkeiten erwerben durch die
Erfahrung und Wiederholung. Die Erziehung des Kindes beginnt bei den Eltern. Deshalb Suzuki
verpflichtet auch die Eltern, Protagonisten der musikalischen Erziehung ihrer Kinder zu sein und zu übernehmen
Pflichten in dieser Hinsicht. Für Suzuki ist das Training des Gedächtnisses von grundlegender Bedeutung, die
Schüler, sogar kleine von drei Jahren, lernen die musikalischen Fragmente auswendig, ohne
Bedarf an Noten.
HEMSY DE GAINZA: "Diese Umgebung, in der das Kind lebt und sich entwickelt"
wird ein entscheidender Faktor für die Entwicklung seiner Sensibilität sowie seines Gehörs und seiner zukünftigen
musicalidad”. “El oído, el ritmo, el interés musical que manifiesta un niño de tres años es reflejo
von der natürlichen und aktiven Musikalität seiner Mutter oder der Menschen um ihn herum und nicht einem Produkt
von der Erbschaft. Ob das Kind aus der Familie heraus sticht oder singt, hängt von der familiären Umgebung ab.
afinado, dass sein Stimmregister weit und kristallklar oder arm und von Timbre ist
indifferent
Es ist derzeit eine allgemein verbreitete Meinung, dass die Musikausbildung sollte
sofort beginnen, und obwohl die Autoren die formale Bildung als Referenz angeben
Drei Jahre, in diesem Alter gibt es bereits Unterschiede zwischen den Kindern, abhängig von den Stimuli.
Musikalisches Umfeld, das aus der Familie stammt, in der man aufgewachsen ist.

3.3. MUSIKALISCHE ENTWICKLUNG DES BABYS

Es wurde festgestellt, dass Kinder bereits vor der Geburt auf Geräusche reagieren;
Und offensichtlich hört das Neugeborene normalerweise, obwohl es sich später entwickelt.
qualitativ diese Fähigkeit.
Die Ermittlungen haben uns die folgende Information gegeben:
- Das Baby reagiert, wenn es wach ist, positiv auf die tiefen Geräusche.
Frequenz und diejenigen, die sich im Frequenzbereich der menschlichen Stimme befinden, erhöhen die
motorische Antwort; auf Geräusche hoher Frequenz reagiert sie mit einer
plötzliche und vorübergehende Lähmung
- In Bezug auf die Dauer des Schalls haben die Töne, die eine Dauer von
5 y 15 Sekunden üben einen maximalen Einfluss aus, und ab dieser Dauer beeinflusst das Kind
wird aufhören ihm Aufmerksamkeit zu schenken

- Was den Rhythmus betrifft, beruhigen sich Babys bei den tiefen, rhythmischen Klängen.
und vor allem, als ich die Schläge des Herzens hörte
Von diesem Gepäck aus macht sich die Mutter auf, um die musikalische Entwicklung ihres Babys zu beginnen.
Hemsy de Gainza weist auf Strategien hin, die im ersten Lebensjahr des Kindes umgesetzt werden sollen:
a) Sprich mit dem Kind mit sanfter Stimme, sei es im Gesprächston oder im rhythmischen Vortrag.
krampfhaften oder gewalttätigen Klang zu vermeiden und die größte Vielfalt an Klangfarben zu suchen
b) Wiederhole die Laute und Silben, die das Baby zu erzeugen beginnt, und starte einen Dialog.
c) Melodische Lieder singen (in den ersten Lebensmonaten ist das Kind
besonders empfindlich für die Melodie)
d) Simultanear Lieder und rhythmische Spiele (wenn das Baby einige Monate alt ist),
Lieder zum Hände bewegen, Lieder zum Klatschen, Lieder zum Wiegen und
wiegen, Lieder zum Reiten auf dem Knie einer anderen Person
 e) Die charakteristischsten Momente dieser Lebensphase des Kindes können begleitet werden
mit Liedern. Das Bad, der Spaziergang, das Essen, der Schlaf, das Aufwachen, die Geburtstage, die
Regen, die Weinen
f) También divierten al niño las canciones que se acompañan mediante movimientos muy
einfaches, das sich wiederholt
g) Ihnen die gleiche Melodie, die von verschiedenen Instrumenten gespielt wird, vorzuspielen, damit sie sich daran gewöhnt.
zu hören und verschiedene Klangfarben zu unterscheiden.
Schließlich sollten die Rasseln und Musikinstrumente die beste Qualität haben.
sonora möglich.
3.4. ENTWICKLUNG DES KINDES DURCH MUSIK UND ENTWICKLUNG VON
DER MUSIKALISCHE AUSDRUCK
Die tägliche Beobachtung zeigt uns, dass Kinder mit dem Alter sich entwickeln und dass ihr
Die Entwicklung hängt von einer Interaktion zwischen dem genetischen Erbe jedes Individuums und der Umwelt ab.
Umfeld. Eine zweite Beobachtung des "gesunden Menschenverstandes" ist, dass es ein Element von
Vorhersehbarkeit dieses Entwicklungsprozesses. Es ist offensichtlich, dass jeder Mensch seine eigene
Stil in dieser evolutionären Sequenz; aber die Existenz der Entwicklung und einiger generischer Richtlinien
Es ist eine unbestreitbare Tatsache. Deshalb akzeptieren wir die Idee einer allmählichen Entwicklung.
Wir erkennen auch an, dass es eine Sequenz gibt, einen geordneten Prozess musikalischen Verhaltens, dass es gibt.
akkumulierte Phasen, die dieses Verhalten bei Kindern prägen, aber wir dürfen nicht dogmatisch sein
Identifizierung der evolutionären Veränderungen in einer regelmäßigen Chronologie und Verallgemeinerung dieser Veränderungen zu
alle Kinder
Im Rahmen einer normalen Entwicklung beobachten wir das Auftreten von Fähigkeiten und
Musikalische Lernprozesse.
- Bevor er ein Jahr alt wird. Das Kind reagiert auf jeglichen musikalischen Reiz.
Ändern ihres gewohnte Ruhezustand.
- Etwa im Jahr und halb. Reagiert rhythmisch mit seinem ganzen Körper auf den Reiz.
Musikalisch. Der sprachliche Ausdruck manifestiert sich durch Stottern oder spontane Gesänge von
Silben, indem sie ihre Mutter imitierten.
- Mit etwa zwei Jahren erlangt er ein reiferes Rhythmusgefühl. Seine Reaktion
motriz, ante dem musikalischen Stimulus, ist bereits selektiv (antwortet mit unterschiedlichen Bewegungen je nach
die verschiedenen Rhythmen). Beginnt, Musikinstrumente aus der Schlagzeugfamilie zu manipulieren, indem er findet
Platz beim Hören.
- Bis etwa drei Jahre. Wichtige Fortschritte in der Reifung der Gliedmaßen,
vor allem unten: gehe, springe und renne im Takt der Musik. Erlebe ein
wichtiger sprachlicher Fortschritt, der es ihm ermöglicht, ganze Lieder zu reproduzieren, obwohl mit
schlechte Intonation. Nutzt das Lied als Hilfsmittel für seine eigenen Spiele.
- Mit etwa vier Jahren. Verbesserung der Intonation und größere Kontrolle über die Motorik.
Das Spiel bleibt das am häufigsten genutzte Mittel, und darin werden das Lied mit den Gesten simultan kombiniert.
mimos; los niños llegan a identificarse con el tema de la canción que interpretan. Suelen utilizar
Lieder mit onomatopoetischem Inhalt.
- Mit fünf Jahren. Erlebt einen sehr wichtigen Schritt im
Psychomotorische Vervollkommnung, um bereits musikalischen Rhythmus und Bewegung synchronisieren zu können. Es beginnt die
aprendizaje de pequeñas y sencillas danzas. Con respecto a la canción, se amplía al ámbito
Sonoro, das entwickeln kann und die Anzahl der Lieder, die es erkennen und speichern kann.
- Mit etwa sechs Jahren. Seine Perfektionierung geht weiter. Sein Stimmumfang erweitert sich.
so dass er jetzt melodisch singen kann, wenn die Lieder in diesen Bereich passen. Der
Die motorische Bewegung hat sich verbessert, indem die Bewegungen der Hände und der...
Füße mit der Musik. Es beginnt Interesse an den musikalischen Räumen von Radio und Fernsehen zu entstehen.
- Gegen sieben Jahre. Auftauchen einer empfänglichen und ruhigen Haltung gegenüber
Situationen oder Reize, die ihm Freude bereiten. Diese Umstände gilt es auszunutzen, um
Ihn in das musikalische Hören und in die Ausbildung im Umgang mit den Instrumenten einzuführen
rhythmisch.
- Mit etwa acht Jahren. Er wird hyperaktiver und findet weniger Freude an der
Audition. Diese Hyperaktivität führt zu einer Neigung zur Dramatisierung. Er bleibt von seiner Anziehung zu ...
die Schlaginstrumente, aber er mag es nicht, es alleine zu tun.
- Mit neun Jahren. Seine volle motorische Entwicklung ermöglicht es ihm, eine große Vielfalt zu realisieren.
von körperlichen Übungen mit einem hohen Grad an Perfektion, weshalb wir Tänze planen können von
gewisse Schwierigkeit. Die motorische Entwicklung erfolgt auch in den Händen, weshalb ihre Fähigkeit
Digital ermöglicht es, instrumentale Übungen mit einem hohen Maß an Perfektion anzugehen. Daher
Was das Lied betrifft, bevorzugt er Themen, die mit der umliegenden Realität verbunden sind, wie Humor,
Geschichten usw.
- Gegen zehn Jahre. Die volle psychomotorische Entwicklung setzt sich fort. Aus der Sicht von
vista cognitivo, hay que aprovechar el desarrollo de la memoria (canciones de estrofas).
Ebenso bringt die Entwicklung der Geselligkeit und das Interesse an anderen ihn in eine Lage
günstig, um sich mit der Biografie großer Komponisten vertraut zu machen.
- Gegen elf Jahre. Der hyperaktive Charakter der früheren Phasen lässt nach und
Die Bedeutung des Spiels rückt in den Hintergrund, sodass das Lied sich davon löst.
konnte sie sie mit voller Unabhängigkeit durchführen. Sie beginnt mit der Leidenschaft für leichte Musik und ...
Interessieren Sie sich für die neuesten Nachrichten.
- Mit etwa zwölf Jahren erweitert er sein Repertoire mit allen Arten von Musik: klassisch, pop
Der Umwelt und das familiäre Umfeld werden entscheidend die Ausbildung beeinflussen
über seine musikalischen Vorlieben und Geschmäcker.

Wenn wir diese Entwicklung in die Grundschule übertragen, können wir sagen, dass es wäre
Normalerweise tritt das Erlernen von musikalischen Fähigkeiten und Kenntnissen in der folgenden Reihenfolge auf:
Vorschule
Imitiere Geräusche und versuche, mit einfachen Instrumenten zu experimentieren
Singe kleine Lieder, meist verstimmt, in einem begrenzten Rahmen.
Fange und imitiere kleine musikalische Fragmente
Er hat wenig Hemmungen, in der Gruppe zu singen.
Reconoce melodías simples
Er kann sich zur Musik bewegen, mit guter motorischer Synchronisation.
Sie können rhythmische Strukturen mit vier Schlägen wiedergeben.
Er wiederholt und imitiert sehr gerne.
Verwechselt Intensität und Geschwindigkeit
Verstehe die Konzepte "schneller", "langsamer"
Le gusta explorar objetos sonoros
Erfinde kleine Lieder, während du spielst
Genieße die Musik
Am Ende erkennt er, schätzt ein umfangreiches Repertoire an Liedern.
Auch am Ende macht er kleine Erfindungen mit 3. M, 2. M (sol-la, sol-mi)

Erster Zyklus
Relaciona conscientemente tiempo con pulso y acento
Fortschritte bei der Wiedergabe einfacher Melodien
Höhere Fähigkeit zur Wertschätzung und Reproduktion von Rhythmen und Melodien
Ab jetzt kann eine wahre musikalische Ausbildung beginnen durch die Möglichkeit von
Themen festlegen, die Verständlichkeit von Strukturzusammenhängen und die Fokussierung der Aufmerksamkeit sowie
wie die Konzentration auf Polyphonie und Polyrhythmus
Er erkennt Figuren von ganz, halb und viertelnote und deren Pausen.
 Tendiert dazu, das Tempo zu beschleunigen
Nach dem Umgang mit Körperpercussion-Instrumenten beginnt der mit dem kleinen
percusión y el acercamiento a otros más complicados

Zweiter Zyklus
Er/Sie spielt gerne im Duo
Erhöht die Fähigkeit zur Erkennung und Wiedergabe von Rhythmen und Melodien
Genieße es, kleine musikalische Kreationen zu machen
Nehmt Variationen der Art wahr
Die perfekte Kadenz erhält einen abschließenden Sinn
Reconocer compases binarios, ternarios y cuaternarios

Dritter Zyklus
Bemerkenswerter Anstieg der Lernfähigkeit
Die großen und kleinen Tonleitern erkennen
Steigerung der Fertigkeit, ein Instrument zu spielen
Das Interesse an seinen Lieblingsmusiken, Musikern und Interpreten beginnt.
Erkennen und Üben grundlegender Formen
Die Gesangstechnik verbessert sich erheblich (Atmung, Intonation)

3.5. DER MUSIKMEISTER

En la actualidad, la enseñanza musical no se comprende como una mera
Präsentation des Stoffes durch den Lehrer, sondern als aktiven Austausch von Erfahrungen
zwischen dem Lehrer und dem musikalischen Gepäck des Kindes.
Daher wird es entscheidend sein, ein tiefes Verständnis der Persönlichkeit zu haben.
infantil (seine Interessen, Vorlieben usw.). Der Erzieher wählt somit die geeignetsten Methoden aus,
die geeigneten Melodien und die effektivsten Materialressourcen.
In der Musik sind die Schüler aktiv und emotional: aktiv, sowohl körperlich
wie intellektuell, da ihn alles anzieht, an dem er teilnehmen kann, und das wird ein
Verhalten, das im musikalischen Aspekt erreicht werden soll; emotional, weil Kinder lernen mit
Viel einfacher das, was sie lieben, und deshalb wird der Lehrer erreichen, dass sie die ...
Musik mit Liebe und Illusion.
Eine erste Bedingung, die jeder Musikexperte erfüllen muss, ist das Fühlen
echte Leidenschaft für das Fach, das sie unterrichten wird.

Darüber hinaus muss es über die Fähigkeit verfügen, seine Aufgabe zu erfüllen, die
es beinhaltet die folgenden Aspekte:
a) Psychologisches Dominio
Der Pädagoge und Musikexperte muss in der Lage sein, eine gute Beziehung zu etablieren und
tief mit den Schülern.
Durch psychologisches Wissen kann der Spezialist die
körperliche, emotionale und geistige Bedürfnisse der Schüler und ihr normales Auftreten in verschiedenen
Wachstumsphasen.

b) Pädagogisches Domänen
Um dies zu erreichen, genügt es, eine korrekte Methodik zu haben, und zu wissen
ausreichend die Ressourcen, die ihm zur Verfügung stehen, und ein entwickeltes musikalisches Urteil hat, dass
Erlauben Sie ihm, das am besten geeignete Musikmaterial auszuwählen. Es ist auch ratsam, über Kenntnisse zu verfügen.
von der Entwicklung der Musikpädagogik.
 c) Musikalische Vorbereitung
Der beste Musikexperte ist der, der mit gutem Beispiel lehrt; die
Die Musikalität des Lehrers, die bewundert wird, verbreitet sich und verwurzelt sich unter den Schülern. Daher,
muss besitzen:
Musikalisches Gehör, das es ermöglicht, Melodie, Rhythmus und Harmonie zu unterscheiden
Wissen über die Theorie und Praxis der Musik im melodischen Aspekt (Tonarten, Modi,
Intervalle, Transport, Sightreading...) und rhythmisch (Takt, Akzent, Rhythmus,
Taktschläge, Polyrhythmen, Diktate...).
Stimmliches Fachgebiet zur Korrektur von Problemen bei den Emissionen der Schüler und zur Planung
korrekt Modelle von Stimmen zu imitieren
Instrumentaldomäne, minimale Technik und Mittel zu ihrer Verfügung
grundlegende Kenntnisse in Tanz, Chordirektion und Musikgeschichte

Darüber hinaus sollte der Musikspezialist danach streben, sich maximal zu perfektionieren und
dauerhaft.

3.6. METODOLOGIE UND ORGANISATION DER SITZUNGEN

Die Methodik ist ein Ensemble von Teilen, die für die Anordnung notwendig sind.
Behandlung der Musik, um sie an die Denkweise und die psychologischen Merkmale der
Schüler, die ihre Übertragung und Assimilation sichern.
Traditionell wurde die Musikmethodik nach Themen geordnet.
desvinculados entre sí, sin aparente relación (“los intervalos”, “los acordes”, “las escalas”). En
Die aktuelle Methode der Musik, die auf der Kinderpsychologie basiert, ist eine Methode
global. Es wird als global bezeichnet, weil es vom Ganzen ausgeht, um zu den Teilen zu gelangen, und akzeptiert zwei Qualitäten.
Fundamente des Lernens: die persönliche Erfahrung, die sich in Gesang, Bewegung, übersetzt
Audition...; und die Freiheit, die sich auf den kreativen Charakter bezieht, der vorherrschen sollte.
Diese Methodik ermöglicht die Entwicklung der Sensibilität (affektiver Aspekt), die
Hörvermögen (körperlicher Aspekt) und die intellektuelle Fähigkeit (geistiger Aspekt).

Bei der Erstellung des PCC sieht das Gesetz vor, dass für die Grundschule der Bereich Ausdruck
Der Kunstunterricht umfasst drei Stunden pro Woche; davon sind die Fächerlehrer und der Spezialist für...
música, determinarán cuánto corresponde semanalmente sólo a la música.
In Bezug auf die besonderen Grundsätze müssen wir Folgendes berücksichtigen:
Einheit: Die Sitzung sollte ein internes Gleichgewicht besitzen, das die Erreichung der Ziele ermöglicht.
vorgesehen
Vielfalt: Bezieht sich darauf, das Interesse der Schüler an den Aktivitäten konstant zu halten, die
werden durchgeführt.

Als Orientierung einige Punkte zur Organisation der

sesiones:
a) Wechseln Sie Momente erhöhter Erregung (Bewegungen, Spiele...) mit Momenten der Ruhe ab.
(Gesang, Anhörung...), um Übermäßigkeiten zu vermeiden
b) Eine gewisse Zeit widmen, in der Regel zu Beginn, um alles Wichtige, das bearbeitet wurde, zu überprüfen.
in der vorherigen Sitzung
c) Nicht zu sehr auf bestimmten Aspekten bestehen
d) Die Disziplin der Klasse wahren und aufrechterhalten, verstanden als eine Ordnung, die auf dem Interesse basiert für
die Aktivitäten. Dazu ist es sinnvoll, diejenigen Details zu kommentieren, die Einfluss auf die
desorganización: tocar los instrumentos antes de que el profesor lo indique, no estar atento a los
Gesten während des gemeinschaftlichen Singens usw.
e) Die Musikunterrichtsstunde wird Entspannung, Unterhaltung, Freude, Zufriedenheit sein.
persönlich; aber es sollte keine Verantwortung, Unordnung, Lärm, Langeweile sein...

Was zu lehren. Inhaltsblöcke

Die Kunstpädagogik ist in 8 Inhaltsblöcke organisiert, von denen
Zur musikalischen Bildung gehören die Blöcke 4, 5, 6 und 8. Die didaktische Behandlung davon
Blöcke, offen und flexibel, sollten nicht isoliert sein, sondern miteinander interagieren.

1. Block Nr. 4: Gesang. Vokale und instrumentale Ausdrucksform

La educación vocal debe partir de experiencias vividas por niños/as en su vida
alltags: die Erforschung der Veränderungen, die in ihrer Stimme in den verschiedenen Phasen der
Entwicklung und das Singen in Einzel- und Gruppenform. Es geht nicht nur darum, Lieder zu lehren, sondern um
singen lehren. Es darf kein Kind diskriminiert werden. Das Repertoire sollte auf Liedern basieren
populär und nah an der Realität des Kindes, die durch ihre musikalische Qualität (Form, Stimmlage, Rhythmus,
Text) sich an ihre Eigenschaften anpassen. Die traditionellen Lieder werden gleichzeitig ein Vehikel für
kulturelle Übertragung (Beiträge zur Kodály-Methode).
Die instrumentelle Bildung ermöglicht es, zu "sehen", zu "hören" und zu "handeln", das heißt, sie zu nutzen
visueller, auditiver und motorischer Kanal zur gleichen Zeit, ein sehr interessantes Aspekt, der zusätzlich fördert die
psychomotorische Koordination, die Koordination der Gruppe, verbindet sich mit der klanglichen Erkundung und
begünstigt das Erlernen der musikalischen Sprache, die Intonation und das Erkennen von Intervallen, die
Harmonie, die Improvisation usw. (Beiträge der Orff-Methode)

2. Block Nr. 5: Musikalische Sprache

Es wird angestrebt, das Erlebte in eine Art von Darstellung zu übersetzen. Der Prozess ist ähnlich wie der
de la lectoescritura de nuestra propia lengua: antes de aprender a leer y a escribir, aprendemos a
reden. Deshalb ist es wichtig, von Anfang an Musik zu machen, anstatt sie zu lesen.

3. Block Nr. 6: Körpersprache

(Dalcroze-Philosophie). Teil der Überlegung, dass die Körperbewegung als
Vermittler zwischen den Klängen und dem Denken. Der Körper ist das unmittelbare Instrument der
Wahrnehmungen und eine Vorstellung müssen im sensomotorischen Bereich erscheinen, bevor sie
konzeptualisiert. Mehr als „Tänze aufzuführen“, geht es darum, Tanz als ein wichtiges zu nutzen
didaktisches Hilfsmittel, um die Prinzipien der Musiksprache zu lernen, um uns zu nähern an
kulturelle Ausdrucksformen anderer Völker oder Epochen, um rhythmischen Sinn zu erlangen, um wahrzunehmen und
die Parameter des Schalls auszudrücken, um das musikalische Phrasieren und die Form usw. zu fühlen.

4. Block Nr. 8: Kunst und Kultur

Die Hörfähigkeit wird entwickelt und das Interesse des Kindes an den
Manifestationen unserer Umgebung, das eigene künstlerische Erbe und andere Kulturen.
Obwohl dieser Block ab dem zweiten Zyklus empfohlen wird, sollte die Einnahme nicht ausgeschlossen werden.
Kontakt mit den künstlerisch-musikalischen Manifestationen von Anfang an.

Aus den ergänzenden Notizen aufmerksam lesen:

Das imaginative Spiel: die Spekulation und das Idiomatische
Metakognition: symbolische Bewertung und systematische Verpflichtung
Acht evolutionäre Modi
Musikentwicklung und Musikunterricht
 THEMA 9

DIE MUSIKALISCHE ACTIVITÄT IN DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG: KOORDINATION

ALLGEMEIN UND PRAKTISCH, VERÄNDERUNGEN DES SCHEMAS UND KÖRPERANPASSUNG
STÖRUNGEN DER TEMPORALEN-RAUMORIENTIERUNG. BEITRÄGE
INTERDISZIPLINARISCHEN IM BEREICH DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG NEHMEN
ALS BASIS DER MUSIKALISCHEN AKTIVITÄT.

1. DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT IN DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG: KOORDINATION

ALLGEMEINE UND PRAKTISCHE, VERÄNDERUNGEN DES SCHEMAS UND KÖRPERANPASSUNG
STÖRUNGEN DER TEMPORAL-RÄUMLICHEN ORIENTIERUNG.
1.1. EINLEITUNG
1.2. DIE MUSIKALISCHE ACTIVITÄT IN DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG
1.3. ALLGEMEINE UND PRAKTISCHE DYNAMISCHE KOORDINATION
1.4. VERÄNDERUNGEN DES SCHEMAS UND KÖRPERANPASSUNG
1.5. STÖRUNGEN DER TEMPORALEN UND RÄUMLICHEN ORIENTIERUNG

2. INTERDISZIPLINÄRE BEITRÄGE FÜR DAS FELD DER BILDUNG

PSICOMOTRIK, DIE AUF MUSIKALISCHER AKTIVITÄT BASIERT.
2.1. INTERDISZIPLINARITÄT
2.2. LA EDUCACIÓN PSICOMOTRIZ Y SU RELACIÓN CON EL LENGUAJE
2.3. DIE PSYCHOMOTORISCHE BILDUNG UND IHRE BEZIEHUNG ZUR SPORTBILDUNG
2.4. DIE PSYCHOMOTORISCHE BILDUNG UND IHRE BEZIEHUNG ZUR KÜNSTLERISCHEN BILDUNG
2.5. MUSIKMETHODEN

3. ANHANG
 THEMA 9
DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT IN DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG: KOORDINATION
ALLGEMEINE UND PRAKTISCHE, ÄNDERUNGEN DES SCHEMAS UND KÖRPERANPASSUNG
STÖRUNGEN DER TEMPORÄR-RAUMLICHEN ORIENTIERUNG. BEITRÄGE
INTERDISZIPLINARITÄT IM BEREICH DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG NEHMEND
ALS BASIS DER MUSIKALISCHEN AKTIVITÄT.

1. LA ACTIVIDAD MUSICAL EN LA EDUCACIÓN PSICOMOTRIZ:

ALLGEMEINE UND PRAKTISCHE KOORDINATION, VERÄNDERUNGEN DER
SCHEMA UND KÖRPERANPASSUNG, STÖRUNGEN DER
TEMPORO-RÄUMLICHE ORIENTIERUNG.

1.1. INTRODUCCIÓN
Die Psychomotorik ermöglicht es dem Kind, Erlebnisse aus seinem Körper heraus zu haben.
Beziehung zu Raum und Zeit, entwickeln Sie Ihr Bewusstsein für ganzheitliches Sein.
Die Störungen oder Unzulänglichkeiten der motorischen Verhaltensweisen werden nicht mehr erreichen als
die Manifestationen der Intelligenz zu stören und zu paralysieren" (Pic und Vayer). Außerdem gibt es
Beziehungen zwischen der neuromotorischen Aktivität und dem affektiv-sozialen Verhalten des Kindes.
Schließlich sollte hinzugefügt werden, dass die psychomotorische Entwicklung das Lernen bestimmen wird.
das Lesen und Schreiben, denn um die Aufmerksamkeit zu fokussieren, braucht man die Beherrschung des Körpers und die Hemmung
freiwillig. Zum Schreiben sind motorische und psychomotorische Gewohnheiten notwendig: sehen, sich erinnern,
Von links nach rechts transkribieren... Das Schreiben ist bereits eine psychomotorische Übung.

Die psychomotorische Erziehung sollte dazu beitragen, die folgenden Ziele zu entwickeln:
Die Entwicklung der Beherrschung der globalen motorischen Aktivität
Den Körper mit einer expressiven Funktion nutzen
Eine gute Körperwahrnehmung erwerben
Tönisch-affektive Beziehungen zu seiner Umgebung aufbauen
Die neuroperceptiven motorischen Verhaltensweisen entwickeln
Die perceptiv-motorischen Fähigkeiten entwickeln
Die Organisation und räumliche Struktur entwickeln
Die zeitliche Strukturierung entwickeln
Estos objetivos se conseguirán a través de la Educación Musical. El alumnado
Seit er sehr klein ist, kann er auf das Tempo und die Intonation reagieren. Diese Sensibilität gegenüber
Die Musik zeigt uns, dass auch innerhalb der psychomotorischen Dimension ...
werden die folgenden musikbezogenen Ziele entwickeln und fördern:
Rhythmische Strukturen entdecken und wiedergeben
Die motorischen Verhaltensweisen dem Rhythmus anpassen
In der Lage sein, Rhythmen durch Bewegung auszudrücken
 Die Kontrolle der stimmbereichenden Motorik
Fortschritte im Umgang mit der Atmung
Die Beherrschung der segmentalen Unabhängigkeit des Körpers fördern
Die Kommunikation durch den Körper stärken
Kreativität durch Spiel fördern
Psychomotorik mit Musik zu machen, ist die grundlegende Voraussetzung für eine gute
Musikbildung.
En el punto de unión de ambas disciplinas podemos distinguir varios enfoques:
Psychomotorik mit musikalischen Ressourcen durchführen, um sie zu bereichern
Musik machen, indem man die Psychomotorik als Mittel nutzt, um zu verstehen und zu vertiefen
in ihr
Hacer las dos cosas, sin dar prioridad a una sobre otra

Die Psychomotorik wurde zunächst als die Fähigkeit verstanden,

die Bewegungen kontrollieren (reifungsorientierte Perspektive). Später die Faktoren
maduracionistas del movimiento se completan con los psicológicos. Según esto, podemos
die psychomotorik als die beherrschung der bewegungen der verschiedenen teile des
Körper, insoweit er eine koordinierte Kontrolle der verantwortlichen Elemente erfordert oder voraussetzt
und bringt in den meisten Fällen eine absichtliche Tätigkeit mit sich.
Escudero definiert die Psychomotorik so: "Die Psychomotorik besteht aus der
psychische Entwicklung, die im Subjekt durch Bewegung vollzogen wird, hinsichtlich der Entwicklung von
la inteligencia, de la vida emocional y de la vida social”.
Die Psychomotorik entstand mit den Arbeiten von Dupré im Jahr 1913, der
Erschloss den bestehenden Unterschied zwischen der Motorik und ihrem negativen Aspekt (das
Entspannung). Außerdem definierte er eine Reihe von psychomotorischen Störungen wie die motorische Labilität, und
Außerdem isolierte er eine Reihe von Störungen: Tics, Sincinesien ... So verstehen wir Bildung.
psicomotorisch ein Satz von Methoden und Techniken, die sich auf den Körper und die Bewegung konzentrieren
als Mittel zur besseren Entwicklung der Persönlichkeit und einer besseren Beziehung
Kommunikation mit der Welt um ihn herum.

1.2. DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT IN DER PSYCHOMOTORISCHEN BILDUNG

Im Curriculum zielt die Psychomotorik darauf ab, die Aktivitäten zu integrieren.
Bildungsaktivitäten, die mit der Bewegung des eigenen Körpers verbunden sind. Eine Bildungsaktivität ist eine
Einheit für Integration und Entwicklung von Erfahrungen. Sie muss bestimmte pädagogische Anforderungen erfüllen.
sich auf die Bildungsziele beziehen, eine Ganzheitlichkeit bieten, das Lernen erleichtern
Die pädagogischen Funktionen in die Praxis umsetzen (analysieren, komponieren, erstellen, überprüfen,
bauen...) und integrativ für alle Dimensionen der Persönlichkeit sein.
Die psychomotorische Erziehung entwickelt sich im Bereich der Bewegung. Alle
Die Aktivitäten werden darauf abzielen, das Körperbewusstsein zu erkennen und zu erreichen.
Entwicklung der Fähigkeit, den Körper als expressives Element zu nutzen, sich zu orientieren
innerhalb des Raumes, um Gewohnheiten der Pflege, Prävention, angemessenen Nutzung usw. zu erlangen, von ihrem eigenen
Körper. In den Aktivitäten, die Konzepte, Verfahren und Haltungen vorschlagen müssen, sollten
sich auch dafür vorzuschlagen, die Gefühle zu erleben und dadurch eine harmonische Entwicklung zu erreichen.

Die Psychomotorische Erziehung kann aus verschiedenen Perspektiven betrachtet werden,

unter denen sich das Musical befindet. Die Musik spielt eine wichtige Rolle in der Entwicklung
Psychomotorik des Kindes. Alle aktiven Methoden respektieren das Prinzip des Wertes des Körpers.
als Vermittler zwischen Musik und Gedanken. Die musikalische Aktivität trägt bei:
Ein psychophysisches Gleichgewicht fördert das Wissen und die Muskelkontrolle.
 Eine persönliche Kreativität, jede Körperbewegung ist anders und wird ausgedrückt mit
Freiheit
Una finalidad, un trabajo motriz para niños sin dificultades motrices y psíquicas y para
Die Erziehung von Kindern mit Defiziten.

In jeder Aktivität wird die Lernenden ihren Körper global spüren, ohne
Notwendigkeit, ihre Erlebnisse zu rationalisieren. Im Allgemeinen werden Richtlinien gegeben, die nicht zu sehr ...
rigide, damit sie ihre Spontaneität ausdrücken können und dann über ihr Handeln nachdenken.
Die psychomotorischen Aktivitäten werden in einer bestimmten Reihenfolge durchgeführt: Zuerst erreichen
Ort das Bewusstsein des eigenen Körpers; an zweiter Stelle eine räumliche Strukturierung
die auf der vorherigen Erfahrung basieren wird, in Bezug auf sich selbst und andere; an dritter Stelle die
Temporalität und schließlich die Funktion der Symbolisierung, die die Realität durch ein
Symbol. Die grundlegenden Elemente, die entwickelt werden, sind: Körperschema, Strukturierung des
Raum und Zeit sowie der soziale Aspekt.
Die musikalische Aktivität in der psychomotorischen Bildung wird so geplant, dass
entwickeln sich die folgenden Aspekte:
1) Verschiedene Aktivitäten, die an die psychologischen Merkmale und Fähigkeiten der Schülerinnen und Schüler angepasst sind.
Er wird das céfalo-kaudale Gesetz und das proximal-distale Reifungsgesetz respektieren, wie es das eigene zeigt.
Individuum und wie es die Welt um sich herum sieht
2) Es werden Spiele gesucht, die die visuellen und auditiven Empfindungen zur Geltung bringen.
taktile, usw.: sensoperceptuelle Funktionen. Die Spiele müssen die Ziele abdecken.
vorgeschlagen
3) Suchen Sie, welche Musik, Spiele und Kreationen ein Gefühl von Freude und Expansion erzeugen (das sein soll
motivierend und ausdrucksstark
4) Eine soziale Integration suchen (gemeinsame Spiele, Kooperation und Hilfe)
5) Es wird angestrebt, die intellektuelle Kapazität zu steigern. Die Inhalte werden in
Funktionsweise, in ihrer dreifachen Dimension, die Entwicklung der intellektuellen Fähigkeiten des
Schülerschaft
6) Fördert die statische und dynamische Bewegung
7) Atemübungen und Entspannungen vor und nach der Aktivität durchführen. Die Momente der
Pausen werden gemacht, wenn Müdigkeit wahrgenommen wird und als Motivation. Die Stille wird erlebt.
8) Um die Aktivität abzuschließen, gibt es mehrere Möglichkeiten: a) mit einem Abstieg abbrechen
Aktivität, nicht abrupt; b) ein Gespräch über das Durchgeführte führen und hervorheben
Die bearbeiteten Konzepte; c) Das Material wird gesammelt, um Ordnung und Harmonie zu fördern.
Die Sitzungen werden 30 Minuten bis zu sechs Jahren dauern, die sich erhöhen werden.
mit dem Alter der Schüler.
Die Arbeitseinheiten übersetzen sich in: Körperschema, räumliche Organisation
und temporäre Organisation.
Die Methode wird die sein, die der Pädagoge für am geeignetsten hält. Wenn sie aufgeregt sind, dass
Lassen Sie die Spannung los, und wenn Sie müde sind, die Entspannung; wenn Sie ruhig sind, Übungen von
Aufmerksamkeit, zur Lateralisierung... Zunächst wird es ein freies Spiel geben. Danach werden Anleitungen gegeben.
generales, provocando la curiosidad y la exploración; luego normas más encaminadas a cumplir
die Ziele, und schließlich werden Spiele vorgeschlagen, die die Sozialisation fördern.
Notwendige Lehrmittel: großer Raum, bequeme Kleidung, die ermöglicht
die Bewegung und materielle Ressourcen wie einen Spiegel, Kassette, Musikinstrumente, Bälle
Schnüre, Tücher, Teppiche, Wände, Luftballons, Papiere, spezifische Bibliografie...

(Siehe Punkt 3. ANHANG)

 1.3. ALLGEMEINE UND PRAKTISCHE DYNAMISCHE KOORDINATION
Die Allgemeine Dynamische Koordination ist das Ergebnis einer Harmonie von Handlungen.
Muskeln in Ruhe und in Bewegung als Reaktion auf bestimmte Reize. Diese
Koordination bezieht sich auf die Flexibilität in der motorischen Kontrolle und auf die Anpassungsmechanismen.
Haltungen, die während der Bewegung eingenommen werden. Dies impliziert das Bewusstsein für den Körper, das
was unerlässlich für die Ausführung und Kontrolle feiner Bewegungen (praksisch). Die
Die allgemeine dynamische Koordination ermöglicht es dem Subjekt, Muskelgruppen zu bewegen und zu hemmen.
unabhängige parasitäre Bewegungen. „Man nennt sie Übungen zur dynamischen Koordination
general a aquellos que exigen recíproco ajuste de todas las partes del cuerpo y, en la mayoría de
Die Fälle beinhalten Lokomotion.
Die psychomotorische Erziehung ist ein wichtiger Faktor, der ein Wissen und
Körperkontrolle. Marta Schinca. Warum ist das Wissen und die Kontrolle über
Körper? Dies ist die Brücke zwischen dem „Ich“ und der Außenwelt. Es gibt eine Reihe von Konzepten
Abstraktionen, zu denen das Kind nur durch reale Erfahrungen Zugang hat, die ihm helfen, ...
sie verstehen (oben-unten, vorne-hinten, links-rechts, die Volumen, die Formen, die
Pläne, die räumliche Beziehung zwischen den Objekten, die Entfernungen, Höhen, Abfolgen von Elementen,
Anweisungen...). Indem sie ihren eigenen Körper als Referenz nehmen, fangen sie an, Sinn zu ergeben für ihn
ein Kind eine Reihe von Wörtern, die vorher nicht ihm gehörten.
Zweck der Koordination ist es, dies auf eine effektive Weise durchzuführen.
Bewegungen mehrerer Körpersegmente, die an einer Geste beteiligt sind. Die Globalität wird
Es wird gelingen, wenn die Funktionalität jedes Körperteils bekannt ist und erlebt wurde.
Die allgemeine dynamische Koordination wird hauptsächlich durch
motorische Übungen begleitet von rhythmischen oder entspannenden Strukturen je nach Übung und dem
Ziel, das wir uns gesetzt haben. Die Übungen, die für die Entwicklung der C.D.G. dienen mit
das Ziel, die Automatisierungen zu perfektionieren, sind: das Krabbeln, das Gehen, das Laufen, das Ziehen, die
Entspannung und Gleichgewicht. Diese Übungen steigern die Muskelkraft, die Geschwindigkeit, die
körperliche Widerstandsfähigkeit, die Agilität, die Flexibilität... Befriedigen die Bewegungsbedürfnisse des
Kinder, sie wirken beruhigend auf diejenigen, die oft sehr aufgeregt sind, und ermutigen die Gehemmten, und
sie können als Aktivitäten vor den Atem- und Entspannungsübungen verwendet werden.

Unter PRAXIA versteht man eine motorische Sequenz, die zeitlich und in
der Raum, um die Bewegung auszuführen, die am effizientesten für den Zweck ist
bestimmt. Beinhaltet koordinierte Bewegungen von Händen und Fingern, um zu gelangen zu
reproducir correctamente formas gráficas.
Die praxische Koordination wird auch visomotorisch oder okulomanual genannt.
Es wird als eine Beziehung zwischen Auge und Hand verstanden, die wir als die Fähigkeit definieren können
was ein Individuum besitzt, um simultan die Hände und die Sicht zu nutzen, um zu realisieren
eine Aufgabe oder Aktivität.
Una buena coordinación requiere tener muy en cuenta los aspectos siguientes:
Entwicklung der allgemeinen Gleichgewichtsfähigkeit des eigenen Körpers
Unabhängigkeit der verschiedenen Muskeln
Eine perfekte Anpassung des Blicks an die verschiedenen Bewegungen der Hand
Eine feste Lateralisation, die Unabhängigkeit von links-rechts, ausgedrückt in der
Kind durch die vorherrschende Nutzung einer von ihnen
Die Anpassung an die Muskelanstrengung, dass sie der durchgeführten Aktivität angepasst wird.
Ein ausgeprägtes Gefühl für Richtung
All dies entwickelt sich in Abhängigkeit von der physiologischen Reifung des Subjekts und von den
Trainings oder durchgeführte Übungen. Ein gut ausgearbeitetes psychomotorisches Programm kann verbessern
alle genannten Punkte.
 Während der Schulzeit ist es wichtig, der Entwicklung ausreichend Aufmerksamkeit zu schenken.
Koordination von Auge und Hand, da sie die geringere oder größere Leichtigkeit des Schülers bestimmen wird.
für das Schreiben lernen.
Aktivitäten zur Entwicklung dieser Koordination sind das Werfen und Empfangen.

1.4. ALTERATIONEN DES SCHEMAS UND DER KÖRPERANPASSUNG

Das Körperschema besteht aus dem mentalen oder repräsentativen Bild, das jeder hat.
hat seinen eigenen Körper, seine Segmente, Möglichkeiten der Bewegung, Einschränkungen
räumliche...
Se va elaborando según informaciones sensoriales de orden interno y externo. Es
ein Prozess der Verinnerlichung aus drei Arten von Empfindungen:
Propriozeptive, die aus den Muskeln, Sehnen und Gelenken stammen,
Bereitstellung von Informationen über die Kontraktion oder Entspannung des Körpers
Interozeptive, die uns Daten über den Zustand der inneren Organe bieten
Exterozeptoren, die auf die Körperoberfläche wirken, wie die taktilen und kinästhetischen.
Informationen über die äußeren Objekte bereitstellen.

Escudero legt die Phasen der Strukturierung des Körperschemas fest:

1) Entwicklungsphase des erlebten Körpers (bis etwa 3 Jahre): In dieser Phase entdeckt das Kind seinen eigenen Körper.
2) Perzeptive Diskriminierung (bis zu 7 Jahren): Dabei wird ein Prozess durchgeführt
Stärkung der Wahrnehmung
3) Körperdarstellung (bis zu 12 Jahren): hier wird sein Körperschema strukturiert.
die mentale Vorstellung erwerben.
P. Vayer strukturiert die Merkmale des Körperschemas nach Phasen:
1) Präzise Greifbewegung, koordinierte Fortbewegung, motorische und kinästhetische Präzision, Auftreten von
die ersten asymmetrischen Bewegungen, Kontrolle der vertikalen Körperhaltung des Rumpfes,
Wiedergabe von Spiegelgesten, Unterscheidung der Körperseiten gemäß ihrer Achse
simétrico, imitación de posturas de brazos y piernas de un modelo
2) Vereinigung von motorischen und kinästhetischen Empfindungen, visuell-motorische Koordination, Kontrolle
Haltung, endgültige Bestätigung der Lateralität, Wissen rechts-links
Segmentale Unabhängigkeit der Arme in Bezug auf den Rumpf, Zunahme der Ressourcen von
Marsch
3) Bewusstsein für die körperelemente, Bewegungskoordination, globale Entspannung und
Segmentarität, Unabhängigkeit der Arme und Beine in Bezug auf den Rumpf, Unabhängigkeit
funktionale rechts-links, funktionale Unabhängigkeit von Segmenten und Elementen
Körperliche, motorische Autonomie, präzise perzeptiv-motorische und ideomotorische Koordination
Kontrolle der graphischen Darstellung des Körperschemas.

Die Veränderungen des Körperschemas und der Körperanpassung sind ein Hindernis für die Integration.
des Körperschemas, das für die harmonische Entwicklung erforderlich ist. Eine schlechte Integration des Schemas
Körperliche Beschwerden erzeugen wahrnehmungs-, bewegungs- und soziale Nachwirkungen:
Im perceptiven Bereich: Mangel an raum-zeitlicher Strukturierung, da es der...
Der eigene Körper ist der erste Referenzpunkt der Wahrnehmung und der Beziehung zu den
anderes und mit den Dingen
Im motorischen Bereich: Unfähigkeit, die motorischen Schemata zu organisieren, von denen sie ausgehen.
häufigste Aktionen; es treten Koordinationsfehler, Langsamkeit, Ungeschicklichkeit, Buchstaben auf
deformiert, schlecht ausgerichtet und zitternd, schmutzige Notizbücher voller Kritzeleien und
Risse...
 Auf persönlicher und sozialer Ebene wird das Kind so oft in der Schule ermahnt und in
Haus, das ihren Charakter verdirbt und kontinuierliche Veränderungen in ihrem Zustand bietet.
seelisch. All dies verursacht Wut und Aggressivität, Albträume und nervöse Ticks.
Die psychomotorische Erziehung können wir in folgenden Aspekten betrachten:
a) Wissen und Kontrolle des Körpers. Jeden Muskel und seine Funktionsweise erkunden, außerdem
de seinem Umgang mit der Kontraktion und der Entspannung. Aktivitäten, die zu einer
Spannung, um dann Entspannung zu erzeugen. Führen Sie sie mit allen Muskeln des Körpers durch.
b) Lateralität, Unabhängigkeit und Koordination zwischen zwei oder mehr Gliedmaßen. Das
Kontrabewegung. Das Missverhältnis in diesem Aspekt produziert unkoordinierte Subjekte,
unfähig, eine Bewegung von einer anderen zu unabhängig zu machen (Synchronie). Es wird an der gearbeitet werden
Unabhängigkeit der Mitglieder, Abwechslung der Hebevorgänge, Cross-Training der
Mitglieder, die Symmetrie und den Gegenbewegung trainieren, die durch die Abwechslung geregelt ist
Zonen gleichzeitig.
c) Atmung und Entspannung. Die Bewegung muss mit der Atmung koordiniert sein. Dies
Sie hat einen aktiven und einen passiven Teil. Der aktive Teil muss mit der Inspiration übereinstimmen, und die
passiv mit der Ausatmung. Was die Entspannung betrifft, ist jede gute psychomotorische Arbeit
Es wird mit einer Entspannung beginnen, die zu einer guten Funktionsweise des Körpers führt und hat ein
großer psychischer Wert. Die praktischen Aktivitäten werden Empfindungen des Drückens-Lassens beobachten,
heben-fallen lassen, dehnen-fallen lassen, hinsichtlich partieller Empfindungen; und „ich bin ein
Marionette", "ich bin eine Stoffpuppe" in Bezug auf globale Empfindungen.
d) Gelenk. Das Erleben, was jedes Gelenk ist und wozu es dient, führt zu der
Segmentarisierung der Bewegung innerhalb eines Gebiets und zur Entdeckung von
die Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers.
e) Gleichgewicht. Es ist eines der Ziele der psychomotorischen Erziehung. Die Hypertonie ist der
eine Erhöhung des Muskeltonus, die einen unnötigen Energieverbrauch verursacht. Die Hypotonie ist
die Abnahme des Muskeltonus und verursacht schlechte Haltungen. Das Bewusstsein über
Eine ausgewogene Muskelhaltung erzeugt ein Gefühl der Körperbeherrschung.
wahrnehmend und fühlend die Synchronisation in den Kontraktionen und Distausdehnungen. Das
Gleichgewicht ist der Hauptfaktor für die Fortbewegung. Sein Fehlen führt zu Ungenauigkeit von
Bewegung, falsche Wehen und Instabilität.
f) Visuelle-Motorische Koordination (Beziehung zwischen Auge und Hand). In den Händen konzentriert sich die Motorik.
fina. Wenn sie keine gute visomotorische Koordination hat, wird sie große Schwierigkeiten haben zu
Präzision im Grafikdesign im Allgemeinen und im Schreiben im Besonderen erreichen. Durchführen
Aktivitäten, die dazu dienen, die Muskelanstrengung anzupassen (Bälle werfen und empfangen),
alle, die für die Hände sind, die die Finger flexibilisieren und stärken,
seine manuelle Fähigkeit zu erhöhen.
g) Bewegungen. Es wird immer von zwei Kräften beeinflusst: der Schwerkraft und dem Raum.
Schwerkraft kann genutzt werden, indem Bewegungen ausgeführt werden, die mit ihr harmonieren, wo sie nicht ...
es erfordert eine Muskelanstrengung, oder man muss sich gegen sie bewegen, wo eine große erforderlich sein wird
Muskeln effort. Die Kraft des Raumes wird zwischen dem Körper und ihm selbst hergestellt. Wenn alles
Der Muskel hat seinen Antagonisten, die Bildungsaktivität wird entwickelt, wenn daran gearbeitet wird
antagonistische Muskelbewegung. Marta Schinca legt einige Qualitäten des
Bewegung, die aus der Verbindung oder Trennung des Kampfes gegen die Schwerkraft entsteht und
der Raum: schwer (mit der Schwerkraft, ohne räumlichen Antagonismus), schwer und stark (mit der
Gravitation und mit räumlichem Antagonismus), leicht (gegen die Gravitation und mit Antagonismus
räumlich), und leicht und sanft (gegen die Schwerkraft, ohne räumlichen Widerspruch).
Der ausdrucksvolle Teil der Körperarbeit ist immer eine Manifestation von Qualitäten des
Bewegung. Pädagogisch wird angeregt, die Nuancen mit Bildern zu arbeiten. Das
Bewegung hat neben ihren Qualitäten und ihrem muskulären Antagonismus noch andere
Manifestationen wie die Fortbewegung (gehen, laufen, springen, drehen, gleiten, rollen...).
 Für diese Übungen, die auf spielerische Weise präsentiert werden, wird es ein Element sein
Wichtig ist die rhythmische Begleitung.
h) Vorstellungskraft und individuelle sowie kollektive Sensibilität. Freie Ausdrucksform. Alle Übungen
müssen die Fähigkeit zur freien Schöpfung entwickeln, die Vorstellungskraft stimulieren und die
Empfindlichkeit.
Einmal wurde das Studium dieser Aspekte der psychomotorischen Bildung angegangen für
Das Bewusstsein für den eigenen Körper entwickeln; falls eine Störung beobachtet wird, sollten wir diese untersuchen.
Wir legen somit die Grundlagen, um diese Strukturierung des Raum-Zeit-Kontinuums, diese Ungeschicklichkeit, zu korrigieren.
die motorische Inkoordination und die Unsicherheit in sich selbst und mit anderen.

1,5. STÖRUNGEN DER TEMPORAL-RÄUMLICHEN ORIENTIERUNG

Die räumliche Organisation ist die Strukturierung der Außenwelt, die zuerst
beziehe dich auf das Ich und dann auf andere Personen und Objekte sowohl in statischen als auch in dynamischen Situationen
Bewegung. Eine gute räumliche Orientierung hängt von einer guten Körperstrukturierung ab.
Um den Raum zu beherrschen, sind persönliche Erfahrungen und Beziehungen notwendig.
Objekte und die umgebende Welt. Es wird beabsichtigt, dass das Kind den Raum, in dem es lebt, organisiert und sich
bewegt sich, wobei er der Bezugspunkt ist und versucht, dass er in der Lage ist, zu erleben, zu erkennen und
verschiedene Situationen, Bewegungen, Orientierungen darstellen... (vor-hinter, drin-
außen, oben-unten, rechts-links...
Was die Zeit betrifft, können wir von einer objektiven Zeit sprechen (der wissenschaftlichen -
Mathematiker, gleich für alle) und einer anderen subjektiven Zeit (geschaffen von uns und der Wahrnehmung
unterscheidet sich je nach Individuum, der Motivation, dem Interesse und/oder der Tätigkeit, die durchgeführt wird.
Die Wahrnehmung der Zeit ist mit der des Raums verbunden. Die Zeit wird wahrgenommen von
Mitte der Bewegung, durch Aktionen, die in einem Raum stattfinden.
Der Wert des Wissens über die Zielzeit ist klar: es hilft, zu organisieren.
Arbeit und Freizeit, den Aufwand reduzierend und die Angst vor dem Nichtwissen verringernd, was
Die wichtigsten zeitlichen Konzepte kann das Kind durch Spiele erfassen und
ejercicios psicomotores: antes, después, al principio, por último, mientras... La estructuración
Temporal kann durch musikalische (rhythmische) Aktivitäten mit Rhythmen, die einbeziehen, gefördert werden.
Spiele mit Körperaktivität, mit Schlaginstrumenten (körperlich, PAI...), usw.

Die von verschiedenen Fachleuten durchgeführten Studien bezüglich der

Lernschwierigkeiten bei Kindern mit bestimmten motorischen Beeinträchtigungen bestehen darauf hervorzuheben, dass
Es gibt Unzulänglichkeiten in Bezug auf die zeitliche, räumliche Organisation und die symbolische Funktion.
Die Probleme der räumlichen Strukturierung stellen einen Indikator für die dar.
Schwierigkeiten, eine bestimmte Anordnung der Elemente (Phoneme, Buchstaben, Ziffern,
Wörter...)
Die Schülerinnen und Schüler führen eine Reihe von Übungen durch, die einem natürlichen Fortschritt folgen.
Bewusstsein seines inneren Raums, ohne Bewegung; der Raum, der ihn umgibt, ohne
Verschiebung; die Interrelation beider und die Bewegung. Diese Progression erfolgt von
was bis zu neun oder zehn Jahren entsteht. Deshalb ist das Konzept der Lateralisierung so schwierig: obwohl ja
Man kann teilweise Körperteile unabhängig machen, sie nehmen nicht wahr, dass sie sich in zwei Teile teilen.
symmetrische Teile, rechts und links.

Die Zeit ist die Koordination der Bewegungen. Die musikalische Anwendung auf die
Die psychomotorische Bildung findet ihre größte Nützlichkeit konkret in der zeitlichen Orientierung. Das
Zeit kann nur durch den Rhythmus (Folge mit Punkten, Tatsache, ...) objektiviert werden.
Wir werden versuchen, zwischen langsamer, normaler und schneller Zeit mit dem Metronom zu unterscheiden.
Händeklatschen, Schläge auf eine Tamburin... Um die Auffassung zu erlangen
Perzeptiv-motorische Zeit, es können Übungen in Betracht gezogen werden, die Rhythmus mit Marsch kombinieren.
Die Konzepte der Temporalität und des räumlichen Sinns sind simultan. Wenn
Es gibt Lernstörungen, wenn die psychomotorische Bildung an Bedeutung gewinnt.
Es ist ein Mittel, um diese ausgewogene Entwicklung zu erreichen, indem eine Umerziehung angeregt wird, die ihm helfen wird.
helfen, diese Konzepte zu erleben und zu verstehen.

2. INTERDISZIPLINÄRE BEITRÄGE ZUM BEREICH DER

PSYCHOMOTORISCHE BILDUNG, DIE ALS BASIS DIE
MUSIKALISCHE AKTIVITÄT

[Link]ÄT
Die psychomotorische Erziehung hat eine globale Dimension in ihrem Handeln.
Bildung, und die Globalisierung gewährleistet eine harmonische, ausgewogene, integrierte und
einheitlich. Diese Bildung integriert die Entwicklung des Körperschemas, die räumliche Organisation und
zeitlich.
Aktivitäten für das Körperbewusstsein:
- Märsche mit Parolen
Spiegelspiele
- korrodierend Objekte übergeben
- Lieder, die von Körperteilen sprechen, usw.
Aktivitäten zur Strukturierung des Raumes:
- Märsche mit Parolen
Rundgänge
- Bewegungsspiele und Tänze
Aktivitäten zur Strukturierung der Zeit:
- Spiele, die die Konzepte: jetzt, vorher, nachher, dann... enthalten.
- Fahrten mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten
Rhythmen unterschiedlicher Länge (Dauer)
das gleiche bei unterschiedlicher Geschwindigkeit

- Quadratur und Dauer der Phrasen (4, 8, 16 Takte)

Aktivitäten für Zeit und Raum
- juegos de movimiento
Tänze
Aktivitäten für die allgemeine Koordination
Die Übungen zu marschieren (in Reihen, Kreisen...), springen (auf einem Bein, beiden...) und laufen, und
auch klettern und Vierfüßlergang (wie Katzen und Hunde, in der Hocke...).
Aktivitäten zur praxischen Koordination
Die Übungen zur Instrumentierung (PAI und PAD) und die Nachahmungsspiele sind interessant.
von Arbeiten oder Aufgaben, begleitet von Liedern oder Auditionen und den von Hand geschlagenen Percussionen
mit Partner.

Neben dem Tutor ist es ratsam, dass diese Bildung durchgeführt wird
durch den Professor, der auf Musikausbildung spezialisiert ist. Es wird die Aufgabe des Professors in der Musikausbildung sein
musikalisch die Ausrichtung, Planung und das Wissen im Bereich Musik durchführen
Auswahl von Liedern, Melodien, Instrumenten, die sowohl von ihm als auch vom Lehrer verwendet werden sollen.
Tutor, der den Schülern bei der Rehabilitierung von psychomotorischen Problemen hilft.
 Unter Berücksichtigung der musikalischen Aktivität kann die Psychomotorik sich
entwickeln aus verschiedenen Bildungsbereichen: Beziehung zur Sprache, Beziehung zu der
Sportunterricht, Beziehung zur Künstlerischen Bildung.
Die Koordination von Sprache-Bewegung-Musik wird eine bessere
Koordination, Entwicklung der Sensibilität, Entwicklung und mentale Organisation, Leichtigkeit von
Kommunikation, die sich auf die Reifung und Anpassung an die Umgebung, in der man lebt, auswirkt.
Man kann sagen, dass die interdisziplinären Beiträge bei der Zusammenführung
eine angemessene psychomotorische Bildung erreichen.

2.2. DIE PSYCHOMOTORISCHE BILDUNG UND IHRE BEZIEHUNG ZUM SPRACHE

Im Falle von Schülern mit Lese- und Schreibproblemen wird daran gearbeitet, die
Raum-Zeit-Beziehungen. Die gesprochene Sprache basiert auf zeitlichen Beziehungen, und die geschriebene auf
räumliche Beziehungen. Das laute Lesen des Geschriebenen setzt voraus, das Räumliche in Zeitliches zu verwandeln und
vice versa.
Das Wort hat einen großen dynamischen, rhythmischen und klanglichen Reichtum, weshalb es wichtig ist, zu tun
Übungen mit zeitlichen Entwicklungssätzen (Sätze) tragen dazu bei, ein gutes Verständnis zu erlangen.
rhythmisch. Phonetisch wird in der normalen Sprache eine Unterstützung aus rhythmischer Sicht geschaffen.
sonoro.
Aktivitäten: einsilbige Wörter, die die schwarze Farbe ersetzen; Stille einbeziehen
negra; palabras bisílabas: ritmo binario; palabras trisílabas: ritmo ternario.
La vivencia rítmica también se puede experimentar colectivamente. Establecer la
räumliche Beziehung entsprechend einem Spiel von schwarzen und achtelnoten. Es kann auch
Bewegung einbeziehen. Wenn es rhythmisch innerhalb der Metrik antwortet, werden sich die
bewegungen, die den ganzen Körper integrieren.

2.3. DIE PSYCHOMOTORISCHE BILDUNG UND IHRE BEZIEHUNG ZUR SPORTLICHEN BILDUNG
In der Musikpädagogik agiert der Körper als Instrument, das singt, das sich
bewege... rhythmisch. Für den Sportunterricht ist der Körper wichtig in Bezug auf die
Bewegung, die mit dem Gehirn und dem Nervensystem verbunden ist, und hinsichtlich der Feinabstimmung des
Bewegung aus physikalischer Sicht.
Der Rhythmus ist das gemeinsame Element.
Der Sportunterricht wird der Psychomotorik die rhythmische Entdeckung und deren
Innerlichkeit. Es wird auch zu einer höheren Tonizität im Körper beitragen. Die Übungen werden helfen zu
verschiedene muskuläre Empfindungen zu entdecken, Entspannungstechniken durchzuführen und zu einem größeren
Gleichgewicht des Körpers im statischen und dynamischen Sinne.
Aktivitäten: Nachahmungsspiele, Rollenspiele, Gruppenaktivitäten
(der Zug), Basispositionen, die einen Rhythmus markieren (dehnen und zusammenziehen, mit freier Bewegung,
tabellen...)

2.4. DIE PSYCHOMOTORISCHE BILDUNG UND IHRE BEZIEHUNG ZUR BILDUNG.

KÜNSTLERISCHE
Die Künstlerische Bildung umfasst die Plastik, die Musik und die Dramatisierung.
Die künstlerische Bildung trägt dazu bei, die schöpferischen Fähigkeiten und die Prozesse zu entwickeln.
Sozialisation des Individuums, aber diese Fähigkeiten und Prozesse werden sich nicht manifestieren
angemessen, wenn eine gute Motorik nicht dazu beiträgt.
Die Musikpädagogik, die Bildende Kunst und die Dramatisierung können
zu einem motorischen Bereich beitragen, des Raums, der Zeit, der Form, des Volumens, der Geste und
eine Organisation des Körperschemas, daher kann es eine Interrelation zwischen diesen geben
Bereiche.
Wenn wir die musikalische Bildung als Grundlage nehmen, ist der Beitrag zur Bildung
Psychomotorik zeigt sich in der Rhythmik oder Darbietung durch rhythmische Bewegung.
Durch die Körperbewegung werden sie die Konzepte (die Figuren, die Takte, die Klänge) erleben.
Intensitäten). Die rhythmischen Übungen bringen die intellektuellen Aktivitäten und Funktionen ins Spiel.
motorisch; der Körper manifestiert sich vollständig.
Aktivitäten: Verschiedene Rhythmen mit Schlaginstrumenten markieren, Spiele machen
szenisch; im Kreis spielen und singen; einen Ball gegen die Wand werfen, ihn erhalten und wiederholen
(Wenn ein hoher Ton ertönt, wird es nach oben springen, und wenn er tief ist, gegen die Wand); darstellen
verschiedene Körperhaltungen je nach Gemütszustand, den die Musik vorgibt; Aktivitäten
eigenen des Gesangs (Atmung, Artikulation, Entspannung, Resonanzen).

2.5. Musikalische Methoden

Die Entwicklung der Musikalischen Bildung wird durch andere spezifische Techniken ergänzt.
Wie ist die Musiktherapie und der Tanz, die es ermöglichen, Musik und Bewegung zu integrieren.

Die Musiktherapie, oder Therapie durch Musik, stellt eine wichtige dar
elemento de rehabilitación, especialmente entre la población infantil afectada de algún déficit
motorisch. Ermöglicht die Entwicklung von:
die motorischen Potenziale (Gleichgewicht, Muskeltonus, Kontrolle)
- Rhythmus, durch das Hörvermögen
Kommunikation und Ausdruck
Ambientemusik während des Unterrichts fördert die Aufmerksamkeit der
Kind, während es als Beruhigungsmittel wirkt. Die Musik spielt während der Pause und der Aktivität.
Motivation fördert die Handlung und verleiht den Realisierungen mehr Dynamik.

Die Bon Depart-Methode ist eine interdisziplinäre Methode, die darauf abzielt, die
Entwicklung der Feinmotorik bei Kindern, die Zunahme ihrer Praxis, der Beginn von Übungen von
Vorschreibung und musikalische Initiation durch Gesang und Rhythmus.
Es soll erreicht werden, dass die Kinder zunehmend anspruchsvolle Strichzeichnungen ausführen.
dem Rhythmus bestimmter Lieder folgen. Zu diesem Zweck verfügt diese Methode über ein Set von
canciones, de dificultad musical muy baja, y asociados a ellas, una serie de trazos que los
Schüler müssen fortfahren.
Zuerst lernen die Kinder den Rhythmus des Liedes durch Nachahmung und indem sie
Schläge im Rhythmus jedes Taktes. Anschließend lernen sie die Melodie durch Nachahmung.
Um einen hohen Grad an C.D.G. zu erreichen, müssen die Kinder sie richtig singen und dabei klatschen.
an den genannten Orten und beim Gehen, dem Puls der Schwarzen folgend. Einmal erreicht
Daher müssen die Schüler das Grafikdesign durchführen. Jeder Strich muss ausgeführt werden.
genau übereinstimmend mit dem Akzent des Taktes. Die Dauer muss ebenfalls festgehalten werden.
Grafisch: Die Kinder müssen eine viel längere Linie mit dem Zirkel ziehen.
abschließende oder lange Notizen. Die Schüler werden es zuerst in der Luft singen,
später, mit verschiedenen Möglichkeiten: auf der Tafel mit dem feuchten Finger, mit Farbe
de dedo, über Oberflächen verschiedener Texturen,... Schließlich müssen sie es auf ihren Kartons durchführen.
 3. ANHANG

INHALTE UND ALLGEMEINE ZIELE DER PSYCHOMOTORIK

BLOCK 1: KÖRPERSCHEMA

INHALTE Wissen über den eigenen Körper Körperbild

Lateralität
Motorische Koordination dynamische allgemeine Koordination
Hand-Augen-Koordination
Koordination Auge-Fuß
Freie Körperausdruck

ZIELE Den eigenen Körperbewusstseins zu beginnen und voranzukommen

Die tonischen und respiratorischen Fähigkeiten stärken
Die Prozesse der Gleichgewichtskontrolle entwickeln
Das grundlegende Vertrauen und die Sicherheit im Umgang mit dem eigenen Erwerb.
cuerpo
Das Bewusstsein für den eigenen Körper als Einheit und Ausdrucksmittel zu entwickeln.
Selbst

BLOCK 2: RÄUMLICHE ORGANISATION

CONTENIDOS { Percepción y orientación espacial nociones espaciales

espacialidad general
räumliche Lokalisierung
räumliche Ordnung

ZIELE Die eigene räumliche Organisation zu beginnen und zu entwickeln

Fortschritte im Unterschied zwischen dem subjektiven inneren Raum und dem Raum
externer Real
Das Bewusstsein für den umgebenden Raum und den Raum, der eingenommen wird, zu entwickeln.
eigenen Körper
Entwickeln Sie die grundlegenden Kriterien für die räumliche Orientierung
Den Außenraum entsprechend den Situationsrichtlinien der
Objekte, die es einnehmen

BLOCK 3: TEMPORAL ORGANIZATION

CONTENIDOS { Percepción y orientación temporalDauer
Geschwindigkeit
Rhythmus
Simultaneität
Nachfolge

ZIELE Die Vorstellung von Raum und Zeit als objektive Realität initiieren und entwickeln
Fortschritte beim Erwerb spontaner rhythmischer Sequenzen und
kontrolliert
Bewusstsein über den Verlauf bedeutungsvoller Ereignisse im Laufe der Zeit
Eine angemessene Schätzung der Dauer und der Gleichzeitigkeit festlegen
von Aktionen
 THEMA 10

DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT ALS AUSGLEICH FÜR DIE UNGLEICHHEITEN

BILDUNGEN. GRUNDPRINZIPIEN DER INTERVENTION. DIE BILDUNG
MUSIKALISCH IM BEREICH DER HÖRBEHINDERUNGEN. TECHNIKEN DER
VIBRATIONSENSIBILISIERUNG. STIMULIERUNG UND ANTWORT. BEITRÄGE
INTERDISZIPLINAR, UM DIE BILDUNGSUNGLEICHHEITEN ZU BEARBEITEN
AUS DER MUSIKALISCHEN AKTIVITÄT.

1. DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT ALS AUSGLEICH FÜR DIE UNGLEICHHEITEN

Bildungsangebote
1.1. HANDICAPS, DIE BILDUNGSUNGLEICHHEITEN VERURSACHEN
1.1.1. Der sozio-kulturelle und wirtschaftliche Nachteil
1.1.2. Die Probleme im familiären Umfeld
1.1.3. Die angeborenen oder erworbenen Defizite vom perceptiven oder motorischen Typ
(physikalisch)
1.1.4. Die geistige Behinderung
1.2. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG ALS AUSGLEICH
BILDUNGSUNGLEICHHEITEN
1.2.1. Die Musikalische Bildung als Ausgleich für die Benachteiligungen
soziokulturell
1.2.2. Die Musikalische Ausbildung als Ausgleich für die verursachten Handicaps
wegen familiärer Probleme
1.2.3. Die Musikalische Bildung als Ausgleich für physische Defizite von
perzeptiver oder motorischer Typ
1.2.4. Die musikalische Erziehung als Ausgleich für geistige Behinderung

2. GRUNDLEGENDEN DER INTERVENTION

2.1. THEORETISCHE GRUNDLAGEN
2.2. BASISPRINZIPIEN DER INTERVENTION
2.3. BASISSTRATEGIEN FÜR DIE BETREUUNG UND STIMULIERUNG DES
BENACHTEILIGTES KIND
2.3.1. Intensiv an den psychomotorischen Aspekten arbeiten
2.3.2. Die Entwicklung sozialer Kompetenzen fördern
2.3.3. Strategien zur Verstärkung nutzen

3. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG IM BEREICH DER HÖRBEHINDERUNGEN

3.1. KONZEPT UND KLASSIFIZIERUNG
3.2. HÖRAUSBILDUNG
3.3. DIE TECHNISCHEN HILFEN ZUR REDUZIERUNG DER
HÖRBEHINDERUNGEN
 3.4. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG BEI HÖRBEHINDERUNGEN

4. TECHNIKEN DER VIBRATIONALEN SENSIBILISIERUNG

4.1. KONZEPT DES MULTISENSORIALEN RAUMS
4.2. VIBRATIONSBEWUSSTSEIN

5. STIMULIERUNG UND ANTWORT

6. APORTACIONES INTERDISCIPLINARES PARA TRABAJAR LAS DESIGUALDADES

EDUKATIVE, DIE VON DER MUSIKALISCHEN AKTIVITÄT AUSGEHEN
 THEMA 10

DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT ALS AUSGLEICH FÜR UNGLEICHHEITEN

EDUKATIVE. GRUNDLEGENDEN PRINZIPIEN DER INTERVENTION. DIE BILDUNG
MUSIKALISCH IM BEREICH DER HÖRBEHINDERUNGEN. TECHNIKEN DER
VIBRATIONSENSIBILISIERUNG. STIMULIERUNG UND ANTWORT. BEITRÄGE
INTERDISZIPLINÄR ZUR BEARBEITUNG DER BILDUNGSUNTERSCHIEDE
AUS DER MUSIKALISCHEN AKTIVITÄT.

1. DIE MUSIKALISCHE AKTIVITÄT ALS AUSGLEICHER FÜR DIE

BILDUNGSUNGLEICHHEITEN

Die Beziehung zwischen Musik und Heilung in religiösen Zeremonien und schamanistischen Ritualen, wird
geht auf die Ursprünge der eigenen Menschheit zurück, da sowohl der Rhythmus als auch der Klang Teil sind
intrinsisch für den Menschen. Seit uralten Zeiten ist bekannt, dass Musik große
emotionaler Einfluss auf den Menschen und dass seine Auswirkungen davon abhängen, wie sie genutzt werden.
Fokussieren wir uns auf den pädagogischen Aspekt, hat die Musik eine große Relevanz in der
Erziehung des Kindes. Sie spielt ebenfalls eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Kindes.
defizient, der normalerweise positiv auf seine Reize reagiert.

Die Ausgleichserziehung bedeutet eine Maßnahme zur Angleichung von Ungleichheiten.

sozioökonomische, kulturelle, familiäre oder einfach physische oder psychologische. Die Strategie der
Die Unterstützungsbildung muss vielfältig sein und vom Wahrnehmungsverzug bis zur Sprache reichen.
actitud psicológica, hasta cualquier deficiencia que el niño presente.

Jedes Subjekt, das an geeigneten Reizen mangelt, hat einige Nachteile, die auftreten können.
Anomalien beim Lernen verursachen. Um die bestehenden Ungleichheiten auszugleichen in den
Individuen, in denen benachteiligende Bedingungen zusammenfließen, müssen wir das Problem in Betracht ziehen.
aus differenzieller Perspektive, sowohl im pädagogischen als auch im psychologischen Bereich.
In Anbetracht dessen stehen wir vor einem ersten Problem: die Vorbereitung der Lehrkräfte:
Die Musikprofis besitzen nur geringe Kenntnisse über die Natur und
die Ursachen seiner Unfähigkeit. Sie sind nicht in den spezialisierten Methoden ausgebildet.
Unterricht, der an die Einschränkungen des Kindes angepasst ist. Andererseits fällt es ihnen schwer, zu bemerken
dass die Musik zur ganzheitlichen Entwicklung jedes Kindes beitragen kann und dass sie sich richten kann
gegen Ende nicht spezifisch musikalisch
Andererseits besitzen die echten Fachleute auf diesen Gebieten selten
die musikalischen Kenntnisse, die für eine wahre, gute und tiefgehende Tätigkeit erforderlich sind
Musiktherapie.
 Según el D.R.A.E. un disminuido es una persona minusválida, mermada en sus
körperliche oder geistige Fähigkeiten.
Das beeinträchtigte Kind ist musikalisch ebenso fähig wie das normale oder sogar mehr. Dennoch
er wird in der Musik nicht mehr erreichen, als es seine allgemeine Fähigkeit erlaubt, eine Fähigkeit, die sein muss
bekannt, um sie optimal zu nutzen.
Jede Defizienz setzt eine maximale Entwicklungsgrenze. Wir müssen versuchen, zu fördern, dass
Maximiere die Fähigkeit des beeinträchtigten Kindes, aber vermeide es, es über die Grenze hinaus zu führen.
Letztendlich sollte Musik eine Erfahrung sein, die hilft, zu entdecken oder zu nutzen.
maximal jede Fähigkeit oder Begabung, die das Kind in einem Bereich hat.

Die Bildung sollte eine umfassende Entwicklung in ihren drei Bereichen (körperlich, geistig und
affektive-soziale) und die Musik kann helfen, jede Ungleichheit oder Mangel zu mildern.
Bildung, die in Betracht gezogen wird.
Die Entwicklung der Intelligenz hängt von den sensoriellen Erfahrungen ab. Deshalb...
Die Musik wird die Mängel lindern: Dabei sind das Gehör, das Sehen und das Tasten aktiv beteiligt.

1.1. HANDICAPS, DIE BILDUNGSUNGLEICHGEWICHTE VERURSACHEN

1.1.1. Der soziokulturelle und wirtschaftliche Nachteil
Das Kind, das diesen Nachteil hat, wird sich mit seinen
Mitschüler in der Schule mit ein paar Problemen:
Unterentwicklung
Er wird seltener am Unterricht teilnehmen und zeigt seine Fähigkeiten nicht.
Kenntnisse
Sie werden weniger Interaktionen mit dem Lehrer haben.
Armutigere Sprache
Niveau der niedrigeren Aspirations- und Erwartungshaltungen

1.1.2. Die Probleme im Familienbereich

Die Kinder aus problematischen Familienverhältnissen werden ...
Die folgenden Mängel präsentieren:
Probleme der Anpassung
Mangel an Autonomie oder übermäßige Unabhängigkeit

Diese Kinder mit Problemen im affektiv-sozialen Bereich können folgende Merkmale aufweisen
verschiedene affektive Probleme: Depression, Aggressivität, antisoziales Verhalten... Die Musik
Erlaubt dem Kind einen emotionalen Ausdruck durch kreative Aktivitäten.
Das Wachstum der Persönlichkeit hängt davon ab, sich sicher zu fühlen, zu haben
Gefühle der Zugehörigkeit und deren Ausdruck zu entwickeln. Musik kann befriedigen
solche Aspekte: ein Baby, dem seine Mutter vorgesungen hat, verbindet das Singen mit einem Gefühl
de bienestar y seguridad.
Später wird er sich anderen Kindern in einer Musikgruppe anschließen. Musik machen
Kollektiv hilft es, antisociales Verhalten zu vermeiden. Musik ermöglicht es dem Kind
erlangen und entwickeln Sie ein soziales Bewusstsein, indem Sie ein akzeptiertes Mitglied werden in
irgendeine Gruppe: Familie oder Schule.

1.1.3. Die kongenitalen oder erworbenen Defizite vom perceptiven oder motorischen Typ
(physikalische)
A) DE TIPO PERCEPTIVO
 Diese Defizite werden das Kind in eine Ungleichheit versetzen, die ...
eine spezifische Intervention und eine Entschädigung erfordern. Sowohl das blinde Kind als auch der
Taub, fehlt es an einem der wesentlichen Sinnesmittel für die Entwicklung und die
Kommunikation. Probleme, die diese Defizite verursachen:
Notwendigkeit alternativer Sprachen (Gestik und Braille)
Unsicherheit
Die stille Welt des Tauben und die Dunkelheit des Blinden können in
dieses Zurückziehen oder Depression, wenn sie sich isoliert fühlen
B) MOTORTYP
Sie können auf verschiedene Ätiologien zurückzuführen sein:
[Link], die von einer Lähmung des zentralen Nervensystems betroffen sind oder
Peripheriegerät
[Link] mit angeborenen Anomalien
[Link] mit Deformationen und Anomalien des Systems
osteomuskulär
[Link], die von verschiedenen motorischen Störungen betroffen sind, infolge
von Unfällen
Die Probleme, die das Kind mit dieser Beeinträchtigung haben wird,
viele Male mit ihrer vollen kognitiven Fähigkeit sind die folgenden:
Ihre Gliedmaßen können steif, gelähmt oder krampfhaft sein.
Sein räumliches Empfinden ist fehlerhaft
Sie fühlen sich unsicher
Viele von ihnen werden die Hilfe anderer Menschen für die Zufriedenheit benötigen.
die grundlegendsten Bedürfnisse
Sie sind abhängig
Sie haben keinen physischen und emotionalen Kontrolldefizit.

1.1.4. Die geistige Behinderung

Geistige Behinderung ist eine allgemeine intellektuelle Funktionsfähigkeit, die unter dem liegt
Medien, die zusammen mit Defiziten in der adaptiven Verhalten koexistieren und sich während des
Entwicklungszeitraum (Crossman).
Die Problematik wird je nach Schweregrad der Beeinträchtigung unterschiedlich sein. Die Grade von
Die Schwere des geistigen Zusammenbruchs und ihre Merkmale sind die folgenden:
a) Leichte geistige Behinderung (IQ = 50 – 70) oder mittlere geistige Behinderung
- sind in der Lage, sich selbst zu kümmern und die entsprechenden akademischen Fertigkeiten zu erlernen
4. oder 5. Klasse der Grundschule

- entwickeln soziale und Kommunikationsfähigkeiten während des Zeitraums

Vorschule
- minimales Verschlechterung der sensomotorischen Bereiche
- Im Erwachsenenalter können sie leicht soziale und berufliche Fähigkeiten erwerben.
geeignet für eine minimale Unabhängigkeit
sie werden als "personen mit mittelmäßigen nachteilen" bezeichnet
b) Retraso mental moderado (CI = 35 – 49) o deficiencia mental moderada
- Während der Vorschulzeit können sie miteinander sprechen oder lernen, sich zu verständigen.
aber seine Aufmerksamkeit für soziale Normen ist gering
- während der Schulzeit können sie das Training von Fähigkeiten nutzen
sozial, aber es scheint unwahrscheinlich, dass sie über die 2. Klasse der Grundschule hinaus Fortschritte machen.

akademische Aktivitäten
- Während des Erwachsenenlebens können sie zu ihrem Erhalt beitragen, indem sie eine
Arbeit unter Aufsicht und in speziellen Werkstätten
 c) Schwerer geistiger Rückstand (IQ = 20 – 34) oder schwere geistige Behinderung
- Während der Vorschulzeit zeigen sie eine schwache motorische Entwicklung und eine
minimale Ausdruck des Sprachs
- Während der Schulzeit können sie das Sprechen lernen und trainiert werden, um
die grundlegenden Hygienew Gewohnheiten entwickeln
- können ein geistiges Alter von 3 bis 5 Jahren erreichen
- Im Erwachsenenalter können sie sehr einfache Aufgaben unter einer engen
Überwachung
d) Tiefe geistige Behinderung (IQ = unter 20) oder tiefe intellektuelle Beeinträchtigung
- während des Vorschulzeitraums zeigen sie eine minimale Fähigkeit für das
sensomotorische Funktionsweise
- Einige können lernen zu laufen, zu kommunizieren und sich um sich selbst zu kümmern.
körperliche Bedürfnisse
- otros no caminan, muestran múltiples déficits y tienen poca conciencia de su
entorno
- benötigen eine strukturierte Umgebung mit ständiger Hilfe und Aufsicht

1.2. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG ALS AUSGLEICH

BILDUNGSUNGLEICHHEITEN
1.2.1. Die Musikalische Bildung als Ausgleich für die Nachteile
soziokulturell
Musikalische Bildung kann im qualitativen Aspekt bereichernd sein
der Persönlichkeit des Subjekts, was sich insbesondere auf die Entwicklung von
Wahrnehmung, die Motorik, die Sprache, das Selbstbild und das Bild des anderen, die Art der
sich wahrgenommen und akzeptiert fühlen, die Motivation, die Aspirationen und Erwartungen.
Wir können den Einfluss des sozialen Umfelds nicht eliminieren, aber die Stimulierung
All diese Faktoren werden sich positiv auf die schulische Leistung auswirken.
Konkrete Manifestationen der Musikalischen Bildung und ihre Auswirkungen:
Der Gesang ist ein Kommunikations- und Solidaritätsmittel der Gruppe und ein Mittel von
Bereicherung der Sprache
Die rhythmischen Aktivitäten werden die Selbstbeherrschung fördern; die Aktivitäten
Kollektive werden die Sozialisierung fördern
Die Instrumentierung ist ein Mittel zur Entwicklung der Motorik, von der
Koordination der visuomotorischen Fähigkeiten und der Wahrnehmung (physischer Aspekt). Ebenso ist es ein Mittel
äußerst wertvoll zur Förderung der Entwicklung von Erwartungen und Aspirationen
Persönliches sowie die Bewertung des eigenen Bildes

1.2.2. Die Musikbildung als Ausgleich für die entstandenen Nachteile

wegen familiärer Probleme
Die musikalische Bildung kann dieser Problematik entgegenwirken, indem sie ein
eine bereichernde Umgebung, in der sich das Kind akzeptiert fühlt und seine Selbstäußerung gefördert wird.
Genauso hilft es, die Hypersensibilität zu überwinden und zur Schaffung eines ...
emotionale Stabilität.
Konkrete Manifestationen der Musikpädagogik und ihre Auswirkungen:
Die Instrumentierung ist die musikalische Manifestation, die am meisten beitragen kann. Der
Das Kind kann Improvisationsübungen durchführen, die seine ermöglichen
Freie Ausdrucksweise; man fühlt sich in einer angenehmen und bereichernden Umgebung geborgen, und wenn man
Arbeiten Sie in Gruppen, Ihr Beitrag wird Ihnen das Gefühl geben, akzeptiert zu werden.
 Die rhythmischen Aktivitäten werden ihnen helfen, Energie abzubauen. Der Abstieg von diesen
wird zu einer entspannteren Atmosphäre beitragen, die die Beziehungen zur Gruppe fördert
und die Öffnung für die Werte, die andere besitzen.

1.2.3. Die Musikalische Bildung als Ausgleich für die körperlichen Defizite von
perceptiver oder motorischer Typ
Die Entwicklung der Sinne trägt zur Verbesserung des kognitiven Bereichs bei,
da sie die Empfänger der Informationen sind; die Wahrnehmungsstörungen behindern
y/o verzerren ihren Eingang. Diese Mängel verursachen beim Kind Störungen in der
affektives Feld und in seiner Selbstbewertung.
A) DEFICIENCIA MOTORA
Musikalische Bildung kann als Ersatz für Bewegung genutzt werden.
(ein Kind mit motorischen Defiziten schlägt rhythmisch, während seine Mitschüler
sie gehen im festgelegten Rhythmus). Die aufsteigenden und absteigenden Noten, die Folge von
Geräusche bei unterschiedlichen Geschwindigkeiten und Rhythmen können das Gefühl von Bewegung vermitteln
completo: arriba-abajo, despacio-rápido.
Bei Kindern dieser Typologie können bestimmte musikalische Aktivitäten
entgegengesetzte Antworten erzeugen
Ein starker Rhythmus verstärkt das Gefühl von Anspannung und bringt sie aus der Fassung.
Eine Melodie, die plötzliche Geschwindigkeitswechsel enthält, wird negativ ausfallen.
kann Angst, Unsicherheit erzeugen...
Das Hören beruhigender Musik kann helfen, ein Bild zu erwerben.
mentale Bewegung
Konkrete Manifestationen der musikalischen Bildung und deren Auswirkungen:
Singen: eine beruhigende Melodie hilft, die Gesichtsmuskeln zu entspannen.
palatale und laryngeale; es ermöglicht auch den Schülern, die einen
klarer Kenntnis seiner Möglichkeiten: richtig atmen, die Stimme platzieren
so dass keine stimmlichen Probleme auftreten, präzise die ... zu artikulieren.
verschiedene Phoneme
Rhythmus: hilft, Bewegungen zu regulieren und zu koordinieren (sich dehnen und bücken, sich zu beugen)
Arme, die dem Tempo und der Dynamik folgen
Instrumentierung: Die Verwendung von Blasinstrumenten hilft den Kindern, ihre
Atemmuskeln; die Verwendung von Schlaginstrumenten, die leicht zu schlagen sind oder
schlagen, sie bieten die Möglichkeit, Musik zu machen; durch diese Aktivität,
sie entwickeln auch die klanglichen Möglichkeiten des Körpers und erhöhen die
Koordination sowohl individuell als auch in Gruppen.
Musik zu machen kann das Interesse des Kindes wecken und seine Aufmerksamkeit ablenken.
Unfähigkeit, sie in das Vergnügen des Singens oder Spielens zu lenken. Ebenso kann sie erwerben
Bewusstsein für die Bewegung und versuchen, sie zu verbessern.
Aus der Sicht der Entwicklung ihrer Persönlichkeit ist die Bildung
Musik lehrt das Kind: Durchhaltevermögen, Konzentration und positive Einstellungen zu übernehmen gegenüber
die Aktivitäten, unabhängig zu werden, das Selbstkonzept zu heben, sich integriert zu fühlen...

B) DEFICIENCIA VISUAL
Diese Art von Mangel führt zu einer erhöhten Empfindlichkeit für
ihre emotionalen, intellektuellen und sozialen Bedürfnisse zu befriedigen, eine Bereitschaft zu
genießen Sie Musikerlebnisse, sowohl als Zuhörer als auch als Ausführender; dennoch produziert
Unsicherheit, Angst, Rückzug, fehlende Ausdruckskraft in seinen Augen...
 In Anbetracht der Sehbehinderungen bietet die musische Bildung
Aktivitäten, die helfen, ein akzeptables Niveau an Selbstvertrauen und Gefühl zu erlangen
Stabilität, das Vertrauen in sich selbst verwirklichend.
Die Braille-Schrift ist notwendig für den Zugang zur Musik
Schreiben, intellektuelle Aspekt der Musik.
Die Tatsache, dass Musik keine Bilder in ihrem Kopf hervorrufen kann, macht
dass du ihm einen großen emotionalen Ausbruch gibst und ihn intensiver erlebst.
Für das blinde Kind ist Musik ein Ausdrucksmittel, das ihm ermöglicht, sich zu kommunizieren und
sich sozial integrieren und kulturelle sowie spirituelle Werte finden.

1.2.4. Die Musikpädagogik als Ausgleich bei geistiger Behinderung

Die Musikpädagogik kann zur Verringerung der Defizienz beitragen.
mental, entwickelnd (im Rahmen der möglichen Einschränkungen) Lernprozesse, die
produzieren strukturelle Veränderungen, die den Verlauf ihrer Entwicklung ändern
cognitivo:
a) Erwerb grundlegender Konzepte
b) Schaffung von Gewohnheiten und intrinsischer Motivation
c) Sich selbst als aktiven Generator von Wissen und Informationen wahrnehmen
Darüber hinaus kann Musik die folgenden Funktionen im Kindesalter übernehmen
geistig behindert: bereichernd, reifend, emotional, anregend und sozial.
Der allgemeine Grundsatz, den man beachten sollte, ist von sich selbst auszugehen.
Erfahrung des Kindes, da diese mentale Assoziationen hervorrufen können
o emotionale, die sich auf ihre Entwicklung auswirken werden. Andererseits kann Musik anbieten
sensorische, emotionale, intellektuelle und soziale Erfahrungen, die ich vielleicht nicht erreichen würde
durch ein anderes Mittel erreichen.
Konkrete Manifestationen der Musikausbildung und deren Einfluss:
Lied: ermöglicht es dem Kind, verbale und musikalische Klänge zu verknüpfen und entwickelt ein
Kontrolle über das Stimmgerät, die sich zunehmend bewusster werden kann.
dass das Kind sich entwickelt. Ebenso ist es schöpferisch und das Kind kann sein eigenes produzieren.
eigenen Welt der Klänge. Außerdem erfordert das Singen mentale Prozesse wie die
Memorisierung, die Rationalisierung des natürlichen Instruments...
Instrumentierung: Ein Instrument zu spielen ermöglicht es dem Kind, verschiedene zu nutzen und zu verbinden
wahrnehmende und emotionale Erfahrungen; erfordert ein Gespür für Tastsinn und
Motor steuern
Audition: Musik hören ist ein Prozess der Wiederherstellung und produziert eine
emotionale Erfahrung; das Hören ist eine sensorische, aber auch eine geistige Disziplin
da es Ordnung, Aufmerksamkeit und mentale Kontrolle erfordert, um zu analysieren und zu synthetisieren.
Ein weiterer Aspekt, der die geistige Entwicklung ermöglicht, ist die Nutzung von der
Lesen und Schreiben: Dies erfordert einen komplexen Prozess, der es ermöglicht, die Klänge zu übersetzen in
Symbole und umgekehrt.
In Bezug auf die Entwicklung der Persönlichkeit hängt es von der
Zufriedenheit der grundlegenden emotionalen Bedürfnisse: sie müssen sich sicher und geliebt fühlen
und akzeptiert zu werden, ein Gefühl der Zugehörigkeit zu haben und sich auszudrücken. Das emotionale Bedürfnis nach
Sich durch Musik auszudrücken, kann die Wahrnehmungsmaturation des Kindes erleichtern und
beschleunigen.
Ebenso ist Musik ein sehr geeignetes Instrument für das Kind.
schüchtern, ängstlich oder wenig kooperativ.
2. GRUNDLAGEN DER INTERVENTION

2.1. FUNDAMENTOS TEÓRICOS

Wir gehen davon aus, dass eine fehlerhafte Umgebung bei einer Person entstehen kann.
Störungen wie:
Abwesenheit von Neugier und Fragen, notwendig für die intellektuelle Entwicklung
Ablenkung, laute Klassen... beeinträchtigen die Erklärungen des Lehrers, das Verständnis
Studie...
Angst und Unfähigkeit gegenüber akademischen Aufgaben und Leistungen
Dificultad en la lectura, malos hábitos de estudio, problemas en el dominio del lenguaje
konversational
Dificultad de operar con metas y recompensas lejanas
Unangemessenheit der Anstrengungen und Regulierung am Arbeitsplatz
Induktiveres Denken als deduktives Denken, Schwierigkeiten bei der Analyse und Klassifikation
Unterlegenheit schulischer Bestrebungen, Wahrnehmung einer Welt mit weniger
oportunidades
Schwierigkeiten beim Manipulieren von Darstellungen, Bildern, Schemen... Minderwertigkeit in
wahrnehmungsprozesse, schlechte diskriminierung, langsamer.
Ab den sechziger Jahren wurde gegenüber dem behavioristischen Modell ein Modell vorgeschlagen.
konstruktivistische Lernansatz. Dies impliziert: das Studium der Denkprozesse von den
Schüler; die Etablierung eines lehren-lernen Modells, das sich auf die Prozesse des Individuums konzentriert
was erlernt, ausgehend von seinen Fähigkeiten und von den Konzepten, die er bereits kennt; der Antrieb, den das
Der Lehrer sollte den Denkprozessen der Schüler Aufmerksamkeit schenken und den Erwerb von ...
Konzepte, Einstellungen und Verfahren.
So bleibt festzuhalten: Man muss die Szenarien kennen, in denen sich die ...
Prozesse, die die Interaktion zwischen Individuum und Umwelt berücksichtigen; der Lehrer muss fördern
Interaktionen und Vertiefung individueller und gemeinschaftlicher Erfahrungen.
Von dieser konstruktivistischen Auffassung wird verstanden, dass: das Lernen ein
persönlicher Prozess; lernen bedeutet, die kulturellen Inhalte umzuorganisieren; in diesem Prozess
Die Schüler intervenieren, die kulturellen Inhalte und die vermittelnden Akteure wie die Familie, die
Kollegen und die Lehrer.

2.2. BASISPRINZIPIEN DER INTERVENTION

Im Allgemeinen sind die grundlegenden methodologischen Prinzipien wie folgt:
Globalisierung: Die Musik sollte mit den anderen Disziplinen verbunden sein.
Pluriintervention: die Intervention anderer Fachleute im Blick haben: Psychologen,
Pädagogen, Logopäden, Ärzte, Physiotherapeuten usw.
Sozialisation: Gruppenaktivitäten werden gefördert
Individualisierung: Jedes Entwicklungsprogramm sollte sich auf ein Subjekt konzentrieren
insbesondere, und aus der Realität ihrer Fähigkeiten und Einschränkungen hervorgehend
Funktionalität: Die Ziele und Aktivitäten müssen praktisch, nützlich und repräsentativ sein.
funktional; man muss von der Realität und den Erfahrungen des konkreten Kindes ausgehen
Nachteil.
Es ist notwendig, dass eine ausgleichende Bildung in Anreizen konkretisiert wird.
individualisiert, auf jeden Einzelnen abgestimmt und so schnell wie möglich festgelegt. Die LOGSE versucht
Den Schwerpunkt auf die Bildungsantwort in Bezug auf die Bedürfnisse zu legen, die die Schüler benötigen.
Un alumno tiene necesidades especiales si encuentra dificultades mayores que el resto de sus
Begleiter beim Zugang zu den Lerninhalten, die im Lehrplan festgelegt sind, so dass
Erfordert bedeutende curriculare Anpassungen in mehreren Bereichen dieses Lehrplans. Diese
Curriculare Anpassungen bestehen darin, die verschiedenen Interventionsmöglichkeiten des Lehrers anzupassen.
(Methoden, Techniken, Ziele, Inhalte, Aktivitäten...) an den genannten Kontext oder die Situation anzupassen, was
erfordert die Intervention interdisziplinärer Teams.
Konkret gesagt, enthält der DCB eine Reihe von allgemeinen pädagogischen Richtlinien, die
Sie sollen dem Pädagogen dienen, um seine Arbeit zu leiten. Diese Richtlinien sind:
Vom Entwicklungsstand der Schüler und ihrem Vorwissen ausgehen
Die Sicherstellung des Aufbaus von bedeutungsvollen Lernprozessen
Das Lernen zu lernen ermöglichen
Eine intensive geistige und körperliche Aktivität bei den Schülern bereitstellen
Die Funktionalität des Lernens fördern, sodass das Gelernte außerhalb eine Nützlichkeit hat.
aus dem schulischen Bereich
Bedeutung des globalisierenden Ansatzes, des spielerischen Charakters und der Aufmerksamkeit für die
Individualität
Die Arbeit im Klassenzimmer, die Teilnahme ermöglicht, muss der Motor des Lernens sein.

2.3. BASISSTRATEGIEN FÜR DIE BETREUUNG UND STIMULIERUNG DES

benachteiligtes Kind
2.3.1. Die psychomotorischen Aspekte intensiv bearbeiten
Besonders die "feine Motorik", da ein Mangel den Prozess verzögert.
Reifung und betrifft die Bereiche, die als grundlegend für den Beginn angesehen werden.
Lesen, Schreiben und Rechnen lernen.
Die am stärksten von den soziokulturellen Bedingungen betroffenen Aspekte
sind die folgenden:
* Die Wahrnehmung, Diskriminierung und sensomotorische Koordination: Koordination
Visomotorik, audiomotorische Koordination und visuelle sowie taktile Diskriminierung.
Die Strategien, die durch die Musik vorgeschlagen werden, müssen auf
Instrumentierungsaktivitäten.
Die raum-zeitlichen Beziehungen: Wissen und Dynamik des Schemas
Korporal, organisationale Wahrnehmung des Raum-Zeit-Systems, Erkundung und Anpassung in
der Raum und die Entwicklung der Orientierung in der Zeit.
Die Strategien, die durch die Musik vorgeschlagen werden, müssen auf
Aktivitäten zur Tanz- und Körperausdruck.
* Die multimodalen Beziehungen: sensorische Entwicklung (Integration von den
plurisensorische Wahrnehmungen), posturale Kontrolle + Fokusierung der Aufmerksamkeit, und
Körpersprache.
Die Strategien, die durch die Musik vorgeschlagen werden, basieren auf der
Instrumentierung, im Tanz und in den Spielen mit Musik.

2.3.2. Auf die Entwicklung sozialer Fähigkeiten eingehen

Dies ermöglicht dem Kind, ein realistisches Selbstbild zu erwerben und eine
bessere emotionale Anpassung an die Umgebung. Diese Kinder, wenn sie ihre gewohnte Umgebung verlassen
zeigen unsichere und zurückgezogene Verhaltensweisen. Zur Kompensation können wir mitnehmen
Cabo Interaktionen des folgenden Typs:
Gruppenausdrücke stärken, um eine Anpassung zu erreichen.
emotional zur Mitte
Durch Gruppeninteraktionen: instrumentale und vokale Ensembles
- Die Selbstbehauptung des Ichs und emotionale Sicherheit: durch
einzelne instrumentale Interpretationen
 - Anpassung der Erwartungen und realistische Selbstwahrnehmung: durch eine
Graduierung der instrumentellen Aktivität, die übertreffen kann
* Richtlinien zur Anpassung an die Umgebung durch das Spiel, der Dynamik entwickeln
gestural und der Körperausdruck.

2.3.3. Strategien zur Verstärkung nutzen

Durch musikalische Aktivitäten können wir Verstärkungen durchführen.
die ihre Anpassung an die Schule und ihr Selbstvertrauen stärken und
später dieses Lernen auf andere Schulfächer übertragen kann:
* Positive Anreize bei der vokalen oder instrumentalen Ausführung bereitstellen
musikalische Aktivität
* Neue Aktivitäten proportional zu den bestehenden hinzufügen, sobald sie übertroffen werden.
* Permitirles el cambio de instrumento, una vez que haya interpretado
korrekt das aktuelle
Sie einladen, als Solist innerhalb der Instrumentalgruppe zu spielen

3. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG IM BEREICH DER BEHINDERUNGEN

AUDITIVAS

Wenn wir über musikalische Aktivitäten im Bereich der Sonderpädagogik sprechen, und dabei ...
Im Fall der Hörgeschädigten verstehen wir diese Aktivität nicht als Bildung.
Musik, sondern als Musiktherapie. Diese Wertschätzung führt dazu, dass das Ziel variiert: es geht nicht darum
des Lernens der musikalischen Kunst, sondern auf das Kind; die Musikinstrumente,
Melodien, Tänze... sind nur ein weiteres Element, eine Hilfe innerhalb der individuellen Programmierung
was das Kind hat.
Der Lehrer, der mit dem tauben Kind arbeitet, sollte vor Beginn seiner Arbeit Folgendes berücksichtigen:
diese drei Aspekte:
Kenntnis der Problematik, die das Kind präsentiert
Kenntnis darüber, in welchem Entwicklungsstand sich jemand befindet (Entwicklungspsychologie)
Wählen Sie entsprechend den vorherigen Angaben die musikalischen Aktivitäten aus und überlegen Sie, wie Sie diese durchführen können.
Im Folgenden sollten Sie weitere verwandte Aspekte betrachten: die auditiven Überreste und das
Hörtraining dieser Reste, das ist der Prozentsatz der Hörfähigkeit, die ihm bleibt.
taub, und das Training ist die Hörbildung, die wir ihm geben müssen.

3.1. KONZEPT UND KLASSEFIKATION

Die Hörbehinderung ist jede qualitative oder quantitative Veränderung im
„korrekte“ auditive Wahrnehmung.
Según la O.M.S., “el niño hipoacúsico es aquel cuya agudeza auditiva es
unzureichend, um ihm zu erlauben, seine eigene Sprache zu lernen, an den normalen Aktivitäten teilzunehmen
sein Alter und die allgemeine schulische Ausbildung weiter nutzen.

Die Hörbehinderungen werden entsprechend dem Grad des verlorenen Hörens klassifiziert.
audiometrisch in Dezibel (dB) gemessen:
Leichte oder leichte Hipoakusis: Verlust von bis zu 30 Dezibel. Er wird Schwierigkeiten haben, zu hören.
Geräusche mit schwacher Intensität. Wenn das Kind nahe am Lehrer sitzt, stellt es keine Fragen.
Bildungsprobleme. Lerne zu sprechen, indem du anderen zuhörst.
 Mittelschwere bis moderate Hörminderung: Verlust zwischen 30 und 40 Dezibel. Er wird Schwierigkeiten haben zu
normale Lautstärke hören und benötigen Hörprothesen. Lernt zu sprechen
anderen zuzuhören, aber mit Hilfe der Prothese. Stellt Bildungsprobleme dar.
Schwerhörigkeit oder severe: Verlust zwischen 40 und 60 Dezibel. Kann die Stimmen wahrnehmen.
sehr intensiv ausgestrahlt oder nahe und stellt Probleme dar, um irgendeine zu verfolgen
Konversation. Der Erwerb der Sprache ist möglich, aber die Artikulation und die Stimme sind
defekt. Der Logopäde ist notwendig.
Sehr schwere oder tiefe Hörminderung: Verlust von 60 bis 85 Dezibel. Benötigt Prothesen, und
Seine Kommunikationsschwierigkeiten sind sehr hoch. Er ist nicht in der Lage, das Sprechen zu lernen.
spontan. benötigt besondere Aufmerksamkeit.
Totale Taubheit (auch Anakusis oder Cofosis genannt): Verlust von über 85 Dezibel. Mit großen
Sonderverstärker können die Stimme oder einige Geräusche hören.

Je nach Ursache, die sie hervorruft, und dem Zeitpunkt des Erwerbs der Defizienz
auditiv, können wir klassifizieren in:
Erblich. Verursacht durch die Veränderung eines Gens.
Erworben. Die Ursache ist infektiös oder traumatisch. Beeinflusst beide Ohren.
oPränatal, wenn es vor der Geburt erworben wird
postnatal, wenn es später erworben wird.
oPrelocutiva, wenn sie erworben wird, bevor das Kind sprechen gelernt hat
oPostlocutiva, danach.
Je nach der Lokalisation des Ursprungs der Hörschädigung können wir sie klassifizieren.
in den folgenden Typen:
Übertragungs- oder Leitungsstörung des Gehörs. Beeinträchtigt das äußere oder mittlere Ohr.
Hörwahrnehmungsstörung. Beeinflusst das Innenohr.
Zentraler oder sensorineuraler Hörverlust. Beeinträchtigt die neurologischen Bahnen.

In Fällen von Hörverlust ist es notwendig, Verstärker zu verwenden, von denen

Wir werden an einem nächsten Punkt sprechen, und für diejenigen, die eine Schulung und ein Lernen benötigen.
spezifisch. Wenn die Taubheit total ist, muss auf taktile Vibrationen zurückgegriffen werden.
Die Abwesenheit von Klangwahrnehmung hindert/schwierig macht es dem Kind, die ...
Geräusche von Objekten und der Umgebung, weshalb das Interesse an der Erforschung und Manipulation
geringer. Das allgemeine Wissen über die Welt ist wesentlich eingeschränkter. Die Interaktion
Die Erziehung zwischen dem Erwachsenen und dem Kind mit Hörbehinderung tendiert dazu, schematisch und reduziert zu sein.

3.2. HÖRTRAINING
Es muss klargestellt werden, dass es normalerweise keine absolute Taubheit gibt; es gibt immer
auditive Überreste mit Aktivierungsmöglichkeiten bleiben. Diese Überreste werden die Grundlage bilden, auf der
wird das Hörtraining durchgeführt, um die beeinträchtigte Hörfähigkeit zu sensibilisieren.
Sie maximal nutzen. Wir benötigen die Diagnose, die aus der Untersuchung gewonnen wurde.
audiologisch, das uns den Grad der Taubheit mitteilt, mit dem wir es zu tun haben. [Die Diagnose durch
Audiometrie, besteht aus einer quantitativen Untersuchung des Hörverlusts und wird mit einem
Gerät namens Audiometer, das Geräusche erzeugen kann, die in Frequenz und in
Intensität. Die Intensität wird in Dezibel (dB) und die Frequenz in Hertz (Hz) gemessen.
Der Sinn des Hörens liefert uns die Geräusche, aber es ist der Verstand, der ...
de sie zu identifizieren, indem man sie voneinander unterscheidet und ihnen eine Bedeutung zuweist. Dies ist das
proceso que debe de hacer el niño deficiente auditivo a partir de unos sonidos incompletos y
verzerrt, durch das auditive Training.
 Funktionen des Hörtrainings:
a) Alarm- und ständige Kontaktaufnahme durch die Geräusche der Umgebung
b) Zur Erkundung und zum Wissen über die Welt in Bezug auf die Klänge von Objekten
c) Linguistische Aspekte, die aus den Sprachgeräuschen resultieren, die in den Interaktionen erzeugt werden
sozial

Objetivos del entrenamiento auditivo:

a) Den vibrierenden Bestandteil in frühen Lebensjahren nutzen, erste Kontakte mit dem
Geräusch und bei den schwersten Taubheiten
b) Die Aufmerksamkeit des Kindes auf den Klang lenken, damit es ihn in seine Sensoperzeption integriert.
von den Dingen, Tieren, Personen und ihm selbst
c) Eine umfassendere Beziehung zur Umwelt durch den Klang herstellen
d) Die Geräusche von Gegenständen, alltäglichen Handlungen und der Natur kennenlernen und identifizieren
e) Potenciar la audición como vía natural en el desarrollo del lenguaje oral

Phasen des Hörtrainings:

a) Empfangsphase akustischer Stimuli. Es erfolgt die Anpassung der Prothese und ihr
Nutzung, die ersten Kontakte des Kindes mit dem Klang. Es muss den Klang fühlen.
seine Hand auf alles legen, was klingt, das Bewusstsein für das Klangliche wecken
durch die Vibrationen.
b) Phase der Aufmerksamkeit auf akustische Reize. Das Kind versucht, den Klang der großen Masse zu isolieren.
von Informationen, die ihn umgeben, und achtet bewusster auf den Klang. Er kann teilnehmen
in Klangspielen.
c) Phase der akustischen Identifikation. Das Kind versucht, die Geräusche anhand ihrer zu unterscheiden.
características: duración, intensidad y asociándolos a lo que los produce (objeto, acción)
und ihnen eine Bedeutung zuweisen.

Zusammenfassend ist das gehörlose Kind mit einem bestimmten Verlust, es sei denn, im Fall von
Die tiefen Taubheiten werden immer mit einigen auditiven Resten verbunden sein, und darauf beruhen sie.
Wir werden das Gehörtraining durchführen, dessen Ziele, Funktionen und Phasen wir bereits besprochen haben.
definiert.
Aber der Erfolg dieser Therapie hängt nicht nur von der Musik ab, sondern auch von:
Vom Interesse, das die Welt der Musik in ihm weckt
Vom Grad der Defizienz und der Intelligenz des Kindes
Von der Tonizität und motorischen Antrieb
Von der verwendeten Methode
Von der Motivation, die geboten wird
Von dem verwendeten Material

3.3. DIE TECHNISCHEN HILFEN ZUR VERBESSERUNG DER

Hörbehinderungen
Eine Hörprothese ist eine Prothese, die auf das Hören angewendet wird, um zu
begünstigen. Sie können eingestuft werden, je nachdem, ob sie im Inneren des Organismus enthalten sind oder nicht.
Funktion ihrer Verwendung.
Endoprotese für das Gehör: es sind chirurgisch eingelegte Hörprothesen; sie werden normalerweise eingesetzt in
das Mittelohr, um die Kontinuität der Gehörknöchelchenkette wiederherzustellen
Exoprótesis auditiva: Audioprótesis von externer Anwendung
Individuell: von einer einzigen Person genutzt
 Kollektiv: von mehreren Subjekten gleichzeitig genutzt

Lassen Sie uns kurz die am häufigsten verwendeten kommentieren:

Hörgerät. Es ist ein miniaturisierter elektronischer Verstärker, der dazu dient, den Mangel zu kompensieren.
audition des Subjekts, die Schallwellen bis zu einem verständlichen Niveau zu erweitern.
Am häufigsten verwendete Formate. Konventionell oder mit Schnur, Hörbrillen, intraaural, von
contorno de oreja...
Tischverstärker. Es sind Systeme, die aus einem Verstärker bestehen, der mit einem verbunden ist.
oder mehrere Mikrofone und ein oder mehrere Paare von Kopfhörern, die von einem Kind verwendet werden können oder
Gruppe. Sie haben das Problem, dass sie die Kopfhörer mitnehmen müssen, was dazu führt,
lästig, wenn sie lange Zeit verwendet werden.
Der magnetische Ring. Ring, der ein elektromagnetisches Feld erzeugt, in dem
Kind, mit Prothese und einer Induktionsschleife, kann die Wörter auf einem Niveau wahrnehmen
Schallintensitätskonstante. Nachteil: dass Interferenzen auftreten.
FM-Geräte. Sender-Empfänger-Geräte zur auditiven Rehabilitation, die funktionieren in
Modulación de Frecuencia (FM). Ventaja: pueden utilizarse tanto en el interior como en
die Außenseiten der Zentren.
Die Suvag I und II. (Universelles Verbotonales Hörsystem Guberina). Es sind Geräte
von Filtern, die die Abschwächung oder selektive Verstärkung bestimmter Frequenzen ermöglichen. Das
Suvag I wird bei schweren Einschränkungen angewendet, und Suvag II bei leichten Taubheiten.
Der Lafón-Verstärker. Verstärker für Kompensationsgeräusche, bestimmt für
Tiefenbohrungen, deren akustische Überreste nur die Frequenz von 1000 Hz übersteigen.
Vibrationsstimulator. Vibrator, der elektrische Energie in Vibrationen umwandelt.
mechanische. Bei den Hypoakusien ist es ein kleiner Transducer, der das Signal empfängt
audiosignal elektrisch und wandelt es in Vibrationen um. Der Vibrator, in der Nähe angewendet
Die Cochlea überträgt Vibrationen, die in ein gehörsinnliches Empfinden umgewandelt werden.
Das Maers-System. (Aktualisierte Spanische Methode zur Rehabilitierung von Gehörlosen
prelocutivos). Diese Methode nutzt das Resthörvermögen von Tauben aus, das sie besitzen und das
erlaubt, die Anwesenheit einiger Geräusche zu unterscheiden. Sie sorgen dafür, dass die Kommunikation
Telefónica möglich sein.

3.4. DIE MUSIKALISCHE BILDUNG BEI HÖRBEHINDERTEN

Die Musikalische Bildung kann bei gehörlosen Kindern eine
Vergütung; kann Ihnen Vorteile bieten:
Der emotionale Faktor, den die Musik vermittelt, ist in der Lage, Kommunikation im Kind zu schaffen.
Es kann ihm ein Gefühl für den Rhythmus geben, was seine Vorstellung von der perceptiven Welt erweitert.
Kann ihm Mittel an die Hand geben, um sich durch Bewegung auszudrücken
Sich im Rhythmus der Musik zu bewegen, zusammen mit anderen, ist in der Lage, sich mit Freude zu kommunizieren und
Glück
Wenn er in der Lage ist, Geräusche mit einem Musikinstrument zu erzeugen, kann er an einem teilnehmen
Gruppe
Mit den schwerhörigen Kindern, die in der Lage sind, Geräusche wahrzunehmen, ist es
Es ist sinnvoll, so früh wie möglich mit Aktivitäten des "Hörtrainings" zu beginnen, indem durch
dass das Kind in der Lage ist, Reize zu empfangen und sie zu identifizieren. Wenn diese Ziele erreicht werden,
könnte zur Durchführung von musikalischen Spielen übergehen.
Die Musik kann helfen, Hemmungen und das Gefühl von
Minderwertigkeit. Jedes Medium, das es dem gehörlosen Kind ermöglicht, sich mit anderen auszudrücken und sich zu integrieren in das
grupo, tiene un valor incalculable para el desarrollo de su personalidad.
 Durch Rhythmus und Bewegung (Spiele) können wir eine vielfältige und reiche schaffen
Quelle der Anregungen, die ihm helfen, das Hör-, Tast- und Sehvermögen zu entwickeln...: Spiele
rhythmisch mit Instrumenten (Echos, Frage-Antwort...), Montage kleiner Stücke
Instrumente, verknüpfte Rhythmen, Nutzung des Metronoms...
Ebenso ist die Arbeit an der Wahrnehmung und Diskriminierung wichtig.
altura, intensidad, timbre y duración. Ejemplos de estas actividades:
Die Differenz zwischen tiefen und hohen Tönen wahrgenommen, beginnen mit der Schallbewegung.
(Auf- / Absteiger). Es mit Gesten nachspielen.
Intonation mit klar unterscheidbaren Noten und Improvisation von Schemen
melodisch.
Bei Instrumenten ist es zunächst sinnvoll, die größeren zu handhaben. Danach
kontrastieren mit den schärfsten
Effekte über Platten erstellen
Bedeutung der Ostinati.

4. TECHNIKEN DER VIBRATIONS-EMPFOHLUNG

4.1. CONCEPTO DE ESPACIO MULTISENSORIAL

El niño establece contacto con su mundo a través de todos sus sentidos y cada
Einer bringt verschiedene Reize aus seiner Umgebung ein. Das Sehen, der räumliche Sinn, zusammen mit dem Hören,
zeitliches Empfinden, liefern Informationen aus der Ferne, während der Tastsinn, Geschmack und Geruch
werden als Tastempfindungen betrachtet.
Das Hören informiert uns über das, was außerhalb unseres Sichtfeldes geschieht
visuell und bleibt ohne Unterbrechungen geöffnet. Diese Informationen aus der Ferne halten Sie in
ständiger Kontakt mit seiner emotionalen und physischen Welt, der Sicherheit bietet. Das Hören ist
auch der Weg, auf dem das Kind mit der sozialen Welt in Kontakt kommt.
Die Erkundungskomponente, die der Klang erleichtert, und das Wissen und
Die Kategorisierung von Objekten in der Umgebung ist beim gehörlosen Kind verringert, was zu zwei führt.
Wichtige Phänomene. Einerseits wird das Nervensystem weniger stimuliert, wodurch
Seine Reifung erfolgt auf eine mangelhafte oder defizitäre Weise. Auf der anderen Seite das Interesse, das es ihm weckt
Die externe Welt für das gehörlose Kind ist kleiner, sodass die sensomotorischen Aktivitäten und die
Das Wissen über die Umgebung ist ärmer als beim Zuhörer.
Das gehörlose Kind muss den auditiven Weg mit dem visuellen ergänzen oder ersetzen. So,
Wir müssen dies berücksichtigen, sodass in der allgemeinen Bildung davon gesprochen wird, dass...
Das Lernen sollte möglichst viele Sinne einbeziehen, um das Lernen effektiver zu gestalten.
bedeutend, es gewinnt besondere Bedeutung im Falle, den wir behandeln.

Andere Einschränkungen bedenken: das Hören strukturiert die Zeit und das Sehen den Raum.
Weshalb im Gehörlosen ein Ungleichgewicht in der raum-zeitlichen Struktur entsteht; die Gehörlosen
zeigen größere Schwierigkeiten in den Funktionen des Gleichgewichts und der Geschwindigkeit der Motorik und in
Bewegungen der allgemeinen Koordination; sie schneiden bei den Aufgaben des Denkens schlecht ab.
abstrakt und symbolisch.

4.2. VIBRATILISCHE SENSIBILISIERUNG

Die Sensibilisierung ist das Gegenteil von der Gewöhnung. Sie tritt bei einem Stimulus auf.
intensiv, das sich wiederholt oder das mit einer spezifischen motivationalen Bedeutung ausgestattet ist. Das Objekt ist
dass das Kind über die Vibration auf Informationen aus der Außenwelt zugreifen kann
mecánica de la materia.
Die hörenden Menschen erreichen die Wellen durch die Luft und werden vom
gehör. Diese Wellen können auch durch die Haut und die Knochen gespürt werden. Diese
Wahrnehmung ermöglicht es dem tauben Kind, mit der Welt um es herum in Kontakt zu treten und sich zu bewegen.
im Laufe der Zeit.
Aus den Vibrationen der Objekte kann das taube Kind näher an die Welt herankommen.
von den Geräuschen. Es wäre wünschenswert, Holzboden für den Körpersprache-Ausdruck zur Verfügung zu haben (durch
von dort würden sie den Rhythmus besser wahrnehmen.
Es sollte darauf geachtet werden, dass das Kind die Vibrationen der verschiedenen Instrumente wahrnimmt.
musicales: pandero, tambor, caja china...
Durch diese Modalität kann das Kind einige Elemente erfassen.
Musikalisches: Rhythmus, Akzentuierung, Höhe, Intensität und Dauer.

Im Fall des Kindes mit Hörbehinderung sind viele der Geräte von
Amplifikation integrieren visuelle oder vibrotaktile Systeme als Ersatzkanäle für eine
Information, die normalerweise nicht über den Hörsinn wahrgenommen wird. Das heißt, sie übersetzen einen Teil der
parámetros de intensidad y frecuencia propias del sonido en señales luminosas o vibrotáctiles.
Die vibrotaktile Sensibilisierung erfolgt durch die Verwendung von Wahrnehmungssystemen.
entwickelt vom Organismus als Ausgleich für den Mangel an Hörvermögen. Die Böden von
Holz, der Kontakt mit Musikinstrumenten, Lautsprechern, Kontakt mit dem Sprachapparat
wenn es Geräusche von sich gibt...
Das taktil-kinästhetische Sensorsystem ist ein Mittel zur Wahrnehmung von Vibrationen
durch irgendeinen Teil des Körpers oder durch Kontakt. Die Entwicklung des Tastsinns ist wichtig, um zu können
sich an die Wahrnehmung musikalischer Qualitäten gewöhnen. Übungen wie das Spielen mit der
stelle die Klangquelle ein, schlage ein Trommel, während du sie mit den Beinen hältst, spiele auf dem Kasten einer
Gitarre, wenn die Saiten gedrückt werden... Auch durch das Sehen nehmen sie die Bewegungen wahr und
Rhythmen, die wiedergegeben werden müssen. Wenn dieses Kind versteht, dass der Klang und das Wort
dan Platz zu Vibrationen mit variablen Merkmalen, die ihn anregen, das Reproduzieren, was er wahrnimmt.

Die vibrotaktile Stimulation kann je nach Verwendungszweck in zwei Arten unterteilt werden:
a) Knochenprothesen: Prothesen, die dazu bestimmt sind, die Cochlea (Schnecke) zu stimulieren. Sie benötigen Antworten.
de Häufigkeit im Bereich der gesprochene Wort
b) Taktile Vibratoren: bestimmt zur Stimulation des Tastsinns. Sie werden in Bereichen angewendet
Körperteile mit der höchsten Anzahl an Tastrezeptoren (die Spitze des Zeigefingers und das Gesicht)
Innenseite des Handgelenks).
Innerhalb dieser Gruppe sind zwei Modalitäten bekannt:
a) Geräte, die alle akustischen Signale in Vibrationen umwandeln und wahrgenommen werden durch
eins oder zwei Vibratoren gleichzeitig. Das Signal, das von jedem wahrgenommen wird, durch
separado ist dasselbe
b) Ein anderer Typ gibt jedem unterschiedliche Signale. Von den verschiedenen Geräuschen der Sprache
Einige gehen durch den rechten Vibrator und andere durch den linken.

Im Folgenden sind einige Geräte aufgeführt, die es ermöglichen, die Geräusche zu übertragen.
ein Vibrator
Berührungssensor. Wandelt Schallvibrationen in mechanische Vibrationen um.
durch den Tastsinn wahrnehmbar
Akustisches Relais. Besteht aus Verstärker, Mikrofon, Kopfhörern, Spielzeugen... Durch die Stimme,
Das Kind kann ein Spielzeug in Bewegung setzen.
 Oszilloskop. Gerät zur auditiven Verstärkung mit Bildschirm, das visuelle Signale ausgibt.
entsprechend der Stimme
Kopfhörer mit Vibratoren. Sie übertragen die Vibration, die der Schall über den Knochen erzeugt.
Taktile Stimulator mit zwei Kanälen. Er wird verwendet, damit der taube Mensch seine Kontrolle ausüben kann.
Tonfall, während ich in der linken Hand die tiefsten Vibrationen spüre und in der rechten
die höchsten
Suvag. Es wird zur Rehabilitation des Hörens und der Sprache verwendet und hat einen Ausgang für ein
Vibrator.

5. STIMULIERUNG UND ANTWORT

Bei tiefem und schwerem Hörverlust ist die multisensorische, vibrierende, taktile und visuelle Wahrnehmung
Sie werden die Informationen kompensieren, die sie auditiv nicht empfangen können. Auf die gleiche Weise wird der
Stimulus zur Nutzung der Stimme basiert auf dem Bewusstsein für die Vibrationen
Propriozeptiven, die sie produziert, und von den Effekten, die sie in der Umgebung verursacht. Das Verständnis von der
kommunikative Funktion der mündlichen Äußerungen und der Effekte, die sie hervorrufen
Gesprächspartner, die lernen, ihre verbalen und nonverbalen Antworten zu lesen, sind die Grundlage für die
Erwerb der mündlichen Sprache des gehörlosen Kindes.
Der hörgeschädigte Mensch ist in eine Klangwelt eingebunden und muss lernen zu
sich für ihn interessieren und den Klang sowie das Wort zur Kommunikation nutzen. Er muss mit der erkunden
Beobachten Sie die Umgebung, um die Änderungen zu bestätigen, die eine Reaktion erfordern.

Die Tatsache, dass das taube Kind nicht auf einen rhythmischen Reiz reagiert, bedeutet, dass es ihm schwerfallen wird.
bestimmtes Training erforderlich. Die meisten Antworten des gehörlosen Kindes zeigen sich in
durch die Bewegung, die ihre natürliche Ausdrucksform ist.
Es ist notwendig, dass das Kind vor dem Formulieren von Antworten auf vorgeschlagene Reize
der Taube gewöhnt sich an die Schallvibrationen (dass er den Klang erzeugt und so wird er schaffen
Stimuli und Antworten, die ihr Verständnis fördern, werden ihr Bewusstsein für die Vibrationen schärfen.
was sie provoziert und sie empfänglicher dafür macht).
Das Klavier kann verwendet werden, um dem tauben Kind Erfahrungen mit organisiertem Rhythmus zu vermitteln.
1º) Den Kind bitten, die rhythmischen Vibrationen des Klaviers zu "fühlen" und dann seine Empfindungen auszudrücken.
Stimmungszustand, durch seine Körpersprache
2º) Dass er versucht, den Rhythmus zu markieren, den er wahrgenommen hat.
3º) Dass er diesen Rhythmus markiert, ohne ihn zuvor zu erinnern: das Auswendiglernen
Auf diese Weise wird das Kind in der Lage sein, verschiedene Rhythmen zu verinnerlichen und sein
rhythmische Erfahrungen, schneller auf vorgeschlagene rhythmische Stimuli reagieren und in der Lage sein
an der Tanz- und kollektiven Körperausdruck teilzunehmen, was ihm helfen wird, zu lernen
Selbstvertrauen. Die Entwicklung des Rhythmus und von rhythmischen Mustern wird dem Kind helfen.
taub, der gerade lernt zu sprechen.

Einer der wichtigen methodologischen Aspekte, die wir bei der Stimulation verwenden sollten.
taubem Kind, damit es die verbale Antwort verwenden kann, wenn es dafür bereit ist, ist
verbal die Übungen verstärken: den Namen des Objekts nennen, das Geräusch machen
Onomatopäie des Objekts, mit Gesten darstellen, Lippenlesen verwenden...
Außerdem müssen wir die Integration fördern. Der Rhythmus schafft Kommunikation zwischen ihm und den
Andere, und sie werden durch die Bewegung mit der Gruppe in Kontakt treten. Die gehörlosen Kinder sind in der Lage
um rhythmische Aktivitäten in Gruppen von normalen Kindern zu entwickeln, wenn man mit ihnen gearbeitet hat
individuell. Dies verursacht ihm ein großes Gefühl der Integration, es hilft ihm, sein
eigenes Ich und Selbstvertrauen gewinnen.
Die Tanz- und Bewegungssitzungen sind sehr integrativ. Sie sollten durchgeführt werden in
Gruppe Übungen zur: Pulswahrnehmung, Schwingbewegungen, Nachahmung, Kreation,
Improvisation von Rhythmen, rhythmische Spiele am Boden, rhythmische Dialoge, Tänze...

6. INTERDISZIPLINÄRE BEITRÄGE FÜR DIE ARBEIT AN DEN

BILDUNGSGLEICHHEITEN AUS DER AKTIVITÄT
Musical

Unsere Arbeit als Musikexperten akzeptierend, dass wir eine durchführen müssen
globalisierte Bildung, ist es, mit den Inhalten unserer Spezialität zu helfen, zu mildern
solche Mängel:
1. Affektiver Bereich: Integrationsprobleme, die durch die Durchführung gemeinsamer Aufgaben überwunden werden.
in denen der Beitrag jedes Schülers für die Vollendung des Werks unerlässlich ist
kollektiv, das das endgültige Ziel ist; der Egoismus, der ebenfalls durch Aktivitäten überwunden wird
kollektive; und sexistische Einstellungen, die überwunden werden, wenn man versteht, dass die Bildung und die
Musik steht über jedem Aspekt dieser Art.
2. Psychomotorischer Bereich (auditiv oder motorisch). Musik dient dazu, dass der Schüler überwindet.
Probleme mit fehlender allgemeiner dynamischer Koordination, erwerben Sie die notwendige Praxiserfahrung, lernen Sie und
interiorice su esquema corporal y tenga una más correcta orientación espacio-temporal.
3. Kognitiver Bereich. Hier muss die Zusammenarbeit mit dem betreuenden Lehrer intensiv sein.
Wir müssen die Aspekte kennen, die in den anderen Bereichen behandelt werden. Sie sind interessant.
dafür die "Interessen Zentren".
* Sprache: Das Lied trägt durch seinen Text zur Bereicherung des Wortschatzes bei; die
Rhythmus begünstigt die Betonung und Intonation des Wortes; die Musik im Allgemeinen ist eine Sprache
universell, die die Kommunikation und nichtverbale Darstellung fördert
* Fremdsprache. Durch Lieder wird der Wortschatz schnell erweitert und gefestigt.
* Mathematik. Bevorzugt wird: die Anwendung von Brüchen im Studium der Proportionen
rhythmisch; die Zeit wird in den Maßen erfasst; der Raum beschreibt Situationen und Positionen des
Objekt im Raum, mit Inhalten als Ausdrucksgrundlagen der Bewegung in Beziehung
in den Raum, wie es im Tanz gemacht wird
* Conocimiento del medio. Los contenidos de esta área, al estar vinculados con la realidad son
preiswerter. Bevorzugt werden: die Gesangsausbildung und das Gesang, das das Studium des Apparats begünstigt.
Atmungs-, Sprach- und Hörorgane; die Nachahmung von von Tieren produzierten Geräuschen führt zu einer
Interaktion mit den Naturwissenschaften; durch grundlegende Konzepte der Akustik können
erklären die hohen Frequenzgeräusche, die von einigen Tieren ausgesendet werden; durch Lieder, werden sie
Sie können Eigenschaften verschiedener geografischer Umgebungen und ihrer Kulturen lernen; die Lage
Historische und kulturelle Musik und Lieder bereichern das Wissen über die Geschichte; die
Lieder fördern auch die Assimilation abstrakter Konzepte (Jahreszeiten, Monate, Tage...)
* Plastische Erziehung. Laut Willems, der Klang und die Farbe, obwohl sie sich an Organe richten
verschiedene, sammeln ähnliche menschliche Aktivitäten. Die Melodien suggerieren Bilder oder
Empfindungen, die grafisch dargestellt werden können. Aspekte, die gefördert werden: die Musik kann
eine Inspirationsquelle für das Kind sein, seine kreative Fantasie mit der Malerei entwickeln;
Es kann auch in Handarbeiten durchgeführt werden; Lieder zu illustrieren, wobei der Text als Referenz dient.
Letztendlich sind plastische und musikalische Bildung miteinander verbunden und dienen als Ausdruck und von
Bereicherung und Entwicklung des Denkens, der Vorstellungskraft
* Sportunterricht. Besitzt gemeinsame Elemente mit der Musik: der Rhythmus, die Dauer, die
secuencia, y ambas utilizan el Lenguaje Corporal: expresarse libremente a través de la expresión
korporal und inspiriert von der Musik; den musikalischen Rhythmus in den Körperrhythmus übertragen; Entwicklung der
gestische oder motorische Fähigkeiten, die auf Ausdruck, Darstellung und Kommunikation abzielen.

Violeta Hemsy: "Die Musik trägt zusammen mit den anderen Fächern dazu bei, den Geist zu formen und die
zärtliche kindliche Persönlichkeit"; ebenso lässt sich sagen, dass seine Bildungskraft beiträgt
auch um die bestehenden Bildungsungleichheiten zwischen den Kindern zu bekämpfen oder zu minimieren.

TEMA 11

FUNKTIONALITÄT DES MUSIKALISCHEN LESENS UND SCHREIBENS. DARSTELLUNGEN

GRÁFICAS Y GESTUALES NO CONVENCIONALES. GRAFÍAS CONVENCIONALES.
ZIELE, INHALTE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN.

1. FUNKTIONALITÄT DES MUSIKALISCHEN LESENS UND SCHREIBENS

1.1. EINFÜHRUNG
1.2. MUSIKSPRACHE
1.3. MECHANISMEN, DIE IM PROZESS DER SPRACHE OPERIEREN
MUSICAL
1.4. LERNEN DER MUSIKSPRACHE
1.5. FUNKTIONALITÄT DES MUSIKALISCHEN LESENS UND SCHREIBENS

2. UNKONVENTIONELLE GRAFISCHE UND GESTUELLE DARSTELLUNGEN

2.1. UNGEWÖNHLICHE GRAFISCHE DARSTELLUNGEN
2.2. UNGEWÖHNLICHE GESTENSYSTEME
2.2.1. Tónica-Do Methode
2.2.2. Positionen von Chevais
2.2.3. Dactylorrhythmie

3. KONVENTIONELLE SCHREIBWEISEN
A) Musikalische Notation
B) Pentagramm und Schlüssel
C) Die Figuren
D) Der Kompass
E) Otros signos

4. ZIELE, INHALTE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN

4.1. ALLGEMEINE ZIELE
4.2. CONTENIDOS GENERALES
4.2.1. Konzepte
4.2.2. Procedimientos
4.2.3. Einstellungen
4.3. SECUENZIERUNG VON INHALTEN NACH ZYKLEN
4.3.1. Erster Zyklus
4.3.2. Zweiter Zyklus
4.3.3. Dritter Zyklus
4.4. LEHRMITTEL UND MATERIALIEN
4.5. AKTIVITÄTEN
 TEMA 11

FUNKTIONALITÄT DES MUSIKALISCHEN LESENS UND SCHREIBENS. DARSTELLUNGEN

UNKONVENTIONELLE GRAFIKEN UND GESTEN. KONVENTIONELLE GRAFIKEN.
ZIELE, INHALTE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN.

FUNKTIONALITÄT DES MUSIKALISCHEN LESENS UND SCHREIBENS

1.1. EINFÜHRUNG
Die Musik, als Sprache, ist ein kommunikativer Prozess in der doppelten Richtung von
Ausdruck (Lesen) und Darstellung (Schreiben).
Und als eine Sprache, die sie ist, verwendet sie Konzepte wie Unterstützung, Sender, Empfänger und
Code. Die spezifische Unterstützung der Musik, das verwendete Material, ist der Klang, strukturiert
mittels einer Reihe von Regeln, um die kommunikative und künstlerische Einheit zu erreichen. Dieses Material
der das musikalische Sprache von allen anderen künstlerischen Sprachen unterscheidet und ihr einen Charakter verleiht
Instantaneität.
Der Sender entwickelt die musikalische Idee. Diese musikalische Idee wird geäußert und vom
Rezeptor, der den kommunikativen Prozess abschließt.
Wenn der Sender seine musikalische Idee deutlicher festhalten möchte, muss er
grafisch codieren, und der Empfänger wird sich um die Decodierung kümmern.

In der musischen Bildung spielen die Sinne eine entscheidende Rolle, indem sie das
experiencias sensoriales en los primeros niveles las que predominan, permitiendo al alumnado, a
durch seine Empfindungen die Konzepte, Einstellungen und Verfahren zu erwerben, die
später werden sie sich vertiefen und ihm ermöglichen, die musikalische Bildung zu vertiefen. Die Sprache
Musikalisches Wissen erwerben sie intuitiv.
Die Musiksprache ist weltweit bekannt, sodass wir kommunizieren.
universell beim Musikmachen. Zunächst können wir die Zeichen und was
repräsentieren, sodass die Gruppe die Schöpfung verstehen und interpretieren kann; diesen Zeichen
Wir werden nicht konventionelle nennen. Bald müssen sie die Sprache universalisieren und von allen annehmen.
akzeptiert, die konventionelle Sprache.

1.2. MUSIKALISCHES SPRACHEN

Die Verwendung einer musikalischen Sprache macht es unerlässlich, den Code zu verstehen.
sowohl um zu verstehen, als auch um Musikwerke zu analysieren, zu interpretieren oder zu schaffen.
Es gibt verschiedene Ansätze, die wir der Musik geben können: einerseits den, der sich bezieht auf
der eigentlichen musikalischen Sprache (unter Berücksichtigung der Praxis in ihren verschiedenen Aspekten, das
musikalische Sprache und die wissenschaftliche Theorie der Phänomene und der auditiven Empfindungen)
und andererseits der, der sich auf die musikalische Ästhetik bezieht (die spekulative Theorie der Musik in ihrem
mehrere Facetten von Musik als Ausdruck, Musik als Darstellung und Musik als Wille
repräsentiert).
Die Musik drückt sich durch die Kombination von Klängen und Rhythmen aus. Es ist die Strukturierung von
Schemata, die unter Berücksichtigung der Melodie, des Rhythmus und der Harmonie erstellt werden, daher ihr
Beziehung zur wissenschaftlichen Theorie und zur Ästhetik.

1.3. MECHANISMEN, DIE IM PROZESS DER SPRACHE OPERIEREN

MUSICAL
Der Sender bringt eine musikalische Idee hervor, die sowohl interpretiert als auch improvisiert werden kann.
vokal wie instrumentell; diese Idee wird durch das Hören wahrgenommen; oft das
Der Emittent oder Schöpfer schreibt die musikalische Idee, die vom Empfänger gelesen wird. So, Interpretation,
Improvisation, Hörverständnis, Lesen und Schreiben von Musik werden zu einem integralen Bestandteil des
musikalische Sprache.

a) Audition: es die Form des Kontakts, auf sensorische Weise, mit dem Klangereignis.
Se realiza sin ningún conocimiento musical previo. La audición debe ser eminentemente activa
und muss zu viel mehr werden als nur zu einer bloßen akustischen Wahrnehmung.
Die Audition wird in drei unterschiedlichen und ergänzenden Ebenen betrachtet:
sensorisch, der Kontakt mit dem klanglichen Ereignis; affektiv, der es ermöglicht, die zu entschlüsseln
ausdrückliche Absichten des Gehörten; und mental, die in einer späteren Phase gegeben werden muss für
die konkretesten musikalischen Aspekte wie Modulation, Intervalle, Timbres analysieren...
Das Hören ermöglicht es den Schülern, die Konzentrationsfähigkeit zu entwickeln, von
Musikalisches Verständnis und Stimmgenauigkeit.

b) Interpretation: ob vokal oder instrumental, bedeutet die Ausführung

aus einem bereits etablierten musikalischen Fragment.
Es wird in der Regel auf drei verschiedenen Ebenen vorgeschlagen, gemäß einer steigenden Schwierigkeit:
Ohr-Interpretation: basiert auf einem vorgeschlagenen Modell, das imitiert wird. Es ist das einfachste und
was zu Beginn mit den Schülern angesprochen wird.
Interpretation durch das Lesen: komplexer, da sie auf dem Beherrschung von
código de lectoescritura musical. Permite mayor justeza ya que cualquier elemento
Musikalisch oder expressiv erscheint reflektiert.
Interpretation des Gedächtnisses: der nächste Schritt zur Interpretation durch Lesen. Sie
Gewinne eine größere Konzentration in der Interpretation und in den expressiven Nuancen, das
Charakter...
La interpretaciónfavorecela adquisición de la técnica vocal o instrumental, el
Entwicklung der Koordination, des Gedächtnisses...

c) Improvisación: que no es más que una interpretación con un mayor o menor

Grad der Freiheit, da das musikalische Fragment zuvor nicht existiert, sondern entsteht.
elaborierend im selben Moment der Ausführung. Es ist ein Mechanismus, der fördert die
Vorstellungskraft, das musikalische Gedächtnis, die Konzentrationsfähigkeit...

d) Lectoescritura: es el proceso más complejo de todos los que intervienen en el

Musikalische Sprache. Sie besteht aus einer grafischen Darstellung eines hörbaren Ereignisses.
(Schrift) oder die akustische Bestimmung eines grafischen Faktums (Lesen).
Um es richtig zu machen, ist es notwendig, dass die Schüler mit ...
Intensität des gesamten musikalischen Geschehens durch Gesang, Spiele und Instrumentierungen.
Auditionen... Wenn dieser sensorische Aspekt gründlich bearbeitet wurde, ist der nächste Schritt mental.
Die abstrakte Darstellung, die die grafische Repräsentation des klanglichen Geschehens ist, erfolgt mühelos.
Die traditionelle Musikvermittlung hat alle musikalischen Konzepte ohne
den praktischen Aspekt entwickelt. Einige moderne Methoden haben einen Prozess angeregt
äußerst praktisch und sensorisch, aber ohne Kontinuität: den Erfahrungen wurde nicht die
Schüler, von ihrer grafischen Darstellung. Wir müssen die Vereinigung von Praxis und Theorie ansprechen, um
bequem alles zu erreichen, was vorgeschlagen wurde. So entsteht die Notwendigkeit, zu beginnen
Musik mit dem Kind von frühestem Alter zu machen.
Das Beherrschen der Lese- und Schreibfähigkeit wird den Schülern helfen, die Fähigkeit zu fördern
Abstraktion, Gedächtnis, Konzentration und Analyse.

1.4. LERNEN DER MUSIKSPRACHE

Maneveau: das Erlernen der im musikalischen Sprachgebrauch verwendeten Codes muss
motiviert sein durch die Notwendigkeit, eine musikalische 'Idee', die bis dahin nur
es hat eine instabile und flüchtige Klangrealität, da sie von der auditiven Erinnerung abhängt.
Wenn das Singen zu einer schwarzen Bestie geworden ist, liegt es daran, dass es ohne eine
lebensnahe Rechtfertigung.
Man muss davon ausgehen, dass es sich um einen Code handelt, und dass Codes nicht auswendig gelernt werden, wenn
Es ist nicht das Üben. Es ist wichtig, dass das Lernen der geschriebenen Codes nicht mit der
Praxis des entsprechenden an entfernte Vererbung. Die Kinder können beginnen, zu erfinden
einfache Codes als Gedächtnisstütze. Dies gewöhnt schrittweise daran, in ein
Zweidimensionaler Raum, der sich im Laufe der Zeit entwickelt und nur etwas Klang ist. Nach und nach,
Die Codes können verfeinert, variiert und präziser gestaltet werden usw. Parallel dazu
Es werden andere Codes gefunden: der traditionelle wird nicht mehr als einer unter anderen sein.

Mª Elena González führt eine vergleichende Analyse des Lernens durch

das Lesen und Schreiben der Sprache sowie das Lernen des Lesens und Schreibens der Musiksprache:
Genauso wie im ersten wird die Stimme mit der objektiven und grafischen Darstellung im Sprache verbunden.
Musical, das Gleiche muss passieren.
Die Einführung in die musikalische Sprache kann bereits im Kindergarten erfolgen, schon
dass es in den ersten Lebensjahren einfacher ist, die Grundlagen und ersten Grundlagen zu erwerben
des musikalischen Wissens.
Das am leichtesten zugängliche Intervall, das am einfachsten zu intonieren ist, ist die kleine Terz.
Die Lage der Töne kann innerhalb des gesamten Notenblatts oder nur auf zwei Linien liegen.
Como auxiliar del aprendizaje, se utilizara la “fononimia”. La entonación de pequeñas melodías
gebaut mit diesen einfachen Elementen führen sie in das gesungene Musiklesen ein.
Im Hinblick auf das Tempo müssen wir von vorhergehenden Aktivitäten ausgehen, die auf dem ...
Spiel. Sie werden den Puls entdecken, den sie mit dem Code "|" bezeichnen, und ihn mit Instrumenten üben.
natürliche oder körperliche und in Form von Echo. Von hier aus werden sie die musikalische Note 'schwarz' verwenden,
deren Dauer zunächst intuitiv diskriminiert und interpretiert wird. Die Figuren
Musikalische Elemente sollten in folgender Reihenfolge eingeführt werden: Ganznote, Viertelnote, Pause einer Ganznote,
blanca, silencio de blanca, blanca con puntillo, redonda, silencio de redonda, silencio de
corchea, semicorchea, silencio de semicorchea.

1.5. FUNKTIONALITÄT DES MUSIKLESENS UND -SCHREIBENS

Die herkömmliche Notation, als Zeichensatz, ermöglicht es, die Musik festzuhalten.
escrito con todas las características de duración, altura, timbre e intensidad de los sonidos. Su
Der Nutzen ist offensichtlich, da er eine Hilfe für das Gedächtnis und ein Mittel der Kommunikation und von
expresión.
Im Rahmen der schulischen Musikbildung sind das Lesen und Schreiben von Musik
stellen einen notwendigen Prozess dar. Sie erweitern und bekräftigen musikalische Erfahrungen und Kenntnisse, bereits
sie sind eine Möglichkeit, eigene und fremde musikalische Ideen zu nähern, zu reproduzieren und zu dokumentieren, und durch
andererseits die gemeinsame Interpretation zu erleichtern.
Das traditionelle Studium des Solfeggio ist von zweifelhaftem Wert, und noch weniger gültig für die
Grundschule. Moderne, aktive Pädagogiken nutzen ansprechendere Systeme. Es hat sich
verstanden die Notwendigkeit zu fühlen, den Rhythmus körperlich zu leben, sowie die Bedeutung des
Spiel.
Laut dem DCB sollte die Vertrautheit mit dem Zeichensystem aus der Praxis entstehen.
gewöhnlich, interpretativ, kreativ und auditiv, muss durch sensorische Erfahrung erfolgen und
nicht auf theoretische Weise.

Aus funktionaler Sicht ist "das Lesen und Schreiben von Musik
zwei eng miteinander verbundene Prozesse. Obwohl sie ergänzende Aktivitäten darstellen, in der
Konventionelle Notation, die erste wird normalerweise der zweiten vorangestellt. Das gilt nicht für die Verwendung.
de Grafiken nicht traditioneller Art, in denen der grafische Ausdruck der interpretativen Lektüre vorausgeht, bereits
der dem Drang gehorcht, die Eindrücke, die es hervorruft, spontan festzuhalten
gehört. Beide Formeln sind kompatibel, da das konventionelle Notationssystem nicht
schließt andere Darstellungen aus (MEC).

Die Musikausbildung basiert auf einer aktiven Pädagogik, der Protagonismus während
jede Aktivität liegt beim Schüler.
Im Bereich der Musiksprache sollte der Schüler die folgenden Konzepte kennen
básicos: pentagrama, líneas adicionales, claves, notas, figuras, silencios, escalas, compases,
Trennlinie, doppelte Linie, Wiederholungszeichen, Verlängerungszeichen (Punkte, Ligatur und
Calderón), Veränderungen (Vorzeichen, b, und b), Anakrusis und Synkope, Bewertungsgruppen
besonders, Einführung in den musikalischen Ausdruck (Bewegung, Charakter, Nuance, Betonung und
Gelenk).

2. GRAFISCHE UND GESTURELLE DARSTELLUNGEN NEIN

KONVENTIONELL

Lassen Sie uns zuerst klären, was wir unter konventionell und nicht konventionell verstehen.
Wir betrachten das, was traditionell und üblicherweise in der Lehre verwendet wird, als konventionell.
Solfeggio. Daher ist unkonventionell das, was nichts mit der verwendeten Schriftart zu tun hat
die Musikstudien.

2.1. UNGEWÖNLICHE GRAFISCHE DARSTELLUNGEN

Zur Beziehung zwischen einer Schallbewegung und ihrer Darstellung
figurada, wird es als "Grafik" bezeichnet. Diese grafische Darstellung sollte kein starres Code sein,
sondern dass seine Bedeutung vom Moment seiner Interpretation abhängig sein wird; das heißt, dass ein
Das gleiche grafische Element kann unterschiedliche musikalische Elemente ausdrücken.
Diese Art von grafischen Notizen hat den Nachteil, nicht genügend zu bieten
Garantien für eine genaue Interpretation. Deshalb die Schaffung eines eigenen Codes.
des Schülers oder der Gruppe ist der Ausgangspunkt, der in eine Notation führen sollte, die...
Fortschritt in der Genauigkeit.
Trotz ihrer mangelnden Striktheit trägt die Verwendung dieser Grafiken dazu bei:
Das beste Verständnis von Aspekten wie: Klangkombinationen, Anordnungen
formale, dynamische Beobachtungen...
Ein Ansatz zur zeitgenössischen Musiksprache

Diese grafische Arbeit ist auch wichtig als Vorbereitung für das Lernen
von der Schrift, und um das Verlangen nach Kommunikation und Verständnis zu entwickeln." Was das Kind
Grafisch ausdrücken bezieht sich auf eine Manifestation ihrer auditiven Sensibilität, die im
Papier. Die grafische Darstellung von Musik auf freie Weise kann auf Vereinbarungen reagieren.
Gruppe, die entscheidet, welche Symbole am angemessensten sind.

Die Möglichkeiten der unkonventionellen Darstellung sind äußerst umfangreich. Wir können
sie beziehen sich auf Aspekte wie: Höhen, Dauer, Intensitäten, Klänge,
Instrumente, die Art zu spielen... und sie können mit so vielen Elementen wie Aspekten rechnen.
Wir möchten darstellen: geometrische Formen für die Instrumente, Farben für die Intensitäten...
Es sind freie Systeme oder Codes, und die häufigsten sind die, die Linien oder Punkte verwenden. Durch
Beispiel: Wenn wir die Tonhöhe bearbeiten, würden wir die Linien für die Töne der verwenden.
Instrumente, die Glissandos erzeugen können, und Punkte für die Klänge der Instrumente, die dies nicht können.
Los machen.
Methodologisch und unter Berücksichtigung der Sequenzierung von Inhalten, im Ersten
Im zweiten Zyklus sollte der Fokus auf unkonventionellen Schreibweisen liegen.
schrittweise zur Einführung von Konzepten der konventionellen Notation, und im Dritten Zyklus
Es sollte mehr auf die konventionelle Schriftführung geachtet werden.
Einige Arten dieser unkonventionellen grafischen Darstellungen sind: das
Franelogramm, Kartons mit Knöpfen oder Chips, Pentagramm auf dem Boden, erste Darstellungen
der Klangwelt, Zeichnungen zur Darstellung des Rhythmus, der Melodie, der Form usw., Wörter, Buchstaben
Vokale (um Takte zu markieren), rhythmische Silben, Musikogramme, jeder Note zuordnen
escala un dibujo, utilización progresiva del pentagrama, grafías para danza...

Die Verwendung von unkonventionellen grafischen Darstellungen beschränkt sich nicht nur auf die
Erste Jahre der musikalischen Grundschule. Es ist ein Ressource, die derzeit sogar von
die großen zeitgenössischen Komponisten. Diese, beeinflusst von den großen Fortschritten
Techniker zu ihrer Verfügung nutzen neue Formen und Verfahren zur Erstellung ihrer Werke
und die grafische Darstellung, und dafür benötigen sie die Verwendung neuer Zeichen. Diese
Komponisten präsentieren neben ihrer Komposition die Äquivalenzen der Codes
verwendet.

2.2. UNGEWÖHNLICHE GESTENSYSTEME

Es sind diejenigen, die dem Schüler Informationen über die relative Höhe geben.
die musikalischen Klänge einer Melodie durch Handgesten. Viele Methoden verwenden
wie einige Arten von Phononie helfen, und obwohl sie nicht frei sind, wird akzeptiert, dass sie auch nicht bilden
Teil des konventionellen Systems der musikalischen Lese- und Schreibfähigkeit.
Die Fononomie ist ein Verfahren, das darin besteht, die Höhe der Töne zu markieren.
sie im Raum platzierend, die Hand in verschiedenen Höhen haltend. Große Musikpädagogen
haben sich dieses Resort zunutze gemacht: Kodaly, Ward und Luis Elizalde, die die Positionen von
Chevais sind einige von ihnen.
 Die Fononimie ist keine neuartige Methodik, da bereits Guido D'Arezzo
(11. Jahrhundert), zu pädagogischen Zwecken hatte er die verschiedenen Klänge auf die Phalangen verteilt
Finger der linken Hand, damit der Lehrer sie den Kindern offen zeigen und angeben konnte
mit der rechten Hand den Klang, den ich wollte, dass sie singen. Man nannte sie "aretinische Hand", "Hand
guidense" oder "mano guidoniana".
Die Phononymie bringt uns einige Vorteile. Sie hilft uns, die Noten darzustellen mit
eine Handbewegung und es ist nützlich für uns in:
Die Übungen zur Einstimmung
Die Intervalle und die melodischen Beziehungen
Die Stimmausbildung, die Gehörbildung, das Gedächtnis, das innere und äußere Hören, die Technik
vokal, die Improvisation...
Die Entwicklung von Fähigkeiten wie Aufmerksamkeit und Konzentration, das Bewusstsein für
Gruppenarbeit
Als Mittel zur Bearbeitung von Übungen zur Psychomotorik und Ausdruck
Die Entwicklung von Kreativität, Sensibilität und Geschmack

2.2.1. Tonic-Do Methode

Es basiert auf dem Prinzip, dass alle Dur-Skalen gleich klingen und
Daher können sie mit den Namen der Stufen der C-Dur-Skala bezeichnet werden.
Übernimm drei grundlegende Positionen, die die von Dreiklängen sind:
DO: Die Tonic ist der stärkste Ton der Skala und wird mit der geballten Faust gemacht.
MI: Mittels, schlägt Neutralität vor. Sein Zeichen ist die Hand mit der Handfläche nach unten.
SOL: Dominant, strahlender. Es wird vorne ausgedehnt und mit der steifen Handfläche.
nach links.
Die anderen Klänge spiegeln grafisch den Grad der Anziehung wider.
In Bezug auf die vorherigen:
RE: Hinweis auf den Übergang zwischen dem Do und dem Mi, dargestellt durch die Handfläche, in
schräge Position
FA: Er fühlt eine große musikalische Anziehung zum Mi, deshalb ist es die geschlossene Hand und der
Zeigefinger nach unten zeigend
LA: Geräusche des Schrittes, aber vom Sonnenlicht angezogen. Es wird mit der entspannten Hand gemacht und
tendierend nach unten
SI: Sensibel. Tendiert immer zum Do. Wird mit dem Zeigefinger dargestellt.
nach oben zeigend
 2.2.2. Chevais-Positionen
Es sind Handpositionen über dem zentralen Bereich des Rumpfes, die dienen
auch um die Höhe der Töne in der Skala anzuzeigen. Die rechte Hand ist immer
in horizontaler Position, mit der Handfläche nach unten. Das Interessante an diesen Positionen ist ihre
Einfachheit.
Diese Methode wird auch von den Pädagogen Ward und dem Spanier vorgeschlagen.

Luis Elizalde.

Fononimie von Kodály

2.2.3. Dactylarhythmie
 Es ist ein standardisiertes, aber unkonventionelles Gestensystem, das dazu dient,
Die Darstellung elementarer Rhythmen dank der Finger der rechten Hand. Es war
geplant Ende des 19. Jahrhunderts von Désirier und perfektioniert von Chevais.
Désirier verwendete die Finger der Hand, um die Untermultiplikatoren darzustellen.
de negra: jeder Finger symbolisiert eine Sechzehntelnote; zusammen vereinen sie ihren Wert...
Chevais transformó este sistema: un dedo representa un sonido de un
Zeit, mehrere Finger, getrennt, repräsentieren verschiedene Klänge einer Zeit, jeder für
Die Stille zieht den entsprechenden Finger zurück, während die geballte Faust ein
Silencio des Metrums. Dieses System erlaubt nur die Verwendung einfacher Strukturen mit Einheiten.
von Zeit und ihren Vielfachen, aber nie mit ihren Bruchteilen.
Heutzutage ist die Dactilorhythmie in den Hintergrund geraten.

3. KONVENTIONELLE SCHRIFTEN

Wie jede andere Art von Sprache wurde die Musik durch mündliche Überlieferung kultiviert.
Durch Generationen hindurch, bis ein systematisches Schreibverfahren geschaffen wurde, das akzeptiert wurde.
kulturell und in der Lage, grafisch sowohl die verschiedenen Höhen der Klänge darzustellen,
wie die verschiedenen Rhythmen der Melodien.
Die herkömmliche Notation der Musikschrift versucht, die Musik in lesbarer Form festzuhalten.
Beschreiben Sie die verschiedenen Parameter durch verschiedene Medien:
Die Höhe und Dauer der Töne, durch die Höhe und Form der Noten
Das Tempo, die Lautstärke, der Ausdruck, die Artikulation usw. durch Zeichen
und zusätzliche Wörter.

Im Folgenden werden wir den Ursprung und die Entwicklung der Elemente der musikalischen Schrift betrachten.
konventionell.

A) NOTATION DER MUSIK

Die ersten Versuche dienten als Gedächtnisstütze: es ist die "neumatische" Schrift.
„Neuma“ ist das Zeichen, das eine Gruppe von Klängen (zwei oder mehr Noten) darstellt und deren Richtung angibt.
aufsteigend, absteigend oder eine Kombination aus beidem, die über die Silben des Textes platziert wird
dient dazu, die zuvor gelernten Melodien zu erinnern. Die Theoretiker betrachten die Akzente
agudo (´) und grave (`) als eine Erhöhung oder Senkung der Stimme, jeweils. Sein
Die Interpretation erfolgt, indem man es über eine Silbe singt und in einem einzigen "Atemzug". Die ersten
Manuskripte mit pneumatischen Zeichen stammen aus dem 9. Jahrhundert. Im 11. Jahrhundert wird man anfangen zu
das Wort 'Nota' als Synonym für Neuma verwenden.

Es gab ein Problem bei der Verwendung der Neumas: das Darstellen der verschiedenen Höhen.
von den Geräuschen, deshalb begannen sie, sie in unterschiedlichen Höhen zu platzieren. Es war eine recht
ungenau, da sie uns nur den relativen Anstieg oder Abstieg anzeigte, aber nicht das Intervall
Beton; deshalb griffen sie auf Buchstaben zurück, die bereits von den Griechen verwendet wurden, die erleichterten die
Bestimmung der Höhe der Töne: A, B, C, D, E, F, G, Buchstaben, die die
distintos sonidos equivalentes a la, si, do, re, mi, fa, sol.
Die Bezeichnung der Noten durch Silben, so wie wir sie heute kennen, wird
dem Benediktiner-Mönch Guido D'Arezzo (995?-1050). Dieser Mönch verwendete ein Hymnus als
mnemonisches Hilfsmittel, um die Intonation jeder einzelnen Note zu erinnern. Die Hymne war
verfasst von Pablo Diácono, Mönch von Monte Casino (9. Jahrhundert) zu Ehren von Johannes dem Täufer,
und zeichnet sich dadurch aus, dass in jedem Vers die Intonation auf einem gemeinsamen Grad beginnt
aufsteigend in Form einer Treppe.

Im Laufe der Zeit wurden Silben und Laute so identifiziert, dass sie zu einem
einziges Konzept: die Namen der Noten. Man glaubt, dass die Note 'h' zu den sechs Noten hinzugefügt wurde.
frühe im 16. Jahrhundert von Anselm von Flandern, der seinen Namen von den Anfangsbuchstaben nahm
des letzten Verses. Im 17. Jahrhundert wurde die Silbe "Ut" durch "do" ersetzt, was einfacher war zu
aussprechen. Es ist unklar, wer diese Änderung vorgenommen hat, obwohl man vermutet, dass es J. war.
Battista Doni.

B) PENTAGRAMM UND SCHLÜSSEL

Die Melodie ist das musikalische Element, das der Musik Ausdruck verleiht. Sie besteht aus einer
sucesión de sonidos dispuestos a distinta altura. Para ello se utiliza el pentagrama y las claves.
Durch die pneumatischen Zeichen konnte man sich den Höhenvariationen nähern.
aber nicht zu den Intervallen zwischen den Noten. Daher wurde in dieser Hinsicht ein großer Fortschritt erzielt.
Im elften Jahrhundert, beim Ziehen einer roten Linie als Bezugspunkt für den Klang "fa"
(F). Später wurde zur höheren Genauigkeit eine zweite Linie in Gelb hinzugefügt, die
Es repräsentierte den Ton "do" (C). Diese zwei Linien markierten die natürlichen Halbtöne. Wenig
Danach wurden zwei weitere Linien hinzugefügt: die Note "sol" (G) und eine vierte Linie, die das darstellte
Distanz der Terz, die bereits Ende des 11. Jahrhunderts das Tetragramm hervorgebracht hat. Die fünfte Linie, die
es wird die Pentagramm hervorgehen, es wird sich bis zum 14. Jahrhundert nicht verbreiten.
Schließlich wurden diese Zeilen zu Beginn des Werkes mit den Buchstaben „F“ markiert,
„C“ oder „G“, von denen sich die Schlüssel ableiteten, sodass die Neumen über die
Linien könnten leicht interpretiert werden, und und seitdem bezeichnet werden kann
wahrhaft "diastematische Notation". Schließlich wurde die Verwendung dieser drei eingeschränkt.
Buchstaben zu einem einzigen, und so wurden alle Intervalle automatisch festgelegt. Der Schlüssel am meisten
verwendet wurde die von Do, anschließend die von Fa und schließlich die von Sol.

C) DIE FIGUREN
Wenn zu Beginn in Griechenland und Rom der Rhythmus dem Wort untergeordnet war, die aufkommende
Polyphonie, die ab Ende des 11. Jahrhunderts begann, verschiedene Melodien zu vermischen, und in den
Im 12. und 13. Jahrhundert begannen die Musiker, zunehmend polyphone Strukturen zu verwenden.
Komplexe erforderten die Notwendigkeit einer genauen Kontrolle der Dauer der Klänge.
Lamberto (Theoretiker) schrieb, dass in der Musik früher nur das Maß reguliert wurde.
Die Höhe der Noten musste jetzt auch durch das Zeitmaß reguliert werden.
der Zeit, die Dauer der Noten).
Bis Ende des 12. Jahrhunderts wird der gregorianischen Quadratnotation keine Bedeutung zugewiesen.
bestimmte Dauer: Die Virga wurde Longa genannt, mit dem Wert von lang; dem Punctum wurde
denannte man Breve, mit dem Wert von Breve; und das Punctum Inclinatum wurde Semibreve genannt, mit
Wert der Hälfte der Breve.
Der tatsächliche Wert der Zeichen entspricht nicht den grafischen Ähnlichkeiten. In der Praxis, der
Der Wert der Negra entspricht der Semibreve des 15. Jahrhunderts. Das Notationssystem ist so ...
wie wir es heute kennen, wird sich bereits im späten 18. Jahrhundert festlegen.

(siehe Tabelle mit dieser Art von Notation auf der nächsten Seite)
 Tabelle zur Entwicklung der Neumen und ihrer ungefähren Entsprechung:

Punkt
neigen

Im 14. Jahrhundert erschienen zwei neue Figuren, um kürzere Dauerwerte festzulegen.

Halbe Note: die Viertelnote und die Achtelnote. Entwicklung der Notenwerte:
D) DER TAKT
Bis Philippe de Vitry (1291-1361) und seine „Ars Nova“ wurden die Figuren farblich hervorgehoben.
in Rot oder Blau, um den binären Wert anzuzeigen. Nach der Veröffentlichung des "Ars Nova", der
Die erste Neuerung, die erscheint, ist die Kodifizierung des binären Rhythmus zusammen mit dem ternären. Aufgrund
Aus diesem Grund erlaubten die Figuren eine normale Aufteilung ihres Wertes sowohl in zwei als auch in drei.
es handelte sich um die Teilung der Langen, Kurzen oder Halben Noten, die folgende Namen erhielten:
Modi: Teilung der langen in kurze. Perfekte Teilung, 3 kurze; unvollkommene, 2.
Tiempos: Division der kurzen in Halben. Perfekt, 3 Halbe; unvollkommen, 2.
Prolatios: Division der Halben Noten in Vierteln. Perfekt, 3; unvollständig, 2.
Aus dieser Terminologie stammt das Wort "Zeit", jedoch mit einer abgeleiteten Bedeutung. Das
„Zeit“ war das, was bestimmte, ob es innerhalb der Einheit zwei oder drei geben musste.
„Halbnoten“; aus diesem Grund sprechen wir heute von Takten mit zwei oder drei Schlägen.
Es wurden Zeichen verwendet, um den Takt anzuzeigen: ein Kreis „O“, um die Teilungen anzuzeigen.
ternären (perfekten, mit einem Wert von drei als symbolische Anspielung auf das Geheimnis der Heiligen
Trinidad); im Gegensatz zum dreiteiligen oder perfekten Rhythmus wurde ein unvollständiger Kreis "C" verwendet, um
den binären oder "unvollkommenen" Rhythmus anzuzeigen. Dieses Symbol ist zu uns gelangt, um zu bedeuten, dass
Compás von Compasillo oder von vier Zeiten.
Derzeit ist die Taktanzeige ein Zeichen, das aus zwei Zahlen besteht.
übereinander oder durch eine Zahl und eine musikalische Figur oder durch einen Buchstaben (wie wir gerade erklärt haben)
im Mittelalter). Im Falle der gebrochenen Zahl zeigt der Zähler die Anzahl der Teile oder
Schläge des Takts, und der Nenner gibt die Dauer jedes dieser Schläge oder Pulses an.
In Takten, deren Nenner kleiner ist als die Figur der schwarzen Note, zusammengesetzte Taktarten, der
Der Zähler gibt die Anzahl der Figuren an und der Nenner deren Dauer.

E) ANDERE ZEICHEN
Die expressiven Elemente sind diejenigen, die die Ausdruckskraft des Werks verändern.
musikalisch. Dies kann erreicht werden, indem die Intensität oder die Geschwindigkeit variiert wird. Sie werden unterteilt in
dynamische Elemente und agogische Elemente. Sie können durch Abkürzungen ausgedrückt werden
italienische Wörter (p = piano, f = forte, dim = diminuendo, usw.) oder durch Zeichen genannt
Regler und die einen allmählichen Anstieg oder Rückgang der Intensität anzeigen.
Die agogischen Elemente dienen dazu, Veränderungen im Tempo, in der Geschwindigkeit anzuzeigen.
Sie können durch metronomische Anweisungen oder durch Tempobegriffe erfolgen. Die
Metronomische Anweisungen werden durch eine Zahl angezeigt, die normalerweise zu Beginn platziert wird.
die Arbeit und die uns sagt, wie viele Figuren in einer Minute Platz finden. Die Tempi geben an, der
tempo de la obra o sus modificaciones: Largo, Lento, Adagio, Moderato, Allegro, Presto,
Vivo... acel., rit., rubato... Diese Begriffe können auch mit anderen ergänzt werden, die anzeigen
genauer die Ausdrucksweise: con fuoco (mit Feuer, lebhaft), grazioso (mit Anmut, mit
Eleganz)
Die chromatischen Elemente sind all jene Zeichen, die uns Variationen im ...
Relative Höhe der Töne. So erhöht das Kreuz den Ton um einen halben Schritt.
begleitet; das B wird um einen halben Ton die Höhe des Tons, den es begleitet, herabgesetzt; und das Auflösungszeichen
storniert eine der beiden vorherigen Änderungen. Sie werden als "eigen" bezeichnet, wenn sie sich befinden
in der Rüstung und beeinflussen die Noten während des gesamten Werkes, oder "akzidentelle", wenn sie nicht Teil von
die Rüstung und haben nur während des Taktes, in dem sie sich befinden, Wert.
Es gibt auch die Wiederholungszeichen, die verwendet werden, um die Mühe des Schreibens zu vermeiden.
wiederholt ein Fragment, das mehrere Male interpretiert werden muss. Es gibt mehrere Zeichen für
diese Wiederholungen durchführen.
 Um den Wert der Figuren zu erhöhen, gibt es die Zeichen der Verdopplung oder Erhöhung: das
Ligatur, die die Dauer jeder der betroffenen Noten summiert; der Punkt, der hinzufügt
die Hälfte des Wertes der Begleitnote; der Calderón, der eine unbestimmte Dauer anzeigt
von der Notiz, auf der es platziert ist...

4. ZIELE, INHALTE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN

4.1. ALLGEMEINE ZIELE

1. Nutzen Sie das Wissen über die grundlegenden musikalischen Elemente in der Analyse von
eigene und fremde künstlerische Produktionen und bei der Erstellung eigener Produktionen
2. Sich auszudrücken und zu kommunizieren, indem man verschiedene Botschaften produziert und dafür die
Codes und grundlegende Formen der verschiedenen künstlerischen Sprachen sowie deren Techniken
spezifisch
3.Künstlerische Produktionen kooperativ durchführen, die Rollen erfordern
differenziert und ergänzend bei der Erstellung eines Endprodukts
[Link] und Musikinstrumente erkunden, um ihre Eigenschaften zu kennen und
Möglichkeiten der Nutzung zu Ausdrucks-, Kommunikations- und Spielzwecken
[Link] Medien kennen, in denen der Klang operiert und die Kontexte, in denen
die sich entwickeln, in der Lage sind, die interessanten Elemente kritisch zu schätzen
ausdrucksvoll und ästhetisch
[Link] und Verwenden der grundlegenden Elemente der musikalischen Notation als Mittel von
Repräsentation, Ausdruck und Wissen von musikalischen Ideen, sowohl eigenen als auch fremden
[Link] in die eigenen musikalischen Arbeiten haben, sich daran erfreuen
Verwirklichung und Wertschätzung ihres Beitrags zum Genuss und zum persönlichen Wohlbefinden
[Link] wichtigsten musikalischen Ausdrucksformen Andalusiens kennen und respektieren.
Nationaler Besitz, Entwicklung eigener Bewertungsmaßstäbe

4.2. ALLGEMEINE INHALTE

4.2.1. Konzepte
1. Elemente und grundlegende Schriftarten als Mittel der Darstellung von der
música:
2. Nicht konventionell: Striche, Punkte, Linien, Farben
3. Konventionell: Notation (Figuren, Pausen usw.), Elemente (Notenlinien,
Schlüssel, Takt, usw.)
4. Elemente der Musik: Rhythmus, Melodie, Harmonie und Textur
5. Die musikalische Komposition und ihre Eigenschaften: Klangqualitäten (Dauer,
Intensität, Höhe und Klangfarbe), Elemente der Musik und formale Organisation

4.2.2. Verfahren
1. Lesen von Liedern und einfachen Musikstücken zur Interpretation
2. Leitung und Komposition von Musikstücken
 3. Wiedergabe einfacher musikalischer Einheiten (Ostinatos, Formeln,
rhythmische, Melodien
4. Komposition kleiner musikalischer Stücke, die aus den Prozessen entwickelt wurden
Improvisation im Team

4.2.3. Einstellungen
[Link] der musikalischen Lese- und Schreibfähigkeiten als Mittel zur Kommunikation
besser in musikalischen Aktivitäten und im Tanz und als Mittel, um von anderen zu lernen
[Link] und Interesse, um die Bedeutung der Grafiken zu verstehen und
kreative Nutzung von Kunststoffressourcen zur Darstellung von Musik und Tanz
[Link]öhnliche Anwendung der Kenntnisse im Musiklesen und -schreiben für
sich neuen Werken nähern: Hörverständnis und Interpretation
[Link]ßen Sie die Interpretation und die grafische Darstellung der Werke, die
improvisa, die sie ausführen kann und diejenigen, deren Grundstrukturen hat
gearbeitet

4.3. SEQUENZIERUNG VON INHALTEN NACH ZYKLEN

4.3.1. Erster Zyklus
1. Grafische Darstellung der Klänge und ihrer Parameter sowie der Stille
2. Verwendung von unkonventionellen Codes zur Ausdruck von Erfahrungen und
musikalische Erlebnisse, in Kommunikations- und Spielsituationen
3. Durchführung von musikalischen Aktivitäten, vokal, instrumental und von
Bewegung, aus Vorschlägen, die mit unkonventionellen Codes ausgedrückt werden
4. Valoración de los códigos no convencionales como medio para la
Musikalische Ausdruckskommunikation

4.3.2. Zweiter Zyklus

1. Grafische Darstellung von Klanglandschaften und das Verständnis anderer
von anderen durchgeführt
2. Verwendung von konventionellen und unkonventionellen Codes für die
Musikalische Ausarbeitungen, die Erfahrungen und Erlebnisse ausdrücken, und im Rahmen von
Situationen der Improvisation und des Spiels
3. Durchführung von musikalischen Aktivitäten, vokal, instrumental und von
Bewegung aus Vorschlägen, die durch unkonventionelle Codes ausgedrückt werden
konventionelle Codes
4. Akzeptanz und Bewertung von Elementen und eigene Darstellung von Codes
nicht konventionelle und konventionelle Codes, als Mittel für den Ausdruck
musikalische Kommunikation

4.3.3. Dritter Zyklus

1. Grafische Darstellung von Klängen, Klanglandschaften und musikalischen Ideen und
Verständnis anderer, das von anderen geleistet wird
2. Nutzung konventioneller Codes für musikalische Kompositionen
Erfahrungen und Erlebnisse ausdrücken und im Rahmen von Situationen von
Improvisation und Spiel
3. Durchführung von vokalen, instrumentalen und musikalischen Aktivitäten
Bewegung auf der Grundlage von Vorschlägen, die mit konventionellen Codes ausgedrückt werden
4. Akzeptanz und Wertschätzung von Elementen und eigenen Darstellungen von
konventionelle Codes für den musikalischen Ausdruck-Kommunikation
 4.4. LEHRRESSOURCEN UND MATERIALIEN
Jede Art von Methodik, die verwendet wird, muss die berücksichtigen
Umstände des Alters, der Reife, der Gewohnheiten und Kulturen der Gruppe, mit der gearbeitet wird. Es ist nicht
es ist angemessen, nicht nur eine Methode zu verwenden, sondern eine eklektische Arbeit zu leisten. Einige Elemente
Didaktische Mittel, die eingesetzt werden können, sind die folgenden:
Para trabajar una pieza musical con lectoescritura, es imprescindible la disociación:
die Melodie und den Rhythmus getrennt studieren
Für die Melodie beginnt man normalerweise mit einfachen Intervallen; später wird sie erweitert.
Anzahl der verwendeten Intervalle und Lieder
Die phonetischen Positionen sind oft nützlich.
Um den Rhythmus zu trainieren, ist es unerlässlich, zuvor Übungen gemacht zu haben.
Koordination von Bewegungen, rhythmische Körperbewegungen und Aussprache von rhythmischen Silben.
Nach dem wird die schwarze Note als natürlicher Puls untersucht...

Die Mittel und Ressourcen werden auf die Vertiefung und Nuancierung ausgerichtet sein.
experimentell in jedem sensorischen, perzeptiven und expressiven Aspekt.
Die technologische Ressourcen und die audiovisuellen Mittel werden dazu dienen, die zu erleichtern.
Erwerb von Erfahrungen oder Materialien, die die prozeduralen Aspekte des ermöglichen.
Bereich.
Einige der notwendigen materiellen Ressourcen können sein: geräumiges Klassenzimmer,
beleuchtet und von externen Geräuschen abgeschottet; normale und liniierte Tafel; farbige Kreide;
Franelogramm; kariertes Papier; Endlospapier, Pappen und Buntstifte oder Wachsmalstifte;
Instrumente mit bestimmtem und unbestimmtem Klang; audiovisuelle Medien: Magnetophon,
Plattenspieler, spezifische Diskografie, Dias, Durchsichtsvorlagen...; spezifische Bibliografie des
Schüler und Lehrer: Liederbücher, Schülertexte, didaktische Leitfäden für Bildung
Musikalisches, usw.; Rechtsmaterialien zum Bau von Klangobjekten...

4.5. AKTIVITÄTEN
Reflejar por escrito sonidos largos, cortos, intermedios, que el profesor interprete
Idem die melodische Richtung
Suchen Sie unter allen einen Code zur Darstellung von Dauern, Intensitäten, Höhen
In Gruppen aufgeteilt, eine Partitur mit dem festgelegten Code erstellen
Eine Partitur im festgelegten Code vertonen
Worte mit den rhythmischen Werten von Viertelnote, Achtelnote und halber Note verbinden
Such Wörter, die gut zu einem auf der Tafel geschriebenen Rhythmusschema passen.
Spiele zur auditiven Diskriminierung mit rhythmischen Formen. Dasselbe mit Melodien.
Eine einfache Melodie hören und den Takt schreiben
Idem die Melodie
THEMA 12
DAS SPIEL ALS UNTERRICHTS- UND LERNAKTIVITÄT
EDUCACIÓN MUSICAL. CRITERIOS DE CLASIFICACIÓN Y SELECCIÓN DEL
REPERTORIUM. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN
Aktivitäten, die mit der Gesangs- und Instrumentalausbildung in Verbindung stehen
UND BEWEGUNG UND TANZ.

1. DAS SPIEL ALS UNTERRICHTS- UND LERNAKTIVITÄT IN DER

MUSIKALISCHE BILDUNG
1.1. EINFÜHRUNG
1.2. SPIEL: EIGENSCHAFTEN UND KLASSE
1.3. SPIEL: LERN-LEHR-AKTIVITÄT
1.4. DAS SPIEL ALS LEHR- UND LERNAKTIVITÄT IN
DIE MUSIKALISCHE BILDUNG

2. KLASSEMENT- UND AUSWAHLKRITERIEN FÜR DAS REPERTOIRE

3. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN, DIE SICH

BEZIEHEN SICH AUF DIE STIMMBILDUNG, INSTRUMENTAL- UND BEWEGUNGSERZIEHUNG
Y DANZA
3.1. ALLGEMEINES
3.2. SPIEL UND AUDITIVE BILDUNG
3.3. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN
DIE MIT DER STIMMBILDUNG ZUSAMMENHÄNGEN
3.4. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN
DIE MIT DER INSTRUMENTALBILDUNG ZUSAMMENHÄNGEN
3.5. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN
DIE MIT DER BEWEGUNGSERZIEHUNG ZU TUN HABEN
TANZ
3.6. SPIEL UND MUSIKSPRACHE
3.7. ANDERE ASPEKTE AUS DER SPIELERISCHEN PERSPEKTIVE
3.7.1. Kreativität
3.7.2. Ausdrucksnuancen
THEMA 12
 Oszilloskop. Gerät zur auditiven Verstärkung mit Bildschirm, das visuelle Signale ausgibt.
entsprechend der Stimme
Kopfhörer mit Vibratoren. Sie übertragen die Vibration, die der Schall über den Knochen erzeugt.
Taktile Stimulator mit zwei Kanälen. Er wird verwendet, damit der taube Mensch seine Kontrolle ausüben kann.
Tonfall, während ich in der linken Hand die tiefsten Vibrationen spüre und in der rechten
die höchsten
Suvag. Es wird zur Rehabilitation des Hörens und der Sprache verwendet und hat einen Ausgang für ein
Vibrator.

5. STIMULIERUNG UND ANTWORT

Bei tiefem und schwerem Hörverlust ist die multisensorische, vibrierende, taktile und visuelle Wahrnehmung
Sie werden die Informationen kompensieren, die sie auditiv nicht empfangen können. Auf die gleiche Weise wird der
Stimulus zur Nutzung der Stimme basiert auf dem Bewusstsein für die Vibrationen
Propriozeptiven, die sie produziert, und von den Effekten, die sie in der Umgebung verursacht. Das Verständnis von der
kommunikative Funktion der mündlichen Äußerungen und der Effekte, die sie hervorrufen
Gesprächspartner, die lernen, ihre verbalen und nonverbalen Antworten zu lesen, sind die Grundlage für die
Erwerb der mündlichen Sprache des gehörlosen Kindes.
Der hörgeschädigte Mensch ist in eine Klangwelt eingebunden und muss lernen zu
sich für ihn interessieren und den Klang sowie das Wort zur Kommunikation nutzen. Er muss mit der erkunden
Beobachten Sie die Umgebung, um die Änderungen zu bestätigen, die eine Reaktion erfordern.

Die Tatsache, dass das taube Kind nicht auf einen rhythmischen Reiz reagiert, bedeutet, dass es ihm schwerfallen wird.
bestimmtes Training erforderlich. Die meisten Antworten des gehörlosen Kindes zeigen sich in
durch die Bewegung, die ihre natürliche Ausdrucksform ist.
Es ist notwendig, dass das Kind vor dem Formulieren von Antworten auf vorgeschlagene Reize
der Taube gewöhnt sich an die Schallvibrationen (dass er den Klang erzeugt und so wird er schaffen
Stimuli und Antworten, die ihr Verständnis fördern, werden ihr Bewusstsein für die Vibrationen schärfen.
was sie provoziert und sie empfänglicher dafür macht).
Das Klavier kann verwendet werden, um dem tauben Kind Erfahrungen mit organisiertem Rhythmus zu vermitteln.
1º) Den Kind bitten, die rhythmischen Vibrationen des Klaviers zu "fühlen" und dann seine Empfindungen auszudrücken.
Stimmungszustand, durch seine Körpersprache
2º) Dass er versucht, den Rhythmus zu markieren, den er wahrgenommen hat.
3º) Dass er diesen Rhythmus markiert, ohne ihn zuvor zu erinnern: das Auswendiglernen
Auf diese Weise wird das Kind in der Lage sein, verschiedene Rhythmen zu verinnerlichen und sein
rhythmische Erfahrungen, schneller auf vorgeschlagene rhythmische Stimuli reagieren und in der Lage sein
an der Tanz- und kollektiven Körperausdruck teilzunehmen, was ihm helfen wird, zu lernen
Selbstvertrauen. Die Entwicklung des Rhythmus und von rhythmischen Mustern wird dem Kind helfen.
taub, der gerade lernt zu sprechen.

Einer der wichtigen methodologischen Aspekte, die wir bei der Stimulation verwenden sollten.
taubem Kind, damit es die verbale Antwort verwenden kann, wenn es dafür bereit ist, ist
verbal die Übungen verstärken: den Namen des Objekts nennen, das Geräusch machen
Onomatopäie des Objekts, mit Gesten darstellen, Lippenlesen verwenden...
Außerdem müssen wir die Integration fördern. Der Rhythmus schafft Kommunikation zwischen ihm und den
Andere, und sie werden durch die Bewegung mit der Gruppe in Kontakt treten. Die gehörlosen Kinder sind in der Lage
um rhythmische Aktivitäten in Gruppen von normalen Kindern zu entwickeln, wenn man mit ihnen gearbeitet hat
 Wallon: Das Spiel ist eine selektive Nachahmung von Modellen, die ihm helfen, sich anzupassen.
Welt, die ihn umgibt
Piaget: Spielen ist eine selbstorientierte Aktivität, die ihren eigenen Zweck hat; die Funktion des
Spiel ist die Assimilation der Realität an das "Ich" (Theorie der symbolischen Funktion)
Vigotsky: Das Spiel erscheint als Motivation, um ein Bedürfnis zu lösen. Es hat einen Wert.
sozial und kulturell
Elkonin: das Spiel ist ein Spiegelbild der psychischen Entwicklung des Kindes

Bis zum 19. Jahrhundert, nach Rousseau, wird das Spiel nicht vollständig eingeführt in
die Bildung

Entwicklung des Spiels

Die Theorie der symbolischen Funktion von Piaget ist derzeit die am weitesten akzeptierte.
Das Spiel beginnt mit der Existenz des Kindes, obwohl es sich verändert und anpasst.
spezifische Merkmale je nach Zeitpunkt und Entwicklungsgrad.
Piaget unterscheidet drei Arten von Spielen: das sensomotorische, das symbolische und das Spiel.
reguliert, charakteristisch für jede Etappe.
Von 0 bis 2 Jahren (sensomotorische Phase) spielt das Kind.
Sonsomotores, von Aktion oder Übungen, die ihm eine schrittweise Kontrolle über die
Bewegungen, ihre Koordination... Das Spiel besteht in sich aus der Wiederholung solcher Bewegungen und
la comprobación del dominio que se va adquiriendo sobre éstos. Se busca el placer.
Bis zu 5 oder 6 Jahren (präoperationales Stadium) entwickelt sich das Spiel von
symbolische Darstellung, obwohl die sensomotorischen Spiele nicht aufgegeben werden. Das symbolische Spiel
es ist äußerst wichtig, da es den Übergang vom "tierischen" Denken zum
intellektuell, da es dem Kind ermöglicht, den Gegenstand von seiner Funktion zu trennen und ihm andere verschiedene zu geben.
was anfangs vorhanden ist. Es wird eine Beziehung zwischen dem Symbol und der Handlung gesucht.
Bis zum Alter von 12 oder 13 Jahren (Phase der konkreten Operationen) entwickelt sich die
reguliertes Spiel, das mit dem Auftreten einer Reihe von sozialen Konzepten wie der
Kooperation, das gemeinsame Ziel, die Hierarchisierung... Das Spiel wird immer abstrakter und
intellektuell und verliert seinen ursprünglichen Sinn. Das regulierte Spiel wird für uns von großem Nutzen sein,
da eine große Anzahl von Musikspielen zu dieser Gruppe gehört.

Eine weitere Klassifizierung des Kinderspiels ist die, die Wallon vornimmt:
1. Funktionale Spiele: spontane Bewegungen mit spielerischem Charakter. Beziehe die Geste ein.
mit der Aktivität, die absichtlich immer wiederholt wird. Die Neugier und der Eifer
Die Erkundungen sind in der ersten Lebensphase permanent.
[Link] Spiele: Rollenspiele, die ein abwesendes Objekt darstellen; es kann sein
de imitar acciones, de inventar seres imaginarios
[Link]: hat Interesse daran, neue Dinge zu lernen. Seine Möglichkeiten von
actuación le hacen conocer más el mundo adulto

Spielmerkmale
1) Das Spiel ist ein Modell des Handelns, frei gewählt
2) Das Spiel kanalisiert die unaufhörliche Mobilität im Kindesalter und entwickelt deren
motorische Bedürfnisse
3) Das Spiel erleichtert die freiwillige Ausführung der Aktivität
Das Spiel fördert die Aufmerksamkeitsspanne und das Interesse an der Aktivität.
5) Das Spiel testet die kreative und improvisierende Fähigkeit, indem es involviert
Vorstellungskraft, Fantasie, Kreation und Erkundung
 6) Das Spiel ist ein Anreiz zur Überwindung der aktuellen Fähigkeiten, es hilft beim Erinnern,
die Regeln und Situationen merken und verstehen
7) Das Spiel fördert das Gefühl der Gemeinschaft (sozialer Aspekt)
8) Das Spiel fördert die Bildung von Gewohnheiten
9) Das Spiel ist ein therapeutisches Mittel, es hilft, Konflikte zu lösen. Es ist geladen mit
afectividad y situaciones emocionales
10) Das Spiel reproduziert nachahmende Modelle, setzt elaborierte Strukturen in Aktion.
früher ist eine Manifestation des Wissens über seine Welt
11) Das Spiel motiviert das Lernen, fördert das Verlangen zu wissen, zu lernen und Neues zu erwerben.
Fähigkeiten
Das Spiel ist ein Ausdruck zunehmender Autonomie und Persönlichkeit
Das Spiel befriedigt alle biologischen, physiologischen, psychischen und ...
sozialen, die der Einzelne zeigt.

1.3. SPIEL: LEHR-LERN-AKTIVITÄT

Das Spiel ist ein pädagogisches Element, es ist ein ausgezeichnetes didaktisches Hilfsmittel. Es ist ein
Natürliche Aktivität mit großer motivierender Kraft, daher sollte sie genutzt werden. Sie ist eng verwoben
gebunden an das Lernen.
Das Spiel kann als spontane Aktivität oder als Aktivität genutzt werden.
organisiert. Bei einer freien Aktivität hat der Teilnehmer das Gefühl, dass er sich ausdrückt, ohne verurteilt zu werden,
seinen eigenen Körper, seine Umgebung, seine Position im Verhältnis zu anderen und was diese ihm
kommunizieren; hat den Wunsch zu spielen. Bei einer organisierten Aktivität sollten die Regeln nicht sein
Bedingungen, die das Spielen verhindern. Spielerisches Lernen erleichtert den Erfolg bei den Aufgaben.

In den frühen Stadien spielen Kinder durch körperliche Übungen; ihr Körper erlaubt es ihnen
dient dazu, zu experimentieren. Ab dann treten sie in die manipulative Phase mit Objekten über. Danach
Sie müssen ihre Umgebung spontan und mit Interesse erkunden. Schließlich kommen sie zu
selbst bauen, und hier hat das Spiel einen Zweck.
Seit Piaget wird der Hauptwert des Spiels akzeptiert: Es zeigt uns den Grad von
Evolutive Entwicklung des Schülers und dient uns als Leitfaden bei der Planung von Programmen
angemessene Bildungsangebote.
Wir müssen die Spiele unter Berücksichtigung dieser Entwicklung vorbereiten, damit das
Der Lehr-Lern-Prozess, den wir durchführen, sollte fortschreitend sein.

Merkmale des Spiels, die es zu einer guten Ressource für die

educación:
Motivierende Kraft
2) Fördere die Aktivität
3) Flexibilität (integriert alle Arbeitsmodalitäten)
4) Ruft zur Teilnahme auf
5) Bildungswert, fördert das Lernen
6) Bewertungsleichtigkeit
7) Offener und informeller Charakter

1.4. DAS SPIEL ALS UNTERRICHTS-AKTIVITÄT

MUSIKALISCHE BILDUNG
 Seit der Kindheit zeigt sich bei Jungen und Mädchen das Interesse am Spiel der
Geräusche. Es interessiert sie das akustische Ereignis, bevor sie sich dessen bewusst werden. Wir müssen nehmen
Bewusstsein über unseren Einfluss auf die Schüler, um keine Traumata zu verursachen oder zu verhindern, dass...
freie Teilnahme.
Die Spiele werden methodisch eingesetzt, indem das Hörsinn bei der Tatsache genutzt wird.
sonor und die kontemplative Audition.
Die Jungen und Mädchen nutzen, um ihre Gefühle und Bedürfnisse auszudrücken, die
Geräusche, Bewegungen und Gesten. Sie nutzen Improvisation, Gesang, die Möglichkeiten
ausdrucksvoll des Körpers und die instrumentelle Nutzung.
Das Spiel in der Musik fördert die evolutionäre Entwicklung und steigert die
wahrnehmungs- und ausdrucksmöglichkeiten der schülerinnen und schüler.

Arten von Musikspielen

1) Wahrnehmungsspiele
Ziele: die Aufmerksamkeit auf das Klangereignis zu lenken, es zu verstärken und das Gehör zu schulen.
Sie fördern die Organisation der Wahrnehmung
Man kann den eigenen Körper, natürliche Geräusche, Stadtgeräusche, Dorfgeräusche verwenden,
hausgemachte Geräusche, Geräusche von Musikinstrumenten, Musikaufnahmen...
2) Diskriminierungsspiele
Ziel: Erraten, was klingt. Sie entwickeln die Aufmerksamkeit, indem sie den Reiz schätzen und lokalisieren.
sonor
3) Nachahmungsspiele
Ziele: nachahmen, was gerade gehört wurde. Es geht darum, die bekanntesten Geräusche einzufangen und
Sie werden reproduziert, wobei das Entwicklungsniveau der Schülerinnen und Schüler wahrgenommen wird. Zuerst wird mit der Verwendung von ...

das Gehör und das Sehen zugleich, um dann nur den Hörsinn.
Musikspiele
Sie bringen kreatives Wachstum, denn ein wichtiger Faktor darin ist die Improvisation. Diese
Spiele werden je nach Alter und Fähigkeiten geplant. Je älter sie sind, desto mehr können sie
symbolischere Aktionen durchführen und das Spiel weiterentwickeln, um etabliert zu werden
Regeln für das Spiel und Teamarbeit.
5) Animations- oder Beziehungsspiele
Sie sind die einfachsten; oft haben sie keine Regeln oder diese werden im Moment erfunden (sage das
name singend
6) Traditionelle oder beliebte Spiele
Ziel: die Volkstraditionen wiederzubeleben und andere aus verschiedenen Regionen kennenzulernen
geografische. Sie neigen dazu, verschiedene Arten von musikalischen Aktivitäten (den Kartoffelkreis,
Seilspringen...)

Eine andere Klassifikation

1) Aufgrund der Art des bearbeiteten Inhalts können die Spiele sein:
auditiv, vocal, instrumental, bewegungs- und tanzbezogen für die musikalische Sprache.
2) Aufgrund der Fähigkeiten, die sie entwickeln, werden wir sagen, dass es Spiele gibt:
motrices, sensoriales, de memoria, de reacción, de habilidad
3) Andere:
von Corro, von Comba, traditionell, modern...

2. KRITERIEN FÜR KATEGORISIERUNG UND AUSWAHL

 Das ausgewählte Repertoire muss entsprechend der Entwicklung und den Interessen der Schüler klassifiziert werden.
der Grundschule. Sie müssen diese Anforderungen erfüllen:
[Link] wird von Interesse sein, eine lebendige Erwartung an seine Sensibilität zu schaffen, die...
Darstellung
[Link] wird altersgerecht sein, gemäß festgelegten Zielen.
[Link] werden die vorherigen Kenntnisse und Erfahrungen berücksichtigt, die sequenziert werden.
der geplanten Inhalte, die einen Bildungswert haben, der das fördert
Lernen neuer Konzepte
[Link] die Improvisation
[Link] wird die Erkundung erlauben, sodass sie selbst Erfahrungen sammeln können.
[Link] werden alle Inhaltsblöcke der Musikbildung abdecken. Globalisierung
[Link] werden vielfältig sein und den Wechsel der Aktivität ermöglichen, um Langeweile zu vermeiden.
[Link] werden eine Bewertungserleichterung haben

Die Kriterien zur Auswahl der Spiele stehen im Zusammenhang mit dem Bereich, der bearbeitet werden soll:
[Link] Bildung. Den Hörsinn entwickeln und fördern. Geräusche der Umgebung, von
ihrem eigenen Körper, von Objekten, die sie umgeben, und von Musikinstrumenten, Aufnahmen...
[Link]ón rítmica. Interiorizar lo captado por los sentidos, desarrollando las funciones
Intellektuelle: den Impuls geben, sich frei zu äußern, sich zu entwickeln
Beobachtung und Aufmerksamkeit des Hörsinns
[Link] und Gesang. Vielfalt an Aktivitäten bieten, um zu bereichern.
Wissen des Kindes: Sprache, Atmung, Lieder, Kreativität und Improvisation,
Melodien der kindlichen Stimmlage
[Link] Erziehung. Die Harmonie der Bewegung und die körperliche Entwicklung fördern:
koordiniertes Bewegen mit dem Rhythmus, Psychomotorik in den synchronisierten Perkussionen,
equilibrio y lateralidad, música = relajación
[Link]ädagogik. Die rhythmische und melodische Sensibilität mit dem Körper stimulieren.
als Instrument und mit Musikinstrumenten: den Körper und die Instrumente benutzen,
Instrumente koordinierend mit guter Motorik und Rhythmus manipulieren, Unterschiede
tímbricas
6.Körperausdruck. Suche nach einem ausdrücklichen Inhalt, der die Persönlichkeit fördert.
Integrierung von Gefühlen in die Aktivitäten: symbolische Spiele mit Dramatisierung,
Musikalische Geschichten...
[Link]. Bewegungen ausführen, die die Körperwahrnehmung entwickeln.
hinsichtlich Raum und Zeit: organisierte Abfolge von Bewegungen, Liedern
Beliebte, die es ermöglichen, den Raum und die Bewegung auf verschiedene Weise zu nutzen.

3. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN

AKTIVITÄTEN, DIE MIT DER STIMMBILDUNG ZUSAMMENHÄNGEN,
INSTRUMENTAL UND BEWEGUNG UND TANZ

3.1. ALLGEMEINES
Das Spiel motiviert und fördert die musikalische Ausbildung. Die Komponenten eines
Lied (Rhythmus, Melodie, Instrumentierung, Dramatik und Tanz) sind Spiele, die man spielen kann
den Entdeckungscharakter zu erlangen, der die spielerische Aktivität zu einem festlichen Element macht und
angenehm.
 Die Spiele sollten pädagogische Instrumente innerhalb einer Programmierung sein.
angemessen. In den meisten Fällen geht es darum, dem Unterricht im Musikraum einen Charakter zu verleihen
Ludisch. Die Art und Weise, wie der Lehrer ist, sein Charakter, ist in diesem Aspekt entscheidend.
Wir sollten uns daran erinnern, was E. Willems verteidigt: dass die Musik das ist
ausreichend attraktiv, um auf extramusikalische Spiele zurückgreifen zu müssen.

3.2. SPIEL UND HÖRERZIEHUNG

Die Gehörbildung sollte der gesamten musikalischen Ausbildung vorstehen. Im Folgenden
Wir geben einige Beispiele für Spiele, die der auditiven Bildung dienen.
Wahrnehmung von Geräuschen und Lärm
Umgebungsbedingungen: identifizieren, imitieren, darstellen, klassifizieren (innen, außen, weit weg,
Suche...) Geräusche aus dem Klassenzimmer, aus dem Haus, von der Straße, vom Feld...
Mit Klangobjekten: identifizieren, grafisch darstellen, reproduzieren (nachahmen)...;
emparejar, clasificar, seriar; ¿cómo se ha producido?; ordenar según han sonado
Stimmen von Kollegen: identifizieren; klassifizieren; Interventionsreihenfolge; zwei
simultane, drei...
Wahrnehmung von Höhen
Intra-tonale Klangbewegung: Stimme; Kolbenflöte; Sirenen; intra-tonales Glockenspiel
Alturas tonales: buscar en las placas de un xilófono y otro instrumento según los
Geräusche, die vom Lehrer oder von einem anderen Kind gegeben werden; Wahrnehmung, Diskriminierung von
gravis-agudo, zuerst kontrastierend, dann mittel; aufsteigen-absteigen
Wahrnehmung von Dauern
Largo-kurz: Vergleich von Instrumenten (zum Beispiel: die chinesische Kiste und der
Dreieck, das Metallophon und das Xylophon...), geeignete Instrumente wählen; Spiele
von Aufforderungen; Stimmen von Tieren; Geräusche der Umgebung
Wahrnehmung von Intensitäten
Forte-weich: Tiere; Geräusche der Umgebung; Instrumente, Spielanweisungen: ja
klingt...
Wahrnehmung von Richtungen
Woher klingt es? Mit dem Finger zeigen
Wahrnehmung von Klängen
Gegenstände der Umgebung
Tarros: identifizieren; paaren; ordnen / klassifizieren; die Reihenfolge angeben, in der sie ...
traumhaft
Reclamos (identificar, imitar, orden de intervención)
Glocken (identifizieren, reihen, klassifizieren, ordnen...)
Stimmen: von Kollegen, von Lehrern, von Bekannten; live, aufgenommen;
identifizieren, in der Reihenfolge der Intervention, Simultanität...
Instrumente (körperlich, PAD, PAI, selbstgebaut, formal, schulisch,
de Orchester...)
Percepción de ritmos
Figuren und kleine rhythmische Strukturen kennenlernen und unterscheiden, sie mit ... zu verbinden.
Bewegungen und Grafiken
Erkennungsspiele (1, 2, 3... Rhythmen): das Interpretierte erkennen; interpretieren
der Bezeichnete; den Ausgeführten erkennen, seine Nummer angeben, während man sich damit vertraut macht und
reproduzieren danach; welche Reihenfolge würden wir wählen, um ein kohärentes Ganzes zu erreichen
(¿1234?, ¿2314?, ¿4312? ¿1324?)
 3.3. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN
DIE MIT DER STIMMBILDUNG ZUSAMMENHÄNGEN
Eine große Anzahl von Spielen hat ein vokales Element: In ihnen wird gesungen oder ...
Sprich prosodisch einen Ausschnitt vor. Es ist interessant, dass es sich um Lieder handelt, denn so
Wir können global an musikalischen Aspekten arbeiten: Rhythmus, Intonation, Gedächtnis, Respekt. Se
Es wird damit beginnen, die Ausbildung der Stimme und des Gesangs zu fördern. Der vokale Ausdruck ist ein Instrument
für das Singen, weshalb der Klang und die Stimmgebung perfektioniert werden müssen.
Die Stimmspiele beginnen mit Atemübungen, die dazu dienen, um zu nutzen
Die Stimmgebung. Es werden Spiele mit den Stimmen gemacht, und das Lied wird zahlreiche Spiele erleichtern.
Die Methode für diese Spiele wird aktiv sein, indem Imitation und Wiederholung verwendet werden.

Beispiele für Übungen:

Atmung
Bewusstsein für die Bauchatmung: Liegend platzieren wir einen Gegenstand
über den Bauch und beobachten, wie er sich hebt und senkt; die Hand auf den Bauch legen
vom Lehrer, während dieser über das Kind bläst, und danach Kinder in Paaren;
als würden wir jemanden rufen (psch, psch); das Erschöpftsein eines Atems imitieren
Hund...
Luftballons, Strohhalme, Papierschnipsel, Tischtennisbälle, Federn
Einatmen und ausatmen in Zeiten: langsam einatmen und langsam ausatmen; langsam einatmen und
espirar rápido, inspirar rápido y espirar lento, dosificando...
Artikulation, Aussprache, Vokalisierung
Imitation: Geräusche, Lärm, Tiere.. Onomatopöien
Gesten (Lachen, Weinen...)
Prosodien
Juegos de cambiar las vocales de las sílabas de las canciones
Intonation
Geräusche und Geräusche aus der Umgebung nachahmen, von draußen...
Die Zimbel der Posaune, die Sirenen...
Fononimia
Lieder: mit Notennamen; mit Intervallen; mit Wortersetzungen durch
Gesten...
Spiele zum Befolgen der Anweisungen des Lehrers
Hohe, tiefe, zufällige, fröhliche, traurige Lieder singen...
Laleos, tateos,
Pregones

Lustige Aktivitäten im Bereich der Gesangserziehung bieten die Möglichkeit zu verstehen:

1) Die klanglichen und musikalischen Möglichkeiten der Stimme
2) Die Interaktion mit anderen Bereichen (Sprache, Sachkunde, Mathematik)
3) Die Sozialisierung des Gesangs
4) Mit der Improvisation: die spontane Schaffung, ein Faktor der ganzheitlichen Entwicklung
5) Die Sensibilität und die Fantasie des musikalischen Spiels

3.4. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN

DIE MIT DER INSTRUMENTALEN BILDUNG ZUSAMMENHÄNGEN
Für die instrumentale Bildung muss die motorische Bildung gefördert werden. Der erste
Das Instrument, das ihnen zur Verfügung steht, ist ihr eigener Körper. Wenn sie ihren Körper einmal kennen, wird man sich daran wenden.
auf natürliche Weise zu den Musikinstrumenten, die das Experimentieren mit Klang fördern werden
und des bestimmten Klanges.
Im ersten Zyklus wird es eine geringe Vielfalt an Instrumenten geben, die nach
Familien. Im zweiten Zyklus werden die Blasinstrumente eingeführt und es wird mit der
Blockflöte. Im dritten Zyklus wird die gleiche Linie wie im vorherigen fortgesetzt, aber mit dem Ziel,
größere Technik und bessere Interpretation.

Wir können auch über den Bau von rudimentären Instrumenten sprechen, die,
si bien no es un juego en el sentido literal de la palabra, posee un enfoque lúdico que podemos
nutzen. Die Schüler werden erkennen, wie das Material und die Größe den Klang beeinflussen.
von den Instrumenten, und dass die Dauer des Klangs von Faktoren wie der Spannung oder der
Aktion, die wir durchführen. So werden die Kinder ein tieferes Wissen über die
Instrumente und ihre Merkmale.

Beispiele für Übungen:

Vorbereitung von Fähigkeiten
Juegos simulando tocar en el aire
Mit Körperinstrumenten: Handflächen, Füße auf den Boden schlagen...
Finger-Spiele (für Blockflöte): E. Willems: „Spiele, um sich zu ergreifen von
instrumento y para ayudar a fijar los dedos. Ejemplo: partir del puño cerrado y
Separieren Sie die Finger und sagen Sie "eins, zwei, drei..."
Lieder mit Bewegungen bestimmter Körperteile
Lieder, um die Instrumente zu verwöhnen
Eigenbauwerkzeuge
Materialien auditiv erkunden: die maximale Anzahl an Geräuschen herausholen; Gespräch
zwischen Objekten; Soundeffekte von Szenen
Instrumente bauen
Instrumentalgruppen
Wiedergabe (Duos, Trios) Mimo
Orchester-Spiel. Eines der Kinder dirigiert und der Rest simuliert, das zu spielen.
Instrument, das er wählt
Caracol instrumental. Corro instrumental
Spiele zur Entsprechung zwischen Körperpercussion-Instrumenten und
Instrumente von PAI und/oder PAD
Instrumente Geschichten und Lieder

Beiträge des Spiels zur instrumentalen Bildung:

Psychomotorik
2) Rhythmische oder rhythmisch-melodische Klänge erzeugen, um Melodien zu begleiten
3) Das Instrument spielen, indem Gesten und Bewegungen integriert werden, die verschiedene Arten von
Ausdruck im Spiel
4) Geräusche in Spielen der Körpersprache, in Erzählungen und musikalischen Geschichten einführen
5) Instrumente bauen
6) Favorecer la creatividad con variaciones en el uso del instrumento

3.5. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DES SPIELS IN DEN AKTIVITÄTEN

DIE MIT DER BEWEGUNGSERZIEHUNG ZUSAMMENHÄNGEN
TANZ
Die Aktivitäten zur Verbesserung der Bewegung und des Tanzes sind
gekennzeichnet durch den Erwerb der motorischen Kontrolle. Durch die Bewegung drücken sich die Schüler/innen aus,
Und dieses Bedürfnis muss zum Spiel gelenkt werden. Mit diesen Spielen beobachten wir seine Entwicklung im
Raum und Zeit sowie die Körperkoordination sind wesentliche Aspekte in der Einführung zur
Tanz.
Ein Tanz ist das Ergebnis der Verbindung zwischen Musik, ihrem Rhythmus, Ausdruck
Körperlich und Bewegung.
Außerdem ist das Kinderspiel im Grunde Bewegung. Wir wissen bereits von der
Fähigkeit / Notwendigkeit der Bewegung des Kindes und der Schwierigkeiten, sich darin zu bilden.
aufgrund der Hindernisse, die die Umgebung, in der es sich entwickelt, bietet. Einige Theorien über das Spiel
Sie behaupten, dass das Kind darin die überschüssige Energie verbringt. Andere behaupten jedoch, dass das Kind
spielt, egal wie müde er ist.

Beispiele für Übungen:

Inszenierung von Liedern
Utilización de objetos en los juegos de movimiento
Tiere, Menschen, Puppen, Sport, Maschinen nachahmen
Hilfe durch mentale Bilder
Hilfe mit echten Bildern
Lieder-Spiel: "Der Zirkus"...
Spiele, die mit Liedern zu tun haben: „Die Maus, die die Katze fängt“
Klapppiele...

Die Beiträge des Spiels im Bereich Bewegung und Tanz sind:

1) Das Vergnügen seiner Darstellung
2) La maduración motora y la coordinación rítmica
3) Afianzamiento en los juegos dramáticos
4) Synchronisation zwischen Rhythmus und Bewegung, was zu einem Tanz führt

3.6. SPIEL UND MUSIKSPRACHE

Pentagramm auf dem Boden
Vertikales Carillon auf der Tafel
Ampelstecker
Spiele mit Kartons
Bingo (Rhythmen, Melodien)
Würfel der Rhythmen
Erkennungsspiele (Diskriminierung): Rhythmus (Figuren, Muster); Melodien; Reihenfolge in
die interpretiert wurden, oder Vorschlag zur Ordnung
Villa Pentagrama: Dorotea, Remigia, Milagros, Fátima, Soledad, Laura, Silvia
Wortsuche, Kreuzworträtsel, Springspiele...
Das Sorribes-System
Begleitspiele von Takten: ternär, binär, gemischt
Rhythmen / Melodien lesen: mit Zeichnungen, mit Wörtern, mit Vokalen...
Prosodische Lesung mit repräsentativen Zeichnungen von einsilbigen, zweisilbigen Wörtern
Tetra- und Trisyllaben...
Rhythmuslesen mit rhythmischen Silben
Die Idee von Jos Wuytack
Die Sprache als Hilfe. Die prosodische Lesung

3.7. ANDERE ASPEKTE UNTER DEM SPIELERISCHEN PRISMA

 III.7.1. Creatividad
Der ästhetische Fakt der kindlichen Schöpfung muss im Rahmen des
Aktivität, die es ganz enthält: das Spiel. Die Kinder spielen mit rhythmischen Werten,
mit den Klängen, mit den Texten, mit den Instrumenten... (sie schlagen Variationen vor, erfinden,
vorschlagen...)
Die Nachahmungsspiele von Tieren, Menschen, Gegenständen... (vokal,
Gefreiter...) setzen eine gute Arbeit an Kreativität und Improvisation voraus.

III.7.2. Ausdrucksnuancen
Körperinstrumente: der Zug, der Regen.
Hilfe durch Bilder (mentale oder reale):
Singen-Spielen, während wir uns vorstellen, dass wir über Glut laufen und uns verbrennen
Wir bewegen uns, als wären wir von..., wie ein...
Wir dehnten uns, als würden wir von einem Faden hängen, als würden wir von... gezogen.
Spiele des Führens / Steuerens: Marionetten, Puppen, Roboter, der Bildhauer

THEMA 13

DER KÖRPER UND DIE BEWEGUNG ALS MITTEL MUSIKALISCHER AUSDRUCK. DAS
ENTSPANUNG: NOTWENDIGE TECHNIKEN FÜR DIE MUSIKALISCHE STIMMTÄTIGKEIT
INSTRUMENTAL UND BEWEGUNG. DER TANZ IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG.
DER KÖRPER UND DIE BEWEGUNG ALS MITTEL MUSIKALISCHER AUSDRUCK
1.1. EINFÜHRUNG: KÖRPERLICHE AUSDRUCK UND BEWEGUNG
1.2. GRUNDLEGENDE BEWEGUNGEN DER FORTHBEWEGUNG
1.3. FUNKTIONSMOBILISIERUNGSZONEN
1.3.1. Die Wirbelsäule
1.3.2. Artikulation der Gliedmaßen und des Kopfes mit dem Rumpf
1.3.3. Artikulation der Gliedmaßen
1.4. DER KÖRPER UND BEWEGUNG IN DER BILDUNG IM ALLGEMEINEN
1.5. DER KÖRPER UND BEWEGUNG ALS MITTEL DER AUSDRUCK
MUSIKALISCH

2. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIKEN FÜR DIE MUSIKALISCHE ACTIVITÄT

VOKAL, INSTRUMENTAL UND BEWEGUNG
2.1. ENTSCHPSUNG
2.1.1. Dynamische Entspannung
2.1.2. Statische Entspannung
2.2. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIKE FÜR DIE AKTIVITÄT
MUSIKALISCHER GESANG
2.3. LA RELAJACIÓN: TÉCNICA NECESARIA PARA LA ACTIVIDAD
MUSIKALISCHE INSTRUMENTAL
2.4. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIK FÜR DIE AKTIVITÄT
MUSIKALISCHE BEWEGUNG

3. DER TANZ IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

3.1. DER TANZ IN DER GESCHICHTE
3.2. TANZ UND SCHULE
3.2.1. Tanz und Musik
3.2.2. Tanz und Musikausbildung
3.3. REALISIERUNG
3.3.1. Körperliche Aktionen und ihre expressive Nutzung
3.3.2. Bewegungen und Formen: ausdrucksvoller Gebrauch
3.4. TIPEN UND FORMEN DES TANZES
3.4.1. Tanzarten
3.4.2. Traditionelle, volkstümliche und universelle Tänze
3.4.3. Beispiele für volkstümliche Tänze
3.4.4. La danza en la Educación Primaria
 THEMA 13
DER KÖRPER UND DIE BEWEGUNG ALS MITTEL DER MUSIKALISCHEN AUSDRUCKSFORM. DAS
ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIKEN FÜR DIE MUSIKALISCHE STIMME
INSTRUMENTAL UND BEWEGUNG. DER TANZ IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG.
DER KÖRPER UND BEWEGUNG ALS MITTEL DER AUSDRUCKSFORM

1.1. EINFÜHRUNG: KÖRPERLICHE AUSDRUCK UND BEWEGUNG

Bewegung: Änderung oder Verschiebung des Körpers oder eines Teils des Körpers von einer
räumliche Position zu einer anderen.
Die Bewegung ist für den Menschen äußerst wichtig. Durch sie: wird
zeigt sich als lebendes Wesen; erfreut sich der Bewegung; stärkt seinen Körper und entwickelt seine
Fähigkeiten; und er kommuniziert und äußert seinen inneren Rhythmus.
Die Bedeutung der Bewegung für das Kind ist noch offensichtlicher, da in diesem
Die Notwendigkeit sich zu bewegen ist größer, vor allem wenn wir die Gesellschaft betrachten, in der wir leben.
in der solche motorischen Äußerungen oft unterdrückt werden und wo es an Freiräumen mangelt für
jugar es cada vez más agobiante.
Dieses Bedürfnis nach Bewegung, das das Kind hat, sollte nicht unterdrückt werden, man muss
sie durch Organisation in Zeit und Raum abzudecken. Wenn das Kind mit seinen Studien beginnt
Die Entwicklung ihrer sensorischen Fähigkeiten ist auf dem optimalen Punkt, um sein zu können
im Unterricht verwendet.

Die rhythmisch-motorischen Übungen sind sehr wertvolle Ressourcen, um sie zu erwecken.

Die Schüler*innen, ihre intellektuellen, motorischen und emotionalen Fähigkeiten. Der Körpereinsatz fördert
die vollständige Entwicklung, da sie auf Bewegung und Gestik basiert, und diese auf
Kreativität und Spontaneität.
Die Bewegung findet im Raum statt und umfasst den gesamten Körper oder
Es ist ein Mittel des musikalischen Ausdrucks, da es dazu dient, Empfindungen durch Interpretation zu erleben.
Die Musik.
Bewegung ist ein Mittel der Körperausdruck. Der Körperausdruck nimmt
als Instrument den Körper, der sich frei im Raum und in der Zeit ausdrückt. Fördert
ein psychophysisches Gleichgewicht, die Kreativität und die Ausbildung der psychomotorischen Schwierigkeiten.

Der Ausdruck des Körpers ist eine Möglichkeit, einen Gemütszustand zu äußern und
trägt zur Verbesserung der Kommunikation zwischen den Menschen bei. Dieses doppelte Ziel, das
Ausdruck und Kommunikation müssen durch sorgfältige Planung erreicht werden
organisiert, ohne ein Streben nach Perfektion. Ihr Hauptziel ist es, das Kind zu erreichen
Wählen Sie Freude an dieser Aktivität und lernen Sie, mit Ihrem Körper auszudrücken, was Sie fühlen.
Die beste Möglichkeit, dieses Ziel zu erreichen, besteht darin, diese Aktivität mit dem zu verbinden
spontanes Spiel.
Der Körperausdruck ist eng mit Tanz und Rhythmischer Gymnastik verbunden.
aber sie unterscheiden sich darin, dass die Körpersprache psychische Elemente beinhaltet und ihr Zweck darin besteht, dass
die körperliche Fähigkeit des Schülers, sein eigenes Tempo und seine eigene Art zu entwickeln, ohne sich zu entziehen
Nachahmung seines Meisters, die seiner individuellen Inspiration freien Lauf lässt.

1.2. GRUNDLEGENDEN BEWEGUNGEN DER LOCOMOTION

Definition: Es sind die Fortbewegungsarten, die das Kind bereits beherrscht:
gehen, laufen, springen, kriechen, robben...
Diese Fortbewegungsarten können mit grundlegenden Rhythmen assoziiert werden, um zu sein
bearbeitet mit Unterstützung der Musik:
 Es gibt verschiedene Arten zu gehen, an denen wir im Unterricht arbeiten müssen:
- die gesamte Fußsohle stützend
die Fersen unterstützend
- die Füße nach vorne strecken (als ob man etwas mit ihnen heben möchte)
- die äußeren Kanten unterstützen
- die Spitzen unterstützend
All diese Möglichkeiten ermöglichen die Entwicklung des Gehens. Gleichzeitig
Wir müssen auf die Aufrichtung des Rumpfes und die Flexibilität der Bewegungen achten.
Es gibt auch verschiedene Arten zu laufen und zu springen:
- mit Abprall
die Knie anheben Laufen
- llevando los pies hacia atrás
- beginnend und endend auf beiden Füßen
- beginnend mit einem Fuß und endend mit SPRINGEN dem anderen
- beginnend mit einem Fuß und endend mit beiden

Wir müssen auch die Schritte arbeiten, die eine bestimmte Abfolge von
grundlegende Bewegungen.
1. Paso Branle: paso – Füße zusammen. Richtungen: vor, zurück, rechts, links.
[Link] Polka saltada: zwei Sprünge (Schritte) auf jede Seite
Picada: Ferse – Spitze – Ferse – Schritt zu jeder Seite

[Link]: Schritt, der den Rhythmus bestimmt

[Link] Schritt: Schritt, der wie eine Bitte aussieht. Er ist typisch für die griechischen Tänze. Man macht einen Schritt nach
das rechte Bein nach vorne, während es gebeugt wird, und das linke Bein nach unten beugt.
nach hinten. Gleichzeitig werden die Hände mit den Handflächen nach oben platziert und
Mach eine sanfte Hebebewegung.
[Link] glissé oder paso deslizado: Der Akzent kann mit jedem Fuß gesetzt werden, während der
Der Puls wird mit dem Gegenteil markiert. Wenn wir den Akzent mit dem rechten Fuß setzen, dann
Wir bewegen uns in diese Richtung, während der linke sich bewegen kann. In der
gleiche Adresse vor dem rechten Bein, dahinter oder alternativ durch
vorne und hinten. Es wird auch sehr oft in den griechischen Tänzen verwendet und nennt sich Schritt
Mayim.

[Link]-Schritt: Schritt in vier Takte, zwei gekreuzte Schritte und zwei zurück, die Kreuzung auflösend
 [Link] des pasques oder paso de los vascos: Dieser Schritt ist nützlich für jedes musikalische Fragment
im ternären und schnellen Rhythmus (Jota, Walzer, Menuett...). Die drei Zeiten werden nicht markiert, sondern
nur der erste und der dritte. Es ist eine Art Sprung, bei dem die Knie angehoben werden und man über das geht
Bein vor dem Körper.
[Link] Boston: Schritt des britischen Wals. Man denkt in Form eines Quadrats. Im ersten
acento se avanza el pie derecho flexionando la rodilla. En el primer pulso se da un paso
diagonal nach links auf die Spitze, und im zweiten Schlag setzt der rechte Fuß einen
Schritt über die Spitze nach links, sich mit dem linken zu vereinen. Im zweiten Akzent,
der linke Fuß zieht zurück, beim dritten Puls macht der rechte Fuß die Diagonale nach
rechts und im vierten Schlag setzt der linke Fuß einen Schritt nach rechts und vereint sich mit dem
Rechtstorte.

1.3. FUNKTIONSMOBILISIERUNGSZONEN
Die funktionale Mobilisierung ist das Mittel, das wir nutzen, um das Kind zu bewegen.
in Kontakt mit seinem eigenen Körper, die motorischen Möglichkeiten maximal kennenlernen und daher
alle ihre Ausdrucksmöglichkeiten entwickeln.
Diese Zonen der Körperbewegung sind drei:

1.3.1. Die Wirbelsäule

Es ist der wichtigste und empfindlichste Bereich des menschlichen Skeletts.
Die durchzuführenden Übungen basieren auf der Idee, dass die Wirbelsäule
besteht aus einer Reihe von Teilen (Wirbel), die durch Scheiben miteinander verbunden sind
flexible, die die totale oder partielle Mobilität der verschiedenen Regionen ermöglichen:
sakrokokzygeal, lumbal, dorsal und zervikal.

Die wichtigsten Bewegungen sind:

a) Nach vorne biegen
b) Nach hinten biegen
c) Zur Seite umklappen
d) Wellen und drehen
Diese Bewegungen können durch die Übungen erreicht werden: das
Hund, die Katze, die Schnecke, der Fisch, schlafen und aufwachen...

1.3.2 Artikulation der Gliedmaßen und des Kopfes mit dem Rumpf
A. Der Hals. Es ist der Bereich, in dem der Kopf mit dem Rumpf verbunden ist. Er besteht aus einem
Wirbelsäulenreihe (Halswirbel), von der die letzten beiden hervorstechen: Axis und Atlas, deren
 Die Mission besteht darin, den Kopf zu stützen und ihm eine große Fähigkeit zur Neigung zu verleihen, das
Drehung, Vorwärts- und Rückwärtsbewegung.
Die Bewegungen, an denen wir arbeiten müssen, sind:
- Neigung, nach vorne und nach hinten
- Drehung nach links und rechts (wie nicht)
- seitliche Neigung zu den beiden Schultern
- andere
B. Die Schultern. Sie bilden den Bereich, in dem die oberen Gliedmaßen mit dem
Torso. Für dieses Gelenk müssen wir die Bewegung der Arme und Schulterblätter trainieren:
Schultern heben und senken
- die Schultern nach vorne und hinten bewegen
- kleine rotierende Bewegungen der Schultern ausführen
- die Arme ausstrecken und die Fingerspitzen zusammenbringen, als ob wir etwas Großes greifen würden
Ball
- liegend, die Arme bis zum Maximum zum Himmel ausstrecken
C. Die Hüften. Sie bilden die Verbindung zwischen den unteren Gliedmaßen und dem Rumpf. Dieser Bereich
es ist grundlegend, weil:
a) darin befindet sich das Zentrum des körperlichen Gleichgewichts
b) permite controlar e impulsar el movimiento de locomoción
c) wirkt sich auf die Beweglichkeit der Wirbelsäule aus
Los movimientos en esta zona los debemos separar en tres fases:
1) Beckengegend
- Ausgangsposition, auf dem Rücken liegend, mit gebeugten Knien und festgehalten mit den
manos. A continuación doblamos los codos y, tirando de las rodillas, éstas se
Führen Sie in Richtung der Achseln. Vom Ausgangspunkt aus werden die Füße auf den Boden gebracht.
und der Lendenbereich hebt sich
- ídem pero sin usar las manos, utilizando solo los abdominales
2) Beine: flach auf dem Boden liegend, mit ausgestreckten Armen in Form eines Kreuzes, drehen wir die
Füße nach innen und nach außen
3) Becken und Beine
- stehend, mit ausgebreiteten Armen in Kreuzform, die Füße auf den Fersen abgestützt.
Die Füße werden sich leicht nach außen und nach innen mit einer leichten Beugung richten.
Knie
- im Stehen, Beinbewegung mit zwei Bewegungen: zuerst Annäherung und
Nach dem Abstand; das Bein wird vor dem unterstützenden Bein gekreuzt.
und das Knie des Beins hebt sich danach zur Seite

1.3.3. Artikulation der Extremitäten

a) Die Knie. Sie sind Scharniergelenke, die außerdem das Gewicht dämpfen.
Körper beim Gehen, Laufen... Die Übungen bestehen darin, die zu beugen und zu dehnen.
Knie, mit unterschiedlicher Geschwindigkeit, sowohl im Stehen als auch im Sitzen oder Liegen.
b) Die Ellenbogen. Sie sind ebenfalls Scharniergelenke. Die häufigsten Übungen
son:
- sie zu öffnen und zu schließen
mit angewinkelten Ellenbogen herumfuchteln
- die Ellenbogen vorne und hinten am Körper zusammenführen
c) Knöchel und Handgelenke. Rotationsbewegungen, von oben nach unten und von Seite zu Seite
d) Die Füße. Die häufigsten Übungen werden mit Gegenständen durchgeführt:
 Taschentücher mit den Fingern nehmen
Kugeln nehmen
Bleistifte nehmen
den Spann dehnen
e) Die Hände. Sie ermöglichen Übungen mit großer Ausdruckskraft:
die Faust auf- und zumachen
- jeden Finger mit dem Daumen berühren
- sie fächerartig öffnen und schließen
- sie in Zweiergruppen oder anderen Kombinationen zu trennen

1.4. DER KÖRPER UND DIE BEWEGUNG IN DER ALLGEMEINEN BILDUNG

Die Bewegung ist eine grundlegende Aktivität im Kind, durch die:
Er übernimmt sein Körperbild.
Verbessert die Koordination seiner Bewegungen
Übe die verschiedenen Fortbewegungsarten
Kennt seinen individuellen Raum (im Bezug auf seinen Körper) und den gesamten Raum (im Bezug auf
die anderen)
Verbessert Ihre Gleichgewichtsfähigkeit
Kennen Sie Ihre Atmung und kontrollieren Sie sie
Er ist in der Lage, Spannungen in seinem Körper auszugleichen. Er weiß, wie man sich entspannt.
Erwirb auch das Zeitgefühl.

Darüber hinaus ist der Körper eng mit dem psychologischen Leben verbunden:
Das Bild, das man von sich selbst hat, ist untrennbar mit dem eigenen Körper verbunden. So sehr, dass
Manchmal ist der Körper eine Quelle von Frustrationen und Komplexen.
Auch die Beziehung zu anderen erfolgt durch den Körper und die Bewegung

1.5. DER KÖRPER UND BEWEGUNG ALS MITTEL DER AUSDRUCKSWEISE

MUSICAL
Die Bewegung, die jedem Menschen innewohnt, ist ein wichtiger Teil des
Kommunikations- und Ausdruckssprache. Die traditionelle Schule hat die Präsenz von diesem abgelehnt.
ausdrucksstarker Sprache, die einen wichtigen Teil unseres kulturellen Erbes außen vor lässt
Und obwohl die Sporterziehung sich mit dieser motorischen Aktivität beschäftigte, legte sie mehr Wert auf das Erreichen
von Fähigkeiten und Fertigkeiten, die Möglichkeit von Freude und Genuss der eigenen Bewegung herabsetzen.
Seit der pädagogischen Erneuerung von E. J. Dalcroze Ende des 19. Jahrhunderts, das
Bewegung wird als eine notwendige Aktivität im Prozess betrachtet
Lehre-Lernen der Musik. So erkennen es die verschiedenen modernen Methoden. Einer
Von den gemeinsamen Prinzipien dieser aktiven Methoden ist es notwendig, vor dem Rationalisieren zu empfinden, und das
Fühlen ist, muss durch den Körper und die Bewegung sein, wodurch der Wert des Körpers hervorgehoben wird (und der
Bewegung) als Vermittler zwischen Musik und unserem Intellekt.
Ebenso finden wir in den Vorschlägen des LOGSE Ziele von
kritische Wertschätzung der Kunst, sowie Anregung der verschiedenen Ausdrucksformen des Seins
humano, unter denen wir die Musik finden, und in ihr die Erziehung der Bewegung.

Um die Inhalte der Musikbildung zu sequenzieren, das Ministerium für

Bildung bietet uns in zwei unterschiedlichen Rahmen an: der Wahrnehmung und dem Ausdruck.
Konkrett präsentiert uns die Bewegung und der Tanz im Bereich des Ausdrucks,
uns sagen, dass "Hinsichtlich des Ausdrucks, der Produktion oder Erstellung von Musik, der Unterricht und
Das Lernen erfolgt durch drei verschiedene Medien: die Stimme und den Gesang, Instrumente und das
Bewegung und Tanz. Dennoch in beiden Bereichen oder Rahmungen, dem Wahrnehmenden und dem Ausdrucksformen,
Die körperliche Intervention kann wichtig sein:
Im wahrnehmenden Bereich ist die Rolle des Körpers ohne Frage wichtig als Vermittler zwischen
der Klang und sein "Empfang" und Verständnis
Im Bereich des Ausdrucks, als äußerliches Vehikel zur Veranschaulichung von Ideen, Emotionen und
Gefühle, wir sehen den Block der Körpersprache, zusammen mit dem der Stimme und Instrumental

Durch den Körper und die Bewegung können wir sowohl die Elemente des
Musik und ihre expressiven Aspekte: Höhe, Intensität, Dauer, Geschwindigkeit, Klangfarbe, Phrasierung,
Harmonie...

En este sentido, en Música contamos con varios recursos para el trabajo de la

Körperausdruck:
a) Der Rhythmus. Er ist mit unserem körperlichen Wesen verbunden. Die Arbeit der Körperausdruck wird ..
gerichtet an die ersten rhythmischen Äußerungen, die als vormusikalisch betrachtet werden von
Dalcroze: jede Rhythmus ist Bewegung; die Verfeinerung der Bewegung entwickelt das Gefühl
rhythmisch musikalisch. Es sollte durch Wiederholungsspiele bearbeitet werden, die ermöglichen
Variationen der Geschwindigkeit und der Aktivität
b) Das Wort. Es verwandelt sich in einen rhythmischen Impuls, der die Entwicklung der Stimme ermöglicht,
Körper und anschließend die Percussion. Es wird auch dazu dienen, die zu entwickeln.
Vorstellungskraft, durch figurative Reize.
c) Instrumente. Wir werden einfache Instrumente verwenden und sehr einfache Übungen durchführen.
einfach, mit Bewegungen so einfach wie geben und nehmen.

Mit dem Körper erzielt man in der Musikalischen Bildung mehrere Dinge:
1) Individuelle und kollektive Ausdruck
Die Aufmerksamkeit
3) Das Gedächtnis
4) Das Hörvermögen
5) Die Organisation im Raum
6) Der Körper als Musikinstrument

2. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIKEN FÜR DIE AKTIVITÄT

MUSIKALISCHER GESANG, INSTRUMENTAL UND BEWEGUNG

2.1. ENTSPANNUNG
Entspannung ist, sich in einen Zustand der Muskelentspannung zu versetzen, um die zu mildern.
Spannungen, die vor und nach einer Aktivität entstehen können.
Wir verstehen unter Entspannung das Gefühl der Ruhe oder Erholung, das unser...
Der Körper besitzt, wenn es keine Art von Spannung gibt und unser Geist vom Stress befreit ist, die
Angst oder Sorgen, die uns stören.
Diese Technik ist seit der Antike bekannt und wird in östlichen Philosophien angewendet.
wie Yoga. Heutzutage versteht man auch die Vorteile, die es bringt in der
Schule, da man eine positivere mentale und körperliche Disposition erhält. Damit ihr Gebrauch sinnvoll ist
angemessen, die Schüler müssen verstehen, dass es sich um eine konkrete mentale Haltung handelt, die
Versuchen Sie, negative Aspekte zu beseitigen, nicht aus bloßer Passivität. Außerdem muss daran gearbeitet werden.
spielerisch.

Ziele der Entspannung:

Das tonische und affektive Gleichgewicht aufrechterhalten
Bewusstsein für die verschiedenen Muskeln und Körperteile schaffen
Die Muskeln nach Belieben nutzen, sei es global oder teilweise.
Die unnötigen Muskelverspannungen eliminieren, die Müdigkeit und Deformation verursachen können.
Oh Ungeschicklichkeit
Die unwillkürlichen Bewegungen reduzieren, die erschöpfen oder Energie rauben
Die psychische Entspannung erreichen und die Aufmerksamkeit und Konzentrationsfähigkeit erhöhen

Voraussetzungen für eine gute Entspannung:

Umgebung der Ruhe
Suchen Sie einen langsamen Atemrhythmus
Keine Unterbrechungen
Gewohnheit, sich täglich zu entspannen
Geschlossene Augen
Mit ruhiger Musik begleiten
Dauert von 5 bis 8 Minuten

Hemsy de Gainza: Um beim Atmen zu helfen, kann man auf mentale Bilder zurückgreifen:
eine Blume riechen, Luft holen um einen Ballon aufzublasen oder eine Kerze auspusten; um die Entspannung zu fördern
cuerpo, otras imágenes: muñeco de trapo, bolsa llena de arena...

2.1.1. Dynamische Entspannung

Es impliziert die Arbeit aus der Bewegung. Diese Bewegung entsteht als
Ergebnis einer Körperanspannung, bei der wir eine Reihe von Paketen machen.
Muskeln, die zuvor statisch waren, befinden sich jetzt in einem freiwilligen Ungleichgewicht. Die
Wiederholung dieses Ungleichgewichts und seiner Beherrschung ermöglicht eine genaue Anpassung der
motorische Parameter, die eine Entspannung hervorrufen.
La técnica más antigua de relajación dinámica es el Tai-chi.

2.1.2. Statische Entspannung

Es ist die bekannteste und am häufigsten verwendete. In diesem Fall handeln wir, indem wir versuchen zu eliminieren.
Spannungen aus Positionen der Unbeweglichkeit.
Die Grundlage dieser Entspannung ist die Atmung, da die richtige Atmung
Es ist unerlässlich beim Singen, im instrumentalen Spiel und in der Bewegung.
Die Atmung, die am meisten zur Entspannung beiträgt, ist die Zwerchfell- oder
abdominal. Dabei spielt das Zwerchfell eine äußerst wichtige Rolle, ein einzigartiger Muskel, der
trennen die Brusthöhle vom Darmpaket. Wenn sich das Zwerchfell anspannt, nimmt es an
eine nahezu flache Position (Inspiration). Später kehrt das Zwerchfell in seine Position zurück
Gleichgewicht in einer gewölbten Position einnehmen (Ausatmung).
Die Bauchatmung oder Zwerchfellatmung ermöglicht eine bessere
Oxigenierung und was ein geringerer Energieverbrauch bedeutet.
 2.2. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIK FÜR DIE AKTIVITÄT
MUSIKALISCHER GESANG
Entspannung ist notwendig, um eine optimale Leistung in der Aktivität zu erreichen.
vokal. Erreiche physische und mentale Bereitschaft.
Für eine gute Gesangstechnik müssen Aktivitäten zur Pflege der Stimme durchgeführt werden.
(Ausstrahlung, Diction, Atmung und Artikulation) mit einer entspannten Haltung. Wenn es Verspannungen gibt, gibt es
Unwohlsein.
Um eine korrekte Gesangstechnik zu besitzen, ist es außerdem notwendig, die
Bauchatmung oder Zwerchfellatmung, die es ermöglicht, stimmliche Probleme zu vermeiden, da
Hilfe bei der Variation von Intensität und Höhe in der Stimmemission: die Intensität und die Höhe
Wir beherrschen dank des größeren oder geringeren Zwerchfellsdrucks.

Man muss das Stimminstrument kennen:

- Atmungssystem. Teile: Nase, Luftröhre, Lungen und Zwerchfell. Funktion:
Luft speichern und zirkulieren lassen, die den Sprachstoß erzeugen wird
- aparato fonador. Partes: laringe y cuerdas vocales. Función: producir el sonido,
die Stimmbänder zum Schwingen bringen, wenn die Luft, die davor kommt, von den
Lungen gehen durch den Kehlkopf
- Resonanzgerät. Teile: Rachen, Kiefer- und Stirnhöhlen sowie der knöcherne Gaumen.
Funktion: Verstärkung und Verbesserung der Qualität des Sounds, der aus dem Kehlkopf kommt.

Um eine gute Gesangstechnik zu erlernen, muss man beherrschen:

die Entspannung
die Stimmgebung Atmung
Gelenk
Vokalisierung
Resonanz
Intonation

2.3. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIK FÜR DIE AKTIVITÄT

Musikalisches Instrumental
Die Instrumente wecken Interesse an der musikalischen Praxis, da sie es ermöglichen, die
aktive Teilnahme, Improvisation und Kreativität.
Die Arbeit mit Instrumenten stärkt die Gehirn-Muskel-Beziehungen. Es erfordert
eine körperliche und geistige Verfassung, die durch Entspannung erreicht wird: Entspannungsaktivitäten
muskulär.

Anforderungen für die Arbeit mit Instrumenten:

Körperliche Entspannung
Den Umgang mit den Instrumenten kennen
Übungen zur Nachahmung durchführen
Richtige Haltung und Technik beim Spielen
Spielerische Aktivitäten
Die Entspannung ist in den instrumentalen Aktivitäten vorhanden, aber mit zwei
verschiedene Ansätze:
a) die vorherige Entspannung: vor der Durchführung der Instrumentalübungen dient die Entspannung dazu
sich auf die durchzuführende Aktivität konzentrieren
b) nachfolgende Entspannung: Das instrumentale Üben erfordert eine ganze Reihe technischer Übungen
die aufgrund ihrer mechanischen Eigenschaften körperliche Spannungen erzeugen. Daher, um sie zu beseitigen,
Auch Entspannung wird nützlich sein.

Um eine gute instrumentale Technik zu erlangen, muss man beherrschen:

die Entspannung
die Ausführungstechnik instrumentelle Handhabung
Körperhaltung
Motorische Kontrolle der Arme und Finger
Improvisation

2.4. DIE ENTSPANNUNG: NOTWENDIGE TECHNIK FÜR DIE AKTIVITÄT

MUSICAL DE MOVIMIENTO
Die Bewegung ist die Grundlage der psychomotorischen Erziehung. Die rhythmische Erziehung
kontrolliert die Bewegung und fördert die Psychomotorik und den Körpersprache, was erhöht
die motorischen Fähigkeiten.
Die musikalischen Bewegungsaktivitäten sind die ersten, die durchgeführt werden müssen.
und unterliegen einer vorherigen Entspannung. Wir werden mit einer segmentalen Entspannung beginnen, um zu erreichen
eine Entspannung des gesamten Körpers. Die analytische oder segmentale Entspannung besteht in der Erwerbung
von dem Bewusstsein der Spannungs- und Entspannungsgefühle, die an einem oder mehreren Teilen des
Körper. Die globale oder totale Entspannung zielt darauf ab, die gleichzeitige Entspannung aller zu erreichen.
Körperteile. Übungen:
1) Im Kreis und stehend bewegen sich die Schüler frei.
2) Anschließend bewegen sie die Bereiche, die der Lehrer angibt
3) Die Schüler liegen auf dem Boden, auf dem Rücken und mit geschlossenen Augen, mit den Armen und
Beine leicht gespreizt
4) Wir beginnen mit der segmentalen Entspannung, wozu der Lehrer einen Teil des
Körper, sie werden gebeten, an ihn zu denken und ihn zu bewegen. Nach dem vorher Gesagten werden sie
Er sagt, dass wir diesen Bereich nicht mehr bewegen können, dass wir keine Kraft haben. Das werden wir...
Machend mit allen Zonen und das Ergebnis ist eine totale Entspannung
5) Schließlich werden sie gebeten, sich auf ihren Rumpf auf Höhe des Magens zu konzentrieren. Sie haben
dass man sich das Bild vorstellt, dass sie wie ein Ballon sind, der sich aufbläst und wieder zusammenfällt.
Wir können auch ein kleines Objekt auf Höhe des Zwerchfells verwenden, das sie
Beobachten Sie, wie es steigt und fällt.

Mit der Bewegung können wir auch in Bezug auf Musik machen,
Übungen von:
Innerlichkeit
2) Segmentale und globale Mobilisierungen
3) Kontraktion und Entspannung der Muskulatur
4) Visuelle und motorische Koordination
Lateralität
6) Gleichgewicht
7) Bewegung im Takt einer gegebenen Musik

Durch die Bewegung des Körpers beginnt das Verständnis der Musik von
eine spielerische Form. Damit dieses Verfahren gute Ergebnisse liefert, ist Entspannung notwendig
vorher
 Die Bewegungsaktivitäten entwickeln die Körpersprache und die Musikalität in ihnen.
drei Strömungen psychomotorisch
rhythmisch
expresión corporal

3. DER TANZ IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

3.1. DER TANZ IN DER GESCHICHTE

Definition: Der Tanz ist eine codierte Ausführung von motorischen Handlungen, die darauf abzielen
zur Übermittlung von Informationen, die die Entwicklung einer bestimmten Aktivität ermöglichen.
El ser humano se manifiesta a través de su cuerpo empleando la danza como
Mittel der Ausdrucks- und Bewegung. Diese Tänze sind geprägt von den unterschiedlichen
Epochen, Länder und Rassen.
Der Tanz hat eine tiefe Verbindung zum emotionalen Leben in zwei Dimensionen:
als persönliche Ausdrucksform: sie ist frei, spontan und spiegelt die eigene Persönlichkeit wider
einzeln
als sozialer Akt: es ist auf irgendeine Weise koordiniert und geregelt, da es eine Funktion erfüllt
sozial und gruppenausdruck

Wenn wir einem Kind oder Erwachsenen ein beliebiges Thema geben und improvisieren lassen, entstehen die Energien
Die Kapazitäten des Interpreten sind kurzfristig erschöpft, da er die Abnutzung nicht dosieren kann. Die Konzentration lässt nach.
verhindert die Kontrolle über seinen Körper und über den Ausdruck.
Beim Beobachten der Improvisation bewegen sich die Figuren wie Blätter, die vom Wind getragen werden.
oder bleiben an einem Ort haften, fast immer auf einem niedrigen Niveau. Diese Art der Improvisation ist
eine emotionale Entladung und hat keinen kreativen Wert, aber doch einen formativen und bildenden.

3.2. TANZ UND SCHULE

3.2.1. Tanz und Musik
Der Tanz und die Musik sind eng miteinander verbunden: Die Musik kann dienen
wie Anreiz oder Begleitung.
a) Als Anreiz. Die Verwendung vertrauter Musik trägt dazu bei, ein
entspannte Atmosphäre und Vertrauen schaffen.
b) Als Begleitung:
* Mit der Musik hilft es, den Rhythmus zu halten und ermöglicht es
größere Flüssigkeit in den Bewegungen
* zur Unterstützung, bestimmte Abschnitte des Tanzes hervorhebend

Einige Richtlinien für die Musikauswahl sind die folgenden:

[Link] Musik muss die Qualitäten widerspiegeln, die im Tanz hervorgehoben werden.
(alegría, tristeza...)
[Link] Musik muss kontrastiert werden, um Abwechslung im Tanz zu ermöglichen.
[Link] müssen auf die Dauer achten: Übermäßige Wiederholung kann schädlich sein.

3.2.2. Tanz und Musikpädagogik

Die Einführung des Tanzes in der Schule hat ein Ziel: die Neugier zu wecken.
kulturelle und künstlerische Bildung, die die Schülerinnen und Schüler auf die Zukunft vorbereitet.
 Durch den Tanz wollen wir Freude daran finden, dies zu tun.
Aktivität an sich. Diese spielerische Funktion sollte in allen musikalischen Aspekten vorhanden sein.
Wir sollten versuchen, dass der Schüler eine bessere Kontrolle über sein eigenes erreicht.
Körper. Wir müssen alle Beiträge wertschätzen, sogar die von jenen Schülern
weniger begabt. Der Tanz kann den Kindern helfen, mehr Selbstvertrauen zu gewinnen.
Wir müssen die aktive Teilnahme aller suchen, aber ohne jemanden zu zwingen. Von
Kleinen muss man die Angst nehmen, sich auszudrücken.
Tanz und Ballett: der Tanz ist eine natürliche Manifestation; das Ballett ist eine
Organisation dieses natürlichen Ereignisses in eine Anordnung von Schritten, Einstellungen und Gesten.
Tanz und Musikalische Erziehung. In der rhythmischen Bewegung und dem Tanz gibt es
finden sich die Körpersprache und die musikalischen Elemente integriert. Es wird verstärkt in
die Schülerinnen und Schüler die Kontrolle über ihre Bewegungen von der freien Bewegung bis zu dem
Lernen einiger einfacher Tänze, die für den Folklore typisch sind.

3.3. VERWIRKLICHUNG
Wenn der Körper rhythmische Kontrolle, Ordnung und Koordination erlangt in der
Raum und Zeit, ist wenn man beginnt, einen Tanz zu praktizieren.
Mit dem Tanz werden Stimmungszustände ausgedrückt.
Der Tanz kann individuell oder gruppenweise sein.
Der Raum, in dem der Tanz stattfindet, kann total (mit Bewegung) oder
partiell (ohne Verschiebung). Bevor man zu tanzen beginnt, muss man die Bewegung erfahren
in den beiden Arten von Räumen: total und teilweise. Diese Übungen werden bereichert, indem verschiedene praktiziert werden.
Schritte, die Bewegungsformen beinhalten (gehen, laufen, springen...), Richtungen und Verteilungen
(por parejas, en fila, en corro...).

3.3.1. Körperliche Aktionen und ihre expressiven Nutzung

A) Sich bewegen. Es ist eine natürliche Aktivität, aber innerhalb des Tanzes
erfordert mehr Kontrolle. Im Tanz werden die Bewegungen genutzt, um auszudrücken
Angst oder Freude.
B) Springen und Fallen. Kinder zeigen eine große Natürlichkeit beim Springen und im
Die Stürze, obwohl in beiden Fällen eine gute motorische Kontrolle erforderlich ist. In der Tanz, die
saltos suelen expresar felicidad y alegría o liberación, mientras que el caerse puede
Schwäche und Niederlage anzeigen.
C) Drehen. Die Drehungen sind Rotationen des Körpers um seine eigene vertikale Achse.
Kombiniert mit Sprüngen, Stürzen und Bewegungen bilden sie die Grundlage des Tanzes. In
Tanz, die Drehungen drücken oft Ablehnung gegenüber Personen und Objekten aus, obwohl auch.
Such- und Unruhehaltungen.
D) Gesten. Sie sind nicht wirklich körperliche Handlungen, sondern
Bewegungen, die ihren funktionalen Charakter verlieren und sich in expressive Tatsachen verwandeln.
Jeder Teil des Körpers kann gestikulieren. In der Tanzkunst haben die Gesten Ausdruckskraft.
von der Handlung, die sie darstellen, obwohl sie eine größere Ausdrucksintensität haben.

3.3.2. Bewegungen und Formen: expressive Nutzung

A) Symmetrisch und Asymmetrisch. Es sind symmetrische Bewegungen, wenn beide
Körperteile machen die gleiche Bewegung, während die Bewegungen
Asymmetrisch sind sie, wenn mehr Gewicht auf einer Seite oder der anderen gelegt wird. Die Bewegungen
Symmetrische Formen drücken Stärke, Kontrolle aus... und nehmen oft die Form eines Pfeils, einer Mauer oder einer Kugel an.
Asymmetrische Bewegungen drücken das Gegenteil aus und nehmen oft die Form einer Schraube an.
 B) Simultan oder nacheinander. Bei den Simultan sieht man verschiedene Teile des Körpers.
Ganzkörperbewegungen erfolgen als Einheit, während die aufeinanderfolgenden Bewegungen geben
Flussgefühl. Die ersten vermitteln Vertrauen und Sicherheit, während die
Folgende ausdrücken oft Leichtigkeit, Mehrdeutigkeit...
C) Erweiterung oder Kontraktion. In der Tanzkunst werden beide Arten übertrieben.
erheblich. Die Erweiterung dient dazu, Kommunikation, Freude und Vertrauen widerzuspiegeln.
während die Kontraktion Unsicherheit, Rückzug, Einsamkeit widerspiegelt...

3.4. TYPEN UND FORMEN DES TANZES

3.4.1. Tipos de danza
A) Dramatische Tanz. Eine der häufigsten. Ermöglicht eine erzählerische Handlung.
auf körperliche Anstrengung und die Handlungen, die von verschiedenen Charakteren dargestellt werden.
B) Lyrischer Tanz. Auch Bewegung. Legt größeren Wert auf die Arbeit.
räumlich.
C) Volks Tanz. Das sind diejenigen, die ihren Ursprung im Volk haben, oder nicht,
erreichen einen hohen Grad an Beliebtheit aus sozialen, wirtschaftlichen Gründen...
D) Jazz-Tanz. Arten von Tänzen, die in den USA entstehen und die sich entwickelt haben.
sich sehr schnell in anderen Ländern verbreitet. Es geht darum, eine Reihe von Schritten zu ergreifen
die rhythmischen Besonderheiten des Jazz.

3.4.2. Traditionelle, populäre und universelle Tänze

Die traditionellen Tänze sind die, die für eine kleine Region typisch sind.
Sie werden auch regionale Tänze genannt.
Andere erweitern ihren Verbreitungsbereich und gewinnen große Popularität. Der
Der populäre Begriff bezieht sich nicht auf das Original des Volkes, sondern auf etwas, das mit Popularität ausgestattet ist.
Wir können in diesem Fall von der Jota sprechen, einem traditionellen oder regionalen Tanz in einem ersten
Moment. Aber durch den Unabhängigkeitskrieg wird dieser Tanz in andere Länder exportiert.
regiones de España: jota murciana, jota mallorquina, jota extremeña, jota castellana.
Der Bereich eines Tanzes erweitert sich und erreicht eine kontinentale Verbreitung oder
Bürgermeister. Wir können den Fall des Wals anführen, der Ende des 18. Jahrhunderts in Deutschland geboren wurde. Die
Die Familie Strauss wird es in ganz Europa modern machen und die Emigration nach Amerika wird sich ausbreiten.
ihrem Verbreitungsgebiet, das zur Nationaltanz von Peru geworden ist.

3.4.3. Ejemplos de danzas populares

A) Mittelalter und Renaissance: Gruppentänze und die Schritte waren
wiederholende Sequenzen. Z.B.: Pavane
B) Barock: Die Tänze wurden in Sequenzen (Suiten) gruppiert und wurden getanzt durch
Paare
C) 19. Jahrhundert. Gesellschaftstanz: Walzer, Polka, Mazurka, Quadrille, Polonaise,
cotillón, galopa
D) Danzas nacionales. Italia: tarantela; España: bolero, fandango, chacona;
Francia: bourré, minué gavota; Polonia: cracoviana, polonesa; Hungría: Czarda.
E) Amerikanische Tänze: Ragtime, Foxtrot, Jazz, Charleston, Boogie, Rock und
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F) Spanische Volkstänze. Valencia: Seefahrermusik, Folies; Murcia:

parranda; Cataluña: sardana, contrapàs, ball plà; Aragón: jota; Mallorca: copero, boleras;
Andalusien: Fandango, Sevillanas, Vito, Malagueña, Granadina, Seguiriya, Verdiales;
Galicia: muñeira, danza de los petos; Asturias: pericote, danza prima; País Vasco:
zortzico, aurresku; Kastilien: tirana, bolero, danza de las roscas, giraldilla, enramada,
cardadora; Extremadura: pájaro bobo, el candil; Canarias: folías, isas.

3.4.4. Der Tanz in der Grundschule

Für das Tanzen müssen Ziele und Inhalte sequenziert werden.
Das Ziel des Tanzes sollte sein, sich kollektiv zu koordinieren.
Bewegungen im Rhythmus der Musik. Dafür:
1) Es ist notwendig, die Bewegung des Körpers segmentar und global zu erkunden.
2) muss sich im Raum und in der Zeit orientieren
3) muss sich in der Gruppe koordinieren
4) muss den Rhythmus mit Tanzschritten markieren
5) muss ihren Körper als Musikinstrument benutzen
Die Arten von Tanz, die in der Grundschule verwendet werden, variieren je nach
Alumnado und der Kontext. Beliebte Tänze werden wegen ihrer Verwurzelung und für die empfohlen.
Leichtigkeit der Assimilation.
Die Lehrmethode sollte übermäßige verbale Erklärungen vermeiden.
Die Beobachtungsfähigkeit stimulieren, um gleichzeitig zu reproduzieren, was er/sie tut.
der Lehrer oder die Lehrerin.
Um die Routine zu vermeiden und eine gute Motivation beim Lernen zu erreichen
Es ist sinnvoll, die metodologischen Verfahren zu variieren: einmal wird zuerst gearbeitet
Rhythmus, wieder werden die Schritte sein, ein anderes Mal wird die Melodie die Ersten sein...
Im Allgemeinen können wir sagen, dass die Initiierung des Kindes in den Tanz müssen
gemeinsame didaktische Leitlinien für andere Aspekte der Musikpädagogik verfolgen:
Imitation – Reproduktion
Erforschung
Improvisation und Kreation

Einen Blick auf das ergänzende Material werfen

 THEMA 14

DIE IMPROVISATION ALS FORM FREIER MUSIKALISCHER AUSDRUCK UND

ESPONTÁNEA. LA IMPROVISACIÓN COMO PROCEDIMIENTO COMPOSITIVO.
LEHRMITTEL FÜR DIE MUSIKPRODUKTION IM UNTERRICHT.
KREATIVITÄT UND IMPROVISATION.

DIE IMPROVISATION ALS FORM MUSIKALISCHER AUSDRUCK

 1.1. EINFÜHRUNG
1.2. DIE IMPROVISATION ALS FORM FREIER EXPRESSION UND
SPONTAN
1.3. BEITRÄGE DER IMPROVISATION

2. DIE IMPROVISATION ALS KOMPOSITIONSPROZESS

2.1. HISTORISCHE ENTWICKLUNG DER IMPROVISATION
2.2. MUSIKALISCHE IMPROVISATIONEN: VERSCHIEDENE KOMPOSITIONSTYPEN
2.3. DIE IMPROVISATION IN DER MUSIKPäDAGOGIK DES 20. JAHRHUNDERTS UND
IHRE DIDAKTIK. ZIELE UND BEWERTUNG
2.3.1. Didaktik der Improvisation
2.3.2. Ziele
2.3.3. Bewertung

3. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE MUSIKPRODUKTION IM KLASSENZIMMER

3.1. ALLGEMEINES
3.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN

4. KREATIVITÄT UND IMPROVISATION

4.1. CREATIVIDAD
4.2. IMPROVISATION
4.3. DER KREATIVPROZESS IN DER MUSIK
 THEMA 14

DIE IMPROVISATION ALS FORM FREIER MUSIKALISCHER AUSDRUCK

SPONTAN. DIE IMPROVISATION ALS KOMPOSITIONSPROZESS.
DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE MUSIKPRODUKTION IM UNTERRICHT.
KREATIVITÄT UND IMPROVISATION.
1. DIE IMPROVISATION ALS FORM MUSIKALISCHER EXPRESSION
FREI UND SPONTAN

1.1. EINFÜHRUNG
En la conducta musical se ponen de manifiesto dos tendencias:
Eine, die sich vornimmt, nachzuahmen. Diese nachahmende Aktivität umfasst Möglichkeiten, die gehen
desde la mera alusión y la variación hasta la reproducción fiel y la interpretación
Eine weitere, die vorschlägt, eigene Modelle zu schaffen. Diese kreative Aktivität basiert auf der
Erforschung und gipfelt in der Erfindung und der musikalischen Schöpfung.

Die Improvisation ist ein kreativer Prozess. Sie ist spontan und entsteht, wenn man
Hat das Interesse an der Musik geweckt.
Die Improvisation hat einen großen pädagogischen Wert, da sie Ausdruck von
Erfahrungen und aktive Teilnahme am musikalischen Geschehen.
Die Improvisation ist ein didaktisches Mittel, das in der Bildung eingesetzt werden kann.
kindisch. Es ist jedoch zu betonen, dass viele der Aktivitäten, die so genannt werden
„Improvisation“ können nicht als solche betrachtet werden, sondern sind eher Aktivitäten von
Kreativität und freie Ausdrucksform.

1.2. DIE IMPROVISATION ALS FORM FREIER AUSDRUCKUND

SPONTAN
Der spontane Ausdruck ist eine natürliche Eigenschaft der Aktivitäten, die er ausführt.
Schüler in der Grundschule (spielen, singen, schauspielern...). Aus diesen Erfahrungen heraus bereits
Durch dieses Verfahren können sie neue Konzepte erwerben und assimilieren.
es entstehen neue Einstellungen zur musikalischen Bildung; daher können wir sagen, dass die
Improvisation ist ein didaktisches Mittel, das in der musikalischen Bildung als Form verwendet werden sollte.
von freier und spontaner Ausdrucksweise.
Die Improvisation kann von den ersten Kontakten an eingesetzt werden
Musikalische Bildung, der Schüler muss aktiv und Protagonist sein. Der Erzieher sollte Führer sein.
Moderator und Beobachter.
Die Rolle des Lehrers ist sehr wichtig und hat drei Anwendungen:
Als Vorbild für die Schüler: Er/Sie muss improvisieren können, um sie dazu zu verleiten.
Als Schöpfer eines geeigneten Klimas von Freiheit, Ungezwungenheit und Natürlichkeit, das
erlauben zu testen, zu entdecken und Lösungen auszuprobieren
Als Kenner der Didaktik der Improvisation, die das Lernen von Kindern erleichtert

Die freie und spontane Improvisation kann in verschiedenen Bereichen genutzt werden
Die musikalische Ausbildung: im Bereich des Tanzes, im instrumentalen Bereich und im Bereich
melodisch und vokal. Die Schüler benötigen Freiheit und einen großen Raum, um sich zu entfalten.

In den "Didaktischen Richtlinien" (MEC, 1992, S.118), wenn Bezug genommen wird auf die
spezifische Inhalte spiegeln Folgendes wider: „Improvisation ist eine Form des Ausdrucks“
musikalisch und kreativ dramatisch, frei und spontan. Die Art der Aktivität, die entwickelt wurde in der
Die Improvisation macht es assimilierbar zum Spiel. In gewissem Sinne können sie sogar als
Synonyme Begriffe. Dennoch, während jede Improvisation eine Form des Spiels darstellt, ist nicht alles das
Das Spiel ist Improvisation. Beide Verfahren ermöglichen den Erwerb von Fähigkeiten für
die Erfahrung zu machen, ein musikalisches, choreografisches und dramatisches Material zu erstellen.
 1.3. BEITRÄGE DER IMPROVISATION
Auf sensorischer und motorischer Ebene beschleunigt es die Reaktion und entwickelt die Koordination:
Es ist zu beachten, dass gegenüber Vorschlägen des Professors oder anderer Studenten, wer ist
bei der Improvisation muss er seine Antwort mit einem fast sinnvollen Gefühl geben
Instantaneität. Improvisation bedeutet oft auch, einer Melodie zuzuhören.
und Bewegungen auszuführen oder eine instrumentale Begleitung zu leisten; in diesem Fall trägt es dazu bei
die Koordination entwickeln.
Auf intellektueller Ebene entwickelt:
La imaginación, puesto que “exige” al alumno la búsqueda de soluciones musicales
persönliche, basierend auf ihrer eigenen musikalischen Erfahrung
Das Gedächtnis, da es zwar nicht darum geht, das Gehörte zu wiederholen, aber die Wahrheit ist, dass fast
Immer basieren die Schüler auf rhythmisch-melodischen Mustern, die verwendet werden mit
Vorherigkeit
Die Konzentration, die unerlässlich ist, um verschiedene musikalische Prozesse korrekt durchzuführen
gleichzeitig
La coherencia musical, entendiendo como tal el mayor grado de claridad y precisión en
die Improvisationen
Im affektiven Bereich ermöglicht es eine Steigerung des kritischen Denkens und der Fähigkeit zu
Musikalische Wertschätzung und in ihrer Selbstbewertung:
Die Schüler sind sehr kritisch gegenüber ihren eigenen Vorschlägen. Diese kritische Fähigkeit wird nützlich sein.
für die Pädagogen, um ihre ästhetischen Kriterien zu entwickeln, neue Musik zu analysieren...
Diese Kritik wird sich auf die Fähigkeit zur Musikalischen Wertschätzung beziehen, verstanden als Kultur.
musikalisch, Gepäck, musikalische Ausbildung. Es wird auch als die Art und Weise definiert, wie man zuhört und
intelligent auf Musik reagieren
Während die Schüler diese Übung durchführen, werden sie allmählich mehr Leichtigkeit erlangen.
Sicherheit in ihren Fähigkeiten und ein Anstieg ihres Selbstwertgefühls.

2. DIE IMPROVISATION ALS KOMPOSITIONSPROZESS

Die verschiedenen Improvisationssituationen werden einen guten Weg zur Komposition darstellen. Das
es bedeutet, dass wir die Improvisation nehmen und sie als kompositorisches Verfahren bearbeiten. Im
In der Grundschule können wir auch die Materialien nutzen, die durch Improvisation entstanden sind.
für die Schaffung / Komposition von Werken, die das kollektive Produkt der Schüler selbst sein werden, um
que el/la profesor/a ha colaborado recogiendo esos materiales para la construcción posterior de
das Werk, indem sie sie anordnen und Handlungsmöglichkeiten vorschlagen.

2.1. HISTORISCHE ENTWICKLUNG DER IMPROVISATION

Der Folklore zeigt zahlreiche Improvisationen, die im Moment der
Ausführung und später von der Tradition gesammelt. Wir nennen diesen Prozess "Tradition".
mündlich”. Oft sind diese, aufgrund des Vergessens und des Wandels von vielen verschiedenen Generationen, in
Spätere Momente werden aufgegriffen, modifiziert und improvisiert; kurz gesagt, wiederhergestellt.

Im Mittelalter war Improvisation sehr wichtig. Ab dem 12. Jahrhundert

entwickelte die musikalische Form Discantus, die aus einem freien vokalen Teil bestand, der von den
Sänger mit einem anderen festen Teil des Gregorianischen Gesangs
 Während der Renaissance und des Barock aufgrund der Fülle an Werken, die
In den Palast- und Kathedral- oder Pfarrumgebungen entstanden, hat sie eine große Bedeutung.
Improvisation, da der Auftrag des "Hofmusikers" oder des "Kapellmeisters"
obligte dazu, viele seiner Partituren unvollständig oder nur mit harmonischen Verweisen zu lassen, die
diensteten dem Interpreten als Grundlage, um die endgültige Partitur zu gestalten.
So setzte sich im 18. Jahrhundert der Bassus Numeralis durch, der ein Mittel besteht.
Konventionelle Notation von Harmonien durch Zahlen, die die Akkorde vereinfachen. Der Ziffernbass wird gespielt
der Klavier als Hintergrund von allem nur vokal, instrumental oder Orchester- Musik. Das Klavier oder das
Das Instrument führte Improvisationen durch: Mit der linken Hand wurden die angegebenen Akkorde integriert.
durch die niedrige Chiffre, während mit der rechten Hand eine passende Melodie improvisiert wurde
solche Akkorde. Der Sänger oder das Soloinstrument fügte Verzierungen in die vom
Autor, improvisierend auch. In dieser Zeit schrieben die Komponisten die Präludien ihrer
Suites für Klavier wie einfache Folge von Akkorden, über die die Ausführenden
entwickelten diesen einführenden Bewegung nach ihrem Geschmack. Die Komponisten waren oft auch
intérpretes, como por ejemplo Bach y Haendel.
In Mozarts Zeiten hielt man an der Tradition fest: Mit vierzehn Jahren nahm er an einem ...
Konzert eine „Arie gesungen und komponiert, improvisierend über zuvor nicht gesehene Worte und
begleitet im Schlüssel.
Das gleiche passiert mit Beethoven, obwohl sich etwas ändert: die Autoren verwenden
die Improvisation als ein Verfahren, das auf seiner eigenen Inspiration basiert; jedoch, in
jene Werke, die nicht von ihnen selbst interpretiert werden, beginnen, keine Spielräume mehr zu lassen
von Freiheit für den Interpreten, der nur in den Cadenzierungen improvisieren kann: Momente am Ende
von den Bewegungen eines Konzerts, in denen das Orchester stoppt und der Solist seine zeigt
Eigenschaften.

Im 20. Jahrhundert wird es der Jazz sein, ein Stil, der im Süden der USA entsteht, der
Bewegung, die die Improvisation bis zu einem Grad an Schwierigkeit und Komplexität entwickeln wird
niemals vorgestellt. Die aufgeschriebene Musik der Ausführenden ist ein einfaches harmonisches Skript, das dann
rellenan. Sie können jedes bekannte, bereits existente Lied nehmen und es in Jazz umwandeln, Prozess
que se conoce con el nombre de “putting in the dirt” (“ensuciarlo”).

Zusammenfassend können wir sagen, dass die Kinder im Klassenzimmer wahrhaftig sein werden.
Autoren von Melodien und einfachen Rhythmen. Wir müssen diesem die gebührende Bedeutung beimessen.
Verfahren, das die Entwicklung von Spontaneität, Kreativität und Vorstellungskraft ermöglicht.

2.2. MUSIKALISCHE IMPROVISATIONEN: VERSCHIEDENE KOMPOSITIONSTYPEN

Se pueden distinguir dos formas distintas de llevar a cabo la improvisación,
Kronologisch werden sie normalerweise so durchgeführt: zunächst aus reiner Intuition und anschließend,
die Improvisation ansprechend, sich ihrer bewusst zu sein. Diese beiden Extreme begrenzen ein breites
Fächer von Möglichkeiten.
Aber es gibt noch weitere Arten von Improvisation, je nach Blickwinkel, den wir verwenden.
Ansatz ihrer Klassifizierung:
Laut den Teilnehmern
kollektiv
individuell
Laut der Vorgabe
- libre, sin limitaciones, sin reglas
 - gerichtet oder konditioniert, was das ist, was entsteht, wenn wir eine Reihe von
de Einschränkungen, die die Improvisation beeinflussen. Im Bildungsbereich ist dies
die nützlichste
Je nach bearbeitetem musikalischen Aspekt
prosodisch
- rítmica
instrumental
Melodika
Mundharmonika
A) Prosodische Improvisation. Die Stimme modulieren, verschiedene Arten üben, die Wörter zu sagen,
Mit den Konsonanten, den Vokalen, Sätzen, Wörtern spielen, mit verschiedenen Rhythmen rezitieren, sprechen mit
verschiedene Betonungen, singen beim Rezitieren, usw...
Bietet den Schülern eine größere Leichtigkeit zur Kommunikation, zur Entwicklung ihres
Sensibilität und eine Reifung, die es ihm ermöglicht, sich an die Umgebung, in der er lebt, und an die Entwicklung anzupassen
ihre schöpferische Vorstellungskraft, die ihr eine kompositorische Ausdrucksweise ermöglichen wird.
B) Rhythmische Improvisation. Die authentische rhythmische Erziehung sollte die
experimentación, de ahí la importancia de la improvisación en el proceso creativo y
kompositiv.
La gimnasia rítmica de Dalcroze es un buen ejercicio para la educación del ritmo. La
Rhythmische Improvisation kann vom Lehrer ausgehen, die Schüler werden den Rhythmus identifizieren.
ausgeführt und wird es in Form eines Spiels reproduzieren (durch Nachahmung, im Spiegel - gleichzeitig -,
Frage-Antwort). Seitens der Schüler werden frei rhythmische Skizzen erstellt und es
wird ähnlich wie die vorherigen Spiele vorgehen.
Es ist von Interesse, dass die Schüler bei diesen Aktivitäten ein Gefühl für...
die Quadratur und der endgültige Ruhepunkt. Es können auch Elemente der Dynamik und Agogik bearbeitet werden.
C) Instrumentale Improvisation. Mit dem Körper können wir rhythmische Improvisationen schaffen durch
Mittel durch Perkussionen oder Bewegungen, und sogar melodisch, wenn wir die Stimme benutzen. Es
Vertrauen in sich selbst gewinnen. Die ersten Improvisationsaktivitäten sollten sein
mit Händen, Fingern, Füßen, Stimme usw. auf eine schrittweise und spielerische Weise. Die Anweisungen für
Die Improvisation kann viele und sehr unterschiedliche sowie orientierende Aspekte haben. Wir müssen berücksichtigen
dass für eine freie Komposition unerlässlich ist, dass jeder sein Thema wählt,
Charaktere usw., mit einer freien persönlichen Interpretation, in der Erlebnisse ausgedrückt werden, auf eine Weise
dass beim Improvisieren derselbe Autor zu verschiedenen Zeiten das Ergebnis völlig unterschiedlich sein wird.
anders.
Mit Musikinstrumenten. Wenn die Instrumente vorgestellt werden, ist es schon eine Weile her.
dass das Kind mit den Geräuschen spielt und sie erfährt, und es hat Schallquellen lokalisiert, die ihm sind
Verwandte auf eine intuitive Weise. Mit der instrumentalen Improvisation nimmt der Schüler
Bewusstsein für die Bedeutung eines musikalischen Satzes, für seine Quadratheit, seinen Rhythmus, seinen Ausdruck, nimmt
Bewusstsein und analysiere die musikalische Manifestation. Leider ist in der Realität die Tatsache, dass
Eine große Gruppe erschwert die Manipulation, die notwendig ist, um zu forschen und zu kreieren, und sie kommen zu
weniger hören und weniger hören, als sie könnten.
Sobald der musikalische Satz erarbeitet ist, können neue Sätze von der
Schülerschaft. Es wird ein kindliches Thema aufgegriffen, und mit Fantasie und Vorstellungskraft wird eine Version erstellt für
Die Instrumente, der Text wird analysiert, die rhythmischen Skizzen werden geschrieben und sie werden unterteilt in
Taktschläge. Mit diesen rhythmischen Mustern werden Ostinatos erstellt, das idealste Ergänzungsstück für die
Improvisation, wegen ihrer Einfachheit und ihrer großen Wirkung.
D) Melodische Improvisation. Musikalische Improvisation sollte gewisse Grenzen haben. Das Ziel
Die Improvisation, zusätzlich zur Entwicklung von Kreativität und Fantasie, führt zu Wissen.
durch die Praxis der rhythmischen, melodischen und harmonischen Aspekte der Musik. Wir müssen
den musikalischen Hintergrund zu berücksichtigen, den die Schülerinnen und Schüler seit ihrer Kindheit bereits angenommen haben.
 Bei der Verwendung der Instrumente ist zu beachten, dass es notwendig ist, den Umfang zu begrenzen.
tonal, wobei für seine Melodien die pentatonische Skala verwendet wird, wo die Schüler keine Angst mehr haben
sich irren. "Das logischste und grundlegendste wird sein, im pentatonischen Bereich zu üben, der der ... ist.
afín a la mentalidad infantil por razones de primitivismo y donde el niño y cualquier adulto se
entwickeln wird sich ohne jegliche Gefahr" (Sanuy).
Beim Improvisieren einer Melodie müssen wir auch den Sinn des Satzes berücksichtigen.
una primera parte (pregunta) de forma interrogante, y una segunda parte (respuesta) de forma
schlussfolgernd. Mit diesen Aktivitäten wird das Gefühl für die Tonalität erlangt, indem man an der
Tönika, Dominante und Subdominante, und die Dur- und Mollmodi entdeckend. Die
Die melodische Improvisation sollte sich im normalen Stimmumfang des Kindes befinden, weder hoch noch tief.
E) Harmonische Improvisation. Sie wird mit den älteren Schülern durchgeführt, da sie erforderlich ist.
ein Grad an geistiger Reife, der für kleine Kinder nicht möglich ist.
Sie können eine Begleitung für den Bass suchen, und eine andere für die Höhe, auf einfache Weise von
Ostinato. Die Analyse der Klänge, die eine Melodie begleiten, ist schwierig, die Akkorde zu schätzen, ist
Für die Älteren, obwohl sie die zuvor dargestellten Improvisationen praktizieren, werden sie sich setzen.
die Grundlagen für eine zukünftige harmonische Improvisation.
In dieser Phase fällt es dem Schüler leicht, die entsprechenden Akkorde mit seinen zu finden.
Kenntnisse über Tonika, Dominante und Subdominante und entdeckt weitere Akkorde.
Abschluss seiner musikalischen Ausbildung.

2.3. DIE IMPROVISATION IN DER MUSIKPEDAGOGIK DES 20. JAHRHUNDERTS UND

Ihre didaktische. Ziele und Bewertung
Émile Jacques-Dalcroze, Schöpfer der sogenannten „Musikalischen Rhythmik“, gab ein
einen vorherrschenden Platz, in der Ausbildung jedes Musikers, hat die Improvisation. "Die Teilnahme
Aktivitäten des Individuums, bei denen das Musizieren ein positives und effektives Mittel darstellt, um
einen Welt gegenüberstehen, in der ständige Veränderungen und Bewegung das Wahre ausmachen
Schlüssel zum Leben”. Durch die Praxis der Improvisation wird der Schüler eine größere
Schnelligkeit und Präzision bei den musikalischen "Antworten" und darüber hinaus die Fähigkeit zu erwerben,
Planen und eine direkte Kommunikation zwischen dem fühlenden Subjekt, dem Gehirn, das sich vorstellt, und
Koordinieren und die Finger, Arme, Hände und Atemrhythmus.
Carl Orff schlägt neben seiner Tätigkeit als Komponist auch ziemlich strukturierte Richtlinien vor für das
Beginn der musikalischen Erziehung. Aus dem verbalen Rhythmus wird der musikalische Rhythmus entstehen, der ...
ser trabajado con el cuerpo y con instrumentos de percusión a través de la interpretación y la
Improvisation auf einem elementaren Niveau. Da die Improvisationen von einem
Eine bestimmte Anzahl von Schülern, die nachfolgenden Einträge werden a priori festgelegt und sind bekannt.
von allen Mitgliedern der Gruppe.

In den "Didaktischen Orientierungshilfen" (MEC) wird auf die Improvisation von der
siguiente manera: “La improvisación estará presente como proceso creativo a lo largo de toda la
Etappe. In diesem Prozess lassen sich verschiedene Phasen mit zunehmendem Schwierigkeitsgrad unterscheiden, die
passen sich den Eigenschaften der Zyklen an:
La imitación. En esta fase resulta de gran utilidad el uso de textos de los que se pueden extraer
den Rhythmus der Wörter zu erfassen und ihn auf Instrumente oder Bewegung zu übertragen. Es wird als
Improvisation, eine Zeile hinzufügen, um einen neuen Vers zu einem Lied zu machen, finde einen
Ein Wort, das gut zu einem gegebenen Rhythmusmodell passt, einen neuen Bewegungsablauf hinzufügen oder einen neuen erfinden.
Charakter basierend auf einem Element seiner Kleidung.
Die Erkundung durch gesprochene Spiele, unter Verwendung aller Arten von Phonemen, komponierend
wortlose, spielend mit der länge und der stimmlage. Auch die erkundung von
Bewegung mit dem gesamten Körper oder Teilen davon und die Entdeckung ihrer
ausdrucksmöglichkeiten.
Die Organisation, wie man musikalische Sätze bildet (Frage und Antwort), elementare Formen
(A-B-A), Geschichten oder dramatische Situationen erfinden (Charaktere, Konflikt, Auflösung).
Ich arbeite in Gruppen. Beispiel: eine Geschichte oder ein rhythmisches Schema; Rollen werden verteilt, damit
Die Schüler sollen während der im Unterricht festgelegten Zeit alleine arbeiten. Während der
In der gemeinsamen Diskussion müssen die Schüler in der Lage sein, das Geschaffene zu behalten und ihr Handeln zu koordinieren.
von anderen.
Die Improvisation ist daher eine Form, das Material zu erkunden, das hinführt zu
der Erwerb neuen Wissens. Das Klassenklima ist entscheidend, um die Freiheit zu üben.
zu entdecken, zu erkunden und Lösungen auszuprobieren. In allen Klassen sollten Aktivitäten einbezogen werden.
mit der Improvisation verbunden.
Die Improvisation erfordert "Spielregeln", die vorgeschlagen werden können von
der Lehrer oder für die Kinder. Sie müssen klar und einfach sein.

2.3.1. Didaktik der Improvisation

A improvisar se aprende improvisando. Y ¿cuáles son las aplicaciones de
Die Improvisation? Wir werden sie nutzen:
a) Als Entladung. Die Improvisation wird als Spannungsabbau wirken, indem sie
die Gelegenheit für das Kind, sich frei auszudrücken, mit Bewegung, der Stimme, den
Instrumente usw.
b) Als Lernform. Improvisation ist ein musikalisches Verfahren, das
wird den Schülern die Durchführung von signifikantem Lernen ermöglichen. Es gibt die
Möglichkeit, Verbindungen zwischen den musikalischen Inhalten herzustellen.
Assimilierte und die Neuen. Es wird das Lernen ermöglichen. oder stimmtechniken zu erwerben,
instrumental, motorisch, usw.
c) Als Mittel zur Entwicklung der Fantasie und Kreativität, da die
Improvisation impliziert und erfordert die Suche nach musikalischen "Lösungen",
persönliche, basierend auf der eigenen Erfahrung.

2.3.2. Ziele
Bei der freien Improvisation ist das Ziel unbewusst und implizit. In der
Ausgearbeitete oder geleitete Improvisation, das zu erreichende Ziel muss klar sein.
vom Lehrer festgelegt, obwohl es nicht notwendig ist, dass der Schüler es kennt.
Allgemeine Ziele:
1. Laden Sie herunter, handeln Sie, manipulieren Sie, drücken Sie aus, kommunizieren Sie, kreieren Sie, recreieren Sie und üben Sie im
körperlich, emotional, mental und sozial.
[Link] und verarbeiten Sie Empfindungen, Erfahrungen und Wissen; entwickeln Sie
Gewohnheiten und Fähigkeiten und neue ästhetische Werte erwerben.
Spezifische Ziele:
1. Den Schüler über das Instrument, die Stimme und die eigene Musik näherbringen
Körper
[Link] Kreativität und die Vorstellungskraft entwickeln
[Link] musikalische Technik festigen
[Link]äterdie Elemente der Musiksprache erwerben
Aus der Sicht des Lehrers ermöglicht die Improvisation ihm, einen
tieferes Verständnis des Schülers. Es kann auch dem Lehrer helfen, sogar zu
Mängel korrigieren. Wenn ein Kind anscheinend nicht in der Lage ist, eine Melodie zu singen, zunächst nicht
Es muss ein Problem dieser scheinbaren Unfähigkeit angegangen werden. Die Ursache muss diagnostiziert werden.
 Es muss dem Kind erlaubt werden, einen Anreiz zu geben, damit der
Professor, antworten Sie im Echo. Dann muss der Prozess umgekehrt werden, um zu korrigieren.
Defizienz. Manchmal muss der Gesang des Kindes mit dem des Lehrers verstärkt werden, mit dem
Klavier, oder mit beiden.

2.3.3. Bewertung
Bei der Improvisation, die an Regeln oder Normen gebunden ist, werden wir verlangen, dass der
Der Schüler sollte in der Lage sein, kontinuierlich gültige musikalische Materialien zu produzieren mit
ein gewisses Maß an Kreativität und musikalischer Kohärenz.
Die Ergebnisse müssen kontinuierlich über beobachtet werden
alle Sitzungen. Wir müssen auf die Flüssigkeit, die Lockerheit und die Vorstellungskraft der
nachfolgenden Improvisationen und jeglicher Innovation, die entstehen könnte.

3. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR DIE MUSIKPRODUKTION IM

AULA

3.1. ALLGEMEINES
Die musikalische Bildung sollte die Kreativität fördern und die Vorstellungskraft entwickeln.
seit frühester Kindheit. In diesem Sinne finden wir in der Improvisation einen Verbündeten
unvergleichlich. So sind die Partitur und die musikalische Notation nicht der Ausgangspunkt, sondern der
Ziel, das wir erreichen müssen. Die schriftliche Grafik sollte das Produkt kreativen Schaffens sein.
des Kindes und kein unbewegliches, gegebene und undiskutierbare Element. Auf diese Weise die Nutzung der
Improvisation als didaktisches Mittel in der Bildung im Klassenzimmer erfordert eine Anwendung.
systematisch und methodisch, basierend auf der Abwesenheit der Partitur und der Graphie, zunächst.
In den Improvisationsarbeiten werden verschiedene Aspekte behandelt: Elemente
rhythmisch, melodisch, formal und harmonisch, soweit möglich, bereitgestellt in
winzigste Dosen durch den Professor. Jedes neue theoretische Element muss in
Praxis sofort, um ihr Verständnis sicherzustellen. Im Gegenzug wird es nicht nötig sein,
nichts erklären, was nicht praktisch umgesetzt werden kann.
Diese Methodik ist sowohl im individuellen als auch im kollektiven Bereich anwendbar.

Als didaktisches Mittel können wir extramusikalische Elemente verwenden, wie

Elemente der plastischen oder dynamischen Ausdrucksweise.

Das BOJA macht folgenden Verweis auf die Improvisation beim Angehen der
Sequenzierung von Inhalten:
a) Erster Zyklus: „Die Behandlung der Instrumente, wie die der Stimme, wird in den
situaciones de improvisación y juego unos contextos adecuados para su desarrollo, para
die Desinhibition und Außerdarstellung ihrer Ideen, Empfindungen, Gefühle und Erfahrungen
musikalisch. Ressourcen wie der Echo, das Ostinato und die Technik Frage-Antwort werden erleichtern
die Montage von Liedern und kleinen instrumentalen Stücken.
b) Zweiter Zyklus: „Obwohl das Echo, das Ostinato, die Frage-Antwort-Technik... weiterhin
Eine herausragende Stellung einnehmend, kommt der Beschäftigung eine besondere Bedeutung und Relevanz zu.
Von anderen wie dem Kanon, dem Lied oder dem Rondo. Mit ihnen werden die Möglichkeiten erweitert.
Ausdrucksformen des Jungen und des Mädchens, nicht nur in der Interpretation, sondern auch in der
Improvisation und das musikalische Spiel.
c) Dritter Zyklus: „Die Situationen der Improvisation von Motiven, Phrasen und kleinen Formen
rhtmisch und melodisch, und Spiel, müssen sich als die passendsten Kontexte konsolidieren
 um die Prozesse der Erstellung und Kommunikation zu stärken und anwenden zu können
erworbenes Wissen. Darin können der Schüler und die Schülerin eine musikalische Idee ausdrücken.
durch die Stimme, die Instrumente und die Bewegungen.

3.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN

Bei den rhythmischen Improvisationen wird von den Figuren und Kombinationen ausgegangen.
rhythmische, die die Schüler assimilieren und mit ihnen rhythmische Muster improvisieren. Sie
Sie können mit bestehenden oder erfundenen Texten kombinieren. Aktivitäten: Skizzen erstellen oder improvisieren
rhythmisch, einem gegebenen Text Rhythmus verleihen, Text zu einem gegebenen Rhythmus setzen, einen Rhythmus und einen Text erstellen
angemessen für dieses...
In den melodischen Improvisationen wird von den Klängen innerhalb des Bereichs ausgegangen, der
es gearbeitet wurde. Aktivitäten: eine Melodie für einen gegebenen Text erstellen, einen Text für eine
gegebene Melodie, Melodie und Text erstellen und nur eine Melodie erstellen.
In den instrumentalen Improvisationen wird von rhythmischen Mustern oder mit
Klänge, die zur Harmonisierung einer zuvor bekannten Melodie dienen können.
Actividades: improvisar esquemas rítmicos con instrumentos indeterminados, crear melodías
mit bestimmten Klanginstrumenten grundlegende Begleitungen komponieren für
bekannte Melodien, usw.

Beispiele für Aktivitäten

1. Experimentieren, dass die Kleinen beim Abfragen ihre eigenen Namen singend antworten.
(erklären, wo die prosodische Betonung in ihrem Namen liegt). Außerdem kann man üben
auch in Form von Rätseln (der Name wird auf dem Xylophon gespielt und die Kinder müssen
adivinar de quién se trata).
[Link] kollektive Improvisation erkunden. Indem man eine Reihenfolge festlegt, singt oder spielt jedes Kind ein
Nota oder eine Folge davon. Der Lehrer wird die gesamte kollektive Serie schreiben. Jedes Kind
In seinem Heft muss er die gemeinsam komponierte Melodie überarbeiten, sodass
Ich werde es so machen, wie es ihm am besten gefällt. Das Kind komponiert.
[Link]. Sie erfordern Aufmerksamkeit für das Gehör und den richtigen Rhythmus. Ein Kind improvisiert ein
Musikalischer Satz, der mit gegebener Text gesungen wird. Sein Partner muss den Satz jedoch ohne
perder el ritmo.
[Link] des Vorangegangenen: Der Lehrer stellt gesungene Fragen in verschiedenen Stilen.
(Marsch, Lied von einer, Gesang zum Galoppieren, Walzer...). Der Lehrer stellt die Frage und
Dann bittet er jemanden, die Melodie zu beenden. Der Lehrer muss üben, um es ausführen zu können.
diese Aktivität.
[Link] kleiner Formen. Zuerst wird dem Kind ein einfaches Lied gezeigt.
klare Struktur, unterteilt in melodische Phrasen. Das Kind sollte sie begleiten mit
Schlaginstrumente unterwegs, während der Lehrer sie singt, differenzierend
die Sätze (A mit der chinesischen Kiste und B mit der Tamburin). Dann wird er gebeten, zu konstruieren
eine Melodie mit ähnlicher Struktur, so einfach sie auch sein mag.
[Link] Improvisation. Zuerst wird der Lehrer improvisieren, indem er eine Melodie anstimmt.
konstanter Rhythmus von Vierteln. Ein Schüler wird improvisieren, ohne den Rhythmus zu verlieren, eine andere Melodie
als Antwort. Am Ende der Antwort des Schülers wird der Lehrer mit einer weiteren antworten.
Improvisation, auf die ein anderer Schüler antworten wird, wobei diese Abwechslung fortgesetzt wird.
ohne das „Tempo“ zu verändern
[Link] Improvisation auf der Grundlage einer Melodie. Eine Melodie wird ausgewählt.
bekannt, einfach und wo die Funktion der Tonika und der Dominante sehr klar ist. Schaffen Sie ihm einen
instrumentale Begleitung, zunächst mit unbestimmten Instrumenten und
 Fortsetzung mit bestimmten Instrumenten. Die einfachsten und primitivsten Formen und
Die Verfahren, die wir verwenden werden, sind: das Ostinato, der Bordun und der Pedalton.

Auch der Aspekt der Motorik eignet sich gut für die Improvisation. Die
Bewegungsimprovisationen entwickeln sich besser als Ergebnis von Situationen im Klassenraum
gefördert durch individuelle oder Gruppen-Erfahrungen oder durch Geschichten, die der Lehrer gelesen hat. Die
Experimentierung mit den musikalischen Phänomenen von Spannung, Entspannung und "Feldöffnung"
(entsprechend den harmonischen Funktionen von Tonika, Dominante und Subdominante,
respektive) und seine Übersetzung in Körpersprache fördert bei dem Kind eine größere Kontrolle über
seine Bewegungen. So, basierend auf Akkorden, die der Lehrer am Klavier spielt oder einem Band
Eine dafür vorbereitete Magnetofonaufnahme, die Kinder sollten in der Lage sein, mit ihrem Körper diese zu verfolgen.
ausdrucksmusikalische Konzepte.
Andere Verfahren zur Arbeit an dieser Improvisation sind:
Frage-Antwort
Ostinato
Verkettung
Eine begonnene Bewegung vollenden
Einen Würfel variieren
Ein Bewegung zu einem Text, zu einer Musik, zu einer Situation suchen
Musikalische Formen und Bewegungsimprovisation

4. KREATIVITÄT UND IMPROVISATION

4.1. KREATIVITÄT
Wir verstehen unter Kreativität die Fähigkeiten, Stärken und Talente, die wir anstreben.
durch Konzepte wie: Intuition, Vorstellungskraft, Ideenreichtum, Einfallsreichtum, zu bestimmen,
Originalität, produktives Denken, Problemlösung, schöpferische Vorstellungskraft...
Traditionell wurde Kreativität als ein besonderes Geschenk angesehen.
erblich: eine Fähigkeit. Aber jüngste Studien haben ihr Konzept auf die Haltung erweitert, die
Man kann ein Potenzial erwerben und entwickeln, das wir alle haben, was viele Perspektiven eröffnet.
für die Bildung.

Der Aufstieg der musischen Ausbildung außerhalb von Konservatorien, insbesondere derjenigen von
Die Grundschule (Phase der schulischen Ausbildung, die obligatorisch ist) führt zu zwei Umständen, die zu berücksichtigen sind:
Der spielerische Charakter dieser musikalischen Ausbildung
Die Orientierung an freier Ausdruck des Kindes, die Kreativität fördert aus
Improvisationsübungen (Spiele)

Der Zweck der Kreativität besteht nicht darin, dauerhafte Werke zu schaffen, sondern dass sie
Wert liegt im manipulativen Spiel der musikalischen Elemente, das die Schaffung mit sich bringt.
Ihr Verfahren besteht darin, verschiedene Teile zu einem Kern hinzuzufügen, durch die Herstellung
von Antworten und Entscheidungsfindung, in Gruppenform, kollektiv.
Die Kinder sind natürliche Entdecker und diese Entdeckungen basieren auf ihrem
eigenen Erfahrungen. Die Schwierigkeit, die entsteht, konzentriert sich auf die Schritte oder Phasen, die zwischen diesem liegen.
erste natürliche Neugier für alles Klangvolle und die wahre musikalische Kreativität, Prozess im
drei Phasen können wir erkennen:
1. Phase des Hörens des Klangobjekts. Wenn ein Kind mit einem Teller spielt und ihn drehen lässt.
über den Boden auf vielfältige Weise
 [Link] der klanglichen Suche. Wenn das Kind in der Lage ist, die mechanische Aktivität zu unterordnen an
die Erzeugung bestimmter Klänge.
Im ersten Fall beinhaltet die Bewegung ein Hören, während im zweiten Fall das Hören...
orientiert die Bewegung. Im ersten Fall ist der Teller ein materielles Objekt, das erzeugt
Geräusche und im zweiten ist es ein Klangobjekt.
[Link] der Wiederholung und klanglichen Variation. Die Aufmerksamkeit auf die Bewegung wird eingestellt.
Produzent des Sounds und man kümmert sich um den Klang. Hier kommen wir bereits der
Kreativität. Wenn das Kind unter allen Geräuschen, die mit dem Objekt erzeugt werden, findet,
Einer, der sein Interesse konzentriert, bleibt dabei stehen, verlängert seine Entdeckung, indem er den Klang wiederholt und
sucht seine Variationen. Es ist eine "musikalische Idee" aufgetaucht. In dieser dritten Phase können wir
über musikalische Kreativität sprechen und erfordert ein aufmerksameres und aktiveres Hören.

Wir können auch über musikalisches Verhalten sprechen, impliziert auf drei Ebenen:
1. Sensorisch-motorisches Niveau. Es entspricht der Geste, dem Berühren; die Ausführung erzeugt Verbindungen zwischen
Die Motorik und die sensorische Wahrnehmung.
[Link] Niveau. Aber die Musik (die Interpretation) ist niemals ein ausschließliches Akt.
Sensomotor: wird immer verwendet, um etwas auszudrücken. Es ist eine symbolische Tatsache.
[Link] oder reguliertes Niveau. Es gibt Orchester von Ausführenden, deren Instrumente
Sie haben nur wechselnde Noten, und es gibt Orchester, in denen jeder Musiker nur eine Note spielt.
Der Grund ist, dass es sie amüsiert.
Diese drei musikalischen Verhaltensweisen stimmen mit den drei Phasen des Spiels des Kindes überein:
sensomotorisch, symbolisch und geregelt. Daher, wenn eine angemessene musikalische Ausbildung vorgesehen wird von
Frühe Altersstufen, wir werden von einer ersten Klangerkundung zur Nutzung des Klangs übergehen
als Ausdrucks- und Kommunikationsform, um in einer klanglichen Organisation zu enden.
So erlangt die musikalische Kreativität ihren vollen Wert: indem sie ihre Phasen verbindet.
mit den verschiedenen Ebenen:
Phase des Hörens des Klangobjekts – sensomotorisches Niveau
Phase der klanglichen Suche – symbolische Ebene
Phase der Wiederholung und Variation – geregeltes Niveau

4.2. IMPROVISATION
Die Bildung in Kreativität ist wichtig, denn sie gibt dem Kind die Fähigkeit zu
Reaktion auf jede neue Situation. Eine Möglichkeit, Kreativität zu entwickeln, besteht darin, durch die
Improvisation. Wenn Kreativität in jedem Bereich der Bildung möglich ist, dann im künstlerischen Bereich.
fließt spontaner.

Faktoren, die die Qualität der Improvisation bestimmen werden:

a) Die Initiative: „Das Kind entdeckt die Dinge gerne selbst; man kann es anregen, ...
Entdeckung durch Fragen. Eine große Schwierigkeit liegt in der Notwendigkeit von
die Dinge unter einem angenehmen Aspekt betrachten, ohne dem Kind den Eindruck zu vermitteln, dass es nur
Es handelt sich um ein Spiel. Lassen Sie uns daher anspruchsvoll sein, ohne schwierig zu werden. Lassen Sie uns die
Initiative des Kindes, man muss wissen, wie man die Arbeit leitet. Es ist notwendig, zu versuchen, die "Konzentration" zu fördern.
Kinder in den Übungen” (Willems).
b) Die Vorstellungskraft: "Die Vorstellungskraft ist ein alltäglicher Akt und wir können den Kindern helfen, zu
sie entwickeln. Wir können Bilder reproduzieren, die in unserem Gedächtnis sind, wir können
sie zu verwandeln, andere zu schaffen, sie auf andere Weise auszudrücken: körperlich, plastisch,
Musical" (Agosti-Gherban und Rapp-Hess).
c) Die Originalität: Eine Arbeit kann sich in verschiedene Richtungen entwickeln. Wenn die Begriffe
was erworben wird, ist identisch; die Art und Weise, wie sie erworben werden, ist gleichgültig; das heißt, es ist weder
 THEMA 14

DIE IMPROVISATION ALS FORM FREIER MUSIKALISCHER AUSDRUCK UND

ESPONTÁNEA. LA IMPROVISACIÓN COMO PROCEDIMIENTO COMPOSITIVO.
LEHRMITTEL FÜR DIE MUSIKPRODUKTION IM UNTERRICHT.
KREATIVITÄT UND IMPROVISATION.

DIE IMPROVISATION ALS FORM MUSIKALISCHER AUSDRUCK

 THEMA 15

DAS LIED UND SEINEN EINFLUSS AUF DEN MUSIKALISCHEN BILDUNGSPROZESS. DIE
KOMMUNIKATIVE INTENTIONEN DES GESANGS. DER CHORGESANG IN DEN
UNTERSCHIEDLICHE BILDUNGSCYKLEN: MONOPHONER GESANG, HOMOPHONER GESANG UND
POLYPHONIC. AUSWAHLKRITERIEN FÜR DAS SCHULREPERTOIRE.
METODOLOGIE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN IM UNTERRICHTSPROZESS -
LERNEN EINES LIEDES. GRUNDLAGEN DER CHORLEITUNG.

0. INTRODUCCIÓN

1. DAS LIED UND SEIN EINFLUSS AUF DEN MUSIKALISCHEN BILDUNGSPROZESS

2. DIE KOMMUNIKATIVEN INTENTIONEN DES GESANGS

2.1. DIE BEDEUTUNG DES GESANGS
2.2. FACTORES QUE INTERVIENEN EN EL CANTO
2.3. KOMMUNIKATIVE INTENTIONEN DES GESANGS

3. DER CHORGESANG IN DEN VERSCHIEDENEN BILDUNGSZYKLEN: GESANG

MONOFONISCH, HOMOFONISCH UND POLYFONISCH

4. AUSWAHLKRITERIEN FÜR DAS SCHULREPERTOIRE

5. METHODIK UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN IM UNTERRICHTSPROZESS

LEREN EINER VERSION
5.1. METHODIK UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN
5.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN

6. GRUNDPRINZIPIEN DER CHORLEITUNG

6.1. EIGENSCHAFTEN DES CHORLEITERS
6.2. DIE CHORLEITUNG
 THEMA 15

DAS LIED UND SEINEN EINFLUSS AUF DEN MUSIKALISCHEN BILDUNGSPROZESS.

KOMMUNIKATIVE INTENTIONEN DES GESANGS. CHORGESANG IN DEN
UNTERSCHIEDLICHE BILDUNGSGRUNDLAGEN: MONOPHONER GESANG, HOMOPHONER GESANG UND
POLYFONISCH. AUSWAHLKRITERIEN FÜR DAS SCHULREPERTOIRE.
METHODOLOGIE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN IM UNTERRICHTSPROZESS
APRENDIZAJE DE UNA CANCIÓN. PRINCIPIOS BÁSICOS DE LA DIRECCIÓN CORAL.

O. EINFÜHRUNG

Kodály sagt, dass „die Grundlage der musikalischen Erziehung im Gesang liegt“ und dass das Lied
beliebte ist die musikalische Muttersprache des Kindes und auf die gleiche Weise, wie es spricht, lernt es auch zu singen.
man muss lernen, während man klein ist.
Willems sagt, dass der Gesang der Anfang und die Seele der Musik ist. "Der Gesang spielt die Rolle von
die wichtigste Rolle in der Musikausbildung von Anfängern.
Carl Orff bezieht sich ebenfalls auf das Lied. Er sagt: „Die angesammelten Schätze in den
Traditionelle Kinderlieder schienen mir ein natürlicher Ausgangspunkt: Sie sind die Quelle von
alle Texte
Schließlich zitieren wir Kurt Pahlen, der uns sagt, dass "der Chorgesang ein
unüberwindbare Schule der Demokratie.

1. DAS LIED UND SEINEN EINFLUSS AUF DEN BILDUNGSPROZESS

MUSICAL

Das Singen ist der Ausgangspunkt, um den musikalischen Bildungsprozess zu beginnen. Die Lieder
angemessen wecken und entwickeln die musikalische Sensibilität, indem sie die Stimme und das Gehör schulen, außerdem
um methodologische und rhythmische Aspekte zu entwickeln. Die Schüler/innen werden sie verbreiten, damit
in ihrer Umgebung bestehen bleiben.
Das Singen war schon immer ein Mittel der Kommunikation und des solidarischen Ausdrucks in der Gruppe.

Willems: Die Gesänge stellen eine synthetische Aktivität dar: sie umfassen die Empfindsamkeit und das
Rhythmus, schlagen den Akkord vor und lassen die funktionalen Aspekte spüren. Wir werden verschiedene Arten unterscheiden.
de canciones: las populares tradicionales, las que son para principiantes y las que tienen un fin
didaktisch.
Arten von Liedern:
- canciones pedagógicas: enseñan conceptos “Cansado estoy de solfear”
- didaktische Lieder: Gesten, Bewegungen, Begleitungen... entwickeln die
Koordination, Gedächtnis, Aufmerksamkeit... „Die Reisen“
- canciones infantiles “5 lobitos”, “Arroz con leche”
- beliebte spanische und ausländische Lieder “Frère Jacques”
Lieder des Folklore „3 Hojitas Madre“
- Lieder für die Gesangstechnik „Eme, a, ma“
- Lieder für die onomatopäische Übung "Eram, sam, sam"
- Lieder zur Entwicklung des inneren Rhythmus „Mariquilla“
Lieder zum Studium des musikalischen Akzents
- Lieder zur Förderung der Kreativität "Afrikanisches Lied"
Wiegenlieder
Lieder über Berufe und Arbeiten "Antón Pirulero"
- Spielerlieder: im Kreis, mit Seil, mit Ball... “Im Kreis Manolo”
 - canciones humorísticas: “Pinocho fue a pescar”; villancicos: “Noche de paz”;
romances: “del Conde Olinos”; marchas: “Mambrú se fue a la guerra”; canciones
para danzar: “A, b, c”; himnos: “Himno de la alegría”...

Wenn jeder eine Melodie summe kann, liegt das daran, dass jeder ein gewisses Maß an
musikalische Fähigkeiten mehr oder weniger entwickelt. In diesen ersten Ausdrucksformen haben sie große
Bedeutung der Familienmitglieder, weil sie die ersten Personen sind, die aufwecken
das auditive und rhythmische Empfinden des Kindes

Agosti-Gherban und Rapp-Hess: Die pränatale Audiometrie kann helfen, den Übergang zu machen.
Das äußere Leben weniger schwierig. Wenn die Mutter mit einer sanften, melodischen, wohlklingenden und sicheren Stimme singt,
wird ein ideales Modell zur Nachahmung bereitstellen.
Das Kind ist ein äußerst sensorisches Wesen, und je mehr die Sinne angeregt werden...
besser und umfassender wird er die Umgebung wahrnehmen und eine größere Lernfähigkeit haben
das Lied.
Das Lied sollte die Entwicklung der Gesangsausbildung (Stimmgebung, Atmung,
Resonanz und Artikulation, Hörbildung (Ohr und Gedächtnis), melodische, rhythmische und
Harmonika (musikalische Lesung und Schrift, Intonation, Maß, Prosodie, Improvisation) und
Psychomotorische Erziehung (Bewegung und Tanz).

Resumen: La canción tiene una gran influencia en el proceso educativo musical, porque
es ist das Ausdrucks- und Kommunikationsmittel, das eine große Anzahl von Fähigkeiten fördern wird
die Schülerinnen und Schüler, um ein besseres Lernen zu ermöglichen und grundlegende Kenntnisse zu erwerben in
todos los campos en que se desarrolle la actividad musical en la escuela.

Was ist notwendig, wenn man ein Lied auswählt und unterrichtet?
- sich der menschlichen und musikalischen Werte des Liedes bewusst sein
- Tessitura des Liedes (klanglicher Bereich)
- text
- Untersuchung der möglichen Schwierigkeiten und Lösungen
- Zeit. Wenn nicht angegeben, basieren wir uns auf dem Text
- fragmentación adecuada: fraseo natural de la canción
- Dynamik: Lautstärkegestaltung wo es sinnvoll ist
- in Fragmenten lehren: bei jedem neuen Fragment ist es ratsam, zum ersten zurückzukehren,
um sie korrekt zu verknüpfen
- Dialogspiele in Gruppen oder zwischen Lehrer und Kindern durchführen, indem die Sätze abwechselnd gesprochen werden
gelernt

2. DIE KOMMUNIKATIVEN INTENTIONEN DES GESANGS

Wagner: "Der Gesang ist entscheidend die Sprache, durch die der Mensch sich kommuniziert mit
andere musikalisch.
R. Schumann: „Die Musik ist die Sprache, die es mir ermöglicht, mit dem Jenseits zu kommunizieren.“
M. de Falla: „Die Musik wird nicht gemacht und soll niemals gemacht werden, um verstanden zu werden, sondern
damit er/sie sich fühlt.
Emanuel Levy: “La música es un esperanto sonoro”.

In der Musik können wir zwei Arten von Sprache erkennen:

 el verbal, der uns Konzepte vermittelt (Ideen, Bilder, Geschichten, Empfindungen, manchmal
nichts), und
Das Musical, das uns Gefühle, Emotionen und Gemütszustände vermittelt.
Die Hauptfunktion der Sprache ist die Kommunikation. Wir können daher sagen, dass die
Das Lied hat eine klare kommunikative Absicht, einerseits durch den Text und andererseits durch
Die Musik, und dass sie gemeinsam diese Ausdrucksfähigkeit verstärken können, können sich ergänzen.

2.1. WICHTIGKEIT DES GESANGS

Die Stimme wird seit jeher als Ausdrucksmittel verwendet, und die Schüler beginnen
zuerst im Klang als im Wort.
Die Aktivität des Singens ist ein sehr geeignetes Mittel, um die Bedingungen hervorzuheben.
die man besitzt, indem man eine gute Aussprache übt und die Ausbildung verbessert
auditiv und rhythmisch
- Singen ist integrativ in den Aktivitäten der musikalischen Ausbildung. Es sollte
das Singen zu fördern, ohne einen anderen Grund, als sich mit ihm zu erfreuen
- Gesang sollte sozial sein, jeder der spricht, kann singen. Und das Singen ist
Es ist wichtig, weil es die ganzheitliche Ausbildung der Person stärkt, deshalb nicht
wird keinen Schüler von dieser Aktivität ausschließen.

Agosti-Gherban und Rapp-Hess: Das Kind singt, bevor es spricht, und das ist wichtig
lassen Sie Ihrer musikalischen Vorstellungskraft freien Lauf, improvisieren Sie Ihre Lieder frei und „Ihr
Sprache.
Es können verschiedene Gründe vorliegen, warum Kinder falsch singen, Gründe, die ebenfalls
es hat seine Lösungen oder Hilfen:
a) Die melodisch ungebildet sind: weiter mit dem Singen, Anhörungen, Übungen von
Intonation und Diktate
b) Die psychologische Schwierigkeiten haben: weiter in Gruppen agieren
c) Die Schwierigkeiten mit der Physiologie haben: der Spezialist wird kontaktiert.
d) Bei Stimmwechsel die Stimme nicht überanstrengen und in einem mittleren Register singen

2.2. Faktoren, die am Gesang beteiligt sind

1) Angemessene Atmung. Es wird die Zwerchfellatmung verwendet: Einatmung
nasal, Retention und orale Ausatmung, auf stille und entspannte Weise. Grundlegend:
korrekte Muskelbewegung.
2) Kontrolle des Stimmgeräts. Bei der Ausatmung hebt sich das Zwerchfell wieder.
Ausgangsposition, indem die Luft durch die Kehlkopfregion geleitet wird, in der sich die Stimmritze schließt, um
Lass die Stimmbänder vibrieren. Position der Mundorgane: Kiefer
Unter der Zunge locker und entspannt, flach und hinter den unteren Schneidezähnen abgestützt.
3) Kontrolle der Resonanz. Der Klang wird verstärkt, wenn die Luft in die Höhlen gelangt.
Gesichtsmasken.

Emissionsgeräusch:
1) Beginn: wenn die Ausatmung beginnt, sanft und ohne Heftigkeit
2) Prozess: Entwicklung, bei der die Stimme mit Resonatoren unterstützt wird
3) Finale: Die Ausatmung und der Gesang müssen im Einklang enden.
 Die Tessitura ist der Klangbereich, der sich am besten an die Person anpasst. In diesem Bereich
Es bewegt sich mit Leichtigkeit und belastet die Kehle nicht. Der Umfang ist die Gesamtheit der Töne.
dass eine Person mit größerer oder geringerer Leichtigkeit äußern kann. Die Klassifizierung der Stimmen wird
Berücksichtige die Stimmlage der Stimmen.

2.3. KOMMUNIKATIVE ABSICHTEN DES GESANGS

- kann Gefühle, Erinnerungen, Stimmungen... kommunizieren
- fördert kollektive Arbeitsgewohnheiten, indem es die Kommunikation und die
Zusammenarbeit
- kommuniziert Emotionen entsprechend der Musik

Arten von Liedern nach der Botschaft:

1) Beliebtes Lied. Ausführliche Rezitationen mit zwei oder drei Tönen oder komplexer.
Sie beziehen sich oft auf Traditionen, weshalb sie das Interesse und das Lernen sichern.
Übertragen Tradition
2) Kinderlied. Einfache Lieder, die sich ideal für den Beginn des Musikunterrichts eignen
3) Didaktisches Lied. Es dient festgelegten pädagogischen Zwecken. Wenn sie haben
Künstlerische Bedingungen werden bestehen bleiben. Sie dienen der Einführung in Konzepte.
musicales, canciones para la exploración vocal...

Aber die Musik, ohne textliche Unterstützung, kann ebenfalls kommunikativ sein, sie kann anregen
bestimmte Gemütszustände: Einige Melodien erscheinen uns fröhlich, frisch, während andere
nos dan la sensación de todo lo contrario. En esta expresión de sentimientos influyen la melodía,
der Modus, das Tempo und der Charakter des Liedes.
Der Schüler/die Schülerin entwickelt sich durch die Musik weiter. Escudero: obwohl das Kind...
Gerne singen, in den ersten Jahren ist die Intonation nicht klar; sie passt sich dem musikalischen Rhythmus an.
die Wörter. Dieser Lernprozess sollte spielerisch erfolgen, wobei er allmählich gibt
verschiedene Antworten, die an sich einen großen Bildungswert als Mittel der Darlegung haben und
Kommunikation.

3. DER CHORGESANG IN DEN VERSCHIEDENEN BILDUNGSGRADIEN:

EINSTIMMIGES, HOMOPHONISCHES UND POLYPHONISCHES SINGEN

Chorgesang ist nicht dasselbe wie Schulgesang. Wir sollten den Gesang im
Schule mit der Ausbildung von Chören. Und das bedeutet nicht, dass man nicht singen sollte / kann.
Polifonie in den Schulen, sondern es gibt eine große Anzahl von Liedern aller Art, die nutzbar sind.
im schulischen Bereich nicht unbedingt in polyphoner Form.
Im Einzelgesang wirkt eine einzige Person mit. In der Schule geschieht dies in der Regel.
Wir werden dies als Vorbereitung für den Chorgesang oder zur Entdeckung von Stimmproblemen verwenden und
die anschließende Entwicklung beobachten: Verstimmungen, Anpassungsprobleme, Stimmprobleme... Auch...
kann verwendet werden, wenn es einen Solisten gibt.
Maneveau: el coro es el menos caro de los instrumentos colectivos, y es también el
Das harmonische Instrument par excellence. Es ist ein privilegiertes und absolut didaktisches Instrument.
erster Ordnung.

Der monophonen Gesang besteht nur aus einer melodischen Linie, ohne harmonische Begleitung. Es
findet in den ersten Kursen statt, wo Aspekte wie der Erwerb einer guten Technik
vokal, die Disziplin im Chor... sollten als Grundlagen betrachtet werden, die den Zugang zu erleichtern.
homophonischer Gesang.
Der homophone oder harmonische Gesang besteht aus einer Hauptmelodielinie, die hervorsticht.
über die anderen Stimmen, die ihn unterstützen oder die sich nach bestimmten Richtlinien bewegen
rhythmische und melodische Abhängigkeit. Es sind Gesänge in 2, 3 oder 4 Stimmen, die einer vertikalen Struktur folgen.
in ihrer Zusammensetzung, und ihre Bewegungen sind oft parallel; diejenigen, die haben ein
Vokale Begleitung, die der ostinaten Vokalform, Bordun oder Pedalnote folgt. Diese Art von
Das Lied erfordert bestimmte Fähigkeiten und Disziplin im Chorgesang, weshalb es nicht angegangen werden kann.
bis zum Ende des Zweiten Zyklus.
Der polyphone Gesang besteht aus mehreren Melodien, die eigenständig funktionieren.
Die ersten polyphonen Lieder, die gewöhnlich behandelt werden, sind die Kanons, die unersetzlich sind für
die Unabhängigkeit im Gesang entwickeln und das harmonische Empfinden im Kind fördern. Der Kanon
hilft, die eigene Stimme zu halten und sich nicht von der Melodie anderer mitreißen zu lassen. Es wird daran gearbeitet, ...
der dritte Zyklus zusammen mit dem Monophonen und dem Homophonen.

Zusammenfassend können wir in der Praxis vom Unisono ausgehen. Danach können wir
Lieder mit einer Begleitung im Ostinato singen, obwohl man normalerweise mit dem Gesang in mehreren Stimmen beginnt.
Stimmen durch den Kanon. Der nächste Schritt ist die Paraphonie (3. und 6.) und homorhythmische Stimmen in
Allgemein. Schließlich werden wir unabhängige Stimmen mischen.

4. AUSWAHLKRITERIEN FÜR DAS SCHULREPERTOIRE

Wir müssen das Alter der Schüler, an die wir uns wenden, berücksichtigen, dass die Themen und das
Das Vokabular soll angemessen sein, der Rhythmus und die Melodie sollen eine fortschreitende Schwierigkeit aufweisen.
die Interesse und Motivation wecken.

Aspectos a tener en cuenta:

1. las canciones deben responder a los objetivos trazados, si bien tenemos que tener en
Betrachte das Genießen als ein Ziel an sich.
[Link], die den Interessen und Bedürfnissen der Schüler entsprechen: die motivierend sind
[Link] und klarer Text, leicht auszusprechen und verständlich, dass die grammatikalischen Akzente
stimmen mit den Musicals überein
[Link] mit begrenztem Umfang, die die vokale Reichweite von Kindern (von der 7. bis zur 8.) nicht überschreitet.
8ª, und sich allmählich ausdehnend)
[Link] Rhythmus und Sätze mit Quadrat
6.Ökologische Formen, Ostinato und P-R, geeignet für das rhythmische Studium
Anforderungen an ein Lied
1. Thema
[Link] in Bezug auf die Melodie
[Link]
[Link]
[Link]

Formen der Klassifizierung von Songs

[Link] oder populäre Lieder. Sie ermöglichen einen Zugang zur Umgebung und zu den Bräuchen.
[Link]. Sie dienen als Einführung in die musikalische Welt.
[Link] zur Dramatisierung. Sie fördern die Mimik und die natürliche Bewegung.
[Link]äre Lieder. Globalisieren mehrere Bereiche: Lieder von Geschichten, Charakteren
infantiles, de la familia, los animales, la naturaleza, la navidad, el Carnaval, de
conceptos (números, letras, colores, partes del cuerpo...)

Klassifizierung von Oriol und Parra

Frühkindliche Bildung von onomatopoetischen und wiederholenden Inhalten
mit Gesten, unbelebten Objekten und Tieren
von Bewegung, von Runde und von Nachahmung

Grundschule

Erste Runde Lieder aus dem Chor

“ von Geste oder Dramatisierung
“ von Weihnachten
“ con acompañamiento instrumental (PAI)
“ Textzeilen

- Zweiter Zyklus Lieder mit Gesten

“ folkloristisch
“ narrativen oder romanhaften
“ von Weihnachten
“ mit instrumentaler Begleitung (PAI)
“ in Kanon

- Tercer Ciclo beliebte narrative Lieder

“ “ humorvoll
“ “ bauchbar
“ antiquitäten und romanzen
“ von Weihnachten
“ mit instrumenteller Begleitung (PAI und PAD)
“ im Kanon und zur Einführung in Lieder für mehrere Stimmen

Didaktische Prinzipien: globalisierte Lehre, einfache instrumentelle Begleitung,

körperliche Bewegungen und Dramatisierungen und Kürze.
Vorschlag: einen Kompendium von Werken oder musikalischen Stücken entsprechend den Zielsetzungen zu erstellen.
Nehmen Sie an, eine Altersklassifizierung zu erreichen und zu erstellen.

Interessante Werke: “Lieder: Sammlung von Liedern mit Liebe und Bewegung” von
Cateura und andere; „Spanische Volks- und Kinderlieder“ von M. Sanuy; „Liederbuch
beliebt in der Provinz Santander. Erster Band. Spanisches Kinderliedbuch. Es ist mehr
nacional que regional" von D. Sixto Córdova y Oña; "Cancionero de Andalucía" von J. Hidalgo
Montoya.

5. METHODOLOGIE UND DIDAKTISCHE RESOURCE IM PROZESS DER

UNTERRICHT UND LERNEN EINES LIEDES

5.1. METODOLOGIE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN

Die Methodik muss auf den Prinzipien der Globalisierung und der Aktivität basieren.
Die Kinder singen von klein auf und singen gern. Der Anfang des Lehrens
Aktiva wird der geeignetste Ausdruck für die gesamte musikalische Bildung sein, und auch für die
Gesang Übungen.

Um ein Lied gut zu interpretieren, braucht man:

1. Guter Tonfall
[Link] und angemessene Zeit im Charakter des Liedes
[Link] musikalische Schrift respektieren
[Link] Atemtechnik und gute musikalische Phrasierung
[Link] Artikulation und korrekte Aussprache

Für ein gutes Lernen im Gesang ist Folgendes erforderlich:

[Link]: über das Thema sprechen
[Link] Lernen: Der Lehrer singt das Lied ohne Begleitung
[Link]. So nah wie möglich das nachahmen, was gehört wurde. Man
Lehre das Singen, indem du singst. Es wird im Echo wiederholt. Das Lied wird in Sätze unterteilt und gelernt.
der Rhythmus, die Melodie und es endet mit Bewegungen. Schließlich wird das Lied gesungen.
ganzes Lied.

Der Unterricht der Lieder kann grundsätzlich auf zwei Arten durchgeführt werden:
durch Lese- und Schreibkompetenz und durch Nachahmung. Insbesondere in den ersten Stufen müssen wir
den Nachahmungen und der Fragmentierung große Bedeutung beimessen. Die Schüler wiederholen Motive, die der
Der Maestro oder die Maestra schlägt vor, und diese werden anschließend miteinander verbunden, bis das vollständige Lernen erreicht ist.
das Lied. Aber nicht nur für sie: da das Lernen durch Solfeggio schwieriger ist, in
Im Fall von Gruppen mit ausreichender Beherrschung des Lese- und Schreibens wird ebenfalls die Nachahmung eingesetzt.
Die Methoden zum Lehren des Liedes sind vielfältig, aber man kann mit dem rhythmischen Lesen beginnen,
dann der Name der Noten, melodisches Lesen und enden mit dem Text. Für die Intonation,
Nutzen Sie die Phononimie, und nachdem das Lied gesungen wurde, führen Sie Körperbewegungen aus, um es nachzuahmen.
und sie zu dramatisieren, und Körperpercussionen, die sie instrumentell begleiten.
Sobald das Lied gelernt ist, können Spiele durchgeführt werden, die
werden das Interesse der Kinder an dem Lied stärken und fördern.
Methodologie zu befolgen:
1. Rhythmische Lesung (wenn sie es gegeben haben) ta, ti-ti...
[Link] Lesen mit dem Text
 [Link] Lesen
[Link]-melodische Lesung
[Link]ührung des Liedes mit Rhythmus und Text
[Link] singe im Echo mit Sätzen
[Link] in P-R
[Link] singe in Frage, indem ich die Frage im Echo beantworte
[Link], aber mit der Antwort antworten
[Link], der den Rhythmus markiert
[Link] Sie zeilenweise und merken Sie sich. Am Ende das gesamte Lied singen.
[Link] singe mit verschiedenen Nuancen
[Link] singe mit verschiedenen Stilen
[Link], das den Akzent setzt
[Link] kombiniert Akzent und Puls
[Link] singe im Takt
[Link], der Rhythmus, Puls und Akzent kombiniert
[Link] Rhythmus der Melodie klatschen, aufhören zu klatschen und den Rhythmus verinnerlichen
[Link] Lied mit Ostinati singen
[Link] Gruppen: Eine singt und die andere begleitet mit Ostinato
[Link] im Kanon
[Link] Gesang mit Bordun begleiten
[Link] Instrumenten begleiten
[Link] mit Körperbewegungen dem Lied
[Link] beim Singen machen
[Link] gesungene Lied graphisch darstellen
[Link] Satz solo singen, und den nächsten alle zusammen

Wenn die Schüler erfolgreich einstimmige Lieder oder einfache Kanons singen, dann ...
Sie können Gesänge mit 2 oder 3 Stimmen bearbeiten.
Man muss die Position der Sänger berücksichtigen: stehend und mit den Armen hinten.
sie werden sich bewegen; sitzend werden sie aufmerksamer sein. Sie werden sich gruppieren, sodass der
Professor sieht alle auf einmal und muss sich nicht umdrehen.

5.2. VORSCHLÄGE FÜR ACTIVITÄTEN

- Intervalldlieder. Sie dienen der auditiven Festigung bestimmter Intervalle. Wenn man
Gewöhne dich daran, diese Intervalle zu hören, mit der Zeit wirst du sie erkennen und benennen können.
- Canon. Es ist ein wesentlicher Bestandteil des populären Liedgutes. Es dient dazu, das Gefühl zu entwickeln.
harmonisch.
Der Gesang zu 2 oder 3 Stimmen:
1. Platzierung von Basstimmen in einfachen Melodien des Kinderrepertoires:
a) Wiederholung oder Beibehaltung der Grundtöne I, V und IV
b) Den Akkord bereichern, indem die Terz des jeweiligen Akkords eingeführt wird, wenn dieser
der Klang wird nicht von der Melodie verwendet
d) Arpeggio-Entwicklung des Akkords in Form eines Ostinatos unter Verwendung einer Silbe wie
apoyo: “la”

2. zwei Stimmen in parallelen Terzen:

Es besteht darin, die Ausgangsnote genau zu nehmen und bis zum Ende fortzufahren, während man sie verdoppelt.
die Hauptstimme mit ihrer dritten Abwärtsbewegung. Dafür ist es notwendig, dass die Melodie
 Beginne im dritten oder fünften Grad und halte dich über dem Ton. Man kann
spontan machen.
3. Canto a 3 Stimmen, ausgehend von 2 parallelen Stimmen:
Zur zweiten Stimme der vorherigen Aktivität können wir auch eine dritte Stimme hinzufügen.
Distanz von der dritten oder fünften, bildend die Grundakkorde von I, V und IV.
[Link] in 3 und 4 Stimmen
Diese Phase werden wir nur in der Grundschule ansprechen, sobald die vorherigen Phasen abgeschlossen sind.

6. GRUNDPRINZIPIEN DER CHORLEITUNG

6.1. MERKMALE DES CHORLEITERS

Die Rolle des Chorleiters ist von grundlegender Bedeutung. Er muss in seiner Person zwei
Facetten: die des Erziehers und die des Musikers.
Der Direktor als Erzieher muss dafür sorgen, dass eine bestimmte Atmosphäre herrscht.
entspannt und kooperativ und wird den Schülern bei ihrer musikalischen Entwicklung helfen.
Der Direktor als Musiker muss drei grundlegende Stützpunkte haben: das
musikalischer Hintergrund, gute Stimme und Pädagogik in der Leitung.
Das musikalische Wissen sollte so reichhaltig wie möglich sein: vor allem eine gute Beherrschung des Notenlesens.
Der Direktor ist derjenige, der die Notenlehre am häufigsten und aktivsten verwendet: Er muss sie singend entschlüsseln, ohne
die Unterstützung der Instrumente. Und dafür benötigt es eine tägliche Praxis. Die Vorstellungen von
Harmonie ist wichtig und das Wissen über die stimmmechanik ist unerlässlich.
Dass der Direktor eine gute Stimme hat, bedeutet, dass er eine solide Stimme hat, da er
einem kontinuierlichen Arbeiten unterworfen und gerecht ist, das heißt, dass es Klarheit und
Genauigkeit in ihren Beispielen, die eine größere Perfektion in der Intonation ermöglichen werden.
intervall
Die Pädagogik in der Leitung lernt man nicht aus Büchern. Man lernt sie beim Leiten.
Beobachtung anderer Dirigenten und das Verfolgen von Kursen und Praktiken im Chordirigieren.

6.2. DAS CHORLEITUNGEN

Maneveau: Das Niveau eines Amateurchores hängt vom Niveau desjenigen ab, der ihn leitet.
Leiten bedeutet nicht, zu befehlen, sondern zu versammeln; es bedeutet nicht, aufzuzwingen, sondern zu erklären. Es beinhaltet eine absolute Beherrschung des
esquema espacio-temporal, eine große Fähigkeit zur polyrhythmischen Muskeldissoziation und eine große
Fähigkeit zuzuhören, Verfügbarkeit: ein sehr ausgeprägter pädagogischer Sinn.

Sanuy y González: Prinzipien und praktische Normen für den Lehrer als Direktor.
Sie sollten die Autorität ohne Geschrei, Aufhebens, Strafen oder Tadel aufrechterhalten.
Die Kinder müssen sich mit den Gesten des Lehrers vertrautmachen, die zu Beginn sein müssen
fundamentales y simples, hasta que haya la suficiente interacción para introducir gestos
komplexer
Vor dem Start eines Liedes ist eine Aufmerksamkeitszeit erforderlich, damit der Start
Korallenmeer unisono und vollständig. Dafür muss der Meister die Einstellung einnehmen, zu beginnen,
mit einem Blick auf die ganze Gruppe in Stille, um die Aufmerksamkeit aller zu erlangen. Diese Haltung von
Die Anspannung sollte nicht zu lange andauern, sonst werden die Kinder wieder abgelenkt.
Die Höhe der Geste sollte hoch genug sein, damit sie von allen Schülern gesehen wird, aber nicht zu hoch.
Die Arme sollten etwas tiefer als die Schultern sein.
 Man muss den Anfangston des Liedes geben. Wenn das Lied mehrere Stimmen hat, jede Stimme
er wird seinen Anfangston behalten, der jeweils nacheinander zu jedem der ...
Stimmen
Der Dirigent muss die Zeiten jedes Taktes, die wichtigsten Einsätze und
auch die Nuancen, die Dynamik und der Ausdruck
Der anfängliche Gestus entspricht dem Bedürfnis nach kollektiver Atmung, und durch ihn
Wir übertragen die Geschwindigkeit, mit der das Lied interpretiert wird. Dazu wird nur markiert
eine frühere Zeit

Cristian Wagner: Die Leitung ist eine Aktivität, eine technische Wissenschaft und eine Wissenschaft
pädagogisch. Ratschläge:
Haltung: der Körper aufrecht; der Rücken frei und flexibel; die Arme fast horizontal;
die Füße fest auf dem Boden, die Fersen etwas auseinander, mit den Zehen nach
raus. Alles mit Leichtigkeit und Einfachheit
Gesten: Eine Hand sollte den Takt geben, während die andere für den Ausdruck zuständig ist.
los matices. Acostumbrarse a dirigir tanto con gestos grandes como con pequeños. La
Die Amplitude der Gesten hängt von der Anzahl der Kinder ab, die geleitet werden müssen. Wie viele?
Weniger Gesten macht, desto bessere Regisseure werdet ihr sein; auch wenn viele beim Proben gemacht werden, geht es darum.
sie zu eliminieren, wenn sie das Lied besser lernen. Das Gesicht sollte ebenfalls ausdrucksvoll sein.
Startgesten. 3 Phasen:
1. Wartegestus: unbeweglich bleiben, mit den Armen auf Brusthöhe,
schauend auf alle Kinder, um ihre Aufmerksamkeit zu erregen. Man muss vermitteln
confianza y seguridad con la mirada, que será afectuosa y sonriente y
auch autoritär. Geste von 3 bis 5 Sekunden.
2. Atemgeste: Es genügt, die Hände etwas höher zu heben. Dieses Geste
wird die Kinder automatisch zum Atmen anregen.
Form des gestus. Marsch: martialischer Charakter, den Arm entschlossen erheben;
langsamer Gesang: flexibles Gestikulieren, ruhige Armhebung.
Form der Hand. Kraftvoller Gesang; Finger mit Nerven, die mit einem Handgelenk verbunden sind.
kompakt; empfindlicher Gesang: flexible Finger und Handgelenk.
Der Übergang von der Geste des Wartens zur Atmung sollte einer Zeit entsprechen in
der Gesang, der beginnen wird.
3. Startgesten: die Hände auf Brusthöhe senken und markieren
Zeit mit der entsprechenden Geste für die Art des Liedes, das gespielt wird.
interpretieren.
Stoppgeste. Trockene Geste zum Zeitpunkt des Abschlusses.
Geste einer langen Note. Einige Lieder enden mit einer Note von langer Dauer
was einen besonderen Gestus braucht.
Richtung der Nuancen. Das Klavier drückt sich mit kleinen Gesten aus und das Starke mit
weite Gesten, aber diese Gesten können verstärkt werden: das Klavier mit den Händen
horizontal und die Handflächen nach unten; der starke mit dem kompakten Handgelenk, und die
gekrümmte und nervöse Finger
Platzierung des Chores: Der Dirigent wird sich vorne und in der Mitte aufstellen, und die Sänger werden mehr...
Unsichere werden in die letzte Reihe gesetzt, damit die weniger Sicheren den Rest nicht hinunterziehen.
da es einfacher ist, die nächstgelegenen Sänger zu kontrollieren.

Resumen:
[Link] ausgestreckte Hand vor die Brust halten
[Link] Zeichen zum Beginn geben
[Link] Eingabegeste sollte sich darauf beschränken, nur die vorherige Zeit anzuzeigen.
[Link] Gesten während der Interpretation sollten klar und sachlich sein, um zu helfen, das
Bewegung und um Nuancen, Ausdruck zu erzeugen...
[Link] Stoppsignal wird eine trockene Geste sein.
[Link] sichersten Kinder sollten in der letzten Reihe sitzen.

Einen Blick auf das ergänzende Material werfen

THEMA 16
DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKALISCHES SPIEL UND KOORDINATOR DER
UNTERSCHIEDLICHE ARTEN DER AUSDRUCKSFORM. DRAMATISIERUNG VON KINDERLIEDERN
Y BELIEBT. KRIETERIEN FÜR DIE AUSWAHL VON LIEDERN
DRAMATISIERBARES. PARTICIPATION UND INSTRUMENTAL-IMPROVISATION IN DER
DRAMATISIERUNG.

0. INTRODUCCIÓN

1. DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKALISCHES SPIEL KOORDINATOR DER

DISTINTOS TIPOS DE EXPRESIÓN
1.1. DIE DRAMATISIERUNG UND DIE DRAMATISCHE ACTIVITÄT
1.1.1. Konzept der Dramatisierung
1.1.2. Dramatische Elemente
1.1.3. Inhalte der Dramatization
1.1.4. Die dramatische Praxis
1.2. DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKALISCHES SPIEL
1.3. DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKALISCHES SPIEL KOORDINATOR VON
DIE VERSCHIEDENEN ARTEN DER AUSDRUCKSFORM

2. DRAMATISIERUNG VON KINDER- UND VOLKSLIEDERN

2.1. ALLGEMEINES
2.2. DRAMATISIERUNG VON KINDERLIEDERN UND BELIEBTEN LIEDERN

3. KRIETERIEN FÜR DIE AUSWAHL DRAMATISIERBARER LIEDER

3.1. ALLGEMEINES
3.2. Kriterien für die Auswahl von dramatisierbaren Liedern

4. TEILNAHME UND INSTRUMENTALIMPROVISATION IN DER DRAMATISIERUNG

THEMA 16
DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKSPIEL UND KOOORDINATOR DER
VERSCHIEDENE ARTEN DER AUSDRUCKSWEISE. DRAMATISIERUNG VON KINDERLIEDERN
Y BELIEBT. KRITERIEN FÜR DIE AUSWAHL VON LIEDERN
DRAMATISIERBARES. TEILNAHME UND INSTRUMENTALE IMPROVISATION IN DER
DRAMATISIERUNG.

0. INTRODUCCIÓN

Im Bereich Kunstbildung sind verschiedene Ausdrucksformen verstanden:

plastische, musikalische und dramatische. Diese künstlerischen Sprachen, verschiedene Disziplinen innerhalb des Bereichs von
Künstlerische Bildung ist so reich in ihren Manifestationen, dass jede einzelne als
Achse, von der aus die anderen arbeiten. Sie sind für die Globalisierung geeignet.
Was haben sie im Bildungsbereich gemeinsam?
Es sind künstlerische Sprachen
Sie teilen sich dasselbe allgemeine Ziel: das Interesse des Kindes an der
ästhetische Produktionen und den fortschreitenden Umgang mit Materialien, Techniken und
Codes dieser Sprachen
Sie streben an, dieses Ziel durch die Prozesse der Wahrnehmung und Ausdruck zu erreichen.
Im Thema, das uns beschäftigt, interessiert uns die Interaktion von Musik und Dramatisierung, mehr
konkret der Ansatz, den uns die Dramatizierung aus einer Spielperspektive präsentiert
musikalischer Koordinator der anderen Ausdrucksformen, als Unterstützung der Musikausbildung.

Die Bildungs-möglichkeiten der Dramatisierung liegen in ihrer Praxis von sehr

frühes Alter, da es zur allgemeinen Entwicklung der Persönlichkeit beiträgt und verbessert
Beobachtung und das soziale Verhalten.
Die Musikpädagogik muss von einer aktiven Pädagogik ausgehen, wobei sich die verschiedenen ...
Aspekte der Körpersprache, Tanz, dramatisches Spiel und Körpersprache.
Die Dramatisierung ist eine Aktivität, in der verschiedene Arten des Ausdrucks erscheinen: die
Wort, die Geste, das Bild, die Musik und die Bewegung.
Allgemeine Ziele:
Entwickeln Sie den Ausdruck in seinen vielfältigsten Formen
Die Kreativität steigern
Favorecer la comunicación

Die Reform der LOGSE wurde ins Leben gerufen, um die Mängel des vorherigen Systems zu mildern und zu korrigieren.
Educativo litt. Die dramatische Praxis hat keine zeitlich festgelegte Programmierung mit
sequenzierte Aktivitäten im Schulunterricht, aber die Reform fördert die Freiheit von
Programmierung, die die Möglichkeit bietet, den Weg zu den gleichen Zielen zu ändern. Die
Dramatisierung kann somit als wertvolles pädagogisches Instrument genutzt werden, solange es nützlich ist.
formativ und integrierend im Lernen.
Die Dramatisierung wird als eine der Formen des Ausdrucks und der Darstellung angesehen mit
die erzählt wird, um die äußere und innere Realität zu kommunizieren.

1. Die Dramatisierung als koordinierendes Musikalisches Spiel

VON DEN VERSCHIEDENEN ARTEN DER AUSDRUCKSFORM
1.1. DIE DRAMATISIERUNG UND DIE DRAMATISCHE AKTIVITÄT
1.1.1. Concepto de Dramatización
Unter Dramatisierung versteht man die Umwandlung von allem in ein dramatisches Material.
das, was an sich in seinem Ursprung nicht so ist. Das Drama bedeutete in seiner ursprünglichen Konzeption
Aktion. Das Drama war das Gegenteil von der Tragödie und der Komödie.
Seit alters her verwandelte sich der Mensch, änderte seine Persönlichkeit und ihm
Es war erlaubt, die Situationen nachzustellen, die ihm Freude bereiteten. Für die Schüler
Diese Perspektive stellt eine Herausforderung oder ein Problem dar, mit dem gewohnten Alltag zu brechen und
Sich in eine andere Dimension zu transportieren, wird eine Entwicklung des künstlerischen Sinns hervorrufen, indem es schafft oder
Situationen nachzustellen, die ihnen gefallen. Kinder haben eine große Leichtigkeit, zu kreieren.
Objekte, Charaktere und Situationen.

Der DCB definiert die Dramatisierung als die Form der Darstellung, die
utiliza el cuerpo, la voz y el espacio escénico para expresar y comunicar a otros ideas,
Gefühle und Erlebnisse.
Dramatisieren bedeutet, auf Reize und Situationen zu reagieren und eine Antwort zu geben.
ausdrucksvoll mit der Stimme und dem Körper in einem Raum und einer Zeit gemäß einer
dramatische Struktur.
So ist Dramatisieren, Form und dramatische Bedingungen zu geben. Übertreiben ein
Ereignis oder Situation mit dem Ziel, zu interessieren und zu berühren. Und die Dramatization ist die Handlung und
der Effekt der Dramatisierung. Das schulische Konzept der 'Dramatisierung' besteht darin, eine Struktur zu geben
theatrical to something that initially does not have it, using theatrical techniques but with a
Spielerisches oder pädagogisch-didaktisches Ziel, ohne das endgültige Ergebnis zu berücksichtigen, obwohl doch
Die Improvisation und die kreative Vorstellungskraft werden gewürdigt, da sie in das Gebiet eindringen.
der freien Meinungsäußerung.

Warum wird der Begriff Dramatisierung und nicht Theater oder Kindertheater verwendet?
Wenn wir den Begriff Kindertheater verwenden, beziehen wir uns notwendigerweise auf drei
verschiedene Phänomene:
1. El teatro para niños, que sería aquel que es montado y representado por adultos
als Veranstaltung, die sich an Kinder richtet, die die Zuschauer sind
[Link] Theater der Kinder (Kreativtheater), in dem die Schöpfer der
actividad, los que la dirigen e interpretan, son los niños
[Link] gemischte Kindertheater, das das Ergebnis der Verschmelzung der beiden Praktiken wäre
früher beschrieben.
Daher ist die Dramatisierung eine Disziplin, die im Bereich der Ausdrucksweise verankert ist.
Artística stammt von einem der Stadien des Entstehungsprozesses des Theaters.
Das Theater als Endergebnis ist ein Schauspiel, ein Erfordernis, das nicht gegeben ist in der
dramatización.

1.1.2. Dramatische Elemente

1. Los personajes, que hacen posible que la acción vuelva a realizarse
2. Der Konflikt entsteht aus der Beziehung zwischen den Charakteren. Es kann mehr als einen geben.
Konflikt, und im Laufe des Werkes sich weiterentwickeln. Es kann auch sein, dass eine Figur
in Konflikt mit sich selbst geraten
[Link] Raum, der Ort, wo die Handlung stattfindet
[Link] Zeit, eine Epoche, in der man das Drama und nicht die Dauer reproduzieren muss
[Link] argumento, conjunto de elementos que forma toda la historia dramática
[Link] Thema, letzte Bedeutung des Arguments
 1.1.3. Inhalte der Dramatisierung
[Link] expressiven Bewegung: Die spontane Bewegung wird mit dem kombiniert
organisiert, imitiert und reproduziert Rhythmen und Tänze
2.K Körpersprache: Körperhaltung, mit dem Wissen über die Atmung und die
Entspannung, Spannung und Lockerung
[Link] sensorische Wahrnehmung: Die Sinne schaffen die Beziehung zur Umwelt. Sie sind
Fundamentales zum Aufbau eigener Erfahrungen, die es ermöglichen werden, kreativ zu sein.
im Spiel und in den körperlichen Manifestationen
[Link] relación espacio y tiempo: permitirá la perfecta ubicación del cuerpo respecto
seinem unmittelbaren Umfeld und dem Weltraum
[Link] Spiel: Durch das Spielen wird spontane Kreativität, Anpassungsfähigkeit und die
Beherrschung des Bühnenraums. Es gibt das "dramatische Spiel" als Möglichkeit.
körperliche Ausdrucksform
[Link]: Alle Inhaltselemente kommen hier zusammen.
Punkt beim Anbieten mehrerer Möglichkeiten, mit dem Interesse an Manipulation.
Marionetten, Geschichten inszenieren, Lieder mit Gesten begleiten, improvisieren, usw.

Für den ersten Zyklus werden der Körpere Ausdruck, das Spiel und die
Tanz in seinen grundlegenden Aspekten. Es wird mit der Atemkontrolle und der Bewegung begonnen, die
Erlauben Sie die Imitation und die Schaffung von Charakteren. Die Sinneswahrnehmung ist grundlegend.
um die dramatischen Techniken zu meistern, und es entwickelt sich zusammen mit der Ausrichtung
räumlich und das zeitliche Wissen.
Für den zweiten Zyklus wird weiterhin auf die begonnenen Inhalte gedrängt und
se destacarán los que sirvan para conseguir la relación de combinaciones rítmicas,
Initiierung von Pantomime- und dramatischen Spielen im Allgemeinen.
Für den dritten Zyklus wird eine Beherrschung der Bewegung erworben, eine Beherrschung
Haltung und körperliche Transformation; dass die "theatrale" Interpretation ein Prozess ist, der sich
Entwickeln Sie sich schrittweise mit einer positiven Einstellung zur eigenen Schöpfung.

1.1.4. La Práctica Dramática

Sie sollte ohne Abkopplung vom Spiel geübt werden: "es ist ein Prozess, der durchgeführt werden muss"

in der Schule nutzen, um Kreativität und Ausdruck zu entwickeln.

Ihre fortwährende Praxis formt langsam die Sensibilität und trägt bei
neue Kenntnisse. Im ersten Zyklus ist die Bildung fast ausschließlich sensorisch, bereits in
Der zweite Zyklus bietet neue Möglichkeiten und Entdeckungen durch Wiederholung
und die Übertragung von Empfindungen, um im Dritten Zyklus in der Lage zu sein, zu interpretieren und
selbst analysieren.
Se irá ampliando y aumentando la complejidad según la evolución global
Von der motorischen Reifung und dem Körper hängt die Programmierung der Aktivitäten ab.
von den Ungleichheiten, die wir bei den Schülern feststellen. Und es ist nicht nötig, einen Fragebogen zu erstellen.
zu erfüllende Verpflichtung.
Die grundlegenden Ziele sollten das Handeln und Entdecken mehr denn
das Lernen.

1.2. DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKALISCHES SPIEL

 Das Kinderspiel ist eine grundlegende Form des Ausdrucks. Die Schüler müssen
aprender a expresar lo que lleva dentro. La expresión dramática estará basada en el juego. Ésta
es wird ihm ermöglichen, die Welt so zu sehen, wie sie ist, darüber zu urteilen und sich zu sozialisieren. Das Spiel provoziert ein
Umgebung des "Durcheinanders". Die Dramatisierung ist ein pädagogisches Instrument mit ausgezeichneten
Bildungsmöglichkeiten in diesem Sinne.

Das dramatische Spiel ist die spielerische Aktivität, der sich Kinder widmen.
kollektiv um Handlungen zu reproduzieren, die ihnen so bekannt sind, dass sie sie zum Hindernis machen
de ihrem Spiel. Sie tun es mit Spontaneität. Die Kinder akzeptieren in diesen Fällen unwissentlich die
dramatische Konventionen. Es werden Rollen verteilt, der entsprechende dramatische Raum geschaffen, und
alles andere.
Wenn die Unterstützung, das dramatisierbare Faktum, uns in Form eines Liedes präsentiert wird, und
Wir verwandeln dies in dramatisches Material, wir begeben uns in das dramatische musikalische Spiel.
Die Möglichkeiten für diese Art der Dramatisierung vervielfachen sich, je mehr wir die kombinieren
recursos:
Wir können ein Kinderlied in ein dramatisches Ereignis verwandeln.
Wir können eine Dramatisierung musikalisch untermalen.
Wir können den dramatisierbaren Inhalt eines beliebten Liedes extrahieren...
Die Möglichkeiten dieses Spiels hängen von unserer Vorstellungskraft ab und von
unser Wille. Es gibt kein Limit oder Regel, sogar die Improvisation des dramatisierbaren Geschehens, ist
eine spannende und kreative Übung.

Mit dem Spiel wird die Schüler lernen, sich zu relacionar, sie lernen zu sozialen.
Handeln in einer Gemeinschaft. Die spielerische Entwicklung der Aktivität wird das Reifen erleichtern.
Psychologisch verursacht es ein Selbstbeherrschung und Kontrolle über die Interaktion mit der Umgebung.

Der Einsatz von Dramatik wird in der Musikpädagogik vorteilhaft sein.

sofern sie darauf abzielt, musikalische Aspekte zu stimulieren, wie:
Die Wahrnehmung der Elemente des Schalls
Die Erfahrung des musikalischen Phänomens
Die Fähigkeit, sich durch Musik auszudrücken

Der Pädagoge muss den Willen haben, am Spiel teilzunehmen. Es

Es notwendig, dass der Erzieher Verfügbarkeit, Engagement und Hingabe hat, da es erforderlich ist, voranzukommen.
es wird gebaut, während man übt und experimentiert. Die dramatische Erfahrung wird mehr
leicht durchzuführen, wenn eine gute Kommunikation zwischen dem Pädagogen und der Gruppe besteht.

1.3. DIE DRAMATISIERUNG ALS MUSIKSPIEL KOORDINATOR

DIE VERSCHIEDENEN ARTEN DER AUSDRUCKSFORM
Die Analyse der Dramatisierung umfasst: die sprachliche Ausdrucksweise, den Ausdruck
korporal, der plastische Ausdruck und der rhythmisch-musikalische Ausdruck.

Die sprachliche Ausdrucksweise erfasst die Manifestationen, die auf dem Wort basieren.
Durch den Einsatz des Wortes werden expressive klangliche Effekte erzielt, eine Interpretation, die
Ein affektives Gefühl hervorrufen, indem es ein äußerst wichtiges Mittel der Ausdrucks- und Kommunikationsweise ist.
Schlüssel für die ganzheitliche Bildungsentwicklung.
Diese Art von Ausdruck können wir durch Stimmspiele entwickeln, mit denen
se consigue:
Einige Aussprachefehler beseitigen
 Mejorar la entonación y la expresión de sentimientos y emociones
Eine gute Atmung erleichtern
Die Stimme verstärken: Klang, Höhe, Intensität, Dauer

2. Der Körpersprache umfasst die gestischen Äußerungen. Durch den Einsatz der Gestik und das
Mimo führt zu einer normalen psychomotorischen Entwicklung. Es stellt ein Ausdrucksphänomen dar.
importante a usar para la dramatización.
Auch zur Körpersprache gehören Aspekte der Bewegung, die mit
Die Psychomotorik (gehen, sich selbst drehen, rennen, anhalten, fallen, halten)
Stabilität, die Bewegungen und die ausdrucksvollen Federn koordinieren.
Das Gesicht trägt zur Körpersprache mit den Augen, dem Mund, den Lippen und der Stirn bei.
Position des gleichen Kopfes und seiner verschiedenen Bewegungen. Und alle kombinierten Ressourcen ergeben
Gefühl, wie viele Emotionen durch unsere Vorstellungskraft gehen können. Obwohl einige
Gesten sind mit einem konkreten Bedeutungsinhalt codiert (Hände schütteln, die Bewegungen)
de Kopf, um zu verneinen oder zu bejahen usw.), der Körpersprache kommt große Freiheit zu, und ihr
Ein wesentliches Merkmal ist die Spontaneität.
Mit dem Wort Mimo bezeichnen wir zwei verschiedene Realitäten: das Subjekt / den Akteur, der sich ausdrückt.
nur durch die Geste, oder die Kunst, sich nur durch die Geste auszudrücken.
Wie Dalcroze uns sagt, durch Bewegung, das Kind:
Entdecke deinen eigenen Körper und seine Handlungsmöglichkeiten
Entdecke die Welt um dich herum
Strukturieren Sie Ihre raum-zeitliche Orientierung
Der Ausdruck durch Körpersprache setzt ein Training voraus, das das Kind lehrt, zu repräsentieren. Die
Techniken der Körpersprache werden durch Übungen sowohl einzeln als auch in Gruppen erlangt.
Gruppe, ausgehend von Haltungen. Es werden Haltungen verwendet, die Gefühle ausdrücken.
Unter Berücksichtigung, dass die ausdrucksvollste Region des Körpers Schultern, Arme und Hals sind. An den
Haltungen folgen den Übungen zur Kontinuität der Geste (Aktion, eine Zeitung oder ein Buch zu lesen, die
das Spielen eines bestimmten Instruments, das Nähen, Waschen, einen Telefonanruf tätigen...
Es sind auch sensorische Übungen notwendig (ein Tennismatch mit dem Blick verfolgen,
ferne Geräusche hören, ein weiches Material zusammendrücken...). Zu diesen Übungen kommen hinzu
Bewegungen, und aus diesen Bewegungen werden wir zum Tanz gelangen, koordinierte Bewegung
mit sich selbst, mit anderen und mit der Musik.

3. Der plastische Ausdruck umfasst die künstlerischen und technischen Manifestationen der Positionen.
Körperlichkeiten. Es ist der expressive Effekt, den jeder durch Volumen beitragen wird.
Linien, Farbe mit Nuancen des Kostüms, Licht, Make-up, Bühnenbild, sehr wichtig
für das Theater.

4. Der rhythmisch-musikalische Ausdruck umfasst die Äußerungen, die Bewegung und

geregelte Klänge. Der Einsatz von Rhythmus und Tanz sind künstlerische Ausdrucksformen, die mit Klang verbunden sind.
zum Ausdruck, indem es auf fundamentale Weise zur dramatischen Ausdrucksweise beiträgt. Diese Art von
Der Ausdruck muss original sein, wenn er nicht an eine Partitur gebunden ist, und er muss daran teilnehmen
dramatisierung in aktiver Form.

Es ist wichtig, die Aktivitäten nicht in diese oder jene Art von Ausdruck zu pressen, sondern
die miteinander verbunden sein können und grundlegende Ziele mehrere gleichzeitig abdecken.
Man sollte niemals die Spontaneität, die entstehen kann, unterbrechen, sondern
potenciarla; partir de todo aquello que motive y utilizar una metodología global, sin olvidar el
spielerischer Aspekt jeder Aktivität.
2. DRAMATISIERUNG VON KINDLIEDERN UND BEKANNTEN LIEDERN
 2.1. ALLGEMEINE BESTIMMUNGEN
Das Lied ist eine musikalische Aktivität, in der sich die Schüler sehr wohl fühlen.
Integriert, ist innerhalb der musikalischen Ausbildung ein wesentliches integratives Element debido a su
Melodie, Rhythmus und Harmonie.
Das Kinderlied und Volkslied ist ein grundlegendes pädagogisches Instrument, aber
Es ist wichtig, einige Anforderungen hervorzuheben:
Die Struktur des Liedes muss für das Spiel geeignet sein.
- Das Thema wird den psychologischen Interessen von Kindern entsprechen.
- Die Gesten, Bewegungen und die Dramatisierung werden das Lernen des Liedes unterstützen
- die Begleitung sollte einfach sein

Lieder interessieren Kinder, während sie ihre

Sensibilität, sie geben die Möglichkeit, das Ohr und die Stimme zu schulen, und sie stellen Material zur Verfügung.
sehr reichhaltig für das bewusste Lernen von Musik.
Esta actividad resulta aún más placentera si va acompañada de expresión
korporal, in Gesten, die wir im Bereich der Dramatisierung ansiedeln können.

Unter Berücksichtigung der Dramatisierung vervollständigen wir die Ausdrucksübungen.

Musicals aus den folgenden Gesichtspunkten:
a) Rhythmisch-musikalischer Ausdruck: Das Lied wird dramatisiert, wobei der Text und die Melodie respektiert werden.
Die Bewegung könnte: rhythmisch und arrhythmisch sein (sich selbst drehen, drehen)
rund um die Gruppe mit Verschiebung, Translation, Rotation und Translation
kombinierte...). Es kann mit der von den eigenen Personen produzierten Musik angewendet werden oder
Mit aufgezeichneter Musik anwenden.
b) Körperliche und plastische Ausdrucksform: Die verschiedenen Körperhaltungen werden entsprechen zu
verschiedene Einstellungen, und es können Bühnenräume geschaffen werden. Versuchen Sie, dass die Bewegungen
seien sie die passendsten und die Gesten die am geeignetsten.
c) Integration des Tanzes: Das Ergebnis der Kopplung von Musik, Körpersprache
und Bewegung wird ein Tanz sein

Wir haben im spanischen Liederbuch: Lieder, die mit Ballspielen begleitet werden;
Lieder, die von Gesten begleitet werden können; Lieder, in denen die
Gesten ersetzen den Gesang, interessant für die Entwicklung des inneren Hörens; Lieder in
die ein Kind (oder zwei) zwischen zwei gegenüberliegenden Reihen von Kameraden spazieren führt, und in denen außerdem
Del Spaziergang gibt es meist noch eine andere Geste im Rhythmus der Musik; Romanzen, in denen die verschiedenen
Charaktere werden von verschiedenen Kindern dargestellt; Kinderlieder...

Es ist ratsam, kleine Gruppen von vier oder sechs Personen zu bilden, um sie nach und nach zu vergrößern.
schrittweise an die gesamte Gruppe. Es ist sinnvoll, mit der freien Dramatisierung zu beginnen, um das
Die Kreativität fördern.
Es gibt verschiedene Ressourcen, die verwendet werden können, um Lieder zu dramatisieren: Chöre, die sich
Sie antworten und dialogieren, Chöre und Soli, Tänze für Paare, Sänger und Schauspieler, die eine ...
Situationen, usw. Auch Musikinstrumente.
Die Dramatisierung in den Liedern wird als Motivation dargestellt, aber das Ziel
Fundamental wird die musikalische Ausbildung sein.

2.2. DRAMATISIERUNG VON KINDERLIEDERN UND BELIEBTEN LIEDERN

 Prinzipiell müssen wir sagen, dass die Dramatisierung in gewissem Maße von ...
Text, der das Lied enthält. Diese Texte sind oft dialogisch oder narrativ. Innerhalb der
Es gibt zwei verschiedene Arten von Dialogen:
Texte mit nur Dialog: Diese Art von Romanze oder Volkslied ist dafür vorgesehen,
seine Dramatisierung mit der Kennzeichnung am Rand des Textes für das Eingreifen jedes Charakters
Texte mit Dialogen und Erzählung: Es reicht aus, einen Erzähler einzuführen und hervorzuheben, dass
Übergang von einem Gesprächspartner zum anderen.
Die narrativen Texte sind schwieriger zu dramatisieren, deshalb muss ausgewählt werden.
Texte, in denen der Rhythmus hervorsticht und die Möglichkeiten bieten, Dialog oder Rezitation einzuführen.
alternierende Chöre. Es können verschiedene Ressourcen genutzt werden: Musik, Erklärung oder Tanz:
Durch die Musik kann man diese Art von Kompositionen singen und sie in
Lieder. Oder sie können sich einfach begleiten. Dazu ist es nicht erforderlich, dass die Musik
sei die ganze Zeit präsent. Was die Umsetzung dieser Musik betrifft, ist es vorzuziehen
immer das Live zu dem Aufgenommenen. Die gleichen Kinder können es interpretieren, indem sie
Metalofone, Xylophone und sogar Melodien mit geschlossenem Mund, Summen oder andere einfache
Verfahren.
Die abwechselnde Erklärung vertreibt gleichzeitig die Monotonie und fördert den Rhythmus und das
Die Bewegung bietet die Gelegenheit, eine größere Anzahl von Schülern zu intervenieren.
Der Tanz eignet sich dazu, mit Musik und alternierender Erklärung kombiniert zu werden.

Es ist nicht erforderlich, dass die Faktoren, die zur Inszenierung beitragen, sein müssen
realistisch. Weder Gesten noch Bewegungen. Der Sinn des Spiels muss dominieren und
die Möglichkeiten der expressiven Verbindung und der Kreativität nutzen.

Konkrete Beispiele
1. Wenn der Text ein Gedicht ist, gibt es mehrere Möglichkeiten: ein einzelner Darsteller macht die Gesten.
Während ein Einzelner oder ein Chor die Aussage macht; wechseln sich zwei Schauspieler mit der Aussage ab (einer
die geraden Verse und andere die ungeraden), während ein dritter Akteur die Gesten macht; mit mehreren
Schauspieler, jeder von ihnen erklärt eines der Themen des Gedichts und ein unabhängiger Schauspieler.
die Gesten machend...
2. Lied mit Echo: “Die Straße hinauf”

Hilfe, Zivilgarde, Zivilisten, Zivilisten, in meinem Haus gibt es einen Dieb, Dieb, Dieb.
Was hat sieben Krüge, Krüge, Krüge, ein Fass und einen Kanister zerbrochen, Kanister, Kanister.
Und er wird die Fenster, Fenster, Fenster, das Fenster und den Balkon, Balkon, Balkon stehlen.
Und der Topf mit Basilikum, Basilikum, Basilikum, das ist, was ich am meisten will, und ich, und ich.
Möglichkeiten: eine Gruppe von Schülern, die das Echo langsam oder gesungen dazwischen einfügen,
die Verse, die die Grundlage der Erzählung bilden, die von einem oder mehreren rezitiert oder gesungen wird. Auch
Der Chor kann sich zu einem Wald formen. Dieser Wald belebt sich, indem er die Verse, die
bilden die Achse der Erzählung. Und ein anderer Charakter, der Facundo verkörpert, antwortet mit dem Echo.
Es können musikalische und Bewegungseffekte hinzugefügt werden: Der Chor kann aus Nachbarinnen bestehen.
Hanglanger, oder die Form wie eine Wolke, die der Wind mit Kraft weht...
3. Kumulative Lied: „Mein kranker Esel ist“

Mein Esel, mein Esel, hat Halsschmerzen,

und der Arzt schickt ihm einen weißen Schal.
Mein Esel, mein Esel, hat Schmerzen in den Schuhen,
und der Arzt sagt ihm, dass er andere längere kaufen soll.
Mein Esel, mein Esel, hat Ohrenschmerzen,
Und der Arzt bringt ihm eine schwarze Krawatte.
Mein Esel, mein Esel, hat Schmerzen in den Hufen,
und der Arzt verschreibt ihm einen Wickel aus Salat.
Mein Esel, mein Esel, hat Herzschmerzen,
und der Arzt verschreibt ihm Zitronentropfen.
Meinem Esel, meinem Esel, schaden die Beine.
und der Arzt verschreibt ihm Apfel-Sirup.
Mein Esel, mein Esel, ihm tut nichts mehr weh,
und der Arzt sagt ihm, dass er morgen arbeiten soll.
Posibilidades: Un coro y dos actores: el coro canta en cada estrofa los versos 1º y 3º. El
Schauspieler, der den Esel darstellt, rezitiert den 2. und der, der den Arzt spielt, den 4. (Aufführung vervollständigen)
in Szene mit Handwerkzeugen, die das Objekt darstellen, das das Mittel für jeden darstellt
Strophe). Es kann auch versucht werden, populäre Charaktere zu schaffen: der Besitzer des Esels, der
immer beklagt; der Esel, der sich fälschlicherweise beschwert; die neugierige Nachbarin, die sich über die ...
Remedios; der Arzt sehr akademisch und pedantisch; der Apotheker überrascht von den Heilmitteln, die er hat
was bei der Verschreibung des Arztes serviert werden soll...

Alle diese Vorschläge zur Dramatisierung von Romanzen, Volksliedern

und Kinderlieder stellen ein Arsenal an Ressourcen dar, aus denen die besten ausgewählt werden.
In jedem Fall. Dazu kommt die Möglichkeit, auch Musikinstrumente einzusetzen.
All dies bietet die Möglichkeit, die Inszenierungen zu bereichern und zu erleichtern.
Beteiligung einer größeren Anzahl von Kindern.
Repertoire von populären Liedern mit dramatischen Möglichkeiten:
Die Pastorin
Ich habe eine Puppe
Der Herr Don Gato war da
Der Innenhof meines Hauses
Es regne, es regne
Ich bin die Königin der Meere
Aserrín, aserrán
Wie pflanzen Sie die Blumen?
Cucú, cucú
 - Meine Tante Mónica
Der Graf Olinos
Der Dummkopf
- usw.

3. KRITERIEN FÜR DIE AUSWAHL VON LIEDERN

Dramatisierbares

3.1. ALLGEMEINHEITEN
Hay canciones que en su estructura contienen elementos dramáticos, y otras que
Sie sind nicht dramatisch, aber sie erlauben eine Inszenierung. Bei der Inszenierung wird Vorsicht walten gelassen.
dass der Rhythmus während des gesamten Spiels aufrechterhalten wird.
Die Lieder müssen es uns ermöglichen, die Arten von Ausdruck zu globalisieren, die sich
entwickeln in der Dramatisierung (sprachlich, plastisch, körperlich und rhythmisch-musikalisch). Sie müssen
einen dramatisierbaren Handlungsrahmen haben, der gut entweder narrativ oder in Form von ... entwickelt ist
dialogada. Buscaremos siempre canciones populares que planteen tradiciones y costumbres del
Umfeld und oft Arbeiten und Berufe, die Kinder aufgrund des Typs von Gesellschaft, in der wir leben
unbekannt.

Para la dramatización de canciones que permitan la danza, habrá que procurar:

- dass das Lied (Text und Musik) perfekt beherrscht wird
- dass die Bewegung einfach und geschlossen ist, gleichmäßig von Anfang an
bis zum Ende

3.2. AUSWAHLKRITERIEN FÜR DRAMATISIERBARE LIEDER

A. Text: Es muss angemessen und verständlich sein, damit es aufgezeichnet und bestehen bleibt. Man muss
das Interesse der Schüler für das Thema wecken. Es wird langsam rezitiert, als würde man eine Geschichte erzählen, man macht das
Vollständiger Text. Unbekannte Begriffe werden erklärt.
Es ist notwendig, eine Sammlung von Liedern zusammenzustellen, die jederzeit zur Verfügung steht.
Moment. Es ist wichtig, auf die Worte selbst zu achten. Auf diese Weise die Lieder
Sie werden nach dem Inhalt und nicht nach dem Stil geordnet, wodurch sie stärker mit dem Alltäglichen verbunden werden.
Die dramatisierbaren Lieder werden die stimmlichen und interpretativen Bedingungen verbessern,
Die sprachliche Ausdrucksweise und die Inszenierung entwickeln.
Es wird der Anbau von Liedern gefördert, die Emotionen ansprechen, wie die
Romane. Im Allgemeinen gefallen in den ersten Jahren lyrische Texte mit animistischen Elementen.
humoristisch.

B. Melodie: Sie sollte einen melodischen Bereich haben, der die Tessitur der Kinderstimme nicht überschreitet.
Die Intervallstruktur des Liedes sollte den Schülern bekannt sein, und wir müssen berücksichtigen
der Rhythmus des Liedes, der uns eine sehr wertvolle Informationsquelle bieten wird, wie
zum Beispiel die Möglichkeit des Tanzes. Sie müssen eine einfache Melodie besitzen, die das Angebot macht
Möglichkeit, gesungen und gesungen zu werden, und zu dem Spiele angepasst werden können. Wir werden dramatisieren.
unter Verwendung der Ressourcen Körper und Rhythmus in Bezug auf die Entwicklung der Bewegung, und die
Melodie in Bezug auf den Ausdruck von Empfindungen.
Das Volkslied ist eine Art von Lied mit einem hohen Ausdruckswert von Schönheit, mit einer
klingende Reichtum, der in die tiefsten Gefühle verwurzelt ist, und sie zur Essenz des
Das Gefühl des Volkes.
 Schoch: „Die einfachen Volkslieder stellen in keiner Weise Schwierigkeiten dar.
rhythmische und melodische, die der kleine Schüler nicht zu überwinden vermag, während andererseits
teile, bieten eine wesentliche Bereicherung hinsichtlich des Textes.
Die Verwendung von populären Liedern für die Dramatisierungsaktivität ist ein sehr nützliches Mittel.
angemessen durch die Verwurzelung, die sie im kulturellen und affektiven Bereich haben, ausgewählt.
solche, die dem Niveau und dem Alter der Schüler angemessen sind.

C. Instrumentierung: Es werden verschiedene Instrumente verwendet. Die Musik wird ein Schlüsselelement sein.
um Aktionen und Reaktionen auszulösen.
Es werden die natürlichen Elemente verwendet, um anschließend die Instrumente einzuführen.
Percussion von unbestimmtem und bestimmtem Klang, und dann die melodischen und harmonischen.
Es können sogar selbstgebaute Werkzeuge verwendet werden. Das Interesse wird maximal sein, wenn
können improvisieren.
Die instrumentale Interpretation muss darauf geachtet werden, ihr einen ausdrucksvollen Sinn zu verleihen.
dramatische Aktivität.

D. Interdisziplinarität: Der Ausbildungsprozess des Individuums wird ergänzt durch eine

Sensibilisierung für den Bereich der Künstlerischen Bildung. Dieser Bereich und die verschiedenen Bereiche von
Wissen und Erfahrung müssen im alltäglichen Prozess der Klassenräume miteinander verknüpft werden, um
die allgemeinen Ziele dieser Bildungsstufe zu erreichen.

4. TEILNAHME UND INSTRUMENTALE IMPROVISATION IN DER

DRAMATISIERUNG

Wenn Musik in einer Dramatisierung interpretiert wird, wird eine doppelte Übung durchgeführt:
das Musikalische und das Dramatische.
Bevor die Aktivität beginnt, sollte das Interesse der Schüler am Thema geweckt werden, und in
zweiter Platz, die rhythmischen Möglichkeiten betrachten. Die Schulinstrumente müssen von Technik sein
einfach und gute Klangqualität: die Blockflöte, die Platten und andere. Wichtig wird sein, sie auszuwählen.
so dass die Gruppe ein echtes ausdrucksstarkes Ensemble bildet.
Die Soundeffekte dürfen die Stimme nicht übertönen. Das Hauptziel sollte die Qualität sein.
Entwicklung dieser, und dass die Instrumente nur einen klanglichen Farbton bieten sollten, der die
Dramatisierung.
Die instrumentale Intervention in der Dramatisierung wird dazu dienen, die Schülerinnen und Schüler in die
die Technik der Percussioninstrumente, sie zu sensibilisieren, sie zu ermutigen, improvisieren zu können
rhythmische Effekte, die die Aktion veranschaulichen.

Die Instrumente können eingesetzt werden:

-
um den Gesang zu begleiten
-
um Stille zu füllen
-
um Gesang und Musik abwechseln
-
um den Tanz zu helfen
Die Instrumente bereichern die Inszenierung und fördern eine Teilnahme von einem
größte Gruppe von Schülern. Die Instrumentierung wird beginnen, sobald das Rezitieren oder die
Musikphrase, sodass Musik und Wort separat gehört werden; und im Falle von
Die Begleitung der Stimme darf sie niemals übertreffen.
Die Instrumente und rhythmischen Effekte werden zur Veranschaulichung des Textes dienen und suchen nach
angemessen. Die Instrumente haben einen besonderen Klang, der je nach Situation besser passt.
des Arguments. Wenn wir ein angespanntes Klima schaffen wollen, verwenden wir die schweren Aufzeichnungen.
(Metallophone und Xylophone, Membranophone mit großem Durchmesser...). Wenn wir hingegen ...
Eine Spiel- und Spaßatmosphäre schaffen, werden wir Rasseln, Glockenspiele, Pfeifen, Flöten und
Instrumente, die ein Gefühl der Freude erzeugen.
Die Instrumentierung ist eine Welt, zu der sich Schüler und Schülerinnen hingezogen fühlen.
weil sich Schöpfer zeigen können. Die leicht zu bedienenden Instrumente sind empfehlenswert. Sie sind
praktisch sind auch die selbstgebauten.
Wir dürfen die Körpersprache nicht vergessen, die eine enorme Unterstützung für die Schauspieler ist.
Die gleichen Hände, die Lautäußerungen und andere körperliche Möglichkeiten sind Instrumente
verpflichtet.

Es wird improvisiert werden können. Wir werden versuchen, dass die Improvisation einen klaren Sinn hat und
funktional. Dies wird die Entwicklung der Dramatisierung unterstützen und definieren. Wenn wir eine
freie Improvisation, sowohl instrumental als auch in der eigenen Dramatisierung, wir streifen das
die "Performance" genannt wird. Die "Performance" ist sehr empfehlenswert für jedes Niveau oder Alter,
weil sie keiner Art von Norm oder Regel unterliegt. Sie dient uns für die Innenentladung, für
emotionale Anspannungen oder angenehme und unangenehme Erlebnisse herunterladen. Daher,
wir empfehlen sowohl die freie als auch die geleitete Improvisation, solange sie die Bedingungen erfüllt, die sie
Machen wir es selbst. Improvisation sollte ein gut überlegtes und sehr
vom Dozenten untersucht.
Allgemeine Prinzipien für die Improvisation:
Vorwissen über das Thema und Charakter des Werkes
Improvisation ist Spiel, Freude, Unterhaltung, Unruhe, Erkundung
Das Kind erlebt Kreativität auf unterschiedliche Weise, je nachdem, ob es sich um etwas Spontanes oder ...
vorgesehen
Die Improvisation wird als kreativer Prozess während der gesamten Grundschule stattfinden.
ein Umfeld von Freiheit, Vertrauen und Verantwortung im Unterricht unter allen
Schüler, ohne die Spontaneität und natürliche Ausdruckskraft einzuschränken
dass sie vor dem Improvisieren auf einem Instrument ausreichend Übungszeit hatten
mit demselben, wodurch die erforderliche Gelassenheit und Sicherheit erreicht wird.
 THEMA 17

DIE ENTWICKLUNG DER STIMME ALS INSTRUMENT MUSIKALISCHER AUSDRUCK.

METHODIK UND Didaktische Mittel DER STIMME TECHNIK:
ATEM, ARTIKULATION, INTONATION, RESONANZ. DIE STIMMHÖHE
VOCAL IN DER GRUNDSCHULBILDUNG. DIE STIMME DES MUSIKLEHRERS:
WICHTIGKEIT SEINER PFLEGE UND WARTUNG.

0. INTRODUCCIÓN

1. DIE ENTWICKLUNG DER STIMME ALS INSTRUMENT MUSIKALISCHER AUSDRUCK

1.1. DIE STIMME ALS NATÜRLICHES INSTRUMENT. THEORIEN ÜBER DIE
STIMMPRODUKTION
1.2. DIE STIMME: EIN INSTRUMENT DER AUSDRUCKSFORM
1.3. GESANGSAUSBILDUNG

2. METHODIK UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN DER STIMMTECHNIK:

{"RESPIRACIÓN":"Atmung","ARTICULACIÓN":"Artikulation","ENTONACIÓN":"Intonation","RESONANCIA":"Resonanz"}

2.1. ATEMWEG
2.2. ARTIKULATION
2.3. ENTONACIÓN
2.3.1. Schlechte Intonation: Ursachen
2.3.2. Schlechte Intonation: Korrektur
2.4. RESONANZ
2.5. FRASEO
2.6. METHODOLOGIE: ALLGEMEINE EIGENSCHAFTEN

3. DIE STIMMLAGE IN DER GRUNDSCHULBILDUNG

3.1. ALLGEMEINES
3.2. WICHTIGKEIT UND ENTWICKLUNG
3.3. EINSTUFUNG DER STIMMEN

4. DIE STIMME DES MUSIKLEHRERS: WICHTIGKEIT SEINER PFLEGE UND

MANTENIMIENTO
 THEMA 17
DIE ENTWICKLUNG DER STIMME ALS INSTRUMENT DER MUSIKALISCHEN AUSDRUCKSFORM.
METODOLOGIE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN DER STIMMVORTRAGSTECHNIK:
RESPIRACIÓN, ARTICULACIÓN, ENTONACIÓN, RESONANCIA. LA TESITURA
STIMMUNG IN DER GRUNDSCHULBILDUNG. DIE STIMME DES MUSIKLEHRERS:
WICHTIGKEIT DER PFLEGE UND WARTUNG.

0. EINLEITUNG
Stimme: eine Kombination von menschlichen Geräuschen, die fast vollständig aus einer Klangenergie besteht, die
se origina a nivel de la laringe y se debe a la vibración de las cuerdas vocales.
Die menschliche Stimme kann alleine oder kollektiv verwendet werden, um mit einem Instrument zu dialogieren, mit
eine Gruppe von Instrumenten oder mit dem Orchester; gesprochen oder gesungen, kann die Stimme als Unterstützung dienen
einen Text oder vielmehr seine reine Klanglichkeit entfalten.
Laut dem MEC ist das Hauptziel des Gesangs, die Freude am Singen zu wecken. In
Zunächst ist es unerlässlich, zu lernen, mit der eigenen Stimme Freude zu haben. Damit das Kind und die
Mädchen können mit ihrer eigenen Stimme genießen, ist es notwendig, dass parallel zur Experimentierung
stimmlich, beginnen Sie, Sicherheit in der Intonation zu gewinnen, entwickeln Sie Ihre stimmlichen Möglichkeiten und
Nutzen Sie die Atmung, um eine gute Stimmabgabe zu erreichen.

Die Ausbildung der Stimme ist wichtig für alle Menschen, damit in der
Musikalische Bildung für die Grundschule umfasst die Gesangsausbildung als einen Block.
unter anderem entwickeln. Ein guter Klang und eine klare Aussprache sind Hauptbestandteile
für die mündliche Kommunikation.
Die Stimme ist ein natürliches Instrument mit einem komplexen Mechanismus. Die Stimme muss gepflegt werden und
entwickeln sowohl zum Sprechen als auch zum Singen. Die Technik, die für die Stimme angewendet werden muss
Die gesprochene Sprache sollte der gesungenen Stimme ähnlich sein. Es gibt Veränderungen in der Stimme, die ...
verursacht durch schlechte Stimmgebung, die mit guter Aussprache und einer guten vermieden werden könnten
Gesangstechnik.

1. DIE ENTWICKLUNG DER STIMME ALS INSTRUMENT VON

MUSIKALISCHE AUSDRUCK

1.1. DIE STIMME ALS ERSTES UND NATÜRLICHES INSTRUMENT. THEORIEN

ÜBER DIE STIMMPRODUKTION
Si el hombre ha construido una gran variedad de instrumentos, el instrumento por
Exzellenz, fähig, verbale Klänge zu erzeugen und Gefühle zu übertragen, indem sie Musik und
Wort, ist die Stimme. Es gibt andere natürliche wie die Körperpercussion; jedoch muss die Stimme sein
als die erste und natürlichste angesehen, da die anderen zu verwenden beginnen
später und auf eine bewusstere Weise. Es ist ein Blasinstrument.

Wie entsteht der Klang in unserem Hals? Jede Zeit, je nach

Wissenschaftliche Fortschritte haben zu einer anderen Theorie geführt. Lassen Sie uns die bekanntesten kommentieren:
 a) Ventrikulartheorie, vertreten von Savart (1825) und später modifiziert.
Laut diesem Physiologen würden die Stimmbänder nicht vibrieren; sie würden nur dazu dienen, die
Menge an Luft, die über die falschen Saiten strömt und projiziert wird. Dieser Luftstrom
Es würden Wirbel entstehen, die den Klang erzeugen würden.
b) Teoría de la vibración vertical, definida por Longet (1860) y Lermoyez (1886)
Die Stimmbänder vibrieren wie die Zungen der Blasinstrumente, auf eine Weise
vertikal.
c) Mioelastische Theorie, aufgestellt von Ewald (1898)
Diese Theorie akzeptiert, dass sich beim Beginn der Phonation die Stimmbänder nähern und
sie schließen den Eingang zur Luftröhre (geschlossene Glottis). Wenn der Luftdruck, der versucht ...
ausgehen, wächst durch die Kraft der Ausatmung, die Stimmbänder trennen sich und etwas kommt heraus
Elastisch führen die Saiten diese Bewegung der Verbindung erneut aus.
Kontraktion, automatisch und unabhängig von unserem Willen. Der nervöse Einfluss
würde nur dazu dienen, einen bestimmten Grad der Kontraktion der Saiten zu kontrollieren, um zu erreichen die
gewünschte Höhe.
d) Neurochronaxietheorie von Husson (1950).
Laut Husson nähern sich die Stimmbänder einander an und trennen sich dank eines
System von überkreuzten Fibrillen, gesteuert von den Nerven des Kehlkopfes (Nerven
Wiederkehrende). Diese schnellen Glottisöffnungen sind das Ergebnis des Kehlkopfes und nicht der Luft, aber
Sie erzeugen keinen Ton. Der Klang entsteht nicht durch die Vibration der Saiten: wenn die
Saiten verbinden und trennen sich eine bestimmte Anzahl von Malen pro Sekunde, die Luft strömt vorbei
Durch sie hindurch wird es mit einer Frequenz vibrieren, die gleich dieser Zahl ist.
Es gibt andere gemischte Theorien oder mit Variationen über die vorherigen. Alle von ihnen
Sie haben richtige Punkte, aber keine alleine kann die Phonation erklären.

Die Fonation untersucht die Stimmausgabe und alles, was damit zusammenhängt.
Proceso de la fonación. El aire, que procede de los pulmones, a su paso por la
Der Kehlkopf bringt die Stimmbänder zum Schwingen. Anschließend wird der erzeugte Klang modifiziert.
(Artikulation) und verstärkt (Resonatoren), sodass die Stimme als Endprodukt entsteht.

Wir können die Stimme als ein Blasinstrument klassifizieren, mit einem
sehr besondere Merkmale:
Große Flexibilität, „wegen der Möglichkeit, die verschiedenen Teile anzupassen
móviles des Sprachapparates
Angenehmer Umfang: Modell für andere Instrumente
Emission von bedeutungsvollen Geräuschen
Kann das Gesangsinstrument mit anderen Aktivitäten kombiniert werden?

Das Stimmgerät wird in drei gut definierte Teile unterteilt:

a) Das Atmungssystem, wo die Luft gespeichert und zirkuliert wird
b) Der Sprachapparat, in dem die Luft beim Durchströmen der Stimmbänder in Schall umgewandelt wird.
Vokale
c) Das Resonanzgerät, in dem die Luft, die in Schall umgewandelt wird, sich ausdehnt und ihre
Qualität und ihre Breite

Die Stimme lässt sich mit einem Musikinstrument vergleichen, zum Beispiel mit der Orgel: im
Organ, das Blasrohr wäre das Atmungssystem; die Tastatur, das Stimmapparat; und die Röhren und die
Resonanzkasten, die Resonatoren und der Brustkorb..
 Die Funktion des Kehlkopfes ist doppelt: Er dient als Durchgang für die Luft und erzeugt den Klang.
laryngeal, das wir Stimme nennen. Für diese letzte Funktion wurde sie mit einem Instrument verglichen.
Musikalisch. Galien vergleicht es mit einer Flöte; Ferrein mit einem Saiteninstrument; Müller, mit
ein Zungeninstrument, wie das Klarinette, usw." (Mª Pilar Escudero).
Die Störungen der Sprache sind die Folge einer Krankheit
Funktionsweise der Atemorgane, Artikulations- oder Sprachorgane. Die Veränderungen
Atemwegserkrankungen verursachen Veränderungen in der Resonanz, Stottern usw. Die Kehlkopfveränderungen
können auch heisere Stimme, Intensitätsfehler, falsche Stimme usw. hervorrufen. Die Veränderungen in der
Resonator-Geräte können Dyslalien verursachen.

1.2. DIE STIMME: AUSDRUCKSMITTEL

Die Stimme ist ein kommunikativer und expressiver Instrument, besonders beim Singen:
Fusion von Musik und Sprache. Daher hat die Stimme eine doppelte Facette:
Verbale Kommunikation: Sprache
Musikalischer Ausdruck: Gesang
Jede Sprache sollte eine Form der Kommunikation und Ausdrucks sein. Die Sprache
Musical verwendet den Gesang als Ausdrucksform für das Singen.
La canción adquiere en la escuela una gran importancia, puesto que funde música
und Sprache und ist eine natürliche Form der Entwicklung des Aktes der Kommunikation. Die Bildung
Die Grundschule sollte darauf abzielen, dass die Kinder ein breites Repertoire an Liedern kennenlernen, die besitzen
ausreichendes thematisches Interesse, um die Vorstellung, die sie von der Welt haben, zu bereichern. Die Evolution
Die psychologische Entwicklung, die Kinder während der Grundschule durchlaufen, sollte sich in den Themen widerspiegeln.
die Lieder. Außerdem kann man die Lieder je nach Zielen gruppieren: um zu arbeiten an
Rhythmus, um die Fähigkeiten zur Improvisation zu entwickeln, um Begleitungen zu schaffen
Instrumentales usw.
Aber vor allem sollten die Lieder Gründe zur Freude sein. Im Fall
dass es Hemmungen gibt, die dies verhindern, dafür zu sorgen, dass sie verschwinden.

Die Ziele sollten sich nach den Schülern richten. Es ist wichtig, dass die Ausbildung...
Vokale zielen darauf ab, den Klang und die Emission der Stimme zu perfektionieren, was sich von den Bekannten unterscheidet.
Übungen zur Intonation.

1.3. EDUCACIÓN VOCAL

Die Grundlage einer guten Technik für die Gesangsausbildung liegt in der Atmung.
Debe producirse uniformemente. La relajación de músculos y órganos, es fundamental.
Neben der guten Atmung ist die Stimmimpulsierung (die korrekte Platzierung
des Tons im Resonanzgerät, wenn es die Luftröhre verlässt), ist notwendig, um zu erreichen
eine flexible, vibrante Stimme ohne Schwankungen. Um die Stimme zu modulieren, ist eine gute
Vokalisierung, eine gute Klangabgabe, eine gute Unterstützung des Klangs und eine korrekte Atmung.
Es werden Übungen mit Gähnposition, flacher Zunge, erhobenem Gaumen, Lippen benötigt.
casi cerrados y llevar el sonido hacia arriba, buscando que resuene.

Von den Eigenschaften des Schalls, Intensität, Timbre, Dauer und Höhe, die Stimmen
Menschen sind individuell in Bezug auf den Klang.

Die Stimmeausbildung ist sehr eng mit der Hörbildung verbunden.

Willems sagt, dass es nicht notwendig ist, die Kleinsten glauben zu lassen, dass das Singen ...
hauptsächlich eine vokale Angelegenheit, sondern ihnen den Gedanken ans Herz legen, zuzuhören und zu fühlen
richtige Intonation, aufrecht bleiben, mit angenehmem Timbre singen und mit der Intonation
so perfekt wie möglich. Die Schallerzeugung ist stark von der Fähigkeit zuzuhören abhängig.
und innerlich die Geräusche hören.
Die Geräusche zu reproduzieren wird das erste Ziel sein. Es wird notwendig sein, Geräusche in Serie zu wiederholen.
(es ist schwieriger, einen isolierten Klang zu wiederholen). Diese Klangsequenz wird leichter wiederzugeben sein mit
einen Rhythmus und eine Intonation. Es ist sehr wichtig zu überprüfen, dass die stimmliche Ausbildung hat
Notwendigkeit, begleitet zu sein von einer Lehre, die dem Hören Bedeutung beimisst und al
Ohrtraining.
Sugerencias:
Verhindern, dass die Stimmlautstärke die Reichweite des Kindes übersteigt.
Vermeiden, Lautäußerungen zu machen
Achte auf die Atmung, dass sie keine Müdigkeit verursacht.
Die Stimme sollte ohne Anstrengung ertönen, indem die oberen Resonatoren verwendet werden.
Die richtige Positionierung von Lippen und Mund überwachen
Übungen zum Lesen mit gestimmten, klaren und klangvollen Stimmen machen
Die Gähnposition einnehmen, wenn man Müdigkeit verspürt
Kein Husten
Die Pflege der Stimme ist sowohl als präventive Bildung als auch von zentraler Bedeutung.
korrigierende Bildung.

2. METHODOLOGIE UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN DER TECHNIK

VOCAL: ATMUNG, GELENK ENTONATION
RESONANZ

Der Musiklehrer muss die Gesangstechnik perfekt beherrschen, um ...

Ihren Schülern beizubringen, die besten Ergebnisse aus den Songs zu erzielen. Es kann nicht gelehrt werden, um
singen, wenn man vorher nicht weiß, wie man es macht. Das Kind wird singen lernen, indem es seinem Lehrer zuhört.
Der Musiklehrer muss qualifiziert sein, um bestimmte Maßnahmen durchführen zu können.
Korrekturen durch Spiele, sodass das Kind nicht bewusst ist, dass daran gearbeitet wird.
eine Reihe von Mängeln: Summspiele, wiederholte Wörter mit einem einzigen Klang zur Korrektur
Die Intonation, Zungenbrecher mit von den Schülern erfundenen Liedern...
In diesem Modell, das der Musiklehrer anbietet, sollte Folgendes beachtet werden:
a) Der Tonfall, der nicht gezwungen ist und durch seine Musikalität gekennzeichnet ist
b) Die Zeit muss dem Charakter des Liedes angemessen sein: Wenn der Text fröhlich ist, ist die Zeit
Es muss schnell sein; wenn der Text traurig oder melancholisch ist, sollte er eher langsam sein.
c) Die musikalische Schrift muss respektiert werden

2.1. ATEMWÜRGUNG
Die Atmung ist die Bildung der Luftsäule zur Erzeugung der Stimme. Das
Die Kontrolle der Atmung ist die Grundlage für eine gute Stimme.
Der Atmungsapparat besteht aus der Nase, dem Mund, der Luftröhre, den
Lungen und das Zwerchfell. Die Luft gelangt durch die Nase und passiert die Luftröhre und die Lungen.
Die Lunge nimmt die Luft auf und bläht sich auf, das Zwerchfell dehnt sich aus (senkt sich). Wenn die Lungen
Die Lungen sind in den Rippen, im Brustkorb, der das Zwerchfell drückt und anhebt.
Es ist eine Resonanzbox. Die Interkostalmuskeln erweitern und reduzieren das Zwerchfell.

Der Prozess der Atmung erfolgt in drei Phasen:

 Inspiración. Entra el aire por la nariz. Debe ser silenciosa, rápida, amplia, profunda, pero
niemals auf Maximum. Richtig: das Zwerchfell zieht nach unten und als Folge zieht die Luft
dringt in die Lungen ein
Aufschwung und Luftsperre (Rückhalt). Unmerklicher Moment, in dem die Rippen
sie sind getrennt und man hat das Gefühl, auf ihnen zu ruhen
Atemausstoß. Ausstoß der Luft durch den Mund nach außen. Das Zwerchfell bewegt sich in seine Position.
Es muss langsam und kontrolliert sein. Die gesamte Luft muss in Klang verwandelt werden. Auch nicht
Sie muss alles geben.

Es werden drei Arten der Atmung unterschieden, die kombiniert auftreten.

variieren je nach den Umständen.
Kostal superior oder pulmonal. Die eingeatmete Luft konzentriert sich im Bereich der Rippen.
Überlegene und das Schlüsselbein, wobei sie umso mehr mobilisiert werden, je tiefer die
Atmung. Es ist nicht gut für eine vollständige Lungenbelüftung. Das Zwerchfell
bleib unbeweglich.
Mittel, oder kosten-diafragmatisch-abdominal oder vollständig. Es ist jene, in der die Luft sich
Konzentriert sich auf den Bereich der falschen Rippen und das Zwerchfell beteiligt sich an den Bewegungen
oberes, aufsteigend und absteigend. Es ist der richtige Typ, bei dem man eine
gute Lungenbelüftung und eine gute Unterstützung für die Stimmfunktion.
Inferior oder abdominal. Es ist auch richtig und entsteht durch eine kräftige Aktivität des
Diaphragma, das dazu neigt, den Bauch zu wölben. Die gleichen Ergebnisse werden erzielt wie bei dem
früherer Typ.
Pulmonal Gesamt Abdominal

Ziel ist eine gute Bauchatmung, die Kontrolle und Dosierung der Luft,
ebenso wie die Erweiterung der Atemkapazität. Wie? Mit einer angemessenen Progression von
Aktivitäten in verschiedenen Positionen (liegend, sitzend, stehend). Die Übungen oft machen.
und sich auch mit Vocalisen und Intonationsübungen verbinden.
Zur Kontrolle ist es gut, dem Schüler die Bauchatmung ohne Singen beizubringen.
Beginnen Sie mit dem Üben von Inspiration und Exspiration, wie wir im Folgenden detailliert beschreiben.
Wir beginnen mit der einfachsten Position: auf dem Rücken liegend, um dann zum Sitzen überzugehen, und,
zu guter Letzt, die schwierigste: im Stehen
Langsame Inspiration, durch die Nase, als ob wir den Bauch füllen würden. Ohne die Schultern zu bewegen.
Hilft es, die Hand oder einen Gegenstand, wenn wir liegen, auf den Bauch zu legen, um zu fühlen.
wie es sich bewegt
Ausatmen durch den Mund, als würden wir den Bauch leeren, während wir die Luft kontrollieren. Pusten
über die eigene Handfläche oder über eine Kerze und die Flamme bewegen lassen, aber
dass es nicht erlischt
Danach, noch ohne zu singen, werden konkrete Übungen durchgeführt: Atemkontrolle
(widmen bestimmter Sekunden jeder Phase der Atmung), Übungen zur
 Bauchkräftigung und Übungen zur Dissoziation der Hauptmuskeln
Zubehör
Einige didaktische Ressourcen, die wir für die Atemübungen verwenden können.
sind die folgenden: a) Bilder verwenden: den Duft einer Blume riechen (Inspiration), den Wind nachahmen (Expiration),
mit unterschiedlichen Nuancen, uns mit Geschichten hilfend, wie eine Schlange, wie ein Pferd,
wie eine wütende Katze (fffff), jemanden zum Schweigen bringen (ssssss), jemanden anrufen (psssst)...; b) verwenden
objetos: globos, papeles, plumas, pajillas, pelotas de ping-pong, etc.

Pädagogische Orientierungen von Escudero:

Es ist notwendig, sowohl für das Sprechen als auch für das Singen richtig atmen zu können.
Stille, tiefe, ruhige, sanfte und mühelose Inspirationen.
- Wenn wir die Atemübungen ernst nehmen, werden wir die Hälfte erworben haben.
von der Arbeit, die die Stimmpersonalisierung erfordert
Die Übungen sollten in einem gut belüfteten Raum gemacht werden.
Es ist praktisch vor einem Spiegel

Bei den Atemübungen sind die folgenden Elemente zu beachten:

Position: stehend, aufrechter Körper, hängende Arme, aufrechter Rumpf. Beim Singen wird der ganze Körper ...
entspannt, außer im Bereich des Zwerchfells, das jederzeit die erforderliche Spannung beibehalten wird.
Atmungsform: nasale, tiefe und regelmäßige Inspiration
Dauer: Inspiration, von 6 bis 8 Sekunden
Retentions- oder Sperrzeit: 2 bis 3 Sekunden
Espiración: 8 bis 10 Sekunden
Wiederholung: 5 bis 6 Mal jede Übung

Die Atemübungen werden als Therapie eingesetzt: als Korrektoren von

Probleme mit Stottern, Nervenzusammenbrüchen, Wirbelsäulenverkrümmung usw.

2.2. ARTIKULATION
Dies ist eine Aufgabe, die es ermöglichen wird, die musikalischen Aktivitäten mit den des
Bereich Sprache.
Die Artikulation ist die Modifikation des in der Kehlkopf erzeugten Geräuschs.
Das Artikulationsorgan ist der Mund, der aus: Zähnen, Lippen, Zunge, Gaumen besteht,
Alveolen. Menschen können Geräusche in Worte und in artikulierten Gesang umwandeln.
Der Mund spielt eine äußerst wichtige Rolle bei der Artikulation der Wörter. Auch
Durch die Mundorgane wird die Farbe und Klanghöhe der Stimme verändert. Diese Organe
empfangen den Klang beim Verlassen des Kehlkopfes und leiten ihn gleichzeitig zu den Resonatoren weiter.
Sie bieten eine klare Artikulation.
Der Mund hat eine grundlegende Funktion bei der Artikulation der Wörter. Die
Die Mundorgane sind diejenigen, die je nach ihrer Position einen guten oder schlechten Klang erzeugen:
Zunge, Lippen, auch der Gaumen und der Unterkiefer. Es wird eine gute
Gelenk, wenn der Kiefer sich leicht heben oder senken kann, die Zunge flach ist und
verlängert für die langen Klänge, und in ihrer normalen Position für die kurzen Klänge. Der Velum des
Der Gaumen sollte angehoben werden, indem die Nasenlöcher geschlossen werden, und ein abgerundeter Kehlsound angestrebt wird, und
dass es nicht nasalisiert wird. Die Lippen spielen auch eine wichtige Rolle bei der Klangproduktion.

Um eine korrekte Erzeugung und Platzierung des Tons zu erreichen, ist es unerlässlich
Übungen machen, die die Muskulatur des Gaumensegels, der Zunge, der Lippen und der ...
Unterkiefer. Diese Übungen werden "Vokalisierungsübungen" genannt. Das Ziel ist es, dass die Stimme ...
angenehm und laut. Sie sollten stehend und mit leicht nach vorne geneigtem Kopf durchgeführt werden;
Öffnen Sie den Mund gut und platzieren Sie die Vokale richtig; lenken Sie den Klang zu den Zähnen.
oberer und die Stirn.

Die Vokale. Für das Studium der Vokale wird mit folgender Reihenfolge begonnen:
u, o, a, e, i. Diese Vokale werden in einem Dreieck angeordnet. Die Eckpunkte werden von: dem „i“ in
der palatale vordere Punkt, das "u" im velaren palatale Punkt und das "a" im lingualen Punkt. Die
Der Vokal "a" ist neutral, und die Vokale "e" und "o" sind intermediär. Zusammenfassend gibt es zwei Arten von
vocales:
- labiales: u, o, a
- linguales: e, i
Um zu vokalisieren, sollte man die Gähnposition einnehmen und die Zunge ablegen:
U: mache es, indem ich die Lippen ein wenig öffne und die Zunge krümme
- O: die Lippen rund machen, eine Lücke von zwei Fingern lassen und stolpern in
die Zähne
A: öffnen, indem man die Lippen nach oben rundet, wobei ein Raum entsteht, der das passieren lässt
Zwei Finger zwischen den Zähnen. Es ist ein schwer auszusprechender Vokal, aber man muss
sie zum Strahlen bringen
E: sie zum Klingen bringen, indem man die Gähn-Pose einnimmt
- Ich: den Mundraum verkleinern, den Rachen durch das Anheben des Gaumens vergrößern
vom Gaumen
Im Folgenden sehen wir uns einige Übungen zur Vokalisierung für die korrekte an.
Artikulation der Vokale:
1. Es wird mit Übungen zur Kontrolle der atemkosten-abdominalen Atmung begonnen.
Inspiration: zwei langsame Zeiten markieren.
Retention: zwei Zeiten markieren.
Espiración: zwei Zeiten markieren.
[Link] werden die Lippenvokale „u, o, a“ verwendet.
[Link] Lippen ohne Geräusche bewegen, den entsprechenden Mundraum für jede Vokal lassen
[Link] Lippen bewegen und Geräusche erzeugen
[Link] Lippen bewegen und einen Ton summen.
[Link] Sie demselben Verfahren für die lingualen Vokale „e, i“. In dieser zweiten Gruppe,
es wird wieder mit dem 'a' vokalisiert.

Die Konsonanten. Sie können nach ihrer Dauer, Stimmhaftigkeit oder

Gelenk. Escudero präsentiert die folgende Klassifikation:
Laut seiner Fortsetzen: ohne den Atemstrom zu unterbrechen
Dauer Explosiv: Explosion erzeugend

Sonoren
Klassifizierung Laut seiner Sordas
Klangfülle Flüssigkeiten
Nasalen

Laut seiner Labiales: P, B, M, F, V

Gelenk Dentales: R, L, N, Ñ, D, T, C, CH, S, Z
Palatal: J, K, G, X

Die labialen Konsonanten „m, p, b“ sind die passendsten, um zu beginnen

singen oder sprechen. Da sie explosiv sind, entsteht der Klang, wenn wir die Konsonanten mit dem Vokal verbinden.
aussprechen geht nach außen. Danach kommen wir zu den dentalen Konsonanten „d, l, r, t“ die
Die Übungen zur Resonanz werden erleichtert und vorgezogen. Zuletzt werden die gutturalen Laute untersucht.
o palatale "j, g, k, x" um den Klang nach innen zu lenken. In diesen wird die Resonanz erhöht und
wird den Konsonanten (kurz) so weit wie möglich mit dem Vokal (lang) verbinden.
Übungen zur Stimmgebung:
[Link] wird mit Atemkontrollübungen begonnen, genauso wie mit den Übungen
um die Vokale zu artikulieren.
[Link] Sie den Konsonanten "m". Singen Sie beginnend mit dem tiefen Ton und steigern Sie sich.
Halbton
[Link] Lippen werden gut geschlossen und weit geöffnet, wenn der Vokal ausgesprochen wird, indem sie die
Geräusch zu den oberen Zähnen. Zuerst wird es mit den Lippenvokalen gemacht und danach
mit den lingualen. Und sobald diese Übungen erreicht sind, wird jede Silbe verdoppelt,
sie schnell aussprechend.
[Link] nützliche Ideen: Geräusche aller Art nachahmen, Onomatopöien. Vortrag von Reimen,
Sprichwörter, Zungenbrecher... Dramatisierung von Texten (übertriebene Artikulation). Übungen
von Lippenentspannung, von Kiefer... Ma, me, mi, mo, mum, la, le, li, lo, lu. Der Vocal
Reisende...

Was erreichen wir mit den Sprachübungen?

Ein klarer, reiner, runder Klang
Die Klänge korrekt in die Resonatoren einsetzen
Eine bessere Intonation erreichen
Die Stimme timbrieren und homogenisieren

Um richtig zu vokalisieren, ist es notwendig:

Den Körper entspannen
Eine korrekte kosten-abdominale Atmung durchführen
Korrekte Position der Zunge, flach auf dem 'Boden' des Mundes, mit der Spitze
tocando en los dientes inferiores
Die Lippen sollten eine gerundete Position einnehmen
Eine Art Lächeln andeuten, mit den Wangen nach oben
Der Mund muss gut hohl sein. Stellen wir uns vor, wir haben darin einen Ball.
Ping-Pong, eine Seifenblase. Das würde uns daran hindern, die Zunge zu erheben. Auch nicht.
wir könnten den Himmel des Mundes (den Gaumen) herabsetzen

Singen mit einem festen Ton kann zu Stimmproblemen führen, da es sich ausdehnt auf
„calar“ ein wenig, bringt aber im Gegenzug keine großen Risiken für die Emission mit sich.
Die Vokalisierung, die die Töne des Dur-Akkords durchläuft, wird ein sehr nützliches Mittel sein.
effektiv, erweitert die Tonlage und "gleicht" den Klang aus. Chromatisch weiter zu den hohen Tönen
bis zu dem Punkt, den der Professor für angemessen hält. Danach absteigen und auch nach H-Dur gelangen, H.
B-Dur und sogar A-Dur. Je nach den Eigenschaften der Gruppe kann es besser sein.
Beginne in D-Dur und gehe danach nicht unter C-Dur hinab.
 2.3. INTONATION
Entonieren bedeutet, Töne mit einer bestimmten Höhe oder Tonlage zu erzeugen. Es ist grundlegend.
Für diejenigen, die Teil eines Chores werden möchten.
Es entsteht in den Stimmbändern. Gut zu singen wurde schon immer als eine angesehen
Fähigkeit, die verbesserungsfähig ist und deren Mangel konkrete Ursachen hat.

Es gibt drei Register je nach Stimmlage: hoch oder Kopfstimme,

medio, und grave oder Brustklang genannt. Innerhalb jedes Registers einer gleichen Stimme, die Bildung
Der Gesang wird dazu dienen, den Umfang dieser Stimme maximal zu erweitern. Wo ein Register endet, beginnt das
ein anderer, und das wird als "Stimmübergang" bezeichnet. Der Übergang von einem Register zum anderen ist die Schwierigkeit
dass die Stimme im Bereich zwischen den beiden Registern zu finden ist. Dies kann erreicht werden, indem man das
Klang, der in Falsetto wechselt oder die Stimme bedeckt. Wenn der Klang geöffnet wird, können Empfindungen auftreten.
de Stichen, „Hähne“. Wenn man ins Falsetto wechselt, nähert sich diese Stimme den Stimmbändern von der Seite
Baja. Die Stimme kann mit einer pharyngal-oralen Verlängerung und einer Aushöhlung des Mundes bedeckt werden.
und Abstieg des Rachens, das heißt, der Akzent wird mit einer wirklichen Resonanz platziert.
 Laut Escudero ist die verwendete pädagogische Methode für den Schritt die der
Abdeckung der Geräusche. Für den Mechanismus der Abdeckung muss eine umfassende
Atmung mit diaphragmatich-abdominaler Unterstützung, pharyngeal-oraler Verlängerung und Höhlung.

Ideen zur Verbesserung der Intonation:

Lieder nach Gehör singen
Pankromatische Bewegung mit der Stimme
Ordnung der Klänge (Intervalle singen)
Wertvolle Unterstützung für die Intonation bieten uns die melodischen Instrumente,
die uns helfen, die Stimme harmonisch zu begleiten oder zu unterstützen. Wir beziehen uns auf die Platten
und die Blockflöte. Auch die Gitarre, das Klavier, sind von enormem Nutzen.
Akkordeon..., vom Lehrer gespielt, die bei der Intonation, dem Tempo, dem Rhythmus helfen, die
Nuancen...
Eine weitere große Hilfe bieten uns die Phononomie, das vertikale Glockenspiel auf der Tafel, die
reisende Note (beweglicher Zeiger), die Hand Notensystem, die Ampelreihe... Und nicht vergessen, dass es
Es ist wichtig, bei der Einführung neuer Geräusche rigoros vorzugehen.

2.3.1. Schlechte Intonation: Ursachen

Wenn es etwas gibt, was niemals getan werden sollte, dann ist es, die Schüler zum Schweigen zu verurteilen.
die nicht passen. Das Einzige, was man erreichen würde, wäre ein schrittweiser Verlust des Interesses an
die Musik von demjenigen, der falsch singt. Die häufigsten Ursachen sind die folgenden:
a) Mangel an Aufmerksamkeit. Es ist das Häufigste: auf abgelenkte Schüler zu treffen, mit
wenig bis gar keine Aufmerksamkeit, die die Klänge oder Melodien, die ihnen beigebracht werden, schlecht wiederholen.
wiederholen, sie werden den Teil erfinden, den sie nicht gelernt haben.
b) Schlecht kultiviertes Gedächtnis. Sie werden unvorteilhaft wirken, weil sie nicht alles lernen können.
gehört und erfinden, was sie nicht behalten konnten. Wenn die Verstimmung da ist
verursacht durch diese Ursache, während das Kind das Lied besser kennenlernen.
Melodie und sie merkt sich, das Problem verschwindet.
c) Schlechte Hörfähigkeit. Sie kann auf pathologische Ursachen oder Fehlbildungen zurückzuführen sein.
aparato auditivo. Su solución escapa al maestro.
d) Schlechte Emission. Könnte durch eine schlechte organische Zusammensetzung verursacht sein,
Verschiedene Erkrankungen des Stimmgerätes oder Krankheiten des Stimmmechanismus.
Obwohl sie der vorherigen Ursache sehr ähnlich sein kann, können wir sie unterscheiden:
In diesen Fällen hören die Schüler gut, können es aber nicht reproduzieren.
richtig. Um festzustellen, ob dies der Fall ist, bitten wir Sie, dies in einer
Instrument von Schallplatten, was sie gehört haben.
e) Atemausfälle. Sie können unterschiedliche Ursprünge haben; am besten ist es, zu raten, dass...
Besuch bei einem Spezialisten. Der Musikunterricht kann denen helfen, die vorfühlen.
diese Probleme mit verschiedenen Atemübungen, die vor dem Singen durchgeführt werden.
Es ist sehr wichtig, die Ursache der Unstimmigkeiten zu kennen. Danke an
Dieses Wissen wird es ermöglichen, die Aufmerksamkeit und das Gedächtnis zu trainieren, schlechte Gewohnheiten zu entdecken.
Emissionen oder schlechte Hörfähigkeiten... An diejenigen Schüler, die Defizite aufweisen
Atemwegspatienten sollte es erlaubt sein, auf eine andere Weise zu scheitern als der Rest der Klasse.
cortando melodische, ausgedehnte Sätze oder sogar Wörter, um wieder zu atmen.

2.3.2. Schlechte Intonation: Korrektur

Es ist notwendig, in jeder Unterrichtsstunde eine bestimmte Zeitspanne zu widmen.
ausschließlich an diejenigen Schüler, die diese phonatorische Defizienz aufweisen.
 Methoden:
a) Aktivitäten vorstellen, die auf Spielen basieren und das Gehör entwickeln
b) Eine zweite Methode ist für Schüler höherer Altersstufen:
1. Höhen von Klängen unterscheiden. Wir beginnen mit extremen Klängen, um weiterzugehen.
Die Intervalle verringernd
[Link]äusche innerhalb der Oktave differenzieren
[Link] Klänge intonieren. Normalerweise machen sie es nicht beim ersten Mal gut.
Wenn das so ist, wird der Lehrer durch Glissandos dafür sorgen, dass Sie aufsteigen oder absteigen bis
den vorgeschlagenen Klang zu treffen. Sobald dies erreicht ist, wird ihm gesagt, dass er aufhören soll mit
sofort, sich auf das Geräusch zu konzentrieren, das er gerade gemacht hat. Dann wird er versuchen
de entonarlo erneut, diesmal ohne zu glissieren. Mit kontinuierlicher Arbeit, wird man
logrará.
[Link]ón de frases cortas y combinando pocos sonidos. Según Orff,
sonidos descendentes son más fáciles de entonar (sol-mi).

2.4. RESONANZ
Der erzeugte Klang wird durch verschiedene Körperteile verstärkt und bereichert.
wodurch es Weite, Helligkeit und Rundheit erlangt. Die Resonatoren sind sehr zahlreich, aber die
Die wichtigsten befinden sich in den Knochen des Kopfes, und sind der knöcherne Gaumen, die Nebenhöhlen
(Oberkiefer-, Keilbein-, Stirn-), das Cavum und der Rachen. In den tiefen Tönen die Knochen des
Die Brust trägt ebenfalls großen Reichtum zur Resonanz bei.
In jedem Register (Stimmfragment) wirken bestimmte Resonatoren:
a) In den tiefen Tönen hat der Brustkorb einen direkteren Einfluss.
b) In den mittleren Noten ist es der Mund, der am direktesten eingreift, palatale Resonanz, die
häufig verwendet, um zu sprechen
c) En las notas agudas, las fosas nasales y la cabeza (el cráneo) son los protagonistas
So müssen wir die Stimme je nach Höhe auf verschiedene Körperteile ausrichten.
Die drei Register bearbeiten:
a) Grave: thorakale Resonanz. Die Saiten vibrieren in ihrer gesamten Länge. Stark und klangvoll
b) Medium: Mundresonanz. Mittelspannige Saiten. Angenehm
c) Agudo: Resonanz im Kopf.

Der Klang, der durch die Vibration der Stimmbänder erzeugt wird, ist von geringer Qualität.
ausreichend. Das Resonatorsystem hat die Aufgabe, dem Klang Persönlichkeit und Glanz zu verleihen,
Rundheit, Weite, damit es musikalisch wird.
Escudero: "Das Zwerchfell hebt, indem es die Lungen drückt, die Luftsäule"
was durch die Stimmbänder passiert, sodass der Klang seine Resonanz im findet
Gaumen, in den Nasenlöchern, im Gesicht und auf der Stirn. Diese Resonanz zu erzielen ist
Es notwendig, die Stimme viel zu fördern und sie durch den Einsatz des Zwerchfells anzuheben. Die Stimme von
Die Kehle hat ihren rauen, trockenen Klang, ohne Glanz und ohne Resonanz.
Zusammenfassend wird der Ton durch den Druck des Membrans verstärkt und ein größerer oder
geringerer Öffnung des Rachens und eine gute Stimmlage begünstigen, dass der Klang
Qualität, und mit einer angenehmen und klaren Aussprache.
Aber es ist klarzustellen, dass es nicht genau das Zwerchfell ist, das dies tut.
presión, sino que la realizan los músculos abdominales que están a la altura del diafragma. A
Bei höherem Druck erreichen wir eine größere Intensität der Emission. Dadurch werden wir Heiserkeit oder ...
Afonías, häufig bei Kindern, die schreien. Ist auch für Lehrer nützlich.
 Damit die Kinder das Phänomen der Resonanz verstehen, kann man die
Erfahrung, dass sie sich währenddessen gegenseitig auf die Schulter oder den Rücken berühren.
Übungen zur Artikulation. So können die beim Singen erzeugten Schwingungen überprüft werden. In
Was die Resonanz betrifft, sollten sie ständig daran erinnert werden, dass sie den Klang in Richtung senden müssen.
Kopf, zwischen den Augen, und dass das Innere des Mundes dem Inneren einer
Kathedrale: der flache Boden, das hohe und runde Gewölbe.

Beispiele für Übungen zur Praxis der Resonanz:

Einen Bienenschwarm imitieren, eine Ente...
Sprechen, als würde die Luft durch die Nase entweichen
Lieder mit einer Fülle von Nasallauten (morgen): vor allem das „m“ und das „n“
Lieder mit geschlossenem Mund
Ausdruck von Bewunderung, von Hunger...

2.5. FRASEO
Eine korrekte Formulierung bringt mehr Klarheit beim Verständnis der Bedeutung des
Text und seine kommunikativen Absichten. Es können zwei Fälle auftreten: dass die musikalische phrasiierung ...
angegeben, was nicht ist. Wenn es angegeben ist, werden uns die Enden der musikalischen Sätze die anzeigen.
momentos oportunos para respirar y delimitarán las frases. En los casos en los que no tenemos
Referenzen über das Phrasieren, die Wörter mit ihrer Betonung sowie den logischen Sinn des
grammatikalischer Satz, sie zeigen es uns auf eine fast implizite Weise.

2.6. METHODIK
Der Lehrer muss die Gesangstechnik und das Singen perfekt kennen. Beobachten:
[Link] der Sprachton nicht gezwungen ist
[Link] Singen sollte das Tempo dem Charakter des Liedes entsprechen.
[Link] das Sprachorgan und der Resonator zusammenarbeiten müssen, um die Vorteile zu nutzen
Atemzug.
Fuentes und Cervera geben einige Ideen zur Didaktik der Stimme:
Einen guten Beispiel für eine angenehme Stimme, gut gestimmt und korrekte Aussprache bereitstellen
Enseñarles a respirar adecuadamente (hablar con serenidad y respetar las pausas)
Mit Gesang üben, um zu stimmen, zu atmen und zu artikulieren
Im Gesang mit den Schülern abwechseln
Sich bemühen, dass sie nicht nur die Geräusche unterscheiden, sondern sie auch wiedergeben.
Genauigkeit
Lehren, die Klangfarben von Instrumenten und Stimmen zu unterscheiden und auf ihre Nachahmung zurückzugreifen
Ihnen beibringen, die Stimme auf natürliche Weise zu modulieren, ohne auf die Technik zu bestehen.
Sie daran gewöhnen, den Mund ausreichend zu öffnen, um die perfekte Ausgabe zu gewährleisten
Stimme
Jede Übung zur Intonation nutzen, um die Vokale richtig zu setzen, die
entsprechen den Namen der Noten
Asegurar que el cambio entre vocales se logra con la mayor naturalidad posible
Beginnen Sie nicht mit der Praxis der Zwerchfellatmung, solange Sie sich nicht sicher sind, dass
Die Schüler werden dieses Praktikum verstehen.

3. DIE STIMMLAGE IN DER GRUNDAUSBILDUNG

 3.1. KONZEPT
Die Tessitur ist der Abstand zwischen dem tiefsten und dem höchsten Klang.
que puede producir un instrumento o una voz.
Aber so wie in den Instrumenten ist es verallgemeinerbar (ein Saiteninstrument
produziert immer den gleichen tiefen Ton: eine Geige, das G; eine Gitarre, das e...) passiert nicht das
Das Gleiche gilt für die menschlichen Stimmen: Je nach den Eigenschaften jeder Person hat man eine
bestimmte Spielsituation, die zudem erweiterbar ist, dank der kontinuierlichen Arbeit, sowohl in den tiefen
wie in Schärfen.

Es gibt keine einheitlichen Kriterien bezüglich der Lage der Stimmen.

infantil und ihre Entwicklung. Laut dies sollten wir vorsichtig sein, wenn wir Lieder ansprechen von
breitere Bereiche bevorzugen und lieber mit kürzeren Bereichen arbeiten. Auf orientierender Ebene, die Registrierung
normal bis zum sechsten Jahr, ist meist der einer Oktave: Do-Do’. Im Allgemeinen sind die Grenzen innerhalb von
die sich eine Melodie entfaltet, dürfen den Bereich von zwölf oder dreizehn Noten nicht überschreiten, und schon
sie gelten als extreme Grenzen.
Die weißen Stimmen (die Kinderstimmen) erreichen bis zu zwölf oder dreizehn Jahren,
Wann sich die Stimme normalerweise ändert. Zu diesem Zeitpunkt muss die Sensibilität eingestellt werden.
vom Lehrer getestet, damit die Aktivitäten, die diesen Schülern präsentiert werden, die sind
angenehm, ohne die Stimmbänder zu strapazieren; daher ist es am besten, eine mittlere Stimmlage zu verwenden.

3.2. WICHTIGKEIT UND ENTWICKLUNG

Wenn der Lehrer weiß, wie die Stimme produziert wird, wird er wissen, was er von der Stimme der ...
Kinder und wie man es erreicht, welche Möglichkeiten sie stimmlich haben und ihnen nie höhere Töne abverlangen.
Graves, die sie ausführen können. So werden Heiserkeit, Stimmverlust oder Verstimmungen vermieden.
Mit der musikalischen Bildung variiert der Stimmumfang, er kann sich erhöhen, bis er erreicht
ein natürliches Niveau, aber es wird berücksichtigt, dass die normale Entwicklung nicht beeinträchtigt werden darf
stimme, noch sie stagnieren.
Mit acht Jahren können bereits Chöre gebildet werden, indem die Stimmen aufgeteilt werden. Im Allgemeinen
Die Tessitur der hohen Stimmen ist in diesen Altersgruppen normalerweise von "tiefer C" bis "hohem F" und von den
tiefe Stimmen von "la grave" bis "do agudo".

Um den Transport von Liedern zu ermöglichen, um die Durchführung zu erleichtern

Teil der Schüler, zuerst muss überprüft werden, ob das Lied es erlaubt, denn es kann passieren
dass beim Anheben des Tons für mehr Komfort in den tiefen Tönen die hohen Töne nicht erreicht werden.
Umkehr. Wir müssen uns auch überlegen, dass die Lieder von Autoren dazu gedacht waren,
Cantadas in der Tonart, in der sie uns präsentiert werden, und es ist möglich, dass, wenn wir sie ändern,
Ändern wir seine Ausdrucksmöglichkeiten.
 Es ist wichtig, dass der Lehrer weiß, wie die Stimme eingesetzt wird, Techniken
respiratorische und angemessene Methoden. Um die Tessitura zu entwickeln, werden Übungen praktiziert.
Intonation von Skalen und mündlicher Transport von Melodien, wozu es auch notwendig ist, zu haben
Kenntnisse der Technik des Songtransports.

3.3. Klassifizierung der Stimmen

A) Stimmen von Frauen oder Kindern: weiße Stimmen. Der Klang der Kinderstimme und der von
Die Frau ist anders, aber sie sind im selben Register eingetragen.
Sopranos die höchste Stimme der weißen Stimmen. Dieses Wort stammt von 'sovrano', italienisch,
was das Höchste oder das Hauptsächliche bedeutet. Seine Funktion im Chor ist die melodische.
Mezzosoprane die mittlere Stimme.
Kontraalt die tiefste Stimme unter den hellen Stimmen. Früher bezeichnete sie die Stimme, die am tiefsten war.
erhöht als der Tenor. Viele Werke der polyphonen Periode haben Stimmen, die zu tief sind für
ser von Frauen oder Kindern gesungen, weshalb sie von Tenören mit Falsettstimme gesungen wurden.
Der Wechsel von Mädchen zu Frau verändert nicht die Natur, sondern im Gegenteil,
Diese Art von Stimme gewinnt an Lautstärke und Klangfarbe.
B) Männerstimmen: tiefe Stimmen. Sie hat auch drei Unterteilungen:
Tenor bedeutet die Stimme, die die Hauptmelodie des „Discantus“ hielt. Heutzutage ist es die Stimme
schärfer.
Baritone ist die mittlere Stimme. Manchmal werden sie mit dramatischen Tenören verwechselt und
Bajos, aber in Wirklichkeit wurde die tiefe oder gravierte Stimme des Tenors als Bariton bezeichnet.
Seine Stimme ist tiefer und ihr Klang ist voll und kraftvoll.
Die Stimme des Mannes beginnt sich im Alter von dreizehn oder vierzehn Jahren zu formen;
Generell besteht der Stimmwechsel aus einer Oktave tiefer. In dieser Zeit sollte man haben
Achte darauf, die Stimme nicht zu überanstrengen, indem du in einem mittleren Ton singst. Wenn dieser Verlust beobachtet wird...
Sinn für Intonation, die Lieder werden entsprechend ihrer neuen Tessitur transportiert.

Erweiterung der Stimmen:

4. DIE STIMME DES MUSIKLEHRERS: DIE WICHTIGKEIT SEINER

PFLEGE UND WARTUNG

Dass der Musiklehrer eine gute Stimme hat, bedeutet, dass seine Stimme fast unermüdlich ist.
potent und gut gestimmt: unermüdlich, da sie neben dem Sprechen auch die Spezifikationen angibt.
Musicals, es sollte gesungene musikalische Beispiele vorschlagen; es muss kraftvoll sein, damit alles, was
sage und interpretiere, klar zu den Schülern gekommen; sie muss gut gestimmt sein, das heißt angenehm,
clara, melodiosa, etc.
Die Stimme des Lehrers muss folgende Bedingungen erfüllen:
- eine gute Platzierung und Artikulation von Vokalen und Konsonanten
eine klare und angenehme Ausstrahlung
eine gute Intonation beim Singen
- eine Beherrschung der Intensität, des Tons und der Dauer des Sounds beim Sprechen und für
Angenommen beim Singen.

Die Gesangsausbildung ist sowohl für die Schüler als auch für den Lehrer von entscheidender Bedeutung. Es gibt
Eine große Anzahl von Lehrern mit Störungen ihrer Stimme. Wenn die Möglichkeit in Betracht gezogen würde, dass ...
Die Stimme neu zu schulen, würde die Lehrerfahrung bereichern. Besser zu verstehen, wie sie funktioniert.
des Sprechwerkzeugs könnte das Bewusstsein dafür schärfen, die Funktion des Kehlkopfes zu pflegen. Das
ständig wiederholen, sprechen, schreien, in lauten Umgebungen sprechen hat nachteilige Auswirkungen auf
ella. Andere Faktoren, die die Stimme beeinträchtigen, sind: Tabak, Luftverschmutzung, Kreidestaub, das
Erkältung, Nervosität usw. Man sollte es vermeiden, mit heiserer Stimme zu sprechen, in veränderten Zuständen, außerhalb von
unsere Einstellung, usw.
Um die Stimme neu zu erziehen, müssen wir praktische Übungen machen, die uns helfen, sie zu erziehen und zu formen.
Stärken Sie. Es wird notwendig sein, Folgendes zu üben: Entspannung, Atmung, Stimmgebung oder Stimmemission und
Gelenk.
Entspannung: Beginnen Sie in Rückenlage und konzentrieren Sie sich auf die Entspannung, Wangen- Stirn-
Augenlider, und von Armen und Schultern
Atmung: Zwerchfellatmung; an der Erweiterung der Nasenflügel arbeiten,
Je mehr sie sich öffnen, desto mehr Luft wird aufgenommen.
Impostación: die Artikulation der Vokale „u, a“ üben. Das „u“ sollte so erscheinen, dass ...
hallt in der Stirn und das 'a' im Hals
Artikulation: spontan und unbewusst die Konzepte kontrollieren
früher, langsam sprechend, artikulierend, sich verständlich machend und sehend, dass es nicht ist
Es ist nicht notwendig, schnell zu sprechen oder zu schreien dafür. Man muss lernen, die "Punkte und
„Pausen“, um Müdigkeit und unnötige Anstrengungen zu vermeiden.

Aber vielleicht ist einer der wichtigsten Ratschläge für die Pflege der Stimme des Lehrers
Die Musik ist das NICHTRAUCHEN. Das Rauchen hat eine Reihe von negativen Auswirkungen, wie zum Beispiel:
a) Der Teer lagert sich auf den Stimmbändern ab und macht sie steifer. Je mehr
Je rigider sie werden, desto weniger natürlich und gezwungener wird ihre Bewegung sein.
Folge: Auftreten von Knoten, oft irreversibel
b) Der Teer lagert sich auch in den Lungenbläschen ab. Nach und nach werden sie
inutilizando und die Oxigenierung ist immer unvollständiger: die Luft reicht nicht aus für
den Satzbau eines Liedes richtig gestalten und man muss häufiger atmen,
oft den logischen Sinn des Textes brechend.
c) Der Zigarettenrauch entfernt die natürliche Schleimhaut, die unsere Organe bedeckt.
Fonador und lässt ihn jeglichen externen Agenten ausgesetzt. Ergebnis: die Heiserkeiten, Husten,
Erkältungen usw. sind kontinuierlich.
d) Außerdem ist es ein Inhalt der "Gesundheitserziehung". Es besteht kein Zweifel, dass,
Eine bessere Lebensqualität bei unseren Schülern zu erreichen, müssen sie die verstehen und akzeptieren.
schädliche Wirkungen des Tabaks. Und es ist kaum möglich, sie davon zu überzeugen, wenn wir selbst
Wir rauchen!
 Zu guter Letzt ist ein weiterer wichtiger Rat, NICHT ZU SCHREIEN. Die Schüler haben eine große
Imitationsfähigkeit. Wenn der Lehrer schreit, wird er seine Schüler dazu bringen, zu schreien. Außerdem.
Schreien wird auch das Gehör verbessern.

Weitere kleinere Tipps sind:

Ziehen Sie Zugluft und plötzliche Temperaturwechsel in Betracht.
Vermeiden Sie extreme Bedingungen von Temperatur und Feuchtigkeit
Immer durch die Nase atmen, um die Luft zu filtern, sie zu befeuchten und sie uns näher zu bringen.
Körpertemperatur.
 THEMA 18

DIE SCHULMUSIKINSTRUMENTE. INSTRUMENTENFAMILIEN. DAS

KÖRPER WIE INSTRUMENT GRUPPEN INSTRUMENTALES.
INSTRUMENTE DER HEUTIGEN MUSIK. KONSTRUKTIONSINSTRUMENTE
PROPIA. NUTZUNG DER MUSIKALISCHEN ELEKTRONIK UND INFORMATIK.

1. DIE SCHULINSTRUMENTE
1.1. KONZEPT DES INSTRUMENTS
1.2. DIE SCHULINSTRUMENTE
1.3. NATÜRLICHE ODER KÖRPERLICHE SCHLAGINSTRUMENTE
1.4. INSTRUMENTE DER KLEINEN PERKUSSION
4.1.1. Determinate Ton Percussion Instrumente (PAD)
4.1.2. Instrumente mit unbestimmtem Klang (PAI)
4.1.3. Andere Schulmaterialien
1.5. MÖGLICHKEITEN UND BEITRÄGE IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

2. INSTRUMENTENFAMILIEN
2.1. WIND
2.1.1. Wind-Holz
2.1.2. Wind-Metall
2.2. Schlaginstrumente
2.2.1. Idofone
2.2.2. Membranophone
2.2.3. Andere Klassifikationen
2.3. Schnur
2.3.1. Gezupfte und geschlagene Saite
2.3.2. Gepunktetes Seil
2.3.3. Geriebene Saite
2.4. ANDERE KATEGORIEN

3. DER KÖRPER ALS INSTRUMENT

4. INSTRUMENTALGRUPPEN
4.1. SCHULISCHE INSTRUMENTALGRUPPEN
4.2. AGRUPIERUNGEN UND KLASSISCHE INSTRUMENTALENSEMBLES

5. INSTRUMENTE DER HEUTIGEN MUSIK

6. INSTRUMENTE FÜR EIGENE BAUARBEITEN

7. NUTZUNG DER MUSIKALISCHEN ELEKTRONIK UND INFORMATIK

7.1. ANWENDUNG DER ELEKTRONIK AUF DIE MUSIK
7.2. ANWENDUNG DER INFORMATIK AUF DIE MUSIK
 THEMA 18

DIE SCHULMUSIKINSTRUMENTE. INSTRUMENTENFAMILIEN. DAS

KÖRPER WIE INSTRUMENT GRUPPIERUNGEN INSTRUMENTALES.
INSTRUMENTE DER AKTUELLEN MUSIK. INSTRUMENTE AUS BAUSTEINEN
PROPIA. NUTZUNG VON MUSIKELEKTRONIK UND INFORMATIK.

DIE SCHULINSTRUMENTE

1.1. KONZEPT DES INSTRUMENTS

Ein Instrument ist ein Agent, organisch oder anorganisch, der in der Lage ist, Töne zu erzeugen.
mit musikalischen Zielen. Diese Definition ist umfassender als andere ältere, gemäß den
welche Instrumente „Maschinen zur Erzeugung von Klängen“ waren und uns ermöglicht, zu integrieren
instrumentos de la rítmica corporal.
Die Instrumente werden oft nach dem Bereich, in dem sie verwendet werden, oder klassifiziert.
je nach der Art und Weise, wie sie den Klang erzeugen. Unter Berücksichtigung der ersten Klassifikation
hablamos de instrumentos populares, escolares y convencionales, cultos o sinfónicos. El grupo
von den Schulmaterialien würde ich Instrumente aufnehmen, die größere Möglichkeiten bieten in der
Bildungsbereich, aufgrund seiner Einfachheit, Handhabbarkeit und relativ niedrigen Kosten.

1.2. DIE SCHULINSTRUMENTE

Jedes Objekt, das in der Lage ist, hörbare Geräusche zu erzeugen, die musikalisch verwendet werden können, ist ein
Musikinstrument. Musikinstrumente in Schulen sind diejenigen, die uns für die Verwendung dienen zu
Arbeit in der Musikpädagogik im Schulzimmer.
Eigenschaften:
Qualität
Einfachheit
Vielfalt
angemessene Größe für das Kind

Der Pionier, der die Notwendigkeit verstand, an der Schule mit solchen zu arbeiten
Instrumente war Carl Orff (1939, "Schulwerk"). Orff misst dem Rhythmus besondere Bedeutung bei.
arbeiten durch Improvisation und Ausführung mit Körperinstrumenten und Perkussion
elementar. So plant er die Durchführung von rhythmischen Ostinati, Echos mit Klatschen und Instrumenten und
Kanones und rhythmische sowie melodische Klänge.
Das Instrumentenset, das von Orff verwendet wird, hat so viel Bedeutung erlangt
die heute als "Schulorchester" oder zu seinen Ehren "Orff-Orchester" oder "Orff-Instrumental" bezeichnet wird.
Welche Instrumente gehören dazu? Die häufigsten sind:
Von festgelegter Stimmung:
Xylophone
Metallophone
Carillons
Von unbestimmter Stimmung:
chinesische Kiste Schlüssel Rasseln
Rasseln Maracas Panderos
Castagnetten Zimbeln Panderetas
Trommeln
Gerichte
 Oriol und Parra: "eine der großen Beiträge der aktuellen Musikdidaktik, hat
die Integration einer gesamten Reihe von geeigneten und erschwinglichen Musikinstrumenten in die
Kinder. Man kann im Vorschulzyklus beginnen und Schlaginstrumente verwenden.
undeterminierte. Ab dem ersten Kurs werden die von bestimmtem Klang hinzugefügt, bis
mit neun Jahren die Möglichkeit zu erreichen, ein Instrument zu integrieren, damit es sein kann
einzeln vom Kind gehandhabt.
Die Annäherung des Kindes an die Instrumentierung sollte so früh wie möglich erfolgen.
so früh wie möglich. Violeta Hemsy: „Sobald das Kind in der Lage ist, fest zu halten zwischen
seine Hände ein beliebiges Percussion-Instrument, kann für ihn der leidenschaftliche
Erfahrung, Musik selbst zu machen.

Die "didaktischen Orientierungen" des Fachbereichs Künstlerische Bildung, die von der
MEC, das sich auf die "instrumentale Ausdruck" bezieht, äußert Folgendes: "Bevor wir zu dem übergehen ...
Die Praxis mit konventionellen Instrumenten erfordert eine vorherige Erkundung der Möglichkeiten.
sonoras de los objetos y elementos del entorno cotidiano. Al alcance de los alumnos y alumnas
aus dem ersten Zyklus muss die klangliche Experimentierung hervorgehen, die sie dazu führt, die vielen zu entdecken
Geräusche, die zur Musik gemacht werden können. Dazu ist es notwendig, dass das Kind über ...
Objekte aus unterschiedlichen Materialien und Größen. Die Schlaginstrumente für die Schule bieten ein
breites Klangspektrum und eine Vielfalt von Möglichkeiten, die sie zu einem Medium machen
besonders geeignet für musikalische Experimentation und Improvisation. Sie sind angegeben für
Timbre- und Rhythmusdifferenzierungen vornehmen. Die Platteninstrumente bieten drei Aspekte
Fundamentales: Vertrautheit mit den Stöcken und dem Instrument, Möglichkeit, das zu verwenden.
Totalität der Klänge in zufälliger Form oder, im Gegenteil, Übungen zu Skalen und Tonarten.
 1.3. NATÜRLICHE ODER KÖRPERLICHE SCHLAGINSTRUMENTE
Hände, Füße, Hände auf den Knien und Schwänze, die auch als Instrumente bezeichnet werden
de Körperpercussion. Sobald eine bestimmte Beherrschung im Umgang mit den Instrumenten erlangt wurde
Natürlich kann man mit Erfolg auf die kleinen Schlaginstrumente umsteigen.
Wir werden sie im Abschnitt 3 dieses Themas näher betrachten.

1.4. INSTRUMENTE DER KLEINENPERKUSSION

Man nennt sie Schlaginstrumente, deren Klang entsteht, wenn sie
geschlagen mit den Händen oder mit Schlägeln. Es gibt zwei große Gruppen:

1.4.1. Schlaginstrumente mit bestimmtem Klang (PAD)

Sie erzeugen Geräusche unterschiedlichster Höhen. Wenn wir die Pauken ausklammern, dann alle
Die bestimmten Klanginstrumente, die im schulischen Umfeld verwendet werden, sind
Platinstrumente. Sie bestehen aus ein oder zwei Resonanzkästen aus Holz.
über die eine Reihe von Platten aus Holz oder Metall gelegt werden, deren Klang sich
Produzieren durch Schlagen mit Stäben. Die Vibrationen ihrer Platten hängen ab von
von ihrer Dicke, Länge und dem Material, aus dem sie gebaut sind. Die Instrumente
bestehen aus zwei Resonanzkästen, sind chromatisch; die Veränderungen sind über die
zweite Box, und ihre Anordnung ist der des Klaviers equivalent.
Im schulischen Umfeld werden normalerweise nur die diatonischen verwendet, obwohl es
relativ häufig, die Note "fa" oder "si" durch "fa#" oder "sib" zu ersetzen,
Die Dur-Töne von G und F können verwendet werden.
Die Carillons sind Instrumente aus gestimmten Metallplatten (13 Platten), die geschlagen werden.
mit Holz- oder Filzstöcken, je nach der gewünschten Farbgebung. Es
recomendable utilizarlo cuando los niños hayan adquirido cierta destreza con xilófonos y
Metallophone. Es werden zwei Arten von Glockenspielen verwendet: Sopran und Alt, mit einer Oktave von
Unterschied in seinem Klangbereich. Das Soprangeläut wird in violinschlüssel notiert, aber seine
Der Klang ist wirklich zwei Oktaven höher. Das Alt-Carillon wird auch in geschrieben.
Der Violinschlüssel, aber er klingt eine Oktave höher.

Die Klänge der Glockenspiele halten ziemlich lange an, weshalb sie nicht geeignet sind.
für schnelle Melodien; sie eignen sich für Märchen, Träume und für Themen von
fröhlicher, leichter und heiterer Charakter.

Die Metallophone sind Instrumente aus gestimmten Metallplatten (zwischen 11 und 13), von einer
aleación más ligera que la de los carillones, que se tocan con dos baquetas de fieltro. Son
größer als die Glockenspiele und ihre Klänge von längerer Dauer. Sie sind sehr
geeignet für die Begleitung, und in der schulischen Instrumentierung wird ihm zugewiesen werden
Ausführung der Fußnote oder des Borduns mit langen Noten. Man sollte vermeiden, Melodien zu spielen.
um das musikalische Gehör nicht zu verformen.
Es gibt drei Arten von Metallophonen: Sopranmetallophon, Erweiterung von C bis F und Notation in
Calve de sol; Metallophon alto (Kontra-alt), mit der Reichweite von C bis A und Notation in Schlüssel
de sol, obwohl sein tatsächlicher Klang eine Oktave tiefer klingt als dargestellt; und
metalófono bajo, extensión de Do a La y anotación en clave de fa, altura absoluta.

Sopran Altistin

Unter
Sie sind sehr geeignet, den Klang von Glocken zu imitieren und einen Klang zu erzeugen.
mágico.
Die Xylophone sind Holzplatteninstrumente (13 Platten), die gestimmt und angeordnet sind.
über eine Resonanzbox aus Hartholz. Sie wird mit Filzschlägeln geschlagen, und mit
Holzschlägel. Für die musicalische Ausbildung sind die aus Filz vorzuziehen. Da sie nicht besitzen
eine intensive Resonanz, sind geeignete Instrumente für schnelle Melodien, die Ostinati
agil und die agilen und präzisen Begleitungen. Um im pentatonischen Modus zu üben, ...
Sie können die Platten "fa" und "si" vom Instrument entfernen.
Es werden in der Regel drei Größen hergestellt: Sopran-Xylophon, mit derselben Notation und dem gleichen Umfang wie der
Sopranmetallophon; Alt-Xylophon (Kontraalt), mit gleicher Notation und Ausdehnung wie der
Kontraalt-Metallophon; und Bass-Xylophon, mit derselben Notation und Reichweite wie das Metallophon
bajo. Nichtsdestotrotz werden diese beiden zuletzt genannten Instrumente oft in Notenschrift geschrieben.
sol, um das Lesen zu erleichtern, wenn die Schüler die Bassschlüssel nicht kennen. In diesem Fall,
el sonido real es dos octavas más bajo que el representado. El xilófono bajo es el ideal
um die Harmonie klar zu halten, und kann die Töne ersetzen.

Die Timbales sind zwei Trommeln, eine mittlere und eine kleinere, die auf einem ...
Stativ und mit einem speziellen Schlüssel ausgestattet, um das Fell zu spannen oder zu lockern. Sie werden verwendet für die
zwei gleichzeitig, einer auf der Tonika und der andere auf der Dominante gestimmt.
Im Gegensatz zu den Orchestertrommeln sind die Schultrommeln hohl und haben einen
Solo Patch, und sie werden umgekehrt angeordnet: der Tiefe auf der linken Seite und der Hohen auf der
Rechts. Es wird mit Schwamm- oder Filzstöcken geschlagen. Sein bester Klang entsteht bei
das Zentrum des Patches. Die Technik ist kompliziert, da man die Sticks greifen muss.
nur mit dem Daumen und dem Mittelfinger jeder Hand. Die Tremolos müssen ausgeführt werden
mit zwei Stöcken auf einem einzigen Schlagzeug schlagen.
Ihre Notation sollte in Bassschlüssel geschrieben werden, obwohl wir aus pädagogischen Gründen können
Die Violinschlüssel verwenden. Der Schüler, der die Pauken spielt, sollte mit einem guten Talent ausgestattet sein.
rhythmische Begabung, da sie als rhythmische Unterstützung dienen.

1.4.2. Instrumente mit unbestimmtem Klang (PAI)

Sie erzeugen einen einzigen, in der Höhe undefinierten Klang, dessen Funktion es ist, zu betonen.
der Rhythmus. Es gibt drei große Blöcke: das Metall, das Holz und die gespannten Haut oder das Fell.
A) DAS METALL
- Dreieck. Es ist ein metallisches Dreieck, das an einem seiner Winkel offen ist. Es wird aufgehängt.
durch einen seiner Spitzen mit einem kleinen Seil und wird von außen oder in
einige seiner Ecken mit einer ebenfalls metallischen Stange: Schläger. Auch wurden
Man kann mit Holz- oder anderen Materialien Schlagstöcke verwenden. Sie werden in verschiedenen hergestellt.
tamaños: de 16 a 20 cm de lado. El sonido es fino y cristalino, penetrante y
kombiniert gut mit anderen Metallinstrumenten. Kann in der Intensität variieren. Es gibt
da er den Kontakt mit Kleidung oder anderen Körperteilen vermeiden würde, da er ihn löschen würde.
die Vibrationen. Das Tremolo wird erreicht, indem man wiederholt auf einen der
seine Eckpunkte, oder auch mit einer schnellen rotierenden Bewegung schlagen in seiner
Innenraum.
- Becken (Platillos oder Zimbeln). Es sind ein Paar Metallscheiben mit einem Loch
central en donde se sujeta una anilla de cuero, que es por donde se cogen. Hay
dass die Ring gut gehalten wird, ohne die Platte zu berühren, damit die Vibrationen nicht abgeschnitten werden.
Wenn wir den Klang dämpfen möchten, werden wir den Rand der Platten berühren.
mit dem Körper. Der Klang entsteht, indem man einen Teller gegen einen anderen schlägt, wozu
Die Bewegung der Arme muss entgegengesetzt sein, einer aufsteigend und der andere
absteigende. Für weitreichendere Klänge sind Bewegungen vorzuziehen
Kreisbewegungen. Um schnellere Geräusche zu erzeugen, sind zudem Gesten erforderlich.
kürzer und schneller. Um das Tremolo zu erzeugen, wird die Platte mit einem
mano, und mit der anderen wird mit einem Filzschlegel geschlagen, wobei darauf geachtet wird, dass die
Die Percussion sollte so ähnlich wie möglich in Gleichheit und Intensität sein. Ebenso...
Man kann einen Teller nur auf einem Bein oder einem Dreibein verwenden und ihn mit einem Stock schlagen.
Filz oder Holz oder mit einer Metallbürste. Um den Schall zu dämpfen, wird nur sein
Es ist notwendig, den Rand des Tellers mit den Fingern zu berühren. Sie werden in verschiedenen Größen hergestellt.
zwischen 10 und 40 cm.
- Crótalos (chinchines). Kleine Schellen von etwa 5 cm Durchmesser, die besitzen
zwei kleine Löcher in der Mitte, durch die ein Gummiband eingeführt wird
später an den Zeigefinger und dem Daumen. Sie werden durch Klopfen zum Klingen gebracht
eins gegen das andere sanft oder indem man sie an den Kanten gegeneinander schlägt. Ihr
Der Klang ist klar, aber schwach, und er eignet sich gut für Tanz und Übungen.
Bewegung.
- Rasseln. Ein Instrument, das aus mehreren kleinen Rasseln besteht. Formen:
a) Wie ein harter Lederarmreif, an dem mehrere Klanghölzer befestigt sind, mit einem Griff von
Holz, um es nehmen zu können. Es wird auch "Glockenkrone" genannt. Es
schütteln in der Luft oder über die Faust der anderen Hand
b) Wie man eine Halskette oder ein Armband zum Binden an den Knöcheln oder Handgelenken macht,
geeignet für den Tanz und mit fröhlichem und lustigem Klang
- Campanillas. Sie gruppieren sich wie die Glöckchen, und ihre Handhabung ist ähnlich. Sie werden verwendet
in verschiedenen Größen. Sie können mit Holzstöcken geschlagen werden.
 - Rasseln. Es gibt viele Arten: die Sistros, die einen metallischen Bogen in Form von
Hufeisen mit hängenden Metallplatten; das Tamburin ohne Fell; die
sambinas, Mango mit einigen Platten von Pandereta am Ende (Typ Paleta) oder Unterstützung
rechteckig mit Griff und zwischen ihnen Tamburin-Platten (rundes Stäbchen).
B) DAS HOLZ
- Caja china. Es un bloque rectangular de madera con una o dos Abteilungen o
Längsrillen an jeder Seite, um mehr und bessere Ergebnisse zu erzielen.
Sonorität. Es wird auf die Handfläche gelegt, wobei sie ausgehöhlt wird, damit es funktioniert.
wie ein Resonanzkasten, und wird mit einem Holzstock geschlagen. Auch
wir können sie auf einen Tisch stellen und zwei Stäbe verwenden. Ihr Klang ist trocken und
Penetrant. Das amerikanische Modell besteht aus zwei hohlen Holzylindern mit
eine longitudinale Kerbe, und eine andere Art ist die zylindrische (runde und einfache Art)
mit einem Griff zum Greifen.
- Schlüssel oder Stäbe. Es handelt sich um ein Paar kurze, zylindrische Stäbe aus Hartholz, die...
stoßen gegeneinander. Man platziert einen in die linke Hand und bemüht sich, eine zu bilden
eine Konkavität, um eine Klangbox zu erzeugen, und sie wird leicht angeschlagen
mit der anderen.
Castañuelas. Ein für unser Land typisches Instrument. Es sind zwei Holzkugeln.
hügelig, in Form einer Muschel und oben mit einem Schnur befestigt, durch die
Der Daumen wird eingeführt und sie werden gegeneinander geschlagen. Es werden normalerweise zwei verwendet.
Paare, eines schwerer als das andere. Das schwerere wird mit der linken Hand gespielt, und das
weniger ernst mit der rechten. Es ist interessant, verschiedene Kastagnetten zur Verfügung zu haben.
Größen. Es werden auch Kastagnetten mit einem Griff verwendet. Sie verleihen eine festliche Atmosphäre.
und fröhlich zur Begleitung.
- Kokos. Es kann selbst hergestellt werden, da es darin besteht, die Kokosnuss in zwei Hälften zu schneiden.
Mitades und leeren. Sie werden mit einem Schlagstock oder gegeneinander geschlagen.
- Güiro oder „Kürbisraspel“. Ein Instrument mit indigenem amerikanischem Ursprung, das
Fabrik einer länglichen, hohlen Kürbis und mit erhabenen Querschnittlinien.
seine Oberfläche, die mit einem Holz- oder Metallstab gerieben wird.
- Raspador. Der am häufigsten verwendete ist aus Bambus, der aus einem Bambusstock besteht mit
Rillen, die mit einer Holzstange abgeschabt werden.
- Maracas. Sie sind hohle Kürbisse mit einem Griff, und in ihrem Inneren werden...
Samen. Derzeit werden sie auch aus Metall, Holz, Kunststoff usw. hergestellt, und die
Samen werden durch Bleikugeln, Kieselsteine usw. ersetzt. Obwohl sie normalerweise
In Paaren verwenden, am Anfang gewöhnen sich die Kinder daran, nur eine zu verwenden.
- Matraca oder Rassel. Gezahnter Holzrad, das beim Drehen eine feste Platte schlägt.
flexibles Holz und erzeugt ein charakteristisches Geräusch. Man nimmt es am Griff und
drehen.
C) DAS PATCH
- Pandero. Holzring, der mit einem Fell- oder Kunststofffell bespannt ist, der
von einem anderen Metallring gehalten. Es wird empfohlen, dass sie Spannvorrichtungen haben. Sie werden verwendet von
verschiedene Größen. Halten Sie das Tamburin mit einer Hand und schlagen Sie mit der anderen auf das Fell.
oder mit einem Schlagzeugstock. Ihre Ausführung erfordert ein hohes Maß an Psychomotorik, da
Was notwendig ist, ist die rhythmische Koordination von Handgelenk, Arm und Unterarm beider.
Manos. Die Klangfarbe hängt von dem Ort ab, wo die Membran geschlagen wird. In
Die Ränder sind genauer als in der Mitte.
- Pandereta. Sie unterscheidet sich vom Pandero, indem sie an den Holzring einige
„Sonajas“; die häufigste Größe liegt normalerweise bei 25 cm Durchmesser. Sie werden verwendet.
auch ohne Patch (eine Rassel). Grundsätzlich wird es genauso gespielt wie das Tamburin, aber
Wenn man nur den Klang der Rasseln haben möchte, schlägt man am Rand darauf.
 Ein Tremolo erhält man, indem man nur die Rassel schüttelt. Ein Tremolo von geringerer
Intensität kann erlangt werden, indem man die Membran mit den Fingerspitzen reibt, oder
von nur einem, obwohl dies Geschick erfordert.
- Trommel. Zylinderförmige Kiste, die auf einer oder auf beiden Seiten mit einem Fell bedeckt ist.
Haut oder Kunststoff. Es gibt verschiedene Arten und Größen. Der im schulischen Umfeld verwendete ...
hat zwei Patches und eine Größe zwischen 25 und 35 cm; besitzt Spannvorrichtungen. Es wird mit
Filzschlägel, Holz oder mit den Händen. Man kann es wie das Tamburin spielen.
und es auch zwischen den Knien platzierend, kann es mit beiden Händen geschlagen werden.
- Caja. Kleine Trommel (zwischen 20 und 30 cm) mit zwei Fell, die Spannketten besitzt.
Die obere Membran ist dicker und gespannter und ist dafür bestimmt,
golpeada (batidora). Über die Unterseite, "Flick von Bordon" oder "Bordonera", befindet sich
hallan extendidas una serie de cuerdas (bordones), de tripa o de metal, que
Sie können mehr oder weniger gespannt sein. Man schlägt mit zwei Holzstöcken darauf.
Ein charakteristisches Merkmal der Kiste ist der Trommelwirbel, der erzeugt wird, indem man zweimal auf jedem Schlag prallt.
Baqueta. Erfordert viel Übung. Sein Klang ist trocken, schneidend.
- Großer Trommel oder Bass. Trommel von größerer Größe (die Schultrommel zwischen 50 und 52 cm)
von zwei Patches, die mit Holzringen gehalten werden und die durch Spannungen gespannt werden
Schlüssel oder Spannbügel. Man schlägt mit einem mit Leder bezogenen Holzschlägel oder
acorchadas. Ihr Klang ist rund, tief, voll und von langer Dauer, was
Konsistenz im instrumentalen Block.
- Bongos. Zwei kleine Trommeln unterschiedlicher Größe, die miteinander verbunden sind. Herkunft
afrocubano. Sie können verstimmbar sein, einer hoch und der andere tief. Ursprünglich werden sie gespielt
zwischen den Knien, aber sowohl im Orchester als auch im schulischen Umfeld, werden
werden mit einem Fuß oder Ständer verwendet. Es wird gespielt, indem der Bass nach links gelegt wird, und man
Klopfen Sie mit den Zeige-, Mittel- und Ringfingern am Rand. Aktivitäten
Angemessene Vorbereitungen als Einführung in den Umgang mit den Bongos sind die
Handflächenübungen auf den Knien. Es ist ein sehr geeignetes Instrument für die
Improvisation.

1.4.3. Andere Schulmaterialien

Die Blockflöte ist ein kleines zylindrisches Rohr aus Holz oder Kunststoff mit Öffnungen, die
erlauben uns, Töne unterschiedlicher Höhen zu erzeugen, indem wir hineinblasen und in Schwingung bringen
Luftsäule, die sich im Rohr befindet. Sie werden nach ihrem tiefsten Ton benannt. Man
Sie verwenden vier Arten: Sopran (hohes c), Alt (f), Tenor (c) und Bass (tiefer f); nicht
Es ist jedoch zu beachten, dass sie nicht im normalen Stimmumfang von Sopran, Alt oder Tenor klingen.
und nicht eine Oktave höher. Die im schulischen Umfeld verwendete Flöte ist die Sopranflöte.
Es hat einen melodischen Bereich von zwei Oktaven, wobei der Ton "c" der tiefste ist. Es ist
bestehend aus zwei Teilen: dem oberen Teil oder Kopf, wo sich die Mundöffnung befindet
donde se emite el aire que excita la columna de aire, y la inferior o cuerpo, donde están
die Öffnungen befinden sich.
Der geeignetste Zeitpunkt, um mit der Flöte zu beginnen, sollte zu Beginn des zweiten Zyklus sein.
das heißt, in der 3. Klasse der Grundschule. Das erste Problem, das bei Kindern beim Spielen auftritt
Die Flöte ist das Atmen. Zunächst können wir ihnen helfen, indem wir ein Komma setzen in
Die Orte, an denen sie atmen müssen. Ein weiteres Problem ist die falsche Haltung. Für
Um diese Probleme zu vermeiden oder zu minimieren, muss eine präventive Intervention durchgeführt werden.
Versuchen Sie, alle erforderlichen vorherigen Übungen durchzuführen. Bevor Sie beginnen mit der
Gemeinsame Interpretation mehrerer Flötisten, es ist notwendig, mit der Stimmung der zu beginnen.
Flautás (wenn man den Kopf ein wenig vom Körper der Flöte trennt, wird der Ton tiefer).
Wir werden die tiefsten Flöte als Ausgangspunkt nehmen.
 Técnica: la flauta debe sostenerse con delicadeza y flojamente, sin apretar, y los
Die Übungen sollten langsam und gleichmäßig durchgeführt werden, indem der Atem sehr beschleunigt wird.
schrittweise. Die Pädagogen schlagen vor, dass der Ansatz zum Lernen der Flöte sich
Ich begann mit den Noten Sol, La, Si, Do, die nur die linke Hand betreffen. Es wird empfohlen
dass die ersten Melodien klein und einfach sind, Lieder, die er bereits kennt.
Die Flöte hat mehrere Beiträge: Sie verstärkt das Lesen und die Inhalte der Sprache.
Musikalisch. Ergänzt den Gesangunterricht. Entwickelt das musikalische Gedächtnis. Hilft zu
das Phrasieren verstehen. Verstärkt die Wahl anderer Instrumente und bereitet auf die vor
Wind. Entwickle eine gute Atmung. Fördere die Einführung in die Kammermusik.
Hilft beim Verständnis der Musikgeschichte. Stärkt Werte, die das Spielen in
Gruppe nimmt an.
Die elektronische Orgel. Die kleinen elektronischen Orgeln sind zu einem
das Spielzeug mehr des Kindes. Diese Gelegenheit sollte von der Schule genutzt werden. Die
kleine elektronische Organe, zwischen 40 und 60 cm, und mit einem melodischen Bereich von drei oder
mehr Oktaven, sie sind leicht zu transportieren, und ihre Preise machen sie sehr erschwinglich.
Erste Aktivität: Alle Finger der rechten Hand auf die Tasten do, re, mi legen.
fa und sol, und vermeiden, vom ersten Tag an, dass das Kind die Tastatur anschaut, während es etwas ausführt
Melodie in diesem Bereich.
Die Gitarre, Resonanzkörper mit flachen Zargen, mit einer kreisförmigen Öffnung in der Mitte
über die sich 6 gesattelte und gestimmte Saiten befinden (mi, si, sol, re, la, mi) und ein
Mast oder Griff, ausgestattet mit einem Bund, der in 19 Bünde unterteilt ist, mit chromatischer Stimmung.
Die Saiten sind an einem Stimmgerät, normalerweise aus Metall, befestigt, um sie besser zu halten.
Spannung, von wo aus mehr oder weniger gespannt wird, erfolgt ihre Abstimmung.
Es ist ein gebräuchliches Instrument in der andalusischen Gemeinschaft, sein Lernen stellt
größere Schwierigkeit als die Flöte und die elektronische Orgel, weshalb man es in Betracht ziehen könnte
Dritter Zyklus der Grundschule, aber da die Kosten eher hoch sind, müsste man
Es wäre möglich, es für pünktliche Schüler als besondere oder außerschulische Aktivität einzuschränken.
irgendeine Art von Workshop anzubieten, aber außerhalb der Unterrichtszeiten, um die zu nutzen
Hobbys der Schüler, zum Wohle dieser und ihrer Kameraden, die ihnen dienen würden.
Referenz und für das Zentrum im Allgemeinen.
Außerdem die Orgel (oder das Klavier) und die Gitarre oder das Akkordeon,
Es sind Instrumente, die auch vom Lehrer verwendet werden können, um zu tun
instrumentelle Aktivität, die angenehmer und unterhaltsamer ist, um als musikalischer Leitfaden zu dienen, wofür
Die Schüler interpretieren.

1.5. MÖGLICHKEITEN UND BEITRÄGE IN DER MUSIKPADAGOGIK

Es sind Schulinstrumente, die in der Regel aus Percussion bestehen und die
aufgrund ihrer einfachen Ausführung, ihrer einfachen Technik und ihrer Möglichkeiten (rhythmisch, melodisch und
einige Harmonika), erscheinen uns als die am besten geeigneten für unsere tägliche Arbeit in der
Schule.
Die instrumentale Praxis ist im Inhaltsblock "Gesang. Ausdruck" enthalten.
vokal und instrumental“. Das zeigt uns, dass es dazu dienen wird, die Schüler in ihren zu entwickeln
Ausdrucksfähigkeiten, weshalb es unsere Aufgabe sein wird, dafür zu sorgen, dass sie solche Instrumente sehen.
als neue Ausdrucksformen.
Außerdem ermöglichen sie uns, mit den verschiedenen musikalischen Elementen zu arbeiten.
Rhythmus: Die meisten der genannten Instrumente haben nur eine rhythmische Rolle. Wir
Wir werden sie zum Arbeiten nutzen:
Pulsation
Akzent
 binäre und tertiäre Rhythmik
- Anfang, Rückschläge, Synkopen, usw.
Melodie: Die Platten- oder Lam instruments fügen ihrem rhythmischen Wert Möglichkeiten hinzu.
melodisch. Sie werden uns helfen, Konzepte wie einzuführen:
Melodie
melodischer Satz
- intervalos (trayectoria y amplitud)
Harmonie: die Platteninstrumente werden dazu dienen, dass die Schüler gehen
Entwicklung Ihres harmonischen Gehörs. Außerdem dienen sie zur Erstellung harmonischer Ostinatos, Bässe.
harmonische oder harmonische Begleitungen von Liedern, um tiefer in das, was
Willems denominó conciencia armónica.
Andere musikalische Aspekte, die mit den Schulinstrumenten bearbeitet werden können:
- fraseo
Form
Nuancen
- unterstützen die Intonation
- sie beinhalten Bewegung und begleiten Aktivitäten der Bewegung

Schließlich sind die Instrumente auch positiv, weil sie helfen zu verstehen
die Schüler die Notwendigkeit von Stille, die Notwendigkeit, sie zu nutzen und sie wie das zu behandeln, was sie sind und
keine Spielsachen, und sie vermitteln den Respekt gegenüber fremden musikalischen Produktionen.

Weitere Beiträge zum Bildungswert:

Psychomotorische Entwicklung: Lateralisierung, Koordination, Kontrolle des motorischen Impulses, Orientierung
Raum-Zeit, Körperschema.
Entwicklung der auditiven Wahrnehmung: rhythmisch, melodisch, harmonisch, timbral, formal.
Juego, disfrute y motivación.
Lernen der Elemente der musikalischen Sprache: Figuren, Pausen, Noten, Intervalle,
Matices, usw.
Sozialisation, Koordination, Zusammenarbeit, Kooperation mit anderen: Integration.
Begünstigung des Ausdrucks
Verantwortlichkeit in der Herstellung
Kultivierung der kreativen Vorstellungskraft
Das gleiche gilt für guten Geschmack und ästhetisches Vergnügen
Entwicklung der Fähigkeiten zur Improvisation und Kreation
Diagnosefunktion

2. INSTRUMENTENFAMILIEN

Familia:Grupo de instrumentos con cualidades y naturaleza similares aunque tengan

unterschiedlicher Form. Innerhalb jeder Familie können wir interne Unterteilungen vornehmen, wobei wir auf
verschiedene Kriterien; das Ergebnis dieser Unterteilungen nennen wir Gruppen.
Traditionell wurden Instrumente in drei große Familien unterteilt: Saiten,
Wind und Schlaginstrumente. Dennoch entspricht diese Klassifikation drei unterschiedlichen Kriterien von
Ordnung: der Klangkörper, auf der Saite; die aktivierende Kraft, im Wind; und die Aktion, die
Produziere den Klang, in den Schlaginstrumenten.

2.1. WIND
Sie wurden seit der Vorgeschichte (30.000-20.000 v. Chr.) verwendet.
Eine erste Klassifizierung ermöglicht es, von zwei Gruppen zu sprechen: Blasinstrumente
Mechaniker und Instrumente mit menschlichem Atem. Die ersten sind die seltensten, unter den
dazu zählen wir diejenigen, bei denen der Luftstrom durch einen Mechanismus erzeugt wird
(Fuelle): Organ, Akkordeon, Konzertina, Bandoneon, Harmonium. Die Blasinstrumente
Humano sind diejenigen, bei denen der Atem von Menschen erzeugt wird. Gleichzeitig sind die
Blasinstrumente, je nach Material und Art des verwendeten Mundstücks, werden
unterteilen sich in Holzblasinstrumente und Blechblasinstrumente.

2.2.1. Wind-Holz
Das Holzblasinstrument besteht aus Instrumenten, die aus
Holz, oder was aus diesem Material gebaut wurde. Sie können einen abgeschrägten Eingang haben oder
Zungenmundstück.
a) Eingangsöffnung mit Fase. Der Fase ist ein fester Teil, der gegenüber dem Strom liegt.
luftdicht und scharf, die dazu dient, die Klangvibration zu erzeugen. Alle Flöten haben
Flautas wurden in allen Zivilisationen gefunden, aber im Bereich
okkidentalen, kamen durch die griechische Kultur.
Wir können über zahlreiche Arten von Flöten sprechen. Wir sollten zwei Arten kennen:
die Blockflöte oder die Querflöte. Die Blockflöte, so genannt wegen ihrer
Geräusch, wird auch als "Pick" bezeichnet. Je nach Größe haben sie unterschiedliche Tessituren oder
Stimmung, wobei die häufigste die Sopranflöte oder C-Flöte ist. Je nach ihrer
Digitierung, wir sprechen von der Flöte mit barocker (französischer) Digitierung und mit Digitierung
Deutsch (aktuell). Letzteres ist eine Vereinfachung des Ersteren.
Die Querflöte wird so genannt, weil sie in horizontaler Position gespielt wird oder
transversal. Derzeit wird sie aus Metall gebaut. Im Gegensatz zur süßen, der
Travesera ist eine Querflöte, das heißt, es gibt nichts zwischen unseren Lippen.
und das Fasen. Die häufigste ist die Flöte in C, obwohl sie auch sehr häufig verwendet wird, in
das Orchesterumfeld, die Piccoloflöte.
b) Mundstück mit Zunge. Die Zunge ist eine dünne Platte aus Schilfrohr, Metall oder Kunststoff.
die, an einem Ende befestigt, am freien Ende vibriert und die Schwingung des
Instrument. Die klarsten Vorläufer haben wir in Griechenland. Schon im Mittelalter
Medien, wir haben andere Zungeninstrumente wie das Chalumeau, die
Chirimía und die Bombarde. Heutzutage können sie ein einziges oder zwei Zungen haben.
Zungen oder mehr als zwei Zungen.
- Einfachblatt-Instrumente: Klarinette und saxophon. Die Klarinette ist ein
Instrument aus Ebenholz, mit zylindrischem Rohr und einem Schalltrichter
abgerundet. Der erste Komponist, der seine Möglichkeiten erkannte, war Mozart und seitdem
Dann wurde er in das Orchester aufgenommen. Das Saxophon ist ein hybrides Instrument.
gebaut Mitte des letzten Jahrhunderts von Sax. Hat eine Klarinettenöffnung,
Korpus des Oboe und Klappen der Querflöte. Ursprünglich wurde es nur in
militärische Gruppen. Später, dank Berlioz oder Ravel und dank des Jazz, wurde
Sie haben ihre großen musikalischen Möglichkeiten entdeckt.
- Doppelrohrblattinstrumente: Oboe, Englischhorn, Fagott und Kontrafagott. Die Oboe
stammt von der Chirimía. Während des Barockzeitalters gab die Chirimía zwei hervor.
sehr ähnliche Instrumente: die Dulzaina und das Oboe. Die erste wurde in
 Folkloristische Bereiche, während der andere in klassischer Musik. Das Oboe hat zwei
kleine gegenüberliegende Zungen und ein konischer Ebenholzkörper, der sich verbreitert
desde la parte superior. Al oboe de más tamaño se le denomina corno inglés.
Es hat zwei Unterschiede zum vorherigen: Die Zungen werden in einen eingesetzt.
kleine Metallröhre (Tudel) und das Endpavillon hat die Form einer Glühbirne.
Der Fagott stammt von der Bombarde. Es hat zwei Zungen, die in einen Schallbecher eingesetzt sind.
kurvig und ein Körper aus Pau-Brasil, konisch, über sich selbst gebogen. Die
Der Kontrafagott hat ein Rohr, das noch länger ist, und ermöglicht eine tiefere Oktave als
der vorherige.
Oboe, Horn, Fagott und Contrafagott gehören heute zum Orchester. Andere
Folkloristische Instrumente dieser Art sind die Dulzainas und die Gaita.
- Instrumentos de lengüetas múltiples: las armónicas y las melódicas.

2.1.2. Wind-Metall
Gruppe, die aus mit Metall und mit
Mundstücköffnung. Das Mundstück ist ein Stück in Form einer Tasse oder eines Trichters, über dem
die sich zwischen den Lippen befinden und dazu dienen, den Klang zu erzeugen. Blasinstrumente-
Metalle haben in allen Zivilisationen existiert: Ägypten, Mesopotamien, Israel, Griechenland oder
Roma. Ihr kräftiger, durchdringender und strahlender Klang hat sie zu den
instrumentos “altos” por excelencia.
 In ihrem Ursprung ist ihre Einfachheit offensichtlich: ein Mundstück und ein konischer Schlauch,
mehr oder weniger um sich selbst gewickelt. Um Töne unterschiedlicher Höhe zu erzeugen, wird
werden heute verwendet: die Kolben, in Trompete und Posaune; Schaufeln in der Trompete, der Tuba
und das Euphonium; oder Stangen, in der Posaune. Zusätzlich zu den bereits genannten, in einem weiteren Bereich
Beliebt sind die Hörner, die kleinen Hörner, die Kuhhörner und die sogenannten Trompeten.

2.2. SCHLAGWERK
Es sind alle Instrumente ohne Saiten oder Klangrohr.

2.2.1. Idiophone
Es sind Instrumente, bei denen der Klang vom Material selbst erzeugt wird.
des Instruments dank seiner Solidität und Elastizität. Sie sind starr und ohne Unterschied zwischen der
Produzierende und verstärkende Partei. Sie können auf verschiedene Weise angeregt werden:
- sie schütteln: die Maracas, die Klingeln und die Glocken
- schlagen: die Platten, das Dreieck, der Teller, das Gong, die chinesische Box usw.
- Durch das Aneinanderstoßen: die Kastagnetten, Schellen, Klatschen, Zimbeln und Teller
 - Reiben: das Güiro
- Sie zu beugen und loszulassen: das Flexaton und die Mundharfe.

2.2.2. Membranophone
Sie klingen dank einer flexiblen Membran, die mit Schlägeln geschlagen wird,
Zahnstocher, Bürsten oder die eigenen Hände. Sie werden in zylindrische und halbkugelförmige eingeteilt. Die
Zylindrisch sind die Trommeln: die Bassdrum, die Snaredrum, die Timbales, der Rototón, die Rasseln,
Bongos... Die halbsphärischen sind weniger verbreitet und der einzige Fall, in unserer Musik
occidental sind die Trommeln.

2.2.3. Andere Klassifikationen

A) De afinación determinada – De afinación indeterminada
Die bestimmte Stimmung, wenn sie in der Lage sind, vergleichbare Töne zu erzeugen oder
gleich wie die der musikalischen Skala.
B) Membranophone – Membranes – Kleine Percussion
Die Membranophone sind bereits besprochen. Die Blätter wären die Platten.
Während die kleine Perkussion aus den übrigen Idióphonen bestehen würde.
 2.3. Schnur
Es sind diejenigen, bei denen gespannten Saiten betätigt werden, und beim Vibrieren produzieren sie das
Ton. Der älteste Vertreter ist der Musikbogen: ein Jagdbogen, der verwendet wurde
sonoramente in rituellen Tänzen (15.000-9.000 v. Chr.). Von der Antike bis heute, was nicht fehlt
Vielgestaltig war die Art, die Saiten zu manipulieren.

2.3.1. Gezogene oder geschlagene Saite

Es sind diejenigen, bei denen die Saiten mit den Fingern (den Fingespitzen) gezupft werden.
o Nägel): die spanische Gitarre, die Harfe, die alte Laute... Harfe und Laute sind Instrumente
alte, die die Saiten senkrecht zum Klangkörper oder Resonanzkörper haben,
und jede von ihnen erzeugt einen differenzierten Klang (außer der aktuellen klassischen Harfe).
Respecto a los instrumentos de cuerda percutida, presentan una serie de
Parallele Saiten zur Resonanzbox, die direkt oder indirekt angeschlagen werden. Der Fall
Der direkte Schlag besteht aus der Verwendung von kleinen Stöcken, während
Der Fall des indirekten Schlags weist einen mehr oder weniger komplexen Mechanismus auf, in dem, nachdem
Die Aktion der Taste erfolgt durch die Annäherung und das Schlagen eines "Hammers" auf die
Schnur. Vom ersten Fall bleibt in Westeuropa kein Beispiel. Dennoch
Das Renaissance-Clavichord gab dem Pianoforte und dem Klavier Ursprung, mit einer gewaltigen Verbreitung.
das wir alle kennen.

2.3.2. Gepunktetes Seil

Gruppe von Instrumenten mit Saiten, in der Regel aus Metall und
sehr gespannt, betrieben mit einem kleinen Stück aus anderem Material, das als Kante bezeichnet wird oder
plectrum. Im Mittelalter bestand es aus dem starren Teil einer Feder. Das
Das repräsentativste Instrument war also das Lauten. Bereits in der Renaissance war die Laute...
das am häufigsten verwendete Instrument. Heute können wir über den Lañol, die Bandurria oder sprechen.
die elektrische oder akustische Gitarre.

2.3.3. Geriebene Saite

Dieses Reiben erfolgt mit einem Bogen, kann aber auch
sich dank eines Holzrades mit genügend Harz realisieren. Von diesen Eigenschaften ist
ein mittelalterliches Instrument (Organistrum), das die Zanfona oder die Drehleier hervorgebracht hat,
heute auf den folkloristischen Bereich reduziert.
Diejenigen, die den Bogen benutzen, sind jedoch viel zahlreicher:
Im Mittelalter von den Arabern in Europa eingeführt, führten sie zu einem Instrument.
populär (aktuelle Rabel) und eine ausgefeiltere Gruppe: die Gruppe der Violen oder der Fídulas.
Dies führte im Barock zur Gruppe der Violinen, die aus besteht aus
Geigen, Bratschen, Celli und Kontrabässe.
 Aber wie wir zuvor gesagt haben (zu Beginn dieses Abschnitts), ist diese Klassifizierung
es folgt keinem einheitlichen Kriterium. Daher Mahillon (1884) und später Hornsbostel und Sachs
(1914) entwickelten sie eine logischere Art der Klassifikation. Das Kriterium für die Klassifikation war in
erstens die Art der Tonproduktion und zweitens die Art der Ausführung und ihre
Bau. Es bildeten sich vier große Gruppen, die später ergänzt werden mussten
eine fünfte Gruppe mehr. Diese Klassifikation ist die folgende:
Idiófonos: das gesamte Instrument vibriert
Membranophone: eine gespannten Membran vibriert
Cordophone: die Saite vibriert
geriebene Schnur
- cuerda punteada (con los dedos, con plectro o púa, o con mecanismo)
- cuerda percutida
Aerophone: eine Luftsäule vibriert
- wind-wood (of single reed, double reed or beveled)
- Windmetall (mit Düse und konischem Rohr oder mit Düse und zylindrischem Rohr)
mechanischer Pustefix (mit oder ohne Röhren)
Elektronophone: der elektrische Strom vibriert (er vibriert nicht, er schwankt).
 Wir könnten auch eine andere Klassifizierung der Instrumente je nach dem Bereich, in dem sie eingesetzt werden, verwenden.
werden verwendet:

Schulmaterialien
Instrumente des Orchesters
Instrumente der Band
instrumentos del rock, jazz, flamenco
Folklore-Instrumente
historische Instrumente
usw.

3. DER KÖRPER ALS INSTRUMENT

Sanuy und González: "Die Instrumente, die wir zuerst handhaben müssen, sind die"
natürliche des Körpers. Wir können unseren Körper als rhythmisches und akustisches Instrument nutzen,
als Percussioninstrument mit verschiedenen Klangfarben. Ein weiteres Instrument, vielleicht wichtiger
dass die Bezeichneten, es ist die Stimme (Thema 17).

a) PALMEN. Den Körper entspannt halten, in korrekter Haltung und die Flexibilität fördern.
Elastizität der Arme. Die am besten geeignete Position zu Beginn ist stehend und die Arme
leicht vom Körper getrennt. Es ist zu vermeiden, dass die Handflächen nach
Haben geschlagen; sie müssen mit Rückprall durchgeführt werden. Wenn die Kinder diese Aktivität im Sitzen machen, dass
Halten Sie Abstand von Ihren Tischen, damit die Flexibilität der Arme nicht behindert wird.
Zwei Modalitäten: Erstens, mit den Händen diagonal, mit langsamer Bewegung, die
rechte Hand auf die unbewegte linke, und dann umgekehrt; zweitens, die Hand schlagend
rechts auf der Handfläche der linken Hand.
Effekte und Klänge, die wir durch Klatschen erzielen können:
- Helles Geräusch: eine Hand gegen die andere
- Gedämpfter Klang: mit hohlen Händen
- Starke Intensität: mit 4 Fingern auf die gegenüberliegende Handfläche klopfen
- Mittlere bis starke Intensität: dieselbe mit 3 Fingern
- Intensität Piano: dasselbe mit 2 Fingern
- Pianíssimo: dasselbe mit 1 Finger
Jedes Kind sollte diese Effekte getrennt erleben.

b) PIES. Es kann stehend oder sitzend durchgeführt werden, obwohl es am Anfang besser ist, dass sie stehen.
Die Intensitäten, die wir erzielen können, sind unterschiedlich, je nachdem wie wir die ausführen.
Percussion:
mit geschlossenen Füßen
- mit einem einzigen Fuß
- die Füße abwechselnd bewegen
- mit den Zehenspitzen
- mit der Spitze eines einzigen Fußes
- alternierend die Zehenspitzen
- mit den Fersen zusammen
- mit der Ferse eines einzigen Fußes
- die Fersen der Füße abwechseln
- abwechselnd die Ferse und die Zehe oder die Zehen verwenden
c) PITOS. Es besteht darin, den Daumen und den Mittelfinger zu schnippen. Das Geräusch ist trocken. Diese Aktivität
Es ist schwierig für kleine Kinder; dennoch, auch wenn sie es nicht schaffen, sollen sie die Geste nachahmen, um
no romper el sentido rítmico, sobre todo cuando se realizan actividades en las que intervienen
verschiedene Elemente der Körperpercussion.

d) PALMAS AUF DEN KNIEEN. Die Hände auf die Oberschenkel oder Knie klopfen. Ist angemessener
Mach es sitzend, obwohl es auch stehend gemacht werden kann. Der Klang ist gedämpfter in
Vergleich mit dem Applaus.
Verschiedene Möglichkeiten, sie durchzuführen:
- die Handflächen gleichzeitig auf die Knie klopfen
- die Hände abwechseln
- die Hände kreuzen und gleichzeitig schlagen
- die Hände kreuzend und abwechselnd trommelnd
Dieses gesamte Set von Aktivitäten mit den Händen auf den Knien sind vorbereitende Übungen.
optimal für die spätere Handhabung der Schlaginstrumente, der Pauken und der Bongos.

e) BUKALEN GERÄUSCHE. Wir beziehen uns nicht auf die von dem Sprechapparat erzeugten, sondern auf
Diejenigen, die dank der Zunge oder der Lippen erreicht werden, werden durch die
cavidad bucal: chistar, chasquear la lengua, etc.

Wir werden die Körperinstrumente in Übungen / Spielen verwenden:

de Imitation (Echos)
von Rhythmuslesen
de improvisación y creatividad
audio diskriminierung
Begleitung von Prosodien, von Liedern, von Instrumentierungen, von Tänzen,
Vorsprechen.

Die Körperinstrumente sollten auf alle mögliche Arten geübt werden, und sie sind
magnifizierte Übungen zur Entwicklung der Psychomotorik. Obwohl sie für die Ausbildung verwendet werden.
rhythmisch und haben eine pädagogische Funktion, sind sie voll gültig für die zukünftige Praxis
instrumental y vocal.
Die Klangfarben der Körperpercussion-Instrumente können als: die Pfeifen, betrachtet werden.
Soprane; die Hände, Altisten; Hände auf die Knie, Tenöre; und die Füße, die Bässe.
Die Schrift erfolgt auf rhythmischen Achsen, eine Linie für jede von ihnen. Im Falle von
dass die Knie separat geschlagen werden, werden ebenfalls zwei rhythmische Achsen verwendet, eine für die
rechte Knie (RK), mit den Falten nach oben, und eine für das linke Knie (LK), mit
die Falten nach unten.

4. INSTRUMENTALE GRUPPEN
 Jedes Instrument hat eine spezifische Eigenschaft, um es voneinander unterscheiden zu können.
alle anderen: die Glocke. Wie bei anderen Sinnen genießt auch das Gehör
die Vielfalt wahrnehmend, in diesem Fall die Klangfarbe. Deshalb sehr häufig und seit Zeiten
Entfernte Instrumente aus verschiedenen Familien haben sich versammelt oder gruppiert.
Die Instrumentalgruppen werden die Zusammenarbeit mit den Kollegen fördern und erleichtern.
dass die Kinder einander hören und sich gegenseitig helfen, auch wenn es mehr Sinn macht mit
Gruppen, die mit Individualitäten arbeiten, denn alle Kinder müssen aktiv teilnehmen.

4.1. SCHULISCHE INSTRUMENTALGRUPPEN

Die schulischen Instrumentalgruppen sind den Möglichkeiten untergeordnet.
wirtschaftliche des Zentrums. Grundsätzlich ist es ratsam, über die geeignetsten Instrumente zu verfügen
wirtschaftliche (Panderos, Panderetas, chinesische Kisten, Dreiecke, Klappen und Rasseln) zum Spielen
später zu den Platteninstrumenten.
Die Bereicherung der Optionen hängt von dem Werk ab, das interpretiert wird. Und in
Was die Anzahl der empfohlenen Instrumente betrifft, über die ein Zentrum verfügen sollte, wird es
abhängig von der Anzahl der Schüler.
Die Platzierung der Instrumente ist laut Sanuy und González günstig.
Im Plattenverband den Reihenfolge von tief nach hoch von links nach rechts ab dem Punkt respektieren
aus Sicht der Situation der Kinder, da dies die gleiche aufsteigende Reihenfolge mit sich bringt in
jedes Instrument.

Lassen Sie uns nun ein Beispiel für instrumentelle Gruppierung ansehen: die von
Oriol und Parra:
a) Metallplatten: 3 hohe Glockenspiele, 3 tiefe Glockenspiele, 2 hohe Metallophone, 2
hohe Metallophone, 1 tiefes Metallophon.
b) Holzplatten: 5 Sopransaxophone, 5 Alt-Xilophone, 1 Bass-Xilophon
c) Metallpercussion: 1 Paar Schellen, 2 Triangeln unterschiedlicher Größe, 1 Paar Becken, 1
gong
d) Holzpercussion: 1 Chinese Box, 1 Paar Klappern, 1 Kastagnetten mit Griff
e) Sonajas: 1 sambina, 1 juego de cascabeles, 1 juego de campanas, 2 pares de maracas, 1
Rasierer
f) kleine Membranpercussion: 2 Tamburine, 2 Schellenrüttel, 1 Bass Drum, 1 Paar Bongos, 1
von Trommeln
Auf jeden Fall sollten wir zumindest versuchen, die Komponenten zu haben von
ein Orff-Instrumentarium.
 4.3. AGRUPIERUNGEN UND KLASSISCHE INSTRUMENTALENSEMBLES
DUO. Ein solistischer Instrumentalist mit Begleitung eines Tasteninstruments.
TRIO. Drei Soloinstrumente. Eines davon ist oft ein Tasteninstrument.
QUARTETT. Verschiedene Kombinationen
- Klassisches Streichquartett: 1. Violine, 2. Violine, Viola und Violoncello
Schnur und Klavier
- viento: flauta, oboe, clarinete y fagot
QUINTET. Verschiedene Kombinationen
- cuerda: violín 1º, violín 2º, viola, violoncelo y contrabajo
- viento: flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa
Saiten und Klavier
- Wind und Klavier (außer die Trompete)
SEXTET. Verschiedene Kombinationen. Diese Modalität hat weniger Popularität genossen als die.
vorherige: 2 Violinen, 2 Violen und 2 Violoncelli, oder 2 Klarinetten, 2 Hörner und 2 Fagotte
SEPTIMINO. El más conocido es el famoso “Septimino en Mi Bemol Mayor, Op. 20” de
Beethoven: Klarinette, Fagott, Horn, Violine, Viola, Violoncello und Kontrabass.
Es wurden auch OCTETOS und NONETOS geschrieben, aber sie werden weniger verwendet.

ORCHESTER. Der Begriff stammt vom griechischen "orkhestra" und bezeichnete den physischen Raum
halbkreisförmig von den Theatern, in denen die Tänzer, der Chor und die Instrumente agierten. Das
Der Begriff differenzierte sich im 17. Jahrhundert und definierte so die Gruppe von Musikern, während...
Der Raum wurde schließlich "Graben" genannt.
Die Orchester im eigentlichen Sinne erscheinen im Barock. In dieser Zeit ist es nicht definiert.
klar, obwohl das Streichorchester, das aus gestrichenen Saiten bestand, verwendet wurde und die
Schlüssel. Dieses Orchester begleitete eingeladene Soloinstrumente. Im Klassizismus,
Produzieren Sie die Einbeziehung von Blechblasinstrumenten (Horn), Holzblasinstrumenten (Flöten,
Klarinetten und Hörner) und sporadisch die Percussion (Timbales). Beethoven wird derjenige sein, der einen
neuen Schwung für das Orchester hinzufügen, indem der Rest der Blechbläser und andere Holzbläser hinzugefügt werden
wie die Piccoloflöte, Fagott und Kontrafagott und definitiv das Schlagwerk. Seitdem,
Wir können von einem echten Sinfonieorchester sprechen, das aus den drei großen besteht.
Familien, die bis heute mit sehr wenigen Veränderungen und wenigen
bedeutend.
- Kammerorchester: Orchester, das aus einer kleinen Anzahl von
Instrumente. Es kann zwei Arten von Modalitäten geben:
integriert nur aus Streichinstrumenten
bestehend aus Streichinstrumenten sowie ein oder zwei von jedem Typ der
von Wind, mit Ausnahme der Posaune und der Tuba
- Symphonieorchester: besteht aus einer Vielzahl von Instrumenten. Die aktuellen
Orchester bestehen in der Regel aus den folgenden Komponenten:
Streichergruppe: 14 bis 18 erste Geigen, 12 bis 16 zweite Geigen, 10 bis 14 Bratschen, 8 bis
12 Violoncellos, 6 bis 10 Kontrabässe, Harfe, Celesta und Klavier
Gruppe aus Holz: 3 oder 4 Flöten (eine Piccolo), 3 oder 4 Oboen (eine Englischhorn), 3
4 Klarinetten (eine Bassklarinette), 3 oder 4 Fagotte (ein Kontrafagott)
Metallgruppe: 3 oder 4 Trompeten, 4 oder 6 Hörner, 3 Posaunen (eine Posaune
1 Tuba
grupo de percusión: timbales, caja, bombo, pandereta, platos, tam-tam,
triángulo, crótalos, maracas, caja china, castañuelas, claves, güiro, fusta, lira,
 Xylophon, Vibraphon, Klangspieler usw., alle gespielt von vier oder
fünf Instrumentalisten

BANDA. Besteht nur aus Blasinstrumenten (Holz und Metall) und Schlaginstrumenten.
Ausnahmsweise besitzen einige Kontrabässe und sogar Violoncellos, und sie werden Bands genannt.
sinfónicas. Aber charakteristisch für die Bands ist die Einbeziehung von Instrumenten wie dem Saxophon, dem
Bombardino und das Fliscorno.

RONDALLA. Instrumentalgruppe, die hauptsächlich aus Gitarren, Bandurrias und

Laudes. Sie ist oft angereichert mit Tamburinen und Kastagnetten. Andere Instrumente: Mandolinen,
Guitarricos

5. INSTRUMENTE DER GEGEBENEN MUSIK

Diese Frage betrachten wir anhand des Instrumentschemas der zeitgenössischen Musik
erarbeitet von Dionisio de Pedro, der als Wiederholung und Zusammenfassung des Abschnitts 2 dieses gleichen
Thema.
(siehe nächste Seite)
Aber außerdem müssen wir das Schlagzeug einbeziehen, das kein Instrument ist, sondern eine Gruppe von
sie: zylindrische Membranophone (Bassdrum, Tympani und Snaredrum); geschlagene Idiophone (Becken)
Kollidierende Idiophone (Charles).
6. INSTRUMENTE ZUR EIGENEN HERSTELLUNG
Die Schülerinnen und Schüler erreichen mit dem von ihnen selbst konstruierten Instrument einen emotionalen Zustand.
tief, sich viel mehr liebend, als wenn es gekauft wäre, was das Lehren fördert
musikalisch. Agosti-Gherban und Rapp-Hess: „Der Bau von Instrumenten durch die Kinder selbst,
erlaubt ihnen zu entdecken, wie ein einfaches Material sich in ein Instrument verwandelt, wie es hergestellt wird
der Klang, was sind die Ursachen seiner möglichen Modulationen”. Es ist die Methodik der Forschung-
Aktion, die durchgeführt wird; es ist, seiner "wissenschaftlichen" und forschenden Neugier freien Lauf zu lassen. Das
Ziel dieser Aktivität ist es, dass der Schüler anfängt, die Hauptaspekte empirisch zu überprüfen.
akustische Gesetze.
Der einfachste Schritt ist die Nutzung von Objekten aus der Umgebung (ohne dass es notwendig ist
elaboración), als Lautobjekte, als Musikinstrumente (Schlüssel, Papiere, Flaschen,
Marbles...). Es lo que se puede llamar cotidiáfonos.

Der Bau von Instrumenten ist eine Tätigkeit, die die Globalisierung ermöglicht.
Musikalische Inhalte mit der Plastik.
Der Bau von Instrumenten bietet pädagogische Vorteile:
Wissen über die klanglichen Möglichkeiten verschiedener Materialien
Wissen über die Beziehung zwischen den Eigenschaften des Objekts und denen des Schalls
Bewertung der geleisteten Arbeit und Sorge um deren Erhaltung

Beispiele für solche Instrumente:

[Link] oder Schlüssel: Den Stiel eines Besens auf 20 cm Länge schneiden, binden und dekorieren.
[Link]: Mit Messingkästen in unterschiedlichen Größen, an beiden Seiten geöffnet; auf einer von
Sie wird ein Stück aus Leder, Plastik oder dickem Gummi auflegen und mit einem Gummiband befestigen.
[Link]: In kleinen Karton- oder Metalldosen, die man mit der Hand umfassen kann.
Mano, es werden Samen, Kichererbsen, Schmetterlinge usw. eingeführt und geschlossen.
[Link]: es werden Bierdeckel, Nägel, ein Hammer und Draht benötigt. Mit dem Hammer wird
Die Bleche anpassen; mit dem Nagel ein zentrales Loch machen; den Draht durch die Mitte ziehen
aus mehreren Blechen und es binden, wobei ein freies Stück bleibt, das als Griff dient.
[Link]ótalos: Es werden Bierdeckel, Hammer, Nagel und Gummiband benötigt. Mit dem Hammer, ...
Die Platten werden zugeschnitten; mit dem Nagel zwei zentrale Löcher machen; schließlich das Band binden.
elastisch, die als Griff dient.
[Link]: Ein großer Nagel wird mit einem Band an den Kopf gebunden. Mit einer Hand halten.
liebe und mit der anderen Hand mit einem anderen Nagel schlagen
[Link]: Jeder geschlossene Rassel mit Griff. Sie können aus kleinen Dosen hergestellt werden.
Saft oder Bier, oder mit Nussschalen oder Kokosnüssen, in die kleine Steine eingefügt werden.
und sie mit Klebeband verschließen.
[Link]öte: Rohre unterschiedlicher Größe, an einem Ende verschlossen
[Link]: Mit mehr oder weniger straffen Gummibändern, die auf einem Kasten angebracht sind.
Resonanz aus Holz oder Pappe
[Link]ón:Rohr, das an beiden Enden offen ist. Eines davon wird mit Zellophan verschlossen.
Próximo a ese extremo, realizamos un orificio por el que cantamos
[Link]: Flaschen, die mehr oder weniger mit Wasser gefüllt sind. Je voller sie sind, desto höher ist der Klang.
Geräusch beim Blasen.

Weitere Beispiele im Ergänzungsmaterial: Vorschläge von Kuntzen-Hansel.

7. NUTZUNG DER MUSIKALISCHEN ELEKTRONIK UND INFORMATIK

Donington: „Es gibt Transkriptionen traditioneller Musik für Instrumente

elektronisch, wie wir auch elektronische Nachahmungen des traditionellen Klangs finden; aber
Diese verlieren immer etwas von ihrer ursprünglichen Individualität und besitzen wirklich einige Vorteile.
zweifelhaft. Es gibt Wellenformen, die aus natürlichen Quellen aufgenommen werden. Es gibt auch Geräusche
elektronisch synthetisiert. Aber es scheint, dass es vor allem die rein elektronischen Klänge sind, die
haben größeren Erfolg erreicht und diejenigen, die wirklich Zukunft haben. Diese Instrumente können
sich in zwei Kategorien einordnen: die Musiksynthesizer und die Computer Musik.

Die Informatik in der Musikbildung und die Nutzung von Instrumenten

Elektronik ist sehr neu. Es ist ein Feld, das sich noch in der experimentellen Phase befindet.
Ziele, die wir mit diesen Neuigkeiten verfolgen sollten:
eine neue Art des Zuhörens entwickeln
Das Bewusstsein für den Prozess der musikalischen Wahrnehmung zu entwickeln
den musikalischen Sinn anregen und entwickeln

7.1. ANWENDUNG DER ELEKTRONIK IN DER MUSIK

Der Mensch hat in der Anwendung der Elektronik auf die Produktion gefunden
sonidos musicales un entorno propio, creando nuevos instrumentos musicales o modificando los
traditionellen. Der Fluss von Elektronen, der den elektrischen Strom ausmacht, kann in der
Musik auf verschiedene Arten, aber alle basieren auf den folgenden zwei: oder die Wellenformen, die
die akustische Oszillation erscheint erneut als elektrische Oszillation oder die Wellenformen, die
Eine elektrische Oszillation nimmt wieder die Form einer akustischen Oszillation an.
Wir können zwei Arten von Instrumenten unterscheiden:
a) Teilweise elektrische oder mechanisch-elektrische oder elektroakustische Instrumente.
In diesen Instrumenten werden die Schwingungen der Saiten direkt in Signale umgewandelt.
elektrische Signale, die in akustische Signale umgewandelt werden und verstärkt über einen Lautsprecher ausgegeben werden.
Die E-Gitarre hat einen nahezu flachen und massiven Resonanzkörper, aber
Es sind eine Reihe von Mikrofonen integriert, die kombiniert werden können, um Klänge zu erzeugen.
verschiedene, die sich oben auf der Brücke oder zwischen der Brücke und dem Griffbrett befinden.
Der E-Bass funktioniert ähnlich wie die E-Gitarre. Der Unterschied besteht darin, dass er anstelle von 6
Die Saiten der Gitarre, diese hat nur 4 und dickere.
Das Elektro-Klarinette. Die Mikrofone erfassen die Vibrationen des Schilfes.
Das E-Piano oder Elektroklavier besteht aus einem Klavier, dem zusätzliche
kleine Mikrofone, die zwischen ihren Saiten platziert sind und die gleiche akustische Logik folgen wie die
Gitarre.
Der elektrische Klavier ist dem Piano ähnlich.
b) Elektrische oder elektronische Instrumente.
Der Klang entsteht durch elektrische Schwingungen. Es handelt sich um Geräte, die eine
Elektronische Oszillation, die eine Reihe von Schallwellen erzeugt.
Die Martenot-Wellen. Ihren Namen erhielt sie von ihrem Konstrukteur, Maurice Martenot (Paris,
1928). Besteht aus einem Hochfrequenzsender, einer Gruppe von elektrischen Akkumulatoren
der die notwendige Energie liefert und einen Empfangskreis mit Lautsprecher, der die
elektrische Schwingungen in akustische Schwingungen. Sie kann von einer Tastatur aus gespielt werden oder
durch das Gleiten eines Metallrings, betätigt mit der rechten Hand und
auf einer Kohlebahn platziert, die kontinuierliche Höhenänderungen erzeugt, während
Mit der anderen Hand wird mit Schaltern gearbeitet, um Filter und Schaltungen zu steuern, die dienen
 um den Klang und die Lautstärke zu ändern. Dieses Instrument erzeugt nur bestimmte Töne:
Melodien und keine Akkorde. Sie wurden von Messiaen und Morton verwendet.
Die elektronische Orgel ist die am besten gelungene Nachahmung eines Originalinstruments.
Es besteht aus Tastatur oder Tastaturen und Pedalen. Der Klang wird durch Generatoren erzeugt.
elektromagnetisch, und die notwendigen Kontakte erfolgen über die Tastatur. Eine Reihe
Die Schaltkreise steuern die Lautstärke und den Klang.
Der Synthesizer gehört zu den "musikalischen Maschinen". Er wird wie eine Orgel gespielt und kann
producir todo tipo de sonidos reales o creados. Está dotado de un banco de sonidos, los
Welche können über die entsprechenden Steuerungen ausgewählt werden, oder es kann auch sein
mit einem Soundmodul verbunden, um seine Möglichkeiten und Klangvielfalt zu erweitern.
Principios del sintetizador moderno. Combinar circuitos para generar y procesar formas
von elektromagnetischen Wellen in zusammengesetzten Einheiten (Modulen) und diese Module verbinden
so dass einige auf andere durch ein Spannungsregelungssystem Einfluss nehmen.
Der Sampler ist eine Variante des Synthesizers, der einen kleinen Computer integriert.
Merke dir die Form der Welle, die wir dir über Mikrofone oder ...
Linie.

[Link] DER INFORMATIK AUF DIE MUSIK

Die Bedeutung des Computers in der Musik beruht auf zwei Gründen: Einerseits,
nos ofrece la posibilidad de controlar las “máquinas musicales” a través de un simple cable
MIDI, und zum anderen über "Musikprogramme" (Software). Das heißt, es kann umgewandelt werden.
sowohl in einem Tonstudio als auch in einem Kompositionsstudio.
Musiksoftware wird heutzutage sogar in Schulen verwendet. Sie werden präsentiert
integriert, mit der Doppel-Funktion von "Noteneditor" und "Sequencer". Die Editoren von
Partituren sind eine Art von spezialisierten Textverarbeitungen zur Manipulation von
Musikalische Symbole mit dem Zweck, Notenblätter zu drucken. Die Funktion von
Der Sequencer ermöglicht es, die im Noteneditor geschriebene Musik zu hören, auch wenn es sich um eine handelt.
relativ grobe Transkription.
Sie bieten ebenfalls eine "Bibliothek" (Sammlung von Computerdateien) an
verschiedene Geräusche, und es ist nicht ungewöhnlich, dass sie die Hundert überschreiten.
Eine weitere Möglichkeit, die diese Programme bieten, ist die Verwendung der Tastatur des
Computer als Orgelkeyboard. Und es gibt die Möglichkeit, dass die Melodie oder Komposition
im einem bestimmten Moment improvisiert, wird sie sofort oder später in
Partitur.

Daher werden uns elektronische und musikalische Informatik präsentiert:

als Werkzeug oder Materialhilfe, ebenso wie eine Tafel, aber mit Bildern
Lebens und Klänge
als Mittel, um die Schüler in den neuen Technologien zu schulen.
 THEMA 19

DIE INSTRUMENTALPRAXIS. AUSWAHL- UND SYSTEMATISIERUNGSKRITERIEN

DEL REPERTORIO INSTRUMENTAL IN DER GRUNDSCHULBILDUNG. ZIELE UND
INHALT DER INSTRUMENTALEN AKTIVITÄT IM CLASSROOM. METHODOLOGIE UND
LEHRMITTEL IM PROZESS DES UNTERRICHTS UND LERNENS
EIN INSTRUMENTALSTÜCK.

1. DIE INSTRUMENTALPRAXIS
1.1. EINLEITUNG
1.2. DIE INSTRUMENTALPRAXIS

[Link] UND SYSTEMATISIERUNG DES REPERTOIRES

INSTRUMENTAL IN DER GRUNDLAGENSCHULBILDUNG
2.1. EINFÜHRUNG
2.2. AUSWAHLKRITERIEN UND SYSTEMATISIERUNG DES REPERTOIRES
INSTRUMENTAL FÜR ZYKLEN
2.3. WAHL DES INSTRUMENTS

3. ZIELE UND INHALTE DER INSTRUMENTALAKTIVITÄT IM KLASSENZIMMER

3.1. ALLGEMEINE ZIELE DER STUFE (GRUNDSCHULE)
3.2. ALLGEMEINE ZIELE DES BEREICHS BEZÜGLICH DER AKTIVITÄT
INSTRUMENTAL
3.3. ZYKLISCHE SEQUENZIERUNG: ZIELE
3.4. ZYKLISCHE SEQUENZIERUNG: INHALTE

4. METHODIK UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN IM UNTERRICHTSPROZESS

UND LERNEN EINES INSTRUMENTALSTÜCKS
4.1. METHODOLOGIE
4.2. AKTIVITÄTEN
4.4. RECURSOS MATERIALES
 THEMA 19

DIE INSTRUMENTALPRAXIS. AUSWAHLKRITERIEN UND SYSTEMATISIERUNG

ÜBER DAS INSTRUMENTALREPERTOIRE IN DER GRUNDBILDUNG. ZIELE UND
INHALTE DER INSTRUMENTALENAKTIVITÄT IM KLASSENZIMMER. METHODOLOGIE UND
DIDAKTISCHE RESSOURCEN IM PROZESS DES UNTERRICHTS UND DES LERNENS
EIN INSTRUMENTALSTÜCK.

1. DIE INSTRUMENTALPRAKTIK

1.1.
EINFÜHRUNG
Für den Pädagogen dient das Instrument der Musik und der Kultur.
humana (Willems).
Es ist notwendig, über eine angemessene Methodik zu verfügen. Diese wird flexibel, vielfältig und
tief, mit Musik als Kunst als Referenzpunkt.
In den Schulen geht es nicht darum, virtuose Instrumentalisten zu schaffen, es ist wichtig
Beachten Sie, dass die schulische Musikausbildung das Ziel hat, zugänglich zu sein für
Alles und seine Praxis sollten Freude und Freude erfüllen, nicht Gefühle von Ohnmacht oder von
Misserfolge.

1.2. DIE INSTRUMENTELLE PRAXIS

Der Reiz, den die Arbeit mit den Instrumenten für die Kinder hat, zusammen mit der
Die Handhabung der Schulmaterialien sollte als Motivation genutzt werden.
für eine gute musikalische Ausbildung, weil das instrumentale Üben Bildungswerte hat
sehr wichtig.
Die Experimentierung in der Schule erfolgt mit Schlaginstrumenten und
percusión corporal. Además, incluirán la flauta dulce, el órgano electrónico o bien la guitarra.

Fuentes und Cervera: „In der instrumentalen Praxis treffen die melodische Ausbildung zusammen
und die harmonische Ausbildung. Die instrumentale Praxis erfordert sehr psychomotorische Fähigkeiten.
variierte und Koordination. Es lässt sich ableiten, dass eine musikalische Ausbildung, die die eine oder andere nicht einbezieht
Ohne jegliche instrumentale oder chorale Praxis wäre eine musikalische Ausbildung unvollständig.
BOJA Nr. 128, vom 12. Dezember: „In der instrumentalen Ausdrucksweise, die Koordination
rítmica irá afianzándose paulatinamente. A ello contribuirá la profundización en el
Wissen über die Instrumente. Die Kombination der verschiedenen Instrumente, die
Gewöhnlich werden sie im Unterricht verwendet, als kleines Instrumentalensemble und ihr Einsatz für
el acompañamiento de canciones y danzas abrirán las posibilidades expresivas y comunicativas
von den Schülern und Schülerinnen.
Im Rahmen des Lehr-Lern-Prozesses wird die instrumentale Praxis eingesetzt werden.
unter Berücksichtigung der Schülerinnen und Schüler, an die sie gerichtet ist, mit ihren Bedingungen und Möglichkeiten.
Darüber hinaus wird die Ausdrucksfähigkeit berücksichtigt.
Für die Praxis jeder Instrumentierung ist es notwendig:
gute motorische Koordination
Gewohnheit der Selbstkontrolle durch das Hören
Rhythmische Justeza
Flexibilität und Anpassungsfähigkeit an die Gruppe
 Diese Aktivität sollte kein Ziel an sich sein, sondern um zu lernen.
abstrakte Konzepte wie Rhythmus, Puls, Akzent usw.
Die instrumentale Praxis setzt die direkte Erfahrung des musikalischen Phänomens voraus, denn
erfordert die volle Teilnahme des Schülers und seines Innenlebens. Wenn ein Kind einen berührt
Das Instrument beteiligt sich aktiv und stellt einen tiefen und direkten Kontakt her mit dem
mundo de la música y aprende el lenguaje musical.

In der Schule beginnt das allgemeine Studium der Musik, wobei im

Musikschulen das Fach, das ihnen ermöglichen wird, eine Technik und eine Spezialisierung zu erreichen in
die instrumentale Praxis.
Die primäre instrumentale Praxis kann das Kind zur Auswahl anregen und führen.
von einem zukünftigen Studieninstrument für spätere Stadien ihrer musikalischen Ausbildung.

2. AUSWAHL- UND SYSTEMATISIERUNGSKRITERIEN DER

INSTRUMENTALREPERTOIRE IN DER GRUNDSCHULBILDUNG

2.1. EINFÜHRUNG
Die Auswahl- und Systematisierungskriterien müssen die Progression und die
Kontinuität zwischen den Zyklen, sodass das neue Wissen in Beziehung zu den
ja erworben: bedeutungsvolles Lernen.
Die Kriterien werden durch das Alter der Schüler bestimmt, wobei berücksichtigt wird,
psychopädagogischer Prozess, den er durchlaufen hat; sie werden von den Fähigkeiten geprägt sein, je nach
intellektuelle und motorische Entwicklung; und es muss die Anzahl der Schüler berücksichtigt werden.

Die Auswahl und Systematisierung des instrumentalen Repertoires muss sich an

verschiedene Kriterien, die sich auf die Teile davon beziehen:
a) Rhythmische Leichtigkeit: sehr wichtig in der kollektiven Instrumentalpraxis
b) Wählen Sie Versionen aus, die eine harmonische Begleitung haben, die als musikalischer Leitfaden dient.
kleinen und die ihnen die Fähigkeit entwickeln wird, einer Harmonie zu folgen, während gleichzeitig
Es dient ihnen auch dazu, harmonische und rhythmische Elemente zu diskriminieren. Es hilft auch beim
verschiedene rhythmische Unstimmigkeiten korrigieren und dem Kind das Vertrauen geben, dass der Lehrer gleichzeitig
tiempo participa en la sesión.
c) Wählen Sie instrumentale Stücke aus, in denen die rhythmischen und melodischen Elemente sehr
wiederholt in dem Stück vorhanden. So lernt das Kind sie unbewusst.
d) Die Teile sollten in aufsteigender Reihenfolge der Schwierigkeit angeordnet werden.
e) Verwendung kleiner Kompositionen, bei denen es einfach ist, schrittweise zu erhöhen
Instrumentierung. Dies wird die Improvisationsfähigkeit des Kindes fördern.
f) Wählen Sie Teile aus, die den Kleinen ermöglichen, einfache und wiederholbare Techniken zu verwenden, wie
die Kanons und die Ostinati.
g) Kinder nicht nur in einem bestimmten klassischen oder populären Stil ausbilden. Das Kind akzeptiert
jede Ästhetik. Es ist frei von kulturellen und ästhetischen Vorurteilen und muss in der
Wissen in den vielfältigsten Formen.
h) Sie müssen an das Kind angepasst werden
i) Kürze
j) Quadratische Struktur (Gleichgewicht)
k) Je nach verfolgten Zielen
 Die schulische Instrumentalarbeit sollte kollektiv sein. Die individuelle Arbeit ist
werden zur Bewertung verwendet.

2.2. AUSWAHLKRIETERIEN UND SYSTEMATISIERUNG DES REPERTOIRES

INSTRUMENTAL FÜR ZYKLEN
ERSTER ZYKLUS
Mit 6 Jahren ist es empfehlenswert, Körperpercussionsinstrumente zu verwenden.
Es wird mit den Aktivitäten begonnen, die mit dem Puls spielen. Danach wird die Schülerschaft bereits
Finde dich bereit, die Akzente wahrzunehmen und auszuführen. Dieses Element wird angewendet auf die
Bestimmung des Taktes. Für diese Schüler und Schülerinnen wird der Takt binär sein.
Mit 7 Jahren sind sie bereits in der Lage, eine einfache Instrumentaltechnik zu erlernen.
Dass das Kind selbst das Schlaginstrument auswählt und wählt, das es spielen möchte.
aber es wird eine Dynamik des Wandels geben; so werden sie den Umgang mit allen lernen.
instrumentos se organizarán por timbres. Al combinar las familias o agrupación del mismo
Durch den Timbre erzielen sie Kontrasteffekte. Alle werden den Puls gleichzeitig ausführen, danach...
Fahre mit der gleichen Dynamik für den Akzent fort, dann für den Rhythmus und schließlich für die Melodie.
Wir könnten zwei oder drei Gruppen bilden, um die Melodie zu begleiten.

ZWEITER ZYKLUS
Die Schüler und Schülerinnen in diesem Alter, 8 und 9 Jahre, sind sich ihrer Fähigkeiten bewusst.
Sie haben mehr Macht zu hören und zu handeln. Zu Beginn werden die Gruppen zahlreich bleiben:
la clase completa. Nunca debe aparecer la competitividad, este sentimiento perjudica a los
weniger intelligent.
Wenn die Arbeit mit den Percussioninstrumenten die Beziehungen festigt
Hirn-Muskeln, und wenn eine akzeptable Technik erworben wurde, werden die Übungen durchgeführt.
rhythmisch, Echo, körperlich, polyrhythmisch, Dramatizationen, Musikalische Geschichten, bildend zwei
drei oder vier Gruppen, die gleichzeitig spielen und mit den Instrumenten spielen. Man kann
das Ostinato und die Improvisation einsetzen.

DRITTES ZYKLUS
Sie sind Schüler von 10 und 11 Jahren. Es wird dazu beigetragen, dass die instrumentale Ausführung sich
Basierend auf einer fortgeschritteneren und spezialisierten Technik wird eine Ausbildung vorgeschlagen mit einer
ästhetische Konzeption.
Die Autonomie in diesem Alter wird erreicht, indem man die
Verantwortung. Das Studium und die Konzentration auf die Ausführung werden erreicht. Es gibt
Schüler, die die Aufgaben mechanisch erledigen, ist diese mechanische Handlung in diesem Bereich weit entfernt von
die angestrebte Musiksensibilität zu erreichen.
In diesem Zyklus werden in Bezug auf die Instrumente die beiden Aspekte hervorgehoben: der
technisch und interpretativ.

2.3. Wahlausschuss
Obwohl grundsätzlich der Schüler das Instrument wählen sollte, das er möchte
Beim Spielen liegt die Auswahl der Instrumente eher in der Verantwortung des Lehrers.
Cateura: "Die Schulinstrumente werden sorgfältig ausgewählt: Sie müssen aus
einfache Technik, aber perfekte Klangfarbe; dass die Kinder sie leicht zum Klingen bringen können, und
die kein tiefgehendes vorheriges Studium erfordern. Wir empfehlen bläserische Melodieinstrumente
Humano: Blockflöte. Und Schlaginstrumente (Platte), ohne die große Vielfalt von ...
Schlaginstrumente, mit bestimmtem oder unbestimmtem Klang.
 Fuentes und Cervera: "In einem Versuch der Verallgemeinerung könnten wir einige formulieren.
Vorschläge zur Bedeutung der Wahl des Instruments für die Ausbildung
musical. Es scheint passend:
1º Dass die Instrumente den Anforderungen an die Stimmung entsprechen (dass sie gut gestimmt sind)
2º Dass sie der Entwicklung der Psychomotorik dienen, insbesondere der Fingerfertigkeit.
3º Dass der Student sich beim Spielen des gewählten Instruments individuell verwirklicht oder
kollektiv nützlich.

Weitere Überlegungen zu Zyklen:

Primer Zyklus: Körperpercussion und kleine Percussioninstrumente. Wenn wir verwenden wollen
Blätter, die elementar sind, mit losen Blättern oder mit Instrumenten, denen man ...
Die überstehenden Folien entfernt.
Zweiter Zyklus: Das Vorangegangene plus Schlaginstrumente aus Platten und Einführung in die Sopranblockflöte.
Dritter Zyklus: Alles Vorherige. Die Instrumentierungen werden schwieriger sein. Wir können die Hinzufügen.
Verwendung anderer Flöten (aus der Familie der Süßen).

3. ZIELE UND INHALTE DER INSTRUMENTALAKTIVITÄT

IM KLASENRAUM

3.1. ALLGEMEINE ZIELE DER STUFE (GRUNDSCHULE)

[Link] durch musikalische Ausdrucksmittel, Entwicklung der
ästhetische Sensibilität, Kreativität und die Fähigkeit, die Werke zu genießen und
künstlerische Manifestationen
[Link] eigenen Körper kennenlernen und schätzen sowie zu seiner Entwicklung beitragen, indem man annimmt
Gewohnheiten und es als das beste Musikinstrument zu bewerten, das je geschaffen wurde
[Link] grundlegenden Elemente und Merkmale des kulturellen Erbes kennen und schätzen.
Autonome Gemeinschaft, zur Erhaltung und Verbesserung beitragen, indem sie eine
Einstellung von Interesse und Respekt

3.2. ALLGEMEINE ZIELE DES BEREICHS BEZÜGLICH DER AKTIVITÄT

INSTRUMENTAL
[Link] musikalische Wissen nutzen, um eigene und fremde Leistungen zu analysieren
[Link] Aktivitäten kooperativ durchführen
[Link] und Musikinstrumente erkunden, um ihre Eigenschaften zu kennen
Nutzung
[Link] Körper als Medium der musikalischen Darstellung und Kommunikation nutzen
[Link] Musikinstrumente kennen und in der Lage sein, ihren Beitrag zu schätzen
Genuss und persönliches Wohlbefinden, Vertrauen in ihre musikalischen Werke.
[Link] wichtigsten musikalischen Ausdrucksformen der Gemeinschaft kennen und respektieren
Autonome, sowie die herausragendsten Elemente des künstlerischen Erbes
Spanisch

3.3. ZYKLISCHE SEQUENZIERUNG: ZIELE

Erster Zyklus
1. Die Ausdrucksmöglichkeiten des eigenen Körpers kennenlernen und erfahren,
seine Bewegungen wie ein Musikinstrument koordinierend
 [Link] musikalischen Kenntnisse nutzen, indem man das instrumentale Spiel praktiziert.
[Link] eigenen und fremden Kreationen schätzen, Interesse zeigen und Formen schaffen.
neu
Zweiter Zyklus
[Link] erkennen und bauen
[Link] der Flöte oder einem anderen Instrument Melodien interpretieren
[Link] verwenden, dabei interessiert teilnehmen und respektieren die
Normen
[Link] Körper als ausdrucksvolles Musikinstrument kennen und entwickeln
kommunikativ, koordiniert seine Bewegungen und bewertet die eigene Arbeit und
fremd
[Link] und individuell die Phasen eines Werks planen, sie instrumentierend und
entwickelnd
[Link] musikalische Vielfalt in der Umgebung entdecken
Dritter Zyklus
[Link] Familien von Musikinstrumenten identifizieren
[Link] einem Instrument rhythmische Muster, Ostinati, Melodien usw. erstellen.
[Link] erkennen und klassifizieren
4. Interesse daran, akustische Aspekte der Umgebung zu entdecken und sie in ein Lied oder
cuento musical
[Link] an musikalischen Auditionen, seien sie die eigenen schulischen oder die der
Umgebung

3.4. Zyklische Sequenzierung: Inhalte

Erster Zyklus
Konzepte
1. Der Körper als Instrument
[Link], rhythmische Kombinationen und Zeitmaße
3.Körperpercussion und Schulinstrumente: klangliche Möglichkeiten des eigenen
Körper, von Alltagsgegenständen und von Werkzeugen
[Link] instrumentale Begleitungen von Liedern
[Link] von Instrumenten
Verfahren
[Link] des Körpers als Schlaginstrument, seiner Möglichkeiten
sonor und ausdrucksvoll
[Link] und Manipulation von Instrumenten
[Link] von Instrumenten und Körperpercussion zur Begleitung von
Kinderlieder
[Link] durch Nachahmung, in Form von "Echo" und Ostinati
[Link] nach kreativen Antworten in der Erstellung musikalischer Werke
[Link] Erkennen verschiedener Objekte und Instrumente
[Link] einfacher Instrumente
[Link] der richtigen Haltung für den Umgang mit Instrumenten
Einstellungen
1. Achtung auf die Präzision und die Ordnung in der spielerischen Interpretation eines Werkes
einfache Musical
[Link]ätzung des eigenen Körpers als Ausdrucks- und Kommunikationsinstrument
[Link]ßen Sie die musikalischen Darbietungen
[Link] und Verantwortung für die Instrumente der Klasse
 [Link] an der Übernahme einer korrekten Haltung bei den vorgeschlagenen Übungen
[Link] der Stille als unerlässliches Element für die musikalische Ausführung
[Link]ät im Hören und Kennenlernen von Musikinstrumenten
Zweiter Zyklus
Konzepte
1. Der Körper als Instrument: Körperpercussion und Körperinstrumente
[Link] de instrumentos
[Link]: kleine Percussion, Eigenbau, Blockflöte, Orgel,
Gitarre, usw.
[Link]öglichkeiten der Instrumente je nach ihrem Timbre, ihrem Bereich und ihrer Form
sie zu berühren
[Link] der Familien von Instrumenten: kleine Percussion (Metall, Holz)
Membran und Rasseln) und des Orchesters (Blas-, Streich- und Schlaginstrumente)
[Link] von Familien von Instrumenten und kleinen instrumentalen Stücken
Verfahren
[Link] von binären und ternären rhythmischen Mustern mit Instrumenten von
Percussion oder Körperpercussion
[Link] zur Entwicklung der Identifizierung von forte, piano, mezzoforte und
mezzopiano
[Link] von Melodien auf Musikinstrumenten: Blockflöte, Orgel
elektronisch, Gitarre, usw.
[Link] von einfachen Instrumenten
[Link] Erkennen von Instrumentenfamilien und kleinen Stücken
instrumentale
[Link] und Begleitung von Liedern: individuell, in Gruppen, in Form
de „eco“, in zwei Gruppen, mit zwei und drei Stimmen, in Form eines Kanons.
[Link], die die Begleitung des Refrains von Liedern variiert
Einstellungen
1. Neugier auf die Schöpfung
[Link] und Interesse an der Teilnahme an den Aktivitäten
[Link] an die Qualität der eigenen instrumentalen Produktion
[Link]ät im Zuhören und Kennenlernen anderer Musikinstrumente
[Link] der Gruppenarbeit: ungehemmtes Handeln, Integration, Qualität von
Interpretation, Respekt gegenüber der Person, die leitet, und den festgelegten Normen für
teilnehmen
[Link] der Stille als unverzichtbares Element für die musikalische Ausführung
Dritter Zyklus
Konzepte
1. Die Klänge und ihre Variationen basierend auf den verschiedenen Instrumenten klassifizieren
Musicals
[Link]öglichkeiten der Instrumente je nach ihrem Timbre, ihrem Bereich und ihrer Form
von ihnen zu berühren

[Link] Instrumente als Mittel zur Begleitung von Liedern und Tänzen
[Link]: Duos, Trios, Quartette und Schulorchester
[Link] klassischer, zeitgenössischer und populärer Musikwerke
unter denen die des eigenen musikalischen Erbes der Umgebung hervorstechen
Verfahren
[Link] des Körpers als Instrument: Klanggeste und stimmliches Mittel
[Link] zum Spielen und Interpretieren
 [Link] Gebrauch der Instrumente in Bezug auf die Körperhaltung,
korrekte Artikulation und angemessene Handhabung
[Link] an kleinen instrumentalen Gruppen
[Link] von Instrumenten zum Begleiten von Liedern und kleinen
Dramatisierungen
[Link] Improvisation von Motiven, Phrasen, kleinen musikalischen Formen,
rhythmisch und melodisch
[Link]ón
y clasificación de las familias de instrumentos y piezas instrumentales
bekannt
[Link]
Einstellungen
1. Perfektionierung der Vorschläge für den 2. Zyklus

4. METHODIK UND DIDAKTISCHE RESSOURCEN IM PROZESS DER

DAS UNTERRICHTEN UND LERNEN EINES INSTRUMENTALWERKS

4.1. METHODIK
Die musikalische Bildung wird auf einer aktiven Pädagogik basieren, in der die Schülerinnen und Schüler müssen
der Hauptprotagonist sein. Diese Pädagogik kann variieren:
laut den Kindern
laut den Instrumenten
laut dem Werk, das interpretiert werden soll
Sie sollten damit beginnen, die richtige Art und Weise zu zeigen, wie man jedes Instrument spielt. Die
ejercicios serán sencillos y claros. Cuando todos hayan probado, ya se puede iniciar el
Begleitung zur gewünschten Melodie.

En general, podemos hacer referencia a unos cuantos principios de oro en esta

pädagogische Aufgabe:
Imitation. Das Kind lernt, indem es die vom Lehrer vorgeschlagenen Modelle imitiert. Die Praxis und das
Beispiele stellen die reinste Quelle des Lernens dar. Der Lehrer muss
Beispielhaft im Instrument zeigen, was später verlangt wird, dass sie ausführen.
klein
Fragmentierung. Das Lernen wird durch Motive erfolgen, die zusammengefügt werden.
ein Ganzes bilden
Ludizität. Das Spiel sollte ein untrennbarer Begleiter unserer Arbeit sein.
Alle machen "alles", danach macht jede Gruppe ihren Teil
Spezialisierungen vermeiden. Kinder sollten die verschiedenen Instrumente erkunden und berühren.

Wenn sie genügend Sicherheit im instrumentalen Spiel haben, wird dies durchgeführt.
Aktivitäten, die rhythmische oder melodische Improvisationen ermöglichen. Jede Improvisation.
kann uns helfen, die elementaren Formen wie das Lied, das Kanon oder das Rondo zu üben.

Weitere Vorschläge:
Die Körperinstrumente sind von großem Wert, um die „Formalen“ vorzubereiten.
Die Übungen zur Zuordnung von Schlaginstrumenten sind interessant.
Korporal und die von PAI, die von PAD oder alle
 Obwohl die Nachahmung grundlegend ist, bietet es eine ansprechende Variante, darauf zu appellieren,
"Unterstützung" des Lesens, je weiter man darin fortschreitet. Es gibt viele Lesespiele: das Lesen
rhythmisch, die rhythmisch-melodische, die auditive Diskrimination...
Es ist auch sehr interessant, die Unterstützung bei der Prosodie zu betrachten, wenn es Probleme mit dem Rhythmus gibt.
Wir können die Phononymie nutzen
Achte auf die Körperhaltung und halte die Schlagstöcke oder das eigene Instrument richtig. Wenn sie ...
Die Füße sollten leicht geöffnet sein; wenn sie sitzen, sollte der Körper sein
aufrecht und mit einer angemessenen Höhe. Der Raum um den Körper sollte ihm ermöglichen, das
Armbewegung, ohne zu stören und ohne gestört zu werden
Ein wichtiger Punkt ist die Platzierung der Instrumente. Wenn sie gestimmt sind, dann
Sie werden von den tiefen zu den hohen Tönen sortieren, und wenn sie nur rhythmisch sind, werden sie gruppiert.
je nach ihren Eigenschaften (Holz, Metall, Fell...)
Personalisierung jedes Schülers
Der Lehrer muss die Ungenauigkeiten beobachten, die im Laufe von...
toda una pieza, pero permitir que la misma se desarrolle sin interrupción
Sicherstellen, dass das Kind alles, was es berühren wird, konzeptionell versteht, dass es nicht...
machen Sie es völlig spiegelbildlich
Beim Erlernen neuer Instrumente ist es sehr positiv, über ein Instrument zu verfügen.
die gleiche Art für jedes Kind
Weitere Aspekte: das Tempo halten; sich um die Synchronisation der Gruppe bemühen; spielen
sanft; zuhören und sich selbst zuhören, das Ohr ist der Schiedsrichter

4.2. AKTIVITÄTEN
Mit natürlichen Elementen des Körpers.
Zu Beginn werden die Elemente nacheinander vorgestellt, wobei alle mit konstantem Rhythmus berührt werden.
schwarz.
1º Palmieren und verschiedene Klänge erzeugen: mit fünf Fingern, mit vier, mit drei, mit zwei,
mit einer, Handflächen gegeneinander, hohle Hände, die Handfläche einer Hand auf die Faust der anderen...
2º Mit den Füßen schlagen, um die Unterschiede im Klang zu erkennen: mit der Fußsohle schlagen und an
Fortsetzung mit den beiden, mit der Ferse, mit den Zehen, mit der Spitze und der Ferse...
3º Auf die Knie klopfen: Handflächen abwechselnd auf die Knie klopfen.
Hände, gleichzeitig schlagen...
4º Kombination der natürlichen Elemente. Es wird damit begonnen, zwei zu kombinieren, und anschließend...
drei, und unter Berücksichtigung des im vorherigen Thema Ausgeführten bezüglich der Pfiffe, die nicht gemacht werden dürfen
Arbeiten auf den ersten Ebenen
5º Körperpercussion mit Nutzung von Text

Weitere Beispiele für Aktivitäten mit den Instrumenten:

Mit den Instrumenten dialogisieren
In zwei Gruppen aufgeteilt, spielt jeder abwechselnd ein Fragment.
Einfache pentatonische Melodien mit elementaren Bordun-Ostinatos begleiten
Einfache diatonische Melodien mit einfachen Ostinato-Variationen begleiten, die auf einer basieren
Elementare Schulharmonie von T, S und D
Präludien und Postludien hinzufügen
Arbeiten Sie mit Fragen und Antworten zu: Körperinstrumenten, Bauinstrumenten
propia, PAD, PAI, flauta
Andere elementare Formen (Lied, Rondo, Kanon, Variationen) auf verschiedene Weise bearbeiten
Der Lehrer macht einen Vorschlag und die Schüler antworten mit einem anderen Instrument. Es
das Gleiche mit einem Instrument aus derselben Familie
Ein rhythmisches Ostinato erstellen
Melodien identifizieren, die man bereits kennt, indem man sie auf einem anderen als dem gewohnten Instrument hört
Lieder erkennen, indem man nur den Rhythmus hört
Eine auf einem anderen Instrument erlernte Stück auf ein Instrument übertragen
Die populären Instrumente der Region kennenlernen: an einem Tanzfestival teilnehmen
Regionales, Besuche in Museen...
In der Gruppe singen, gleichzeitig Begleitung von Percussion-Instrumenten.
Die Melodie eines Stücks, das sie mit der Flöte kennen, schreiben, indem sie sie verwenden.
Unsere Interpretation mit Flöten, Folien, PAI usw. über eine Aufnahme legen
Melodien improvisieren
Einfache Improvisationen ohne Pausen aneinanderreihen
Rhythmus-Schemas mit kleiner Percussion improvisieren und übereinanderlegen, bis eine Form entsteht.
Polyrhythmie
Improvisieren Sie eine rhythmische Begleitung für eine Bewegung
Verschiedene Möglichkeiten ausprobieren, ein Instrumentalstück zu beginnen und/oder zu beenden
Begleitung zu einem bereits bekannten Lied suchen
Einen Hintergrundmusik für eine dramatische Szene erfinden
Erforschung und Entdeckung der Möglichkeiten eines Instruments
Reunieren Sie "klingende Objekte", die als einfache Instrumente verwendet werden können.
Die klanglichen Möglichkeiten der Objekte, die uns im Alltag umgeben, entdecken
Verschiedene Aktionen ausprobieren, um klangliche Phänomene zu erzeugen und zu erkunden, welche es gibt.
gut, um bestimmte Effekte zu erzielen
Instrumente aus unterschiedlichen Materialien bauen. Mit ihnen etwas interpretieren.
Partitur oder Mitwirkung an der Interpretation mit formalen und körperlichen Instrumenten
Unterschiedliche Höhen von Tönen durch Schlagen auf Gläser, Blumentöpfe, Rohre, Stöcke suchen.
Ordnen Sie eine Reihe von Flaschen, Gläsern usw. von tief bis hoch, die unterschiedliche
Mengen von Wasser in ihrem Inneren

4.3. MATERIALRESSOURCEN
Lieder zum Instrumentieren
Illustrationen von Instrumenten, Zeichnungen, Plakate, Folien und Fotografien
Bildungsspiele mit Orchesterinstrumenten (Dominosteine, Würfel, Labyrinthe, Puzzles)
Audiovisuelle Medien: Magnetophon, Plattenspieler, spezielle Diskografie, Video usw.
Orff-Instrumentarium
Instrumente der Umgebung und eigenen Konstruktion
Wahlinstrument: Blockflöte, Gitarre, elektrisches Orgel, Violine, usw.
THEMA 20
DIE AUDITIVES DISKRIMINIERUNG. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR ERFORSCHUNG UND
KLANGFORSCHUNG. DIE ENTWICKLUNG DER AUDITIVEN WAHNHEHMUNG:
HÖHE, DAUER, INTENSITÄT, FARBTON UND FORM. TECHNIKEN UND METHODEN.

1. DIE AUDIODISKRIMINIERUNG
1.1. EINFÜHRUNG
1.2. DIE AUDITIV DISKRIMINIERUNG

2. DIDAKTISCHE RESOURCEN FÜR AUDIOEXPLORATION UND -FORSCHUNG

2.1. ALLGEMEINES
2.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN
2.3. MATERIELLE RESSOURCEN

3. DIE ENTWICKLUNG DER AUDITIVEN WAHNHEIT: HÖHE, DAUER,

INTENSITÄT, TIMBRE UND FORM
3.1. DIE AUDITIV PERZEPTION IN DER MUSIKBILDUNG
3.2. PARAMETER DES KLANGS
3.2.1. Höhe oder Ton
3.2.2. Dauer
3.2.3. Intensidad
3.2.4. Timbre
3.2.5. Form

4. TECHNIKEN UND METHODEN

4.1. ALLGEMEINE ASPEKTE
4.2. TECHNIKEN UND METHODEN
THEMA 20
DIE AUDITIVEN DISKRIMINIERUNG. DIDAKTISCHE RESSOURCEN FÜR ERFORSCHUNG UND
SOUND RESEARCH. THE DEVELOPMENT OF AUDITORY PERCEPTION:
HÖHE, DAUER, INTENSITÄT, TIMBRE UND FORM. TECHNIKEN UND METHODEN.

1. DIE AUDITIVE DISKRIMINIERUNG

1.1. EINFÜHRUNG
Die musikalische Bildung ist notwendig für den Prozess der ganzheitlichen Ausbildung des
Individuum. Andererseits finden wir die Bedeutung der Sensorik im Alter von der
Primär, in denen das Ohr eine wichtige Rolle spielt.
Um zwischen Klang und Lärm zu unterscheiden, beziehen wir uns auf die Worte von Agosti-Gherban.
y Rapp-Hess: "In der musikalischen Schöpfung kann jedes Geräusch oder jeder Klang seinen Platz finden. Das
Der Begriff Klang verwenden wir für alles, was Teil der musikalischen Schöpfung wird, sei es
Ton oder Geräusch; daraus folgt, dass wir alles, was uns stört, als Geräusch bezeichnen sollten.
auch wenn es ein Geräusch ist.
Vivanco definiert auch die folgenden Begriffe:
GERäUSCH: Das Geräusch ist das Gefühl, das die Wellen in unseren Ohren hervorrufen.
Erzeuge einen vibrierenden Körper. Ein in Schwingung versetztes Material überträgt seine Schwingung auf die
Materialien, die ihn umgeben, die wiederum in Wellenform schwingen. Auf diese Weise tritt er ein
Vibration unserer Trommelfellmembran, die die Hörnerven aufregt und uns die
Wahrnehmung des Schalls. Schallwellen breiten sich in verschiedenen Medien aus: wenn es kein Medium gibt
Transmitter kein Ton (im Vakuum gibt es keine Ausbreitung von Wellen)
ÜBERTRAGUNG: Je dichter das Medium ist, desto schneller wird der Schall übertragen.
weil die Moleküle nah genug beieinander sind, dass die Kollision zwischen ihnen
beachtlich häufig.
RUIDO: Traditionell und im Alltag ist Lärm das, was normalerweise verursacht.
Missfallen (subjektive Definition) In der Musik sind alle Klänge nützlich. Derzeit haben wir
Wir regeln uns nach den Gesetzen der Akustik, um sie zu klassifizieren und dabei diejenigen zu unterscheiden, die wahrgenommen werden.

wie Höhennotizen, die wir als Geräusche mit unbestimmter Höhe wahrnehmen.

Das Ohr ist weder ein Mittel noch ein Ziel, sondern beides zugleich.
Musikalische Begabung wird aus den auditiven Fähigkeiten definiert. Deshalb, es empfindlich, subtil zu machen,
intelligent, kreativ, ist die beste Garantie für eine gute musikalische Ausbildung. Vom Grad der
Die auditive Entwicklung hängt von der Qualität und Tiefe der musikalischen Handlung oder Ausdrucks ab und auch
die aktive Wertschätzung von Musik.

Das Ohr wird in drei Teile unterteilt: äußerlich, mittel und innerlich. Das äußere Ohr ist
gebildet aus einem Pavillon, der die Wellen empfängt; einem Hals oder Gehörgang und dem Trommelfell, das
empfängt die Wellen und wandelt sie in vibrationalen Stimuli um. Das Mittelohr besteht aus
Hüsecillos: Hammer, Amboss, Steigbügel, mit verstärkender Funktion. Der Steigbügel stützt sich auf die
ovales Fenster, wo das Innenohr beginnt. Das Innenohr setzt sich mit einem Kanal fort, der
mündet in die Kloake oder Schnecke. Verbunden mit der Schnecke befindet sich der Hörnerv, der
transformiert die Schwingungswellen in elektrische Wellen, die an das Gehirn übertragen werden, wo die
Gefühl von Sound.
 Dualität des absoluten Gehörs – relativen Gehörs. Eine Person hat absolutes Gehör, wenn sie
die Fähigkeit, die Höhe eines Tons ohne jegliche vorherige akustische Referenz zu erkennen. Diese
Eine Person behält in ihrem Geist die Höhe der Töne. Eine Person hat ein relatives Gehör, wenn der
Erkennung erfolgt, indem man von einem oder mehreren anderen Klängen (zuvor hörend) ausgeht.
bekannt/e

1.2. DIE AUDITIVE DISKRIMINIERUNG

Die auditive Entwicklung beginnt damit, dass das Ohr die Geräusche empfängt.
passiv, und später wird ihre Aufmerksamkeit auf das Klangphänomen gelenkt, und dieser Akt von der
Psychologischer Gesichtspunkt ist der, der ihm ermöglicht, eine auditive Wahrnehmung zu haben und wann
Versteht, wählt aus und interpretiert, er/sie macht einen Akt der auditiven Diskriminierung.
Diskriminieren ist ein Akt des Trennens, Unterscheidens und Differenzierens einer Sache von einer anderen.
caso un sonido de otro. La discriminación auditiva se le planteará al alumnado como actividad
experimentell.

In der Musikpädagogik sprechen wir von auditive Diskriminierung, wenn die ...
Wir verstehen es als die Fähigkeit, Unterschiede wahrzunehmen, die sich auf: Höhen, Klangfarben, Dauer beziehen.
Intensitäten, Geschwindigkeiten, Nuancen der Artikulation, Formen, Harmonien...

Zusammenfassend bezieht sich die Klangwelt auf die Gesamtheit der Geräusche, die uns umgeben und
ist Teil unserer Umwelt. Wir leben umgeben von Klängen, sogar in bestimmten
Orte, an denen der Lärmpegel so hoch ist, dass wir von Lärmkontamination sprechen können. "Wie
Wir können die Ohren nicht verschließen, wir haben die Notwendigkeit, die Geräusche / Klänge auszuwählen, um
uns gegen die Müdigkeit zu verteidigen, die es mit sich bringen würde, immer alles hören zu müssen. Je mehr Lärm es ist, desto ...
Welt, in der wir leben, hören wir weniger zu und unsere Zuhörung wird passiver.

2. DIDAKTISCHE RESOURCEN FÜR EXPLORATION UND FORSCHUNG

SONORE

2.1. ALLGEMEINES
Es ist entscheidend, realen Kontakt mit den Klängen zu haben: eine aktive und partizipative Pädagogik.
Übung lässt die Fähigkeiten zum Improvisieren und Kreativen in die Welt eintreten.
Schöpfung und eigene Ausarbeitung, die für die Grundschule propagiert werden.
 Die Anregung von Neugier und Aufmerksamkeit gegenüber allen akustischen Phänomenen ist der Weg
sicherer, um das Gehör zu sensibilisieren und es auf das Verständnis und die Ausführung vorzubereiten
Musicals.

Oft verstehen wir den Begriff Hörvermögen im strengen Sinne. Die

Zuhören von aufgenommenen Stücken. Wir müssen jedoch ihre Bedeutung erweitern. Wir verstehen unter
Audition ist die akustische Wahrnehmung, die eine analytische und kritische Arbeit impliziert. Diese Arbeit können wir
es durch Gesang, durch instrumentale Praxis, durch Bewegung und
kann durch Lese- und Schreibfähigkeit verstärkt werden.
a) Stimmübung. Dank des Gesangs wird der Schüler in der Lage sein, den Timbre zu unterscheiden.
Eigenschaften der Stimme eines jeden seiner Kollegen. Schließlich wird er auch in der Lage sein,
wertschätzen, auditiv, technischere Aspekte wie die Form, die Textur, die Akkorde oder
die Kadenz
b) Instrumentalpraxis. Die Körperrhythmik (Orff) wird ein didaktisches Hilfsmittel darstellen.
sumamente útil para que el alumno investigue y explore en el ámbito sonoro: podrá
überprüfen, dass die Handflächen mehr oder weniger hohl, mehr oder weniger dunkel sein können. Die
palmas sobre diferentes zonas corporales, producirán distinto timbre. El zapateo variará
de Klang, wenn wir die Spitze, den Absatz und verschiedene Schuhe verwenden. Eine weitere gültige Ressource wird sein
Entdeckung der Klangmöglichkeiten alltäglicher Gegenstände bis hin zu der
Bau von rudimentären Instrumenten.
c) Bewegung. Die motorische Improvisation dient dazu, die Wahrnehmung körperlich auszudrücken.
von allen klanglichen Eigenschaften (Dalcroze)
d) Lectoescritura. Alles, was durch das Ohr wahrgenommen wird, muss genau aufbewahrt werden.
Parallele mit ihrer grafischen Darstellung (Musikschrift) Außerdem, jedes Fragment
gelesen bietet musikalische Informationen, die auditiv erfasst werden und die müssen
den Prozess des musikalischen Feedbacks fördern.

2.2. VORSCHLÄGE FÜR AKTIVITÄTEN

DIE KLYÄNEN INNEN UND AUF DER STRASSE HÖREN

Zuerst werden die Augen geschlossen und in Stille hört man alles, was außerhalb des Klassenzimmers klingt.
2º Wird geschrieben
3º Die Ergebnisse werden verglichen: gemeinsame Diskussion
4º Der gleiche Prozess für die Geräusche im Klassenzimmer

ERSTELLUNG VON KLÄNGEN MIT ALLTAGSGEGENSTÄNDEN

1º Vier Schüler werden die Augen verbunden.
2º Der Rest der Gruppe, mit Gegenständen in Reichweite, wird ein Geräusch erzeugen
3. Die Zuhörer sollten die Quellen erkennen und die Materialien anerkennen.
4º Kommentieren Sie die Erfahrung

ERZEUGUNG VON GERÄUSCHEN MIT DER STIMME

1. Eine Unterhaltung, eine Diskussion aufnehmen
2º Analysieren von Geräuschen, Lärm und Stille
3. Diese Erfahrung grafisch darstellen

AUFNAHMEN VON AMBIENTES GERAUSCHEN

1º Umgebungsgeräusche aufnehmen
2º Erraten, welche Geräusche in dieser Aufnahme zu hören sind
3º Geben Sie Anweisungen, die die Schüler verpflichten, aufmerksam zu sein, zum Beispiel grafisch darzustellen.
Ich habe es gehört

MATERIALIEN ERKUNDEN, DIE KLANGEN

Jeder wird ein Material in der Menge und Form mitbringen, die ihm angemessen erscheint.
Die Art und Weise, Klang zu erzeugen, wird frei sein
3º Entdecken von Klangmöglichkeiten mit dem Körper

DEN KLANG MIT MUSIKINSTRUMENTEN ERKUNDEN

1º Wähle ein Holzblasinstrument, schlage mit den Stäben darauf.
2º Hören, wie es klingt, je nachdem, wie es geschlagen wird, oder je nachdem, welche Art von Schlagzeugstock verwendet wird.
3º Anstatt zu schlagen, zu rutschen oder von oben nach unten zu reiben...
4º Übertragen Sie diese Aktivität auf ein anderes Instrument

AKTIVITÄTEN MIT INSTRUMENTEN ZUR DISKRIMINIERUNG DER VERSCHIEDENEN

PARAMETER DES KLANGS
A) Für die Wahrnehmung und Diskriminierung der Höhe: mit dem Gegensatz, mit der Relativität spielen,
mit der Richtung des Schalls... Bei dieser Art von Aktivität muss der Erzieher darauf achten, dass der
Die Schüler fallen nicht in den Fehler, dass sie, wenn sie gebeten werden, ein Accelerando zu machen, es tatsächlich tun.
mehr scharf oder stärker; und ein Crescendo schneller.
B) Zur Wahrnehmung der Dauer: Beginnen Sie mit einer Untersuchung der langen Töne und
Kurz. Die anhaltenden Klänge mit der Stimme und den Blasinstrumenten werden untersucht. Im
Neben den Instrumenten der natürlichen Resonanz gibt es die Instrumente, die Geräusche erzeugen.
die nach dem Angriff erhalten bleiben (Dreiecke, Teller...) und in den Klanginstrumenten
Die Dauer wird durch die Kontinuität der Perkussion oder der Erregung erreicht.
(Trommeln, Schellen, Tamburin...) Es wird an der Wiedergabe von rhythmischen Sequenzen gearbeitet.
Förderung der Entwicklung der Hörfähigkeit
C) Zur Wahrnehmung der Intensität: Die Schüler werden feststellen, dass der Klang variieren wird in
ihre Parameter je nach den verschiedenen Materialien, aus denen sie bestehen, deren Menge oder des
Größe. Auch die Nuancen können mit dem Körper oder mit den Instrumenten bearbeitet werden.
D) Für die Wahrnehmung des Klangfarbens: Anerkennungsspiele. Bekannte Klänge präsentieren, um
dass sie erraten werden. Stimmen erkennen. Unbekannte Geräusche unter den bekannten erkennen.
Klassifizieren Sie die Instrumente nach der Ähnlichkeit ihres Klanges. Grundlegendes Ziel: Die Instrumente kennen.
timbreliche Möglichkeiten jedes Instruments
E) Zur Wahrnehmung der Form: zwei identische Instrumente durch den Klang unterscheiden. Diese
sie werden den gleichen Ton spielen, mit der gleichen Dauer und der gleichen Intensität.

Bei all diesen Aktivitäten ist es wichtig, zunächst die Aspekte vorzustellen.
kontrastiert arbeiten, damit die Kinder den Unterschied gut erkennen können. Danach schon
Wir können Zwischentöne einführen, was die Spiele erschwert. Es ist auch wichtig, zu bewerten
die Stille, vor allem als notwendiges Element für eine gute Konzentration.

2.3. MATERIALRESSOURCEN
- Geräumige, helle Aula, möglichst entfernt von externen Geräuschen
Normale und karierte Tafel
Illustrationen von Instrumenten, Zeichnungen, Tafeln, Dias und Fotografien
- Audiovisuelle Medien: Plattenspieler, spezifische Diskografie...
Instrumentarium Orff
Instrumente aus der Umgebung und aus eigener Fertigung
 Bunte Kreide
Kassetten mit Naturgeräuschen
- Leere Kassetten für Aufnahmen

3. DIE ENTWICKLUNG DER AUDITIVEN WAHNHEIT: HÖHE,

DAUER, INTENSITÄT, TIMBRE UND FORM

3.1. DIE AUDITIV PERCEPTION IN DER MUSIKALISCHEN BILDUNG

Das Ohr, das Organ des Hörens, ist von entscheidender Bedeutung, um eine zu erreichen.
Hörwahrnehmung. Beim Empfang des Schalls gelangt das Hörempfinden zum Gehirn, dieses, sobald
der es analysiert, sendet seine Antwort. Durch diese sensorische Aktivität baut die Schüler den ihre
wahrnehmungswelt. Je nach persönlichen Erfahrungen kann die passive Wahrnehmung erreichen
Wenn sie aktiv wird, wird eine Interpretation, Vergleich und Klassifizierung des Faktums stattfinden.
sonoro und die Lokalisierung von Geräuschen, die ihm vertraut sind.

Agosti-Gherban und Rapp-Hess schlagen ein aktives Zuhören vor: "Alle zu erleben"
Vorstellungen, bevor sie verbalisiert werden, ermöglichen die Analyse, um vom Stadium der
reine Manipulation beim bewussten Einsatz des Klangobjekts. Dies ermöglicht es dem Kind, zu erhalten
ein größeres Selbstbeherrschung.
Beim Bewusstwerden kommen die Sinne, ihre Affektivität und ihre
Intelligenz, vom bloßen sensorischen Akt zu einem Erwachen des Verständnisses und
Interiorisierung der Klangwelt.

Willems: „es ist erforderlich, im Kind die Begeisterung für den Klang zu wecken, sowie die
Aufmerksamkeit für das Klangphänomen, um die Grundlagen der auditorischen Vorstellungskraft zu etablieren, die
Es ist der Schlüssel zum inneren Hören, weshalb wir sagen werden, dass es die Grundlage der auditiven Intelligenz ist.

Copland: “Todos escuchamos la música en tres planos distintos: 1) plano sensual,

2) expressiver Bereich und 3) rein musikalischer Bereich.
Der einfachste Weg, Musik zu hören, ist, sie nur zum Vergnügen zu hören.
produziert den musikalischen Klang selbst; es ist die sinnliche Ebene. Die zweite Ebene, in der es sich entfaltet
Die Musik nennt es einen expressiven Plan. Es ist sehr schwierig, genau zu bestimmen, was ein Musikstück sagen möchte.
auf eine endgültige Weise, aber das sollte uns nicht dazu bringen, der Musik ihren Ausdruck zu verweigern. In ihrem
Es scheint, als hätte jede Musik Ausdruckskraft. Der dritte Bereich ist rein musikalisch. Die
Musik existiert wirklich in Bezug auf die Noten selbst und ihre Manipulation. In Wirklichkeit niemals
es ist nicht auf diesem oder auf jenem Plan zu hören, sondern sie sind miteinander verbunden und es erfordert keine
mentale Anstrengung, da es instinktiv geschieht.

In den ministeriellen Vorschriften können wir konkrete Informationen finden, die

uns bestätigt die Bedeutung und Ausrichtung, die wir der Wahrnehmung / Bildung geben müssen
auditiv.
- In einer Dice sagt, dass die musikalische Wahrnehmung oder die aktive Höraktivität, impliqué
Sensibilisierung für die akustische Welt im Allgemeinen und insbesondere für Muster
organizados de sonidos de cualidad musical
Auf der anderen steht "auditives Lernen und Hören sind Aktivitäten, die bestimmen die
Wahrnehmung und Musik-Kultur.
 An anderer Stelle sagt der MEC weiterhin über das auditives Wahrnehmung, dass die Rolle
Das Wesentliche des Ohrs ist zu kommunizieren. In diesem Sinne bietet die auditive Erziehung eine große
Beitrag zur sozialen Bildung: die Fähigkeit, anderen zuzuhören.

Los objetivos específicos de la educación auditiva son:

die Musik wahrnehmen
- akustische Ereignisse unterscheiden
die Vorliebe für Musik pflegen

Das 6- oder 7-jährige Kind unterscheidet nicht zwischen zwei verschiedenen Versionen desselben.
Lied, sondern dass ihn die gesamte Form des Liedes (Text und Melodie) und nicht die Struktur interessiert.
Musikalisch. Deshalb nimmt er nur durch motivierende Aktivitäten interessiert teil, indem er sein Gehör nutzt.
um neue Entdeckungen zu machen.
Das Hören erfordert äußere und innere Ruhe. Dazu greift man auf das Zeichnen zurück.
zum Bewegung oder zur aktiven Teilnahme mit Instrumenten, während sie zuhören. Währenddessen die
Wahrnehmung steigt, die Bedeutung solcher Aktivitäten nimmt allmählich ab. Die
Die Dauer der Klangfragmente sollte im Verhältnis zur Konzentrationsfähigkeit stehen und
Erinnerung, aber im Allgemeinen sollten sie kurz sein. Schließlich jede Art von Musik, die die Schüler
oigan en su medio ambiente propio (folklore, rock, pop...) debe ser objeto de trabajo en la
Schule. Die Erfahrung von Live-Musik fügt die Möglichkeit hinzu, sie zu sehen, neben dem Hören; es ist ein
große Motivation für das Kind. Deshalb müssen die Möglichkeiten von Konzerten genutzt werden.
lebendig.

3.2. PARAMETER DER TON

El sonido es la impresión que producen en nuestro oído las vibraciones de
bestimmte Körper. Diese Vibrationen werden durch ein materielles Medium übertragen und erreichen
unser Empfangspavillon (Ohr) und stimulieren über das Trommelfeld und das Mittelohr den Nerv
auditiv, wodurch uns das Gefühl von Klang vermittelt wird. Daher, wenn der Klang eng verbunden ist
Bei einer schwingenden Bewegung erscheinen je nach ihren Eigenschaften die des Schalls:
altura, duración, intensidad y timbre.

3.2.1. Höhe oder Ton

Die Höhe ist eine Eigenschaft des Sounds, die durch die bestimmt wird
frecuencia, la cantidad de vibraciones en un determinado tiempo. A millares de
Vibrationen pro Sekunde entsprechen hohen Tönen (höhere Frequenz) und Dutzenden.
von Vibrationen, die tiefen Töne (niedrigere Frequenz)
Die Wahrnehmung der Höhe hat gewisse Grenzen oder Schwellen, außerhalb von denen...
da das menschliche Ohr sie nicht wahrnehmen kann. Vivanco: „Wir nehmen alle Geräusche wahr
von etwa 16 Schwingungen pro Sekunde bis zu 16.000 Schwingungen pro Sekunde.
Dieses Wahrnehmungsfeld nimmt ab dem Alter von 30 Jahren ab. Über diesem
Die Grenze sind die Ultraschalle, und darunter befinden sich die Infraschalle.
Die Höhe des Klangs bezieht sich auf den Unterschied in der Intonation. Um sie zu können
Es ist notwendig, einen Ton und einen anderen, tief oder hoch, im Verhältnis zum vorherigen zu diskriminieren.
Musikalisch ermöglicht dieser Unterschied in Höhe oder Ton das Auftreten der Melodie und der
Harmonie, Grundlagen, zusammen mit dem Rhythmus, der Kompositionen.
 Die tiefen Töne sind diejenigen, die von Körpern erzeugt werden, die wenig vibrieren.
Mal pro Sekunde. Und die hohen Töne wären diejenigen, die von Körpern erzeugt werden, die
Sie vibrieren eine hohe Anzahl von Malen pro Sekunde.

Die tiefen Klänge erzeugen ein Gefühl von Tiefe und Opazität, und die
Hohe Töne vermitteln ein Gefühl von Feinheit, Klarheit, Zartheit usw.
Das Hören von tiefen Tönen kann mit Geräuschen verglichen werden, die
würden in einer Höhle entstehen. Wenn in der Höhle tiefe Töne erzeugt werden, die Bäume
Sie werden hohe Töne erzeugen. Wenn eine Tuba einen dicken (tiefen) Klang hat, hat eine Piccoloflöte die
Er wird feinere, schärfere Töne produzieren. Wenn ein Löwe einen tiefen und schweren Klang erzeugt.
(Röhren), ein kleines Kätzchen macht hohe Geräusche.
Ja, trotz allem bleibt die Idee bei den Kindern nach wie vor nicht ganz klar.
Tiefe Töne können als männliche Eigenschaften definiert werden: die Stimme eines Mannes.
von großer Größe, und hohe Töne können mit weiblichen Klängen assoziiert werden, wie der
Stimme eines Mädchens.

3.2.2. Dauer
Die Dauer ist eine Eigenschaft des Sounds, die durch den Beginn bestimmt wird
sehr gehört bis zu seinem Aussterben. Wir können die Dauer definieren als ‘die vergangene Zeit
seitdem der Klang beginnt bis er erlischt.
Die Dauer der Klänge bestimmt den Rhythmus, dieser wird aufgebaut
wechselnde Geräusche und Stille von gleicher oder unterschiedlicher Dauer.
Physisch wird diese Dauer durch den ...
Dämpfung oder die Freiwilligkeit: Eine Saite einer Gitarre, langsam geht
die Intensität verlierend, und dieser Prozess wird als Schalldämpfung bezeichnet; durch das
Im Gegenteil, die Stimme unterliegt einem Prozess der Freiwilligkeit, wobei sie beibehalten werden kann
gleiche Intensität während der gesamten Schallerzeugung.

3.2.3. Intensität
Es ist der Unterschied im Volumen des Klangs. Es ist die Eigenschaft, die uns ermöglicht
die lauten Geräusche mit größerer Amplitude von den schwachen mit geringerer Amplitude unterscheiden
Amplitude der Welle. Wird auch als Farbton bezeichnet.
Es una cualidad cuya didáctica resulta muy fácil para los niños,
einfach indem man sie mit dem Lautstärkeregler eines beliebigen Radios verbindet.
Was die Grenzen angeht, hat die Intensität der hörbaren Geräusche zwei:
Schwelle und Gipfel. Die Schwelle ist die minimale Intensität, die es ermöglicht, dass ein Ton hörbar ist.
gehört werden, und der Gipfel ist jene Intensität, in der das Gefühl sich verändert von
Merkmale: Es wandelt sich von einem Klanggefühl zu einem schmerzhaften Gefühl.
Die Intensität, ebenso wie die Dauer, wird ebenfalls bestimmt durch
zwei Konzepte: die eigenen Merkmale des Instruments und die Intentionalität des
instrumentista:
a. Es gibt Instrumente, die eine höhere Intensität erzeugen können als andere (die
Die Trompete kann lautere Geräusche erzeugen als die Flöte.
b. Aber ein und dasselbe Instrument kann unterschiedliche Intensitäten erzeugen.
abhängig von den Wünschen des Musikers (Intentionalität)

3.2.4. Klangfarbe
Es ist die Eigenschaft des Klangs, die zuerst erkannt wird, und die uns
erlaubt die Identifizierung der Schallquelle. Schafer: „der Klang ist das Überbau
Eigenschaft eines Sounds, die ein Instrument von einem anderen bei gleichem unterscheidet
frecuencia e intensidad”. El timbre depende de la calidad molecular y del grado de
complejidad del movimiento vibratorio que produce el sonido.
Wenn ein Körper einen Ton erzeugt, erzeugt er tatsächlich nicht nur einen.
sondern produziert eine Reihe von ihnen. Von allen wird der am meisten gehörte als bezeichnet
Fundamentalton und die restlichen, die viel schwieriger wahrnehmbar sind, werden genannt
 Harmonische. Die Zusammensetzung dieses Klangsets und der Prozentsatz der Harmonischen, die
intervenieren darin, es ist das, was den Klang bestimmt.

Valls Gorina: „Jeder Klang bringt eine Fülle von Klängen in sich mit“
komplementär, die wir nicht separat unterscheiden, aber die zusammen ein
Timbre oder Farbe. Das besondere Spektrum von Harmonischen jedes Instruments ist das, was
verleiht seinen besonderen Klang. Nur elektronisch und mit dem Stimmgabel erhält man ein
Reines Geräusch wird als weißes Geräusch bezeichnet.
Der Klang ist die musikalische Eigenschaft, die im Laufe von
Entwicklung der Musik, mit unterschiedlichen formalen Anordnungen, um die Kontraste zu suchen
timbrisches mit der Absicht, die verschiedenen musikalischen Farben auszunutzen. Dies
wird auch von den Komponisten genutzt.

3.2.5. Form
Die musikalische Form ist ein Sekundär-Element, das aus den Elementen entsteht.
Primäre musikalische Elemente: Rhythmus, Melodie und Harmonie. Es ist die Strukturierung des musikalischen Diskurses.
durch den Wechsel oder die Wiederholung verschiedener musikalischer Fragmente. Die Praxis
auditiv sollte uns ermöglichen, die Vielfalt der musikalischen Fragmente zu erfassen, die
Erscheinen in einem Werk und ihre Anordnung.

4. TECHNIKEN UND METHODEN

4.1. ALLGEMEINE ASPEKTE

Die Wahrnehmung ist die mentale Organisation der Empfindung und das Bewusstsein.
der Realität. Je nachdem, wie das perceptive Phänomen verstanden wird, als Summe von Empfindungen oder als ein
Todo global, es werden verschiedene Schulen gegründet. Je nachdem, welche Theorie angewendet wird, wird dies zu ...
verschiedene Methoden.
Die Prozesse der Wahrnehmung und des Ausdrucks in der Musikausbildung werden durchgeführt
Cabo, das alle Studienblöcke miteinander verbindet (rhythmische Bildung, instrumentale Bildung,
psychomotorische Erziehung...)
Der globalisierende Ansatz wird jede Entwicklung der Aktivitäten leiten.
Musicals. Die Inhalte werden aus der dreifachen Perspektive konzeptionell, prozedural und
attitudinal und jede Bildungseinheit wird mit einem zu behandelnden Thema und Zielen strukturiert werden.
erreichen und einige Ressourcen zu verwenden.

Jede Arbeit, die angegangen wird, muss zunächst eine Motivation hervorrufen.
die vom Prinzip der Aktivität ausgeht, die die Schüler entwickeln können. Diese aktive Pädagogik
es wird ermöglichen, im Bereich der auditiven Wahrnehmung zu erkunden und zu forschen
klangliche Welt, die ihn umgibt.
 Wenn wir uns eine Arbeit vorschlagen, sollten wir berücksichtigen, dass es
Wichtig ist, die Etappen abzubrennen und dem Schüler Zeit zu geben, um zu erkunden und zu finden.
und hören. Keine Probleme auf abstrakte oder theoretische Weise angehen, sondern sie erleben.

4.2. TECHNIKEN UND METHODEN

Die neue Pädagogik basiert auf einfachen musikalischen Elementen, ohne zu imponieren.
Rigide einer Technik. Jede Methode muss an der folgenden grundlegenden Idee teilnehmen:
Musik zu lehren bedeutet, sie durch das Musizieren zu vermitteln.
Die Methode bringt positive Werte in die Musikbildung, wenn sie aktiv ist, es ist
sagen, dass die Erfahrung dem Wissen vorausgehen muss. Jede Methode muss berücksichtigen, in
Zunächst die Merkmale der Schüler und ihre Bedürfnisse.

TECHNIKEN
Globalisiert.
Sie müssen auf die tatsächlichen Interessen der Studierenden reagieren und die Forschung fördern. Die
temas se pueden plantear libres, propuestos por el alumnado o dirigidos.
Die zu programmierenden Einheiten sollten nicht zu umfangreich sein und die Themen sollten sehr
strukturiert. Und das verwendete Material muss mit der Erfahrung und dem
Schulumfeld, das sich um die verschiedenen Interessen oder Ausbildungsbereiche drehen sollte.
Die Technik muss globalisierend mit anderen Bereichen der Musikpädagogik sein (vokal,
instrumental, Lesung und Tanz) und muss durch sende- oder empfangsaktivitäten durchgeführt werden.
- Globalización con la ed. Vocal. La educación vocal, en la Primaria, tiene una
Grundaktivität: das Lehren und Lernen des Liedes. Dank dessen lernt das Kind
er wird die Töne unterscheiden: er wird wissen, ob das, was er singt, korrekt ist oder ob es mehr sein sollte
höher oder tiefer. Die Gesangsausbildung und das Lernen von Liedern werden entwickeln
im Kind die Wahrnehmung verschiedener Intensitäten und Dauer.
- Globalisierung mit der ed. Instrumental. Respektiert die Wahrnehmung von Tönen, die
Instrumentalbildung spielt eine wichtige Rolle: Auf einem Xylophon werden Sie hören und sehen
tiefer und höherer Klang. Sie werden feststellen, dass es einige gibt, die kräftiger sind.
was andere betrifft, und es ist auch entscheidend, die Absicht des Spielenden. Die Wahrnehmung
Die Dauer ist im instrumentalen Bereich sehr einfach. Dank der Bildung
instrumental das Kind wird die Stimmdämpfer einer Membran, eines Stücks überprüfen
Holz oder Metall, von Luft, die in Röhren enthalten ist, usw.
- Globalisierung mit musikalischer Lesung. Musik ist eine Sprache: zuerst wird sie
lerne es zu sprechen und später zu schreiben. Sobald die Kinder ein
Bestimmtes Wissen über Musiklesen konnte eine große Hilfe darstellen
in Bezug auf die Entwicklung der auditiven Wahrnehmung der Klangqualitäten:
Höhe, Intensität, Dauer und Klangfarbe.
- Globalisierung mit dem Tanz. Sowohl der Tanz als auch die Bewegung müssen sein
verwendet als Aktivitäten zur Vertiefung der Merkmale des Schalls.
B) Individuelle
Sie gehen von der Notwendigkeit aus, die Methodik an das jeweilige Individuum anzupassen; es ist eine Didaktik.
differenziert. Es besteht nicht darin, dass jeder die gleiche Arbeit individuell ausführt, sondern
Wählen, was jedem passt.
Das wesentliche Merkmal besteht darin, die Schüler unter Bedingungen arbeiten zu lassen, die nach und nach
sich entwickeln und in ihrem eigenen Tempo vorankommen.
Die schulische Vielfalt ist ein Hindernis für die Anwendung dieser Techniken in der Bildung.
musikalisch, da viele der durchzuführenden Aktivitäten Teamarbeit erfordern.
C) Sozialisierte
Diese Techniken werden die gemeinsame Gruppenarbeit haben. Die Planung von Aktivitäten wird
um Gruppierungen zu produzieren. Mit diesen Techniken werden sie soziale Gewohnheiten wie Zusammenarbeit erwerben.
Zusammenarbeit, usw.
Um diese Techniken durchzuführen, ist es notwendig, die "Gruppendynamik" zu kennen.
Das Material muss an jede Art von Gruppierung anpassbar und leicht handhabbar sein.
D) Andere Techniken
- Aktives Zuhören. Die Aufmerksamkeit des Kindes auf bestimmte Klangfelder lenken: versuchen
detektieren, versuchen zu reproduzieren, die Erlebnisse darzustellen, vergleichen, anerkennen...
- Manipulación de objetos. El niño manipula objetos, juega a reproducir sonidos, escucha
und verfeinert so seine Analysefähigkeit. Durch Manipulation entdeckt er die Parameter. Es
trata de: diferenciar, agrupar, clasificar, seriar, construir instrumentos...
- Grafische und motorische Darstellungen. Jede Darstellung setzt eine Organisation voraus.
mental und eine Manipulation von Konzepten. Durch die Grafiken oder die Bewegungen das Kind
drücke aus, analysiere deine Wahrnehmung des Klangs. Diese Darstellungen müssen sein
spontane Ausarbeitungen. Die Grafiken helfen beim Merken und fördern die
künftige Erwerb der musikalischen Sprache.
- Spiel. Ideales Lehrmittel aufgrund seiner motivierenden und kindgerechten Nähe. Ausgehend von dem
Stimulus-Response-Schema: Es werden Situationen geschaffen, in denen ein Geräusch eine Bedeutung hat.
konkret und verlangt eine bestimmte Antwort.

MÉTODOS
A) Empirisch
Es basiert auf Erfahrung, sehr geeignet zur Entwicklung der Wahrnehmung und Diskriminierung.
auditiv. Es ist eine aktive Methode, die die Teilnahme der Schüler erfordert.
B) Komparativ
Es ist eine deduktive Methode, die von den bekannten Erfahrungen ausgeht, um neue zu erwerben.
sie vergleichend.
C) Analytisch
Es ist eine Methode, bei der Wissen durch Analyse erworben wird. Es ist keine anwendbare Methode.
In der Primarstufe basiert es auf der Analyse der akustischen Eigenschaften von Schallobjekten
und ihre möglichen klanglichen Eigenschaften zu bestimmen, basierend auf dem Wissen über die
Hauptakustikgesetze, die die Funktionsweise von Schallrohren, Saiten und Stäben bestimmen,
Platten und Schallmembranen. Das Wissen um diese Gesetze impliziert Kenntnisse
Mathematiker und Physiker, die in der Sekundarstufe unterrichten.

Die Methode, die für die musische Bildung wesentlich zu sein scheint, ist die globale Methode.
Hemsy de Gainza definiert es so: „Es wird global genannt, weil es behauptet, dass alles Wissen
Wahrheit basiert auf der Wahrnehmung von sinnvollen Einheiten. Von diesen können...
später die Details des Sets klären, die künftig dazu dienen werden, zu kennen, zu identifizieren
oder neue Einheiten zu bewerten. So wird vom Ganzen zu den Teilen vorgegangen.
Eine Eigenschaft der heutigen Pädagogik ist die Freiheit und Flexibilität, mit der man sich
Sie verwenden die Methoden. Es gibt zahlreiche Methoden. Nicht alle priorisieren dasselbe Element.
aber sie ergänzen sich. Jeder Pädagoge sollte seine Methode entsprechend den
Merkmale seiner Schüler, die Umgebung, in der sie sich befinden, und die verfügbaren Ressourcen.
Es ist wichtig, jene Aspekte zu berücksichtigen, die uns von allen interessieren.
aktive Methoden, die von prominenten Musikpädagogen vorgeschlagen werden, wie zum Beispiel: Dalcroze,
Kodály, Orff, Martenot, Willems, Ward, Suzuki, Ovni Depara, Montesori, Elizalde, Cateura und
Tallo.
 Wenn wir mit unserem Handeln die Wahrnehmung entwickeln und stimulieren können
auditiv, haben wir die Grundlagen geschaffen, damit die Schülerinnen und Schüler an einer Welt teilnehmen, die sie genießen
angenehmer und auf eine bewusste Weise über das, was ihm nicht gefällt, handeln kann und
haben Sie die Möglichkeit, es zu ändern.
Die auditive Erziehung wird Ihnen die Möglichkeit geben, eine Fülle von zu diskriminieren
Sonoritäten, die ich vorher nicht wahrnehmen konnte, und letztendlich wird es eine Erweckung der Sinne bedeuten.
auditiv und eine Bereicherung seiner eigenen Sensibilität.
 THEMA 21

DIE MUSIKALISCHE AUDITION: IHRE DIDAKTIK. ENTWICKLUNG DES VERSTEHENS

AUDITIVA EN PRIMARIA. OBJETIVOS, CONTENIDOS Y ACTIVIDADES.
PROGRAMMIERUNG DER CASTINGS FÜR DIE GRUNDSCHULKINDER.

1. DIE MUSIKHÖRERFAHRUNG: IHRE DIDAKTIK

1.1. ALLGEMEINES
1.2. DIE DIDAKTIK DES MUSIKALISCHEN HÖRENS
1.3. TECHNIKEN DES MUSIKALISCHEN ZUHÖRENS

2. ENTWICKLUNG DES HÖRVERSTÄNDNISSES

2.1. INTRODUCCIÓN
2.2. ANALYSE DES HÖRPROZESSES: DIE DREI EBENEN DER
AUDICIÓN

3. ZIELE, INHALTE UND AKTIVITÄTEN

3.1. OBJETIVOS
3.2. INHALTE
3.3. AKTIVITÄTEN

4. PROGRAMACIÓN DE AUDICIONES PARA EL ALUMNADO DE PRIMARIA

4.1. PROGRAMMIERUNG DER AUDITIONEN FÜR DEN ERSTEN ZYKLUS
4.2. PROGRAMMIERUNG DER AUDITIONEN FÜR DEN ZWEITEN ZYKLUS
4.3. PROGRAMMIERUNG DER AUDITIONEN FÜR DEN DRITTEN ZYKLUS
 THEMA 21

DIE MUSIKALISCHE AUDITION: IHR DIDAKTIK. ENTWICKLUNG DES VERSTÄNDNISSES

AUDITIVITÄT IN DER PRIMARSTUFE. ZIELE, INHALTE UND AKTIVITÄTEN.
PROGRAMMIERUNG DER VORLÄUFIGEN AUDITIONEN FÜR DAS GRUNDSCHULKIND.

1. DIE MUSIKHÖRUNG: IHRE DIDAKTIK

1.1. GENERALIDADES
Audition: vom Lateinischen „auditio, auditionis“, Handlung des Hörens. Und hören, von „audire“.
Mit dem Ohr die Geräusche wahrnehmen. Im Harvard Wörterbuch der Musik finden wir Gehör.
wie die Fähigkeit zu hören.
Basierend auf den Richtlinien des MEC können wir im Bereich der
Audition, zwischen:
das akustische Universum im Allgemeinen
Die Organisation von Klängen mit künstlerischer Absicht (die Musik)
Wenn das Hören in der Richtung erfolgt, die der zweite Punkt angibt
anteriormente mencionados, nos encontramos frente a lo que nosotros entendemos comúnmente,
im Bildungsbereich, wie Musik hören.

Funktionen des Hörens

übermittelt uns eine Botschaft (geistlicher oder emotionaler Bereich)
fordert zum eigenen Ausdruck auf
- Die Bewegung ist der grundlegende Weg (das physiologische und motorische Leben hat seinen Sitz
Im Rückenmark, wo laut Willems das Hören stattfindet.
Rhythmus, was eine tiefe Verbindung zwischen Musik und Bewegung herstellt
die grafische Darstellung
- la expresión verbal
ästhetischen Genuss erzeugen
ermöglicht die Analyse des musikalischen Geschehens

Wenn wir davon ausgehen, dass Musik Klang ist, ist die Bedeutung von
musikalisches Hören im musikalischen Ausbildungsprozess des Kindes. Außerdem ist das musikalische Hören
kann als Technik verwendet werden, um die Entwicklung der Aufmerksamkeit, die Gewohnheit des Zuhörens zu fördern,
die Beobachtung, die Analyse, die Entwicklung der Sensibilität und ein unentbehrliches Element in den
Entspannungsübungen.

In den ersten formalen Kontakten mit dem Musikhören, in den ersten

Grundschulkurse, die Aktivität wird sich darauf konzentrieren, die spontane Reaktion auf die Musik zu erleichtern.
Hören und die Entwicklung der Psychomotorik fördern. In den höheren Klassen, zusätzlich zur Fortsetzung
die Fähigkeit entwickeln, die unterschiedlichen Eigenschaften des Klanges wahrzunehmen und zu unterscheiden, man
Es wird die rationale Analyse und das Verständnis des gehörten Werkes, seine Lokalisierung und Begründung angesprochen.
historische und Merkmale seines Komponisten.
En definitiva, el objetivo que debe perseguir la audición musical es crear en el
niño el hábito de escuchar música, no oír; y conocer una serie representativa de fragmentos de
Musikwerke und ihre Komponisten, mit den Merkmalen, die sie unterscheiden.
 MEC.: „Die Fähigkeit, zuzuhören, sollte im Laufe der gesamten
Schulzeit, da es etwas ist, das man nach und nach lernt und einen langen Prozess benötigt.
Aus Gründen, die mit unserer sozialen und kulturellen Erfahrung verbunden sind, die Bereitschaft
Auditiv ist heute, beim Kind, ebenso wie bei Erwachsenen, relativ klein. Wir leben
Wir sind in die Welt des Bildes eingetaucht und sind einer starken Dosis von Umweltverschmutzung ausgesetzt.
sonora. All dies führt dazu, dass in vielen Fällen der Wille zum Zuhören intensiv sein muss.
aufgefordert.
Es sind folgende spezifische Ziele der auditiven Erziehung hervorzuheben:
die Musik wahrnehmen
- diferenciar acontecimientos sonoros
- den Geschmack für Musik pflegen.

1.2. DIE DIDAKTIK DES MUSIKALISCHEN ZUHÖRENS

Faktoren, die zu berücksichtigen sind: das Alter der Schüler, die Musik, die sie motiviert, die
Dauer der anzuhörenden Klangfragmente usw.
Maneveau gibt einige Grundsätze für die musikalische Aufführung an:
Es ist verboten, falsches Hören (Umgebungsgeräusche) zuzulassen. Es ist besser, eine Anhörung zu unterbrechen, als
sich falsch verlängern
Nicht vergessen, dass die Stille, die der Musik vorausgeht, bereits Musik ist, und dass auch das...
der folgt
Jede fundierte Anhörung über eine beliebige Praxis und über damit verbundene Gesten
Mit ihr wird es mehr Möglichkeiten geben, ein echtes Treffen zu gestalten.

Ebenso erfordert das Hören äußere und innere Ruhe. Dafür benötigt man
greift auf Bewegung, Zeichnen oder aktive Teilnahme mit Instrumenten zurück, während man
höre; aber wenn die auditive Wahrnehmung in der Fülle der Empfindungen zunimmt,
Beobachtungen und vergleichende Erfahrungen, die Bedeutung dieser Aktivitäten nimmt ab.
allmählich.

Beim Entwerfen der Aktivität müssen bestimmte Kriterien beachtet werden: das Wissen.
Vorgeschichte der Gruppe, die Fähigkeiten der Gruppe, ihr Alter, das musikalische Umfeld, die Ziele
beabsichtigt....

Ein erster Schritt besteht darin, den Kindern die Notwendigkeit der Stille nahezubringen als
Vorbereitung und Schritt vor dem Vorspiel. Dies sollte nicht als schalllose Existenz betrachtet werden, sondern
Wie ein weiterer Klang: Die Stille kann gehört werden und sollte gehört werden.

Zu erreichen, dass vor dem Vorsprechen eine kurze Stille herrscht, ist
eine einfache Übung, die fördert:
Autokontrolle: Am Anfang wird die Stille durch das Lachen der Kinder unterbrochen werden.
Wörter, Lautäußerungen usw. Eine ernste Haltung des Lehrers wird ihnen die Bedeutung zeigen.
de diesem Schweigen und wird dazu beitragen, dass sie diesem Zeitraum selbst Bedeutung beimessen.
schuldig
Konzentration: Mit der Zunahme der Selbstkontrolle wird dies nach einer gewissen Zeit erfolgen.
automatisch. Sie können sich in dieser Zeit der Stille also einem Minimum widmen.
concentración en la que los niños deberán concienciarse de la importancia de lo que van
durchzuführen
Entspannung: die es ihnen ermöglichen wird, die durch das Leben verursachten Spannungen allmählich zu überwinden.
Schulisch. Damit diese Entspannung wirksam ist, muss berücksichtigt werden, dass:
 nein Es ist Passivität
Es ist eine mentale Einstellung.
es ist eine spielerische Übung
Bewusstsein für Lärmverschmutzung: beim Erreichen völliger Stille, sie selbst
Sie werden sich darüber bewusst sein, dass es ein seltenes Ereignis in der Umgebung ist, in der wir leben.
Außerdem ist es sicher, dass, obwohl im Klassenzimmer Ruhe herrscht, die Kinder in der Lage sein werden
Äußere Geräusche schätzen.

Einstellung der Kinder zur Audiovisualität

Am Anfang haben die Kinder kein Bewusstsein dafür, dass eine solche Aktivität einen Wert für sich hat.
das gleiche, was sie dazu bringen wird, sie mit anderen für sie häufigeren zu assoziieren wie
Es kann Gesang, Tanz oder Plastizität sein.
Dass, wenn die Auditionen beginnen, die Kinder eine ganze Reihe von ...
Dinge sind kein Zeichen von Desinteresse und sollten unter keinen Umständen entfernt werden. Im Gegenteil, sie
hilft ihnen, eine übermäßig abstrakte Aktivität für sie im Moment zu materialisieren. Aber,
Mit zunehmender Vertiefung in den Auditiven Prozess wird der ... an Bedeutung gewinnen.
Der Inhalt selbst und das Interesse an den damit verbundenen Aktivitäten werden nachlassen, bis sie aufhören.
sich verwirklichen.

Dauer der Aktivität

Die Zeit, die für die Anhörungen aufgebracht werden soll, muss vom Lehrer festgelegt werden.
unter Berücksichtigung einer Reihe von Eigenschaften der Gruppe, von denen die wichtigsten die sein werden
Fähigkeit zur Konzentration und das musikalische Gedächtnis.

Musikarten
Prinzipiell ist jede Musik geeignet, um die Ziele zu erreichen.
in dieser Aktivität vorgeschlagen, aber man muss Folgendes beachten:
Das Kind wird schneller Interesse an dem zeigen, mit dem es am meisten zusammen ist.
vertraut
Je mehr man in diesem Bereich eingearbeitet ist, desto mehr wird mit einer Reihe von...
Mechanismen, die es ihm ermöglichen, sein musikalisches kritisches Niveau zu erhöhen und ihm ermöglichen, einen
höherer Grad an ästhetischen Anforderungen (dieser Prozess ist sehr langsam und ist von größter Bedeutung
evitar exigencias prematuras).

Arten der Hörprüfung

Obwohl es am häufigsten und bequemsten sein wird, dass der Großteil der Auditionen ...
Aufnahmen sollten sich nicht auf dieses Gebiet beschränken. Das Hören von Live-Musik bietet eine weitere Reihe von
ventajas añadidas:
Globalisierung von auditiven und visuellen Aktivitäten
Bildungsaktivitäten außerhalb des eingeschränkten physischen Rahmens des Klassenzimmers entwickeln, was
begünstigt die Auffassung der Aktivität als etwas Spielerisches, die Spontaneität des Kindes und seine
Beziehung zur Umwelt

Plazos
Wie in jedem Bildungsprozess wird das Erreichen von Ergebnissen nicht erreicht werden.
Schnell und spektakulär. Es ist notwendig, dass die auditive Bildung so früh wie möglich beginnt.
möglich ist und mit den altersbedingten Anpassungen während der Sekundarstufe verlängert werden kann.

Es ist auch ratsam, eine kurze Erklärung der Aktivität zu geben, die sein soll
angenehm, nicht zu technisch und gut vorbereitet.
 Um die Aktivität abzuschließen, wenn möglich, ein Kolloquium oder Aktivitäten durchführen.
komplementär zu der durchgeführten.

Schließlich ist es notwendig, eine Bewertung der durchgeführten Aktivität vorzunehmen:

Fragen stellen, die auf die Überprüfung der Erreichung der Ziele abzielen
vorgesehen
durch direkte Beobachtung wahrnehmen:
- participación, atención, interés
- sein Rhythmusgefühl
- sus aptitudes para plasmar la música en imágenes
- Spontaneität, Vorstellungskraft, Kreativität
- Diskriminierung von Rhythmen, Melodien, Instrumenten, Geschwindigkeiten, Intensitäten von
Formen, Texturen..., Veränderungen...

Im Folgenden präsentieren wir didaktische Orientierungen, die zu berücksichtigen sind in den

verschiedene Zyklen der Grundschule.

ERSTER ZYKLUS
In diesem Alter haben die Schüler noch kein Bewusstsein für die Aktivität des Hörens.
sie selbst, weshalb sie von plastischem, sprachlichem, rhythmischem und körperlichem Ausdruck begleitet werden muss.
Die Werke müssen einen klaren Rhythmus und einen beschreibenden Sinn haben, damit sie sein können
stimulans für die Vorstellungskraft des Kindes und es zur Handlung zu bringen.
Im Falle, dass wir auf das Zeichnen zurückgreifen, muss es vollkommen frei sein. Durch die
derselbe Grund, wenn wir uns auf Bewegung beziehen, um auszudrücken, was die Idee hervorruft
Musical, man muss ihm völlige Freiheit lassen.
Zusammenfassend weist Escudero darauf hin, dass das Musikhören dargestellt werden kann durch:
- Verschiebung, Gesten und Haltungen
körpersprache
- Suchanfragen nach Rhythmen durch Begleitungen
musikalische Illustration
- musikalische Sequenzen, die als akustische Indikatoren verwendet werden
Die musikalischen Aktivitäten im ersten Zyklus werden sich auf die Entwicklung des Gehörs konzentrieren.
rhythmisch, auditiv und vokal und im musikalischen Hören:
- Imitationsmärsche und Märsche mit Stopps
spontane Interpretation von Rhythmen
- reconocimiento e interpretación de ritmos
- empirische Anerkennung und Interpretation der Grundwerte: schwarz, weiß
zwei Achtelnoten
Geschwindigkeitswechsel in der Bewegung
- gestural direction (with the arms) of the binary and ternary rhythm
Erstellung von Rhythmen zur Begleitung eines Liedes oder einfachen Melodie
- grafische Darstellung der Grundrhythmen: ganze Note, halbe Note, achtelnote
Allgemeine Richtlinien: Das Musikhören sollte in einer angenehmen Atmosphäre stattfinden.
angenehm, in der der Lehrer mit Geduld und Ausdauer auf Neues eingehen muss.
Haltung des Zuhörens. Diese Anhörungen sollten in Ruhe und Gelassenheit gehört werden, wobei
sich darstellen. Bekannte Musik, Tänze oder Rhythmen können frei interpretiert werden durch die
Kinder, wie der Marsch, der Walzer usw.
ZWEITER ZYKLUS
In diesem Zyklus muss bereits der Name des Werkes und seines Autors eingegeben werden, damit
Die Schüler sollen sich mit ihnen vertraut machen. Die Aktivitäten des Ausdrucks werden weniger werden.
Korporal und sie werden sich mehr auf die Handlung des Hörens konzentrieren und versuchen, sich in eine Analyse einzuarbeiten.
Fokussierung auf die folgenden Merkmale:
- carácter: alegre, triste, serio, dulce
- aire: rápido, lento
- estructura: repetición de un tema o melodía
- intensidad: fuerte, medio
- tiempo: rápido, lento
- altura: agudo, grave
Eine Aktivität, die die Fähigkeit zur Diskrimination fördern und entwickeln kann, ist
ein und dasselbe melodische Thema auf verschiedene Arten interpretieren: den Charakter, die Stimmung, die
Intensität, usw.

DRITTER ZYKLUS
In diesem dritten Zyklus wird die auditive Erziehung rationaler sein und verfolgen als
Allgemeines Ziel, dass der Schüler in der Lage ist, die reinsten Elemente zu erfassen und zu analysieren.
musicales. Igualmente, familiarizarlos con los grandes compositores y los períodos más
Relevantes der Geschichte der Musik.
Für die Didaktik des Wissens über Musikinstrumente wird als Grundlage genommen
visuelle Wandgemälde und Fotografien, und als akustische Unterstützung die spezifische Diskografie, die die
Geräusche dieser, um anschließend zu Werken überzugehen, in denen die Instrumente hervorgehoben werden.
Konkrete, die untersucht werden sollen.

1.3. TECHNIKEN DES MUSIKALISCHEN ZUHÖRENS

Diese Techniken wurden von Hernández Moreno in seinem Werk dargelegt und definiert.
Musik für Kinder.
A. Der musikalisch-körperliche Ausdruck. Er besteht darin, körperliche Bewegungen zu begleiten und
gestuales ein musikalisches Fragment, das sich dafür eignet. Didaktisches Verfahren: Beginnen Sie die
Aktivität der Lehrer und die Schüler einladen, seine Gesten und Bewegungen nachzuahmen, indem sie
Anweisungen und motivierende Vorschläge, damit die Schüler die Bewegungen lernen.
entsprechend zu jedem Teil des Werkes und können die Struktur desselben erkennen.
Es ist die effektivste und fundamentalste Technik, um Musik zu erleben. (z. B.: "Der Karneval der
"Die Tiere" von Saint-Saëns.
B. Die musikalische Erzählung. Es besteht darin, eine Geschichte oder Erzählung über das Musikwerk zu erfinden.
was zu hören ist. Diese Aktivität findet gleichzeitig mit der Anhörung statt.
Didaktisches Verfahren: darauf abzielen, die Aufmerksamkeit und Motivation der Schüler aufrechtzuerhalten
Während der gesamten Anhörung erfordert die Ausarbeitung dieser Geschichte ein hohes Maß an
Intelligenz, didaktische Fähigkeiten und umfassendes Wissen über das musikalische Werk, um zu können
den Text anpassen und verteilen. (z. B.: "In einem persischen Markt" von Ketelbey oder die
2. Teil der 'Orchesterleitfaden für Jugendliche' von B. Britten.
C. Die musikalische Dramatisierung. Sie besteht darin, ein musikalisches Werk mit oder ohne Text zu dramatisieren.
Wir können zwei Arten der musikalischen Dramatisierung unterscheiden: 1.) die musikalischen Märchen, die
Sie enthalten zusammen mit der Partitur einen eigenen Text, der gelesen werden kann und der möglicherweise sein kann.
inszeniert („Peter und der Wolf“ von Prokofjew), und 2) Dramatization eines musikalischen Werkes
die es erlaubt oder einlädt, Dialoge einzubeziehen, die speziell für ihre Dramatisierung erstellt wurden ("Der
aprendiz de brujo" von Dukas).
 D. Die musikalische Illustration. Sie besteht darin, Musik zu verwenden, um den Wert zu verstärken und hervorzuheben.
künstlerische einer bildenden Kunst, Theater oder eines anderen künstlerischen Genres; die
Musikalische Komposition wird den anderen Künsten zur Verfügung gestellt. Didaktisches Verfahren: beginnen
mit der Studie, dem Kommentar oder dem Lesen des Kunstwerks, das als Inspiration für das Werk dient
musical. Je nach Niveau der Klasse kann die Erstellung eines Montages vorgeschlagen werden.
audiovisuelle der bildenden Kunst, ein kurzes Skript des literarischen Werks oder ein Projekt von
komplexe künstlerische Montage, die als Hörleitfaden dienen sollte.
E. Das Lied-Audition. Es besteht darin, einen passenden Text zur Melodie zu erstellen, zu erfinden.
Hauptteil des gehörten Musikfragments. Ziel dieser Technik: entwickeln das
Ohr der Kleinsten, das Auswendiglernen von melodischen Sequenzen sowie das
intuitives Wissen über musikalische Strukturen und Formen. Kann auf jede angewendet werden.
Stück oder musikalisches Motiv eines Werks. (Z. B.: Fragment aus dem 'Nussknacker' erfunden von
Jos Wuytack)

2. ENTWICKLUNG DES HÖRVERSTEHENS

2.1. EINFÜHRUNG
Die Entwicklung des Hörverständnisses kann nur durch die
Musikalische Audition. Obwohl die Schwierigkeit, in der Lage zu sein, zu verstehen, oft übertrieben wird.
Die Musik korrekt, das Ziel, das in der Grundschule angestrebt wird, ist ein
elementares Niveau, und möglich zu erreichen.
Die Musikblindheit besteht in der Unfähigkeit, eine Melodie zu erkennen, und das
Es kommt sehr selten vor; im Allgemeinen sind Kinder in der Lage, eine Melodie zu erkennen.
dada unter anderem, nachdem ich sie einige Minuten lang gehört hatte. Diese Tatsache, zu behalten,
Vergleichen und Beziehen ist unerlässlich, um das musikalische Verständnis zu ermöglichen, da
Wir stehen vor einer temporären Kunst.

2.2. ANALYSE DES HÖRPROZESSES: DIE DREI EBENEN DER

AUDITION
Todos escuchamos la música en tres planos distintos, que siguiendo la
Die von Copland vorgeschlagene Terminologie werden wir wie folgt bezeichnen:
1) Sinnlicher Plan. Es ist die einfachste Art, Musik zu hören; es ist, sie aus purer Freude zu hören.
was den musikalischen Klang erzeugt.
Obwohl es wichtig ist, bleibt es ein primärer Plan, und es ist ratsam, ihn nicht übermäßig zu nutzen.
Diejenigen, die nur zu einem Konzert gehen, um Musik zur Entspannung oder Flucht zu hören, was
tun wirklich ist hören, aber nicht zuhören.
2) Ausdrucksplan. Emotionaler und intellektueller Plan, der uns Emotionen und Gefühle hervorruft.
Zwei charakteristische Aspekte dieses Plans sind: die Kontroverse und die Subjektivität.
Controversia en el sentido de que incluso los grandes compositores eluden toda discusión
über die expressive Seite der Musik. Subjektivität im Sinne davon, dass jeder ein Gefühl hat von einem
Musikthema auf seine Weise.
3) Rein musikalische Ebene. Diese Ebene besteht aus einer rein musikalischen Wahrnehmung, in der
Konzentration und Analyse aller konstitutiven Elemente der Musik, die Noten und ihre
Manipulation.
Um in diesen letzten Bereich einzutreten, sind musikalische Kenntnisse erforderlich.
Mindestanforderungen. Es ist notwendig, die vorhandene musikalische Ausbildung optimal zu nutzen, um weiterzukommen.
 diesem Plan, auch wenn wir nur auf den ersten Ebenen davon bleiben. Dies muss sein
das letzte Ziel des Hörens in einer vollständigen musikalischen Ausbildung.

Willems und "Das musikalische Ohr" sowie "Die psychologischen Grundlagen der Erziehung"
musical”, desarrolla la misma idea de Copland pero con otras denominaciones:

COPLAND WILLEMS
Sinnlicher Plan Sensorischer Aspekt des Hörens
Ausdrucksplan Auditivität
Plano puramente musical Auditiver Intelligenz

Laut Willems sollten die drei Funktionen eine Synthese bilden, die es ermöglicht
die Hörleistung in vollem Umfang zu entwickeln. Es kommt vor, dass solche Funktionen, von denen wir gesprochen haben
gesprochen, können isoliert funktionieren oder gegenseitige Einflüsse haben. Das
Es ist richtig, die Notwendigkeit des Vorrangs jeder dieser Anhörungen während eines
konkrete Periode der menschlichen Entwicklung. So wird die sensorische bis zum 8. Lebensjahr entwickelt;
affektive, bis zu 10 Jahren; und ab hier die kognitive oder geistige.

3. ZIELE, INHALTE UND AKTIVITÄTEN

3.1. ZIELE
Die wichtigsten künstlerischen Ausdrucksformen, die vorhanden sind, kennen und respektieren.
Umgebung sowie die herausragendsten Elemente des Kulturerbes, Entwicklung von Kriterien
eigene Bewertungsmerkmale" (Allgemeine Ziele, Bereich Kunstpädagogik, 11, MEC).

Allgemeine Ziele:
Die Sensibilität entwickeln
Die Freude am Musikhören kultivieren
Die Vorstellungskraft entwickeln
- Die durch das Hören von Musik hervorgerufenen Empfindungen auf irgendeine Weise festhalten
Die verschiedenen Instrumente oder Stimmen, die in einem musikalischen Werk vorkommen, erkennen.
- Werke oder Lieder an ihrer Melodie oder ihrem Rhythmus erkennen
Die auditive Konzentration fördern
Die auditive Erinnerung kultivieren
- Die Nuancen und den Ausdruck erkennen
- Die Takte unterscheiden
- Die Bewegung und den Rhythmus analysieren
- Die Form unterscheiden
- Das Phrasieren in einem Werk oder Lied unterscheiden
Durchführung der Analyse und Bewertung der gehörten Werke

Ziele sequenziert nach Zyklen:

Erster Zyklus
- Erkundung durch spielerische Aktivitäten und sensorische Erkundung der Geräusche
von den natürlichen Elementen und der Umgebung
Den Schüler dazu bringen, Freude am Zuhören und an der Erzeugung von Geräuschen zu empfinden.
- Sich mit den Geräuschen seiner näheren Umgebung vertrautmachen
 - Bestimmte grundlegende Merkmale in Bezug auf Höhe, Dauer, Intensität und
timbre
Eine Einstellung von Aufmerksamkeit und Neugier gegenüber den Geräuschen, die sie umgeben, fördern
- Den Klang der Stille differenzieren und ihn als privilegiertes Element erleben
Zweiter Zyklus
- Entwickeln Sie die Fähigkeit zur Wahrnehmung der natürlichen Elemente, die im Zyklus begonnen wurde
anterior, und von den künstlerischen Manifestationen der Umgebung
- Die Geräusche nach ihrem Material und der Art und Weise, wie sie erzeugt werden, klassifizieren
Die Fähigkeit entwickeln, die Klänge und Rhythmen zu erkennen und zu kodieren.
Die Fähigkeit zur aktiven Zuhörung auf den umgebenden Klangraum entwickeln
Sie daran gewöhnen, die Klänge wahrzunehmen und mit ihnen zu spielen, und zu wissen, die richtigen Klänge auszuwählen.
für die musikalischen Erfahrungen, die durchgeführt werden
- Effekte und Beziehungen identifizieren, die beim Hören eines Musikstücks auftreten
- Identifizieren Sie Kinderprogramme und Zeichentrickfilme anhand der Musik, die sie illustriert.
Dritter Zyklus
Fortfahren, die Fähigkeit zur Wahrnehmung und Analyse weiter zu vertiefen
sinnvoll für die Umgebung und das künstlerische Geschehen
- Die Fähigkeit zur Analyse der wahrgenommenen Klangumgebung entwickeln, indem man eine
kritische und schützende Haltung gegen Lärm- und Umweltbelastungen
Eine "aufmerksame" Haltung gegenüber den Klängen und der Hintergrundmusik fördern
Körperbild und visuell, versucht die Funktion davon als Unterstützung zu bewerten.
künstlerische Funktionen
Die aktive und verständnisvolle Zuhörung von musikalischen Beispielen verschiedener Genres entwickeln
und Stile, wobei versucht wird, einige der Elemente zu verbinden, die das musikalische Werk ausmachen
und eine kritische Haltung zur Musik zu fördern, die gehört wird
- Vertiefung der Analyse der Klangparameter mit einem zunehmenden Grad von
Komplexität (minimale Höhenunterschiede, bis zum Halbton, kaum wahrnehmbare Veränderungen)
von Intensität, Timbres von ungewöhnlichen Instrumenten usw.)
Den Sinn der musikalischen Phrase entwickeln
- Die Formen Lied, Kanon und Rondeau erkennen
- Escuchar y reconocer piezas cortas, fragmentos de obras clásicas, populares, folklóricas,
usw.

3.2. INHALTE
Die Inhalte sind vielfältig, beeinflussen allgemeine Fähigkeiten und stehen in Beziehung zueinander.
Ja, durch die verschiedenen Aktivitäten eines jeden von ihnen. Die Hauptsächlichen sind:
A. Percepción Auditiva
Mit diesem Inhaltsblock soll die Wahrnehmung und die Entwicklung gefördert werden.
Kenntnis ihrer Mechanismen: Zuvor haben wir die Schwierigkeiten kommentiert
Umweltfaktoren, mit denen der Hörsinn konfrontiert wird. Das Ergebnis davon ist eine ganze
Serie von Defiziten in der Wahrnehmung, die dazu führen, dass das Gehör ein "Desinteresse" gegenüber der
größte Teil der musikalischen Manifestationen.
Dank einer kontinuierlichen Arbeit in der Hörbildung wird es gelingen, die
Wahrnehmung und ein besseres Verständnis ihrer Mechanismen und Prozesse: Konzentration,
Empfang, Analyse und Assimilation.
B. Musikalische Sensibilität
Es wird versucht, die musische Sensibilität und das auditive Vergnügen zu erhöhen. Wir haben bereits gesagt
dass es am besten ist, anfangs für die Auditionen die gebräuchlichste Musik zu verwenden
Umgebung des Kindes. Obwohl dies in den ersten Phasen gültig ist, sollte es nicht immer der Fall sein: die
 Das Hören sollte es dem Kind ermöglichen, gegenüber musikalischen Reizen sensibel zu sein.
erweitern und bereichern Sie Ihren Horizont an Musikrichtungen, die Ihnen angenehm sind. Wie
Das Ergebnis dieser Bereicherung wird sein, dass das Kind mehr Freude an neuer Musik haben wird und mit dem
Entdeckung verschiedener ästhetischer Werte, an die man gewöhnt ist: Texte mehr
nächste zu ihm, neue instrumentale Koloraturen, usw.
C. Enriquecimiento Cultural
Es wird erreicht werden, dank des Wissens über wichtige musikalische Werke, die ...
repräsentativ für verschiedene Epochen und Autoren. Obwohl dies ein wichtiger Inhalt ist,
Man muss weiterhin darauf bestehen, dass es von verschiedenen Faktoren abhängig sein muss, wie der...
Alter des Kindes, seine Konzentrationsfähigkeit usw.
Es ist auch nicht ratsam, vollständige und lange Werke zu hören, egal wie sehr
repräsentativ, dass sie sind.
Während das Kind mehr und mehr dieser Werke kennenlernt und erkennt,
es wird eine kulturelle Bereicherung stattfinden: sie werden auch seine Neugier wecken
die grundlegenden Merkmale der Epoche zu kennen, in der die Arbeit von sich entwickelte
bestimmter Autor, Lebensformen, einfache künstlerische Merkmale usw.
D. Andere Inhalte
- Anhörung von kleinen Stücken und musikalischen Fragmenten aus größeren Werken, die haben
significado por sí mismas y respecto a la obra en general
Erkennung der formalen Elemente eines kontextualisierten Musikwerks
Genießen Sie die Aufführung von Musikwerken aus verschiedenen Genres und Stilen.
Das künstlerische Werk im sozio-kulturellen Bereich

3.3. AKTIVITÄTEN

Erster Zyklus
A) Für die auditiven Diskriminierung
Mit geschlossenen Augen Geräusche erinnern, die innerhalb und außerhalb des Klassenzimmers entstehen.
- Richtung des Schalls. Seine Herkunft angeben, darauf zugehen und ihm folgen, solange er anhält.
träumen
Den Kollegen an der Stimme erkennen
- Instrumente und Objekte an ihrem Klang erkennen
- Merkmale des Klanges von Objekten und Instrumenten
- Instrumente und Objekte nach ihrem Klangtyp klassifizieren
Die Höhe der Töne durch Gesten und Körperbewegungen darstellen
Die Höhe, die Dauer und die Intensität der bearbeiteten Klänge erkennen
Viel Lärm erzeugen und ihn mit der Stille kontrastieren
Lärmige Situationen schaffen und sie ohne Lärm verwöhnen.
Aktionen mit größtmöglicher Stille ausführen
- Die Aufmerksamkeit auf den Kontrast lenken, wenn ein Instrument nach einem Moment des
Stille
B) Für das musikalische Gedächtnis
- Serien von Klingeltönen einprägen und wiederholen
Kurat und rhythmische Melodien einprägen und wiederholen
Eine Melodie an einem Lied erkennen
- Lieder anhand ihrer Melodie oder ihrem Rhythmus erkennen
Melodien erkennen und die zuvor damit verbundenen Bewegungen ausführen
Zweiter Zyklus
A) Für die auditive Diskriminierung
- Reconocer la dirección ascendente y descendente de melodías y series sonoras
- Die melodische Linie in Bewegung (mit der Hand) verwandeln
- Geräusche von zusammengehörenden, disjunkten und wiederholten Graden in Klangserien unterscheiden
Die Höhe der Töne angleichen
- Unterscheiden, wann zwei Geräusche gleichzeitig erklingen oder wann nur eines erklingt
- Ähnliche Klangfarben unterscheiden
- Die Instrumentenfamilien anhand ihres Klanges erkennen
- Lieder und Melodien mit verschiedenen Timbres und in unterschiedlichen Tonlagen wiedergeben
Geschwindigkeiten, Intensitäten und Verbindung
Zwei oder mehr gleichzeitig erklingende Töne erkennen
- Gehen, während eine Melodie spielt; beim Ende der Phrase die Richtung wechseln
B) Für das innere Hören
Singen Sie Lieder oder Melodien, indem Sie Wörter oder Sätze laut mit anderen gesungenen abwechseln.
innerlich
- Lieder singen, bei denen Elemente durch Gesten ersetzt werden müssen, bis am Ende...
ersetzen Sie das gesamte Lied
C) Zur musikalischen Memorierung
Melodische Schemen reproduzieren
- Die Unterschiede in fast identischen melodischen Mustern erkennen
Melodische Diktate durchführen
- Mit Onomatopoesie alltägliche Szenen untermalen
D) Für das Anhören von Liedern und Auszügen aus klassischen Werken
- Kurze Stücke oder Musikfragmente anhören und beschreiben: den Charakter, die Geschwindigkeit,
intensidad, densidad, timbres, solista o grupo

Dritter Zyklus
A) Für die auditive Diskriminierung
- Machen Sie ein Körperspiel, das jedes der Instrumente darstellt
Konzertwerke, in denen ein Soloinstrument hervorgehoben wird
- Führen Sie eine kurze phraseologische Analyse einfacher Fragmente durch
- Den binären oder ternären Rhythmus erkennen
- Analyse der Kontraste zwischen den Sätzen eines Zeitraums; zwischen den Zeiträumen eines Zeitraums;
zwischen den Zeiten eines gesamten Werkes
- Den Dialog eines Soloinstruments mit dem gesamten Orchester analysieren
B) Für das innere Hören
Lieder, Melodien oder Fragmente in verschiedenen Tonarten singen
- Einen Ton hören und einen anderen tieferen, höheren oder gleichen produzieren
C) Für das Hören von Liedern und klassischen Werken
Lass die Musik in den Geist eindringen, ohne Analysen zu machen.
- Vergleichsstudien zu demselben Thema (die "Frühling" von Vivaldi und die
„Frühling“ von Strawinsky
Die Persönlichkeit des Autors durch ein Werk oder Werke studieren.
- Realizar breves comentarios después de la audición de un fragmento musical
- Bereite einen Kommentar zu einem Werk vor und erkläre es den Kollegen.
- Ideen, Gefühle und Situationen durch Zeichnung oder Malerei auszudrücken, die die
Musik vorschlagen
- Musik hören, um eine Poesie zu untermalen, ein Ausdruck der Körpersprache
D) Analyse und Anerkennung eines Themas (Rosa Font)
Es mit der Flöte oder mit den Xylophonen, Metallophonen und Glockenspielen zu spielen
Es zusammen mit dem Orchester spielen
Solfearlo und dann vokalisieren
- Suchen Sie ihre rhythmische Struktur und führen Sie sie mit Klatschen oder mit Klanginstrumenten aus
undeterminiert. Unterscheiden, welche Instrumente das Thema spielen
- Die Arbeit anhören und die Male notieren, in denen das Thema vorkommt
- Ein Bild zeichnen und dem Thema eine bestimmte Farbe geben
Ein audiovisuelles Werk erstellen
Finde einen literarischen Satz, dessen Rhythmus zum musikalischen Rhythmus des analysierten Themas passt.

4. PROGRAMMIERUNG DER AUDITIONEN FÜR DIE STUDIERENDEN VON

PRIMARSTUFE

Die Auswahl und Programmierung der Auditionen wird sich an den unterschiedlichen Eigenschaften orientieren.
des Schülers. Diese Auswahl ist eine sehr persönliche Aktivität jedes Lehrers.
Faktoren, die bei der Durchführung dieser Auswahl berücksichtigt werden müssen und
Programmierung: das Alter der Schüler, das soziokulturelle Umfeld und das Schwierigkeitsniveau von
Verständnis des auszuwählenden Werkes. Ebenso kann dasselbe Werk verwendet werden, um zu erreichen
unterschiedliche Ziele; das heißt, je nach dem didaktischen Ansatz, den wir verfolgen.
Das Werk kann auf verschiedenen Ebenen verwendet werden.

Diese Programmierung muss Folgendes beinhalten:

A) Welche Auditionen und Aktivitäten werden im Allgemeinen stattfinden
Dafür müssen wir einige Auswahlkriterien berücksichtigen.
1. Vorkenntnisse. Welches Niveau sollte als Ausgangspunkt für den Beginn der
Aktivitäten?: derjenige, der durch das Vorwissen der Mehrheit gegeben ist.
Schüler. Wenn das Niveau null ist, muss mit den Grundlagen begonnen werden: differenzierte Hörverstehensübungen
Geräusche und musikalische Klänge, aus ihren eigenen klanglichen Möglichkeiten, usw. Wenn ihr Niveau nicht null ist,
es wird überprüft, indem die Lieder, die sie kennen, die instrumentalen Darbietungen und ...
andere Aktivitäten sowohl individuell als auch kollektiv.
2. Fähigkeiten der Gruppe. Unabhängig davon, ob die Kinder über Kenntnisse verfügen oder nicht
Musikalische, können mehr oder weniger ausgeprägte Fähigkeiten haben. Für das Vorsingen müssen diese
konzentrieren auf: Erkennungsfähigkeit und auditive Erinnerung.
3. Musikalische Umgebung. Damit das Kind das Hören als etwas Eigenes und Normales akzeptiert, ist es
notwendig ist, von der ihm nächstgelegenen Musik auszugehen. Die Informationen können durch
einfachen und detaillierten Umfragen, die dem Alter der Kinder entsprechen und anonym sind, da es
Was uns interessiert, ist die Situation des Mittelwerts der Klasse. Die Anfertigung entspricht der
Maestro, aber zur Orientierung sollten Themen wie die folgenden angesprochen werden:
Existenz oder Nicht-Existenz von Musik im Haushalt
- Unterstützungsspezifikation
- Spezifikation des Musikstils
- Spezifikation von Künstlern
Hören oder Nicht-Hören von aufgezeichneten Fernsehsendungen
- anhören oder nicht anhören von aufgezeichneten Programmen im Radio

- meistgehörte Musik in ihrer Clique

- Informationen über musikalische Aktivitäten, die in Ihrem Viertel, Ihrer Stadt oder Ihrem Dorf stattfinden
Hilfe
 Mit all dem und den Informationen aus den vorherigen Punkten wird der Lehrer in der Lage sein.
um eine Auswahl der Auditionen und audiovisuellen Aktivitäten so passend wie möglich zu treffen
auf dem musikalischen Niveau der Klasse, mit der er arbeiten wird.
B) Periodisierung der Aktivität
Es ist pädagogisch gesehen sehr wenig rentabel, zu viel Zeit mit den zu verbringen.
Auditionen. Ihre Durchführung sollte relativ wenig Zeit in Anspruch nehmen, und wenn sie festgestellt werden, ...
Symptome der Müdigkeit, man sollte sofort die Aktivität oder sogar das Fach wechseln.
C) Bewertung
Dank der Beobachtung der Aktivitäten, ihres größeren oder geringeren Verständnisses, Assimilation und
Domäne, der Lehrer kann entscheiden, ob die vorgeschlagenen Ziele erreicht wurden, und ob
Wir fahren fort mit neuen Aktivitäten.
Punkte, die der Lehrer berücksichtigen sollte, um diese Einschätzung der Entwicklung von
Aktivitäten sind korrekt:
1. Überlegen, ob die durchgeführte Aktivität die geeignetste für die Erreichung ist.
vom vorgesehenen Ziel
2. Die Bewertung muss kontinuierlich über einen Zeitraum erfolgen.
verzögert, es ist nicht notwendig, schnelle Ergebnisse zu erwarten oder die Aktivität fortzusetzen, bis
que los objetivos se hayan conseguido por completo. Un grado de destreza suficiente,
auch wenn es nicht das höchste ist, das erreicht werden soll, wird es ausreichen, um zu anderen überzugehen
Aktivitäten
3. En dicha valoración también deben participar los alumnos
4. Verfolgung aller Schüler in der Form, die der Lehrer entscheidet (Akten, Formulare,
usw.), dank dessen ich die Möglichkeiten und Schwierigkeiten jedes Kindes überprüfen kann, Entwicklung von
diese, usw.
5. Der Lehrer muss auch beurteilen, ob neben diesen musikalischen Werten das Hören
Fortschritte in anderen Bereichen wie:
Erscheinung neuer musikalischer Bräuche
- Entwicklung verschiedener sozialer Haltungen: Beziehung, Ausdruck, Kommunikationsfähigkeit,
Steigerung der Originalität des Kindes

4.1. PROGRAMMIERUNG DER AUDITIONEN FÜR DEN ERSTEN ZYKLUS

In diesem ersten Zyklus wird die Audition so aktiv wie möglich stattfinden.
Die Aktivität wird durch Pantomime und eine Art Dynamik durchgeführt, die potenzieren
die Entwicklung der Vorstellungskraft.
A) Kinderlieder. Diejenigen, die dazu dienen, das Lernen in anderen Bereichen zu fördern:
- Lieder zum Zählen (Ich hatte zehn Hündchen)
- Lieder zur Entwicklung des Körperschemas (Im Kreis, Chirimbolo)
- Lieder für die Stimmbildung (Als Fernando VII.)
- Lieder der Berufe (San Serenín)
Weihnachtslieder
B) Klassische Werke.
- Peter und der Wolf: Prokofjew
Der Karneval der Tiere: Saint-Saëns
- In einem persischen Markt: Ketelbey
Wiegenlied: Brahms
- Der Zauberlehrling: Paul Dukas
- Suite del cascanueces: Tchaikowsky
Sinfonie der Spielzeuge: Haydn
Die zauberhafte Liebe: Falla
 Píccolo, Saxo und Company: Popp

4.2. PROGRAMACIÓN DE AUDICIONES PARA EL SEGUNDO CICLO

Die Möglichkeiten für Auditionen mit plastischen Anwendungen nehmen zu.
Bei der Präsentation des Audios sollte der Name des Werkes, das sie hören werden, sowie der Autor genannt werden und
einige der repräsentativsten Merkmale.
A) Kindersongs. Neben den eigenen Kindersongs für Kinder von neun und zehn
Jahre, Lieder, die eine elementare musikalische Struktur aufweisen, wie das Lied, das
Canon und das Rondo, einige Romanzen und volkstümliche Tänze, die zu seinem Alter passen.
Beispiele: Unter einem Knopf, Kikirikí, Bruder Santiago, usw.
B) Klassische Werke. Alle für den ersten Zyklus vorgeschlagenen. Darüber hinaus:
Die vier Jahreszeiten: Vivaldi
- Scherezade: Rimsky Korsakov
Türkischer Marsch: Mozart
Serenade nocturna: Mozart
Habanera aus „Carmen“: Bizet
- Bolero: Ravel
Bilder einer Ausstellung: Mussorgsky
Der Schwanensee: Tschaikowsky
- Minuetto: Boccherini
Adagio: Albinoni
Die Weihe der Frühlings (Schluss-Tanz): Stravinsky
Der Säbeltanz: Khatchaturian
Peer Gynt: Grieg

4.3. PROGRAMMIERUNG VON AUDITIONEN FÜR DEN DRITTEN ZYKLUS

In diesem Zyklus müssen die Schüler bereits mit den Instrumenten vertraut sein.
das Orchester, und sie durch den Klang kennenzulernen.
A) Lieder. Das Lied kann mit zwei oder drei Stimmen begonnen werden, sodass das Anhören von Liedern
Polifonien, die für dieses Alter geeignet sind, sollten eines ihrer eigenen Merkmale sein. Ebenso,
Eigenständige Lieder des Volksliedguts des Landes im Allgemeinen und der eigenen Gemeinschaft im Besonderen.
B) Klassische Werke.
Toccata und Fuge in d-Moll: Bach
9. Sinfonie (Allegro des 4. Satzes): Beethoven
Danzas Polovtsian der Prinz Igor: Borodin
- Orchesterleitfaden für Jugendliche: Britten
- Gallarda und Pavane (Musik für Laute): Dowland
Sinfonie Nr. 9 in e-Moll "Aus der Neuen Welt": Dvořák
Nacht in den Gärten Spaniens: Falla
Goyescas: Granados
Aleluja aus "Der Messias": Händel
Sinfonie Nr. 40 in Es-Moll: Mozart
Eine Nacht auf dem kahlen Berg: Mussorgski
Carmina Burana: Orff
Das Konzert von Aranjuez: Rodrigo
Festliche Ouvertüre 1812: Tschaikowsky
Klavierkonzert Nr. 1: Tschaikowski
Italienisches Capriccio: Tschaikowsky
 Die Meistersinger von Nürnberg: Wagner
Die Walküre: Wagner
- Tannhäuser: Wagner

Die Live-Audition:
Die Art der Anhörung, die ein im Klassenzimmer präsentes Instrument bietet, in der Nähe von
Die Kinder werden immer lebendiger und greifbarer sein als das, was eine Aufnahme bieten kann.
Später werden sie in der Lage sein, dasselbe Instrument in einer Aufnahme zu entdecken,
es für immer mit dem Freundesobjekt verbunden, mit dem er das Klassenzimmer geteilt hat.
Unsere Schüler werden das Instrument, das sie zum Staunen gebracht hat, niemals vergessen.
manosear, aus der Nähe sehen. So werden wir die Gelegenheiten nutzen, die wir haben, um zu tun
unsere Schüler die Musik live hören:
wir spielen für sie, im Unterricht
Einladend, unsere Freunde / bekannten Musiker, einen Schüler oder ehemaligen Schüler zu spielen.
was im Konservatorium studiert wird...
unsere Schüler ins Konservatorium zu bringen, um Darbietungen in Sälen zu hören
Konzerte. Wenn diese "Live-Auditionen" "esclares" sind, speziell vorbereitet
für sie besser, und vor allem, wenn die Interpreten dieser Konzerte auch sind
Kinder wie sie.
 THEMA 22

SOZIOLOGIE DER MUSIK. BEZIEHUNG MUSIK-GESELLSCHAFT. SOZIALE FUNKTION

DER MUSIK. DAS SOZIOKULTURELLE UMRAND UND SEINEN EINFLUSS AUF
ENTWICKLUNG DER MUSIKALISCHEN EMPFINDSAMKEIT. DIE MUSIK IN DER WELT VON
HOY. MÚSICA Y CONSUMO. APORTACIONES Y POSIBILIDADES DE LOS MEDIOS
AUDIOVISUELLE IM ENTWICKLUNG DER WAHNUNG UND WERTSCHÄTZUNG
MUSIKAL

1. SOZIOLOGIE DER MUSIK

1.1. EINFÜHRUNG
1.2. HISTORISCHE BEDEUTUNG
1.3. SCHULE UND MUSIK

2. RELATION MUSIK-GESELLSCHAFT

3. SOZIALE FUNKTION DER MUSIK

4. DAS SOZIOKULTURELLE UMFELD UND SEINEN EINFLUSS AUF DIE ENTWICKLUNG DER
MUSIKALISCHE Sensibilität
4.1. DAS SOZIOKULTURELLE UMFELD
4.1.1. Familiärer Bereich
4.1.2. Schulbereich
4.1.3. Sozialer Bereich
4.2. MUSIKALISCHE EMPFINDLICHKEIT

5. DIE MUSIK IN DER HEUTIGEN WELT

6. MUSIK UND KONSUM

7. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DER AUDIOVISUELLEN MEDIEN IM

ENTWICKLUNG DER MUSIKALISCHEN WAHNHEIT UND WERTSCHÄTZUNG
 THEMA 22

SOZIOLOGIE DER MUSIK. RELATION MUSIK-GESELLSCHAFT. SOZIALE FUNKTION

DER MUSIK. DAS SOZIOKULTURELLE UMGEBUNG UND SEIN EINFLUSS AUF DAS
ENTWICKLUNG DER MUSIKALISCHEN EMPFINDSAMKEIT. DIE MUSIK IN DER WELT VON
HEUTE. MUSIK UND KONSUM. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DER MEDIEN
AUDIOVISUELLES BEIM ENTWICKELN DER WAHNHEMNUNG UND WERTSCHÄTZUNG
MUSIKAL

1. SOZIOLOGIE DER MUSIK

1.1. EINLEITUNG
Die Soziologie beschäftigt sich mit der globalen Gesellschaft und eingeschränkten Gruppen. Sie untersucht
die Beziehungen zwischen den Wesen. Es ist das Studium der soziokulturellen Phänomene, die aus der hervorgehen.
Interaktion zwischen den Individuen und zwischen Individuum und Umwelt.
Daher scheint es offensichtlich, dass die Soziologie der Musik sich mit dem Studium der ...
Einflüsse der Musik auf die Gemeinschaft und ihre Mitglieder. Es ist die Studie der Phänomene
Musicals aus der Sicht der sozialen Implantationen.
Die Soziologie der Musik widmet sich daher der Untersuchung des Einflusses von der
Musik in der Entwicklung des Kindes / der Jugendlichen und die Bildungssysteme oder von
Unterricht.

Die auf Musik angewandte Soziologie existierte nicht, als das 20. Jahrhundert das Licht der Welt erblickte. Ohne
Embargo, ab der zweiten Dekade des Jahrhunderts, die Konsolidierung der Soziologie und,
vor allem eine immer zuverlässigere und kohärentere Studienmethodik hat die Möglichkeit geschaffen
rasantes Entwicklung der musikologischen Soziologie, die zur Entdeckung geführt hat
interessante soziale Fakten in der Geschichte der Musik und die Etablierung wichtiger
teorías respecto del papel de la música en los pueblos de la tierra.

Ab den dreißiger Jahren finden wir hauptsächlich zwei Tendenzen, die

werden die Musiksociologie bis heute prägen:
-Die empirische Soziologie, in der auf jede ideologische Beurteilung verzichtet wird, aus der
dass die Stratifikation des Musikkonsums nicht korrelativ zu bestimmten ist
sozialen Klassen, sondern in 'phänomenologische Klassen des Geschmacks', die sich unterteilen in
["hoch","mittel","niedrig"]
Die materialistisch-dialektische Soziologie, in der die soziale Struktur eines Werkes
Die Kunst hängt von der umgebenden Realität auf der Grundlage von historischen und sozialen Prämissen ab.
generelles und bestimmtes. Jede Änderung der "Überstruktur" ist
bedingt durch die Transformationen der Produktionsverhältnisse, die
Sie bilden die materielle Basis einer Gesellschaft.

Die Quellen, auf die sich die Studien stützen, sind Denkmäler und Dokumente. In
músicas más recientes se estudia sobre las manifestaciones orales transmitidas de generación en
Generation, mit den Vorbehalten, die diese Methode mit sich bringt.

Die Soziologie der Musik ist in verschiedenen Bereichen von großem Nutzen. Sie sind
Ihre Ziele:
 Die Rolle, die Musik in primitiven Zeiten und Kulturen gespielt hat, wo sie verwendet wird
der Ikonografie.
Die Rolle der Musiker in ihrer Zeit (soziale Stellung des Künstlers)
Die Beziehung zwischen Musik und Publikum

1.2. HISTORISCHE BEDEUTUNG

Die Musik wurde in allen Kulturen wegen ihrer engen Beziehung zur
Welt um ihn herum, die manchmal zu einem sozialen Phänomen von größter Bedeutung wird:
Die primitiven Völker schufen ihre Mythologien aus der Klangwelt wie
Medium zur Kommunikation mit den Göttern.
Die griechische Welt nimmt all diese Philosophie auf, indem sie die Musik als Teil betrachtet.
essentiell im Theater, in den Olympischen Spielen, in den Festen, die Musik mit den zu verbinden
Götter wie Erfinder von Instrumenten oder als Interpreten.
Für Platon hatte die Musik einen solchen Einfluss, dass er sie als ein Gut betrachtete.
die Republik, die menschlichen Affekte reinigend, die Moral stärkend und zur Vorbereitung auf das
Gut. Daher hatte es eine außergewöhnliche pädagogische Bedeutung, indem es die Musik in die ...
Gipfel der Künste.
Roma hereda la afición musical griega y la transmite a la Edad Media europea,
Epochen, in denen Musik im Quadrivium zusammen mit der Arithmetik, Geometrie und
Astronomie.
Im Renaissance galt der Höfling, der Musiker war und nicht spielte
Instrumente, er war kein guter Höfling.
Diese Idee wird von allen Humanisten der Zeit geteilt, so auch von den katholischen Königen.
In Spanien wird der Musik großer Auftrieb gegeben, wobei sie zu großen Mäzenen werden, ebenso geschieht es in
England, Österreich, Italien, Frankreich.
Im Barock hat die Musik eine sehr kreative Epoche, sowohl die Monarchie
Absolutisten wie die Kirche verlangten eine große Menge an Musik.
Im Klassizismus nahm die Musik historischen Kontext an, interessierte die Mittelschicht und
die Bourgeoisie, die mit der Romantik kulminiert. In dieser Periode ist die Musik eine Kunst durch
excelencia.
In der zeitgenössischen Gesellschaft wird die Musik auf verschiedenen Ebenen gepflegt.
aufgrund der Bedeutung, die die Medien gewinnen.

1.3. SCHULE UND MUSIK

Wir stehen vor dem Problem, ob die Schule die Werte bewahren sollte.
Soziale oder sollte sie anpassen.
Wenn das Ziel der Bildung die Vervollkommnung des Menschen ist, dann ist das System
es muss ein Lernen bieten, dessen Funktion darin besteht, die Gesellschaft zu verändern.
In Spanien wurde mit dem Gesetz über die allgemeine Bildung von 1970 festgelegt
ein Musikprogramm, das ein Bereich ist, der nach dem Willen eines Lehrkörpers vermittelt werden soll, der dies nicht ...
vermittelten, und wenn sie es taten, beschränkten sie sich auf singen. Nur wenige waren bereit, das Gebiet von
Musikalische Bildung.
Se pretende con la LOGSE y la LOCE un panorama distinto al reflejarse el papel
von einem Fachprofessor, obwohl der Mangel an Mitteln die Garantie der Durchführung gefährdet
dieses Gebiet wie jedes andere.

Die Musik als soziales Phänomen fügt sich in das Schulleben ein und bestimmt einige
Ziele zu entwickeln, wobei in diesem Bereich der kulturelle Musikwert entsteht.
für alle mit einer musikalischen Pädagogik, Methodologie und Ressourcen, die die pädagogisch-
Musicals des 20. Jahrhunderts propagieren.

2. BEZIEHUNG MUSIK-GESELLSCHAFT

Man kann die politischen und soziokulturellen Ereignisse nicht von der Musik isolieren, ebenso wie
que die umgekehrte.
Jeder Künstler schafft nach dem Schema seiner Zeit. Jedes Kunstwerk
entsteht in einem bestimmten geographischen, historischen und sozialen Umfeld.
Es ist klar, dass der Einfluss der umgebenden Charaktere in den bildenden Künsten größer ist.
dass in der Musik. Der Komponist wird jedoch auch von den Vorschlägen des
Landschaft. Ebenso beeinflussen den Künstler die konstanten Rassen sowie die kulturelle Tradition der
Gesellschaft, zu der sie gehört, und die Umstände ihrer Zeit.
Auf der anderen Seite spiegelt der Künstler nicht nur seine Zeit wider, sondern trägt auch zu ihr bei.
Definition, weshalb wir von Interrelation sprechen können.

Die Musik, wie andere Künste, entwickelt sich mit der Geschichte, aber von der alten Musik
Es gibt keine stichhaltigen Beweise, weshalb einige Autoren in der Geschichte erwägen.
Musik bis zum 10. Jahrhundert als Vorgeschichte.

Ein wichtiger Punkt, den man in Bezug auf Musik und Gesellschaft beachten sollte, ist der
wertend, der Wert, der der Musik in einer Gesellschaft und einer anderen gemäß der Mentalität beigemessen wird, also
Das Werturteil muss folgende Aspekte berücksichtigen: Mentalität, Rasse, Idiosynkrasie, Bildung, Moral
Sitten und religiöse Ideen, die jedes Volk in jeder Epoche hat.
Das soziale System funktioniert in jeder Epoche, geleitet von den Institutionen. Diese verändern sich.
mit den Bedürfnissen, die im Laufe der historischen Entwicklung entstehen.
In der heutigen Gesellschaft stehen Technik und Wissenschaft im Mittelpunkt der evolutionären Entwicklung.
der Industriegesellschaft. Diese Veränderungen ziehen auch verschiedene Formen der Beziehung zwischen
Gesellschaft und Musik.

3. SOZIALE FUNKTION DER MUSIK

Die Musik hat eine hohe spirituelle Kraft, einen psychologischen Wert, der diese Kunst zu einem
unzertrennlicher Gefährte der Gefühle und Emotionen.
Das Studium der Musik in ihren Elementen (Rhythmus, Melodie, Harmonie und Musikformen),
führt uns dazu, die Kulturen zu verstehen, in denen sie eingebettet ist.

Die primitive Musik diente dazu, Erfahrungen und Gefühle auszudrücken. Dieser Ausdruck hatte
ein großer Wert als Instrumente der Sozialisation.
Orientierte die kollektive Sensibilität
Er integrierte alle Mitglieder der Gruppe
Manifestaba las necesidades de la colectividad
Die Musik wurde zu bestimmten Zeiten als grundlegende Basis für die
Bildung des Individuums.
So kommen wir zu dem Schluss, dass die Musik eine soziale Funktion hatte, die folgendes vermischte:
Religion
 Kultur
Künste
Wissenschaften
Die Musik war eine "künstlerische Manifestation, um ungünstige Situationen zu neutralisieren"
Diese magische Vorstellung, die von den primitiven Völkern bis nach Ägypten reicht und
Mesopotamien (Jahrhunderte VII-II v. Chr.).

El pueblo griego buscaba más perfección e idealismo y consideraba la música asunto de

Zustand.
Musik ist Synonym für
Harmonie
Rhythmus
Gleichgewicht
Für Platon ist die Musik die grundlegende Kunst der staatsbürgerlichen Erziehung, der sie die Macht zuschreibt.
die Seele zu erheben.
Von hier an löst er sich von der Magie.
In der griechischen Gesellschaft haben Musiker eine hohe Wertschätzung. Sie werden anwesend sein in:
religiöse Zeremonien
kollektive (poetische) Manifestationen
Theateraufführungen
Der Staat übernimmt die Verantwortung für die musikalische Erziehung.

In der römischen Zeit verliert es die künstlerische Mission und wird zu Zeitvertreib und Bacchanale.
Zirkus. Es fanden wahre Festivals der Musik und des Tanzes statt, die zu Aufführungen führten.
Platz und schreiende Massen.

Gegen Ende des 4. Jahrhunderts n. Chr. entstand das Christentum, das keine grundlegenden Veränderungen hervorrief.
bis zum 10. Jahrhundert.
In dieser Zeit hat die Musik ein religiöses Siegel. Einflüsse auf diese Musik: hebräisch,
griechisch und orientalisch. Der moralische und ethische Charakter erscheint in den Gesängen.
En la época feudal, los trovadores servían para entretener a los nobles, mientas que los
Die Kleriker bevorzugten den Gregorianischen Gesang und das liturgische Theater, während das Gemeinvolk sich mit ...
Ihre Tänze und Volkslieder. Die Musik unterschied gut zwischen den sozialen Klassen.
Das populäre Lied wird mündlich von den Spielleuten übertragen, und das kultivierte von den Troubadouren.

Im zwölften Jahrhundert nimmt die Musik neben der Arithmetik einen wichtigen Platz ein,
Geometrie und Astronomie, die an den Universitäten gelehrt wird.

Um das 13. Jahrhundert humanisieren sich die Künste und die Musik versucht, die Schönheit des
Leben und die Natur, die nach Lieben und Vergnügen suchen. Der Feudalismus wird gestürzt und es wird etabliert die
Bürgertum.
Santo Tomás sagt: "Die Musik nimmt den ersten Rang unter den sieben freien Künsten [...]
Musik ist die edelste der menschlichen Wissenschaften und jeder sollte danach streben, sie zu erwerben.
Bevorzugung gegenüber den anderen.

Die Renaissance ist eine Epoche der Entdeckungen (der Buchdruck zum Beispiel). Die
Musik, geschützt durch die Mäzene, erblüht. In dieser Zeit dominierte die künstlerische Gesellschaft und die
Intellektuell vereinigten sich häufig die Künste im Allgemeinen.
 Die Barockkunst (Ende des 18. Jahrhunderts) wurde als extravagant und überladen angesehen.
Neben religiöser Musik wird auch profane Musik komponiert, die sich auf alltägliche Szenen erstreckt.
hauswirtschaftliche und landschaftliche.

Die Romantiker ziehen das Land und die Natur dem gesellschaftlichen Leben vor. Sie schätzen das Nationale und
Im Folkloristischen entsteht ein Sehnen nach Freiheit und eine idealistische Erhebung.

Im 20. Jahrhundert haben die Fortschritte die Zivilisation so erschüttert, dass die
Spirituelle und kulturelle Werte werden aufgeschoben.
Die Musik des 20. Jahrhunderts entsteht als Reaktion auf den Romanticismus und umgibt sich mit
extramusikalische Elemente: es gibt Experimente.
Es gibt viele Trends, die über die Medien für die Massen zugänglich sind.
Kommunikation.
Aktuell welche Rolle spielt Musik in unserer Gesellschaft? Nun, wie immer,
es eine künstlerische Manifestation, wird aber auch verwendet:
a) Comomedio educativo: wir kennen den enormen Bildungswert der Musikalischen Bildung.
b) Comoapoyo: 1) Werbemaßnahme, deren Funktion es ist, den Empfänger zu überzeugen und zu fördern
Verbrauch
2)psychologisch, in anderen künstlerischen Ausdrucksformen (vor allem im Film)
3)Reclamo, para llamar nuestra atención (en las estaciones de trenes,
Sintonien von Programmen, in den Spielautomaten usw.).
c) Comomedio relacional: wenn eine Person eine bestimmte musikalische Darbietung besucht, ...
zuerst, weil ihm diese Art von Musik gefällt, sondern auch, weil er weiß, dass er ...
sich mit anderen Menschen zu treffen, die sehr wahrscheinlich ähnliche Vorstellungen teilen
Politiken, soziale, religiöse usw.
d) Therapeutisches Medium: die kräftige, ansteigende Entwicklung der Nutzung von Musik
Als Heilmittel ermöglicht es uns, eine neue Nützlichkeit unserer Disziplin hinzuzufügen: die Therapeutik.
Die Musiktherapie schreitet in der heutigen Gesellschaft voran, sodass sie uns zum Nachdenken bringt über das
Zukunft der Fachrichtungen in diesem Bereich.

Zusammenfassend hat die Musik in jeder Epoche eine unterschiedliche soziale Funktion gehabt. Derzeit
Es wird versucht, in der Schule eine künstlerische Sensibilität und Wertschätzung zu fördern.
kulturelles Erbe.
Daher trägt die musikalische Bildung dazu bei, Emotionen und Gefühle zu fördern, die
Suchen Sie nach den kulturellen Wurzeln und fördern Sie eine Sozialisierung.

4. DAS SOZIOKULTURELLE UMFELD UND SEIN EINFLUSS AUF DAS

ENTWICKLUNG DER MUSIKALISCHEN EMPFINDUNGSFÄHIGKEIT

4.1. DAS SOZIOKULTURELLE UMGEBUNG

Das soziokulturelle Umfeld ist die Gesamtheit der Realitäten, in denen das Kind lebt.
inserto und die auf besondere Weise ihr Verhalten beeinflussen.
Das Kind ist ein soziales Wesen par excellence. In sozialen Umgebungen wird es reifen.
affektives-soziales Verhalten und diese bereiten ihn vor, sich auszudrücken, zu kommunizieren, zu schaffen und zu
sozial integrieren.
Der soziale Kreis beeinflusst umso weniger, je weiter er von seiner unmittelbaren Umgebung entfernt ist.
 Kind Familie Schule Gesellschaft Viertel Dorf o
Stadt Gemeinschaft
país, mundo
Die musikalische Bildung, wie jeder andere Bildungsbereich, findet in einem
soziokulturelles Medium, weshalb Gesellschaft und Kultur zwei konvergierende Realitäten im Prozess sind
musikpädagogisch
Die miteinander verbundenen sozialen Umfelder, in denen sie sich bewegen, sind:

4.1.1. Familiärer Bereich

Es ist die erste Umgebung, in der er die ersten Jahre seines Lebens verbringt, es ist die Basis.
für die musikalische Ausbildung.
Wenn das Kind zu Hause singt, weil seine Familie singt, wird es erreichen
Fundamente für:
seine auditiven Bildung
- Ihre rhythmische Erziehung
Ihre Gesangsausbildung
seine Fähigkeit zur Improvisation
- seine Fähigkeit zur sozialen Beziehung
- ihr Interesse an der Musik
seine Erhöhung der Sensibilität
Die Klangwelt und ihre sensomotorische Phase werden im Schoß entwickelt.
vertraut und zeigen sich in ihren Spielen.
In den ersten Monaten erkennt das Kind die Richtung des Schalls, bewegt
rhythmisch mit den Füßen und Händen und beginnt, Geräusche nachzuahmen.
Wenn er anfängt zu sprechen, macht das Kind Geräusche und improvisiert Lieder.
kurz und ebenso, geht, spielt und drückt sich mit großer Spontaneität aus.
Die Familie kann auf natürliche Weise auf die Vorbereitung achten.
musikalisch über das Singen und Spielen das, was in seiner Reichweite liegt, übermitteln.
Im Bereich des Kindes sollte es auf natürliche Weise eine korrekte Intonation der Stimme wahrnehmen, ohne
Estridenzen, gute Artikulation, Koordination der Bewegungen usw. Das Anhören von Werken
Klassische, die Bewertung von Musik, die Einbeziehung eines Musikinstruments in die
Familie, sorgen dafür, dass die Sensibilität des Kindes positiv auf sie ausgerichtet ist, nicht nur
nicht nur als musikalische Kulturaktivität, sondern als eine andere Art, die Musik zu fühlen und zu leben.
So sagt Hemsy de Gainza: "Viele glauben, dass das Hören von Schallplatten
kann den Gesang der Mutter im kleinen Kind ersetzen. Wenn das der Fall wäre, würden wir nicht bemerken
Unterschiede in der Musikalität von Kreaturen, die unterschiedlich behandelt wurden, seitdem dies
punto de vista. [...] para el oído y el espíritu de un pequeño, ninguna música resulta tan
anregend und ebenso nützlich wie das Lied, das ihre Mutter ihr widmet.
Der Einfluss dieser Umgebung wird in den folgenden ...
aspectos:
a) Hörverständnis. Wenn die Eltern Musik mögen, ist es normal, dass
Singt dem Baby; das lässt das Kind seine ersten Übungen im Unterscheiden machen.
auditiv die Eltern nur durch die Stimme erkennen.
b) Bestimmung des Schwellenwerts für Geräusche. Der Geräuschpegel in einem Haushalt ist
Determinante: Wenn die Dialoge mit hoher Intensität geführt werden, wenn häufig die
Fernsehen, das Radio und die restlichen Tonwiedergabegeräte befinden sich
Bei eingeschaltetem Fernseher und lautem Volumen wird das Ohr des Kindes sich daran gewöhnen, die nicht zu erfassen.
Geräusche unterhalb dieser Intensität. Außerdem werden die Probleme sehr häufig sein.
fónicos, da er selbst fast schreiend oder sich anstrengend sprechen wird.
 c) Einstellung zur Musik. Wenn das Kind sieht, dass seine Eltern sich dafür interessieren
Musik, die Vorstellung wird sich formen, dass Musik ihm Freude bereitet (spielerischer Wert für das
Lernen) und nach und nach wird es für ihn wichtiger werden.
c) Steigerung seiner Beziehungsfähigkeit. Wenn die Eltern mit ihm singen, zusätzlich zu
emotionale Bindungen stärken wird das Kind lehren, Beziehungen aufzubauen: zuerst mit seinen
Eltern und später mit ihren Mitschülern, singen, spielen, zuhören
Musik, usw.
Auf der anderen Seite müssen Faktoren hervorgehoben werden, die dazu führen werden, dass die Familie sich
weniger oder mehr empfindlich gegenüber Musik; dies sind:
1) Kaufkraft. Ob diese höher oder niedriger ist, wird eine Reihe von
Möglichkeiten wie die Wahl von privatem Unterricht, Musikakademien oder Lehrern
particulares. También permitirá una mayor disponibilidad de medios materiales
(bibliotecas básicas, discos, cassettes, etc.).
2) Kulturelle Macht. Dank dieses höheren kulturellen Niveaus sind die interessierten Eltern,
werden in der Lage sein, ihren Kindern präzise Anweisungen darüber zu geben, welche Musik
zuhören, über die verschiedenen Qualitäten der Musikprogramme...

4.1.2. Schulbereich
Die Schulumgebung ist mit den Erfahrungen der Umgebung verbunden. Die
Schule, mit der musikalischen Erziehung, muss die Schüler darauf vorbereiten, dass sie ihre
Sensibilität und musikalische Wertschätzung werden vermittelt und kultiviert kulturelle Werte.
Die Musikausbildung wurde bis vor wenigen Jahren in den
Konservatorien, aber nur Schüler mit guten Qualitäten kamen an diese Zentren.
Musicals.
Die Schule sollte nicht die Rolle übernehmen, Fachkräfte auszubilden, sondern
der musikalische Unterricht sollte auf alle ausgeweitet werden. Ein Spiegelbild dieser Wertschätzung ist, dass, in
Unser Land, der D.C.B., umfasst den Bereich der Künstlichen Bildung (die Musikbildung darin)
als Ausdrucksform, Kommunikation und Darstellung, durch die man
Erfassen und drücken Aspekte der Realität aus. Der Unterricht des Lernens von Musik
beinhaltet den Gesang und die vokale Ausdrucksweise, den instrumentalen Ausdruck und die Bewegung und die
Tanz.
In diesem Zusammenhang die Musikerzieher des 20. Jahrhunderts (Orff, Willems,
Dalcroze, Martenot usw. tragen dazu bei, Modelle und Ressourcen zu suchen, um den Zugang zu ...
Die Musik durch Erlebnisse attraktiver und weniger abstrakt zu gestalten. Es wird von
Manifest durch die Wertschätzung der Musik als eine Form des Ausdrucks, durch die
Die Schüler lernen, drücken aus und kommunizieren die verschiedenen Aspekte ihrer Umgebung und ihrer
Innenwelt. Es muss eine spezialisierte Lehrerausbildung und minimale Ressourcen geben.
Die Schule gestaltet die Musikausbildung also aus der Orientierung zu der
Sensibilisierung, Wahrnehmung und Wertschätzung von Musik.

4.1.3. Soziale Bereiche

Der soziale Kontext beeinflusst alle Lebensprozesse, auch in der
pädagogisch. Es ist geprägt von der Kultur (ein städtisches Viertel ist kein ländliches Viertel). Und eine
Eine musikalisch kultivierte Gesellschaft wird eine gute musische Bildung schätzen und fördern.
Wir sollten auf eine offene Gesellschaft hinarbeiten, in der eine lebendige, erlebte Kultur entsteht und
kollektiv von der Gruppe der Bürger in ständigem Handeln ausgearbeitet.
Die Gesellschaft hat die Schaffung von Institutionen (Vereinigungen,
Gemeinden, Provinzen, Jugendhäuser, Jugendclubs, Heime
Ländliche Gebiete, Sozialzentren, Musikgruppen, Nachbarschaftsausschüsse usw., wo gemacht wird
 Musikalische Aktivitäten außerhalb des schulischen Umfelds. Ziel: die Qualität zu verbessern von
Leben und gesellschaftliches Wohlbefinden.

Der Besuch von Konzerten oder Recitals lässt die Realität einfließen.
alltäglich mit den sozialen Ereignissen. Die Teilnahme an nicht systematisierten Kontexten.
Es ergänzt und bereichert die musikalische Ausbildung.
Die Straße, das Viertel, die Organisationen bieten ihm kreative Wege an in den
dass die Musik auf lebendige Weise präsent wird. Auf diese Weise erfolgt ihre musikalische Ausbildung.
wird sich bereichern und ergänzen.

4.2. MUSIKALISCHE SENSIBILITÄT

La música es un valor que despertará la sensibilidad musical cuando se vivencie
eigene Nachrichten erstellen und die der anderen wertschätzen.
Durch die musikalische Bildung improvisiert die Schüler*innenschaft und erlebt die Welt.
sonoro. Entwickelt und fördert die Musikalität, indem es die Hörfähigkeiten stärkt.
rhythmisch und melodisch.
Die Musik spielt eine wichtige Rolle bei der intellektuellen Entwicklung durch das
Wissen; in der physiologischen Entwicklung durch die Aktion und in der affektiven Entwicklung zu
través de la sensibilidad. La música desarrolla íntegramente a la persona, madurando facultades
wie Vorstellungskraft, Gedächtnis, Emotionalität, Ordnung, Kreativität, Kommunikation, Affektivität und
Beziehung.

Die musikalische Sensibilität, wie wir in den Bereichen beobachtet haben

soziokulturellen, die den Einzelnen umgeben, werden von dem Moment an erworben, in dem man in einer Familie geboren wird, und man
entwickelt sich unter dem Einfluss der sozialen Umgebung, in der er lebt.
Die Bildungseinrichtungen haben somit die Verantwortung, die Musik zu vermitteln.
sensible Individuen aufzubauen, eine wichtige Einflussnahme. Die Arbeit des Erziehers wird sein
grundlegend zur Verstärkung oder Aufhebung positiver oder negativer Einflüsse.
Wenn wir in der Lage sind, die uns umgebenden Fakten zu erkennen, werden wir wissen, was
Antwort auf einen Reiz; dieser Prozess wird das kritische Urteilsvermögen stärken, der intellektuelle Prozess wird
setzen wird. Ein Kind reagiert stärker auf seine Emotionen als auf seine Rationalität. Die Bildung
Es lässt ihn allmählich ändern und mit einem intellektuellen Prozess antworten.
De esta forma, la sensibilidad se hace subjetiva, las respuestas serán subjetivas y
Die Geschmäcker werden vielfältig sein.

5. DIE MUSIK IN DER WELT VON HEUTE

Die Musik gibt uns einen Anhaltspunkt, um die Gesellschaft zu verstehen. Die Musik macht uns
Eine Kultur kennenzulernen, weil sie durch die konkreten Ereignisse der Menschheit hervorgerufen wird.
Die heutige Welt ist geprägt von der Entstehung von Ausdrucksformen, die von der
wissenschaftlicher Fortschritt und der Fortschritt der Elektronik. Die Spur der Elektronik zeigt sich in der
Musique Concrète und die Elektronische Musik, die grundlegend für die Verbreitung waren
Musik die audiovisuellen Medien (Fernsehen, Kino, Magnetophon, Plattenspieler usw.).
Die Konkrete Musik, laut Schaeffer, ihrem Erfinder, wird mit konkreten Objekten produziert.
Es ist Labormusik: Sie nimmt die Klänge der realen Welt und verformt sie. Die Musik
Elektronik ist mit elektronisch produzierten Klängen geschaffen. Es verwendet Synthesizer und wird
Elaboriert in Laboren. Wenn diese beiden Musiken gemischt werden, erhält man die Musik.
Elektroakustik, die die Möglichkeiten der Schaffung erweitert.
 Wir haben auch Computer- oder Cybermusik. All diese Varianten
entstehen innerhalb der elektronischen Kultur der heutigen Welt.

Musikalische Revolutionen erfolgen durch andere Formen wie den Integralen Serialismus, die
Zufällige Musik, stochastische Musik oder als aktuellster Trend, die Suche nach Sprache
eigen: In der spanischen Musik, Luis de Pablo, Cristóbal Halffter, Ramón Barce oder Carmelo
Bernaola.

Heutzutage ist das musikalische Monopol zwischen dem „Pop“ und dem „Rock“ aufgeteilt.
Musik wird in alle großen städtischen Zentren des Westens kommen, beginnend mit Liverpool und den
englische Städte. Der Fetischismus der Massen und die rebellischen Geschwindigkeiten sind ein fruchtbares Terrain
für die Verbreitung einer Musiksprache, die dazu bestimmt ist, eine internationale Sprache zu werden, fast
identisch in jedem Land.
Die Musikindustrie hat sich in eine erfahrene Jugendpsychologin der Massen verwandelt und hat
angemessen für den „Pop“. In den siebziger Jahren ist die kommerzielle Vulgarisierung der Popmusik ein
allgemeines Geschehen; man erlebt dann eine schnelle Mutation von Formeln: "Acid Rock", "Progressive
„Rock“ und „Punkrock“. Das Jahrzehnt der Achtziger war geprägt von der Rückkehr zu den
Makrokonzerte, die oft auf das Bewusstsein für soziale Probleme abzielen.
Aktuell scheint diese Art von Mobilisierungen das Publikum ermüdet zu haben. Die Musik, die
Flutet die Radiosender, zeichnet sich durch die Vereinfachung auf allen Ebenen aus.
Vor einigen Jahren wurde der „Bakalao“ von unserer Jugend auf eine Weise konsumiert
schwindelerregend. Man befürchtete, dass in einigen Jahren die Ersetzung der Dolmetscher durch
Maschinen. Und obwohl die "Techno-Musik" nach wie vor im Trend liegt, hat sich die Musiklandschaft verändert.
Kürzlich, anlässlich der Wiederbewertung des internationalen Eurovision-Festivals, wurde ...
eine neue Strömung geschaffen, die von Fernsehen und der Plattenindustrie vorangetrieben wird, in der wieder
die Bedeutung des Interpreten wiederbeleben. Diese Strömung basiert auf der Art von „Reality-Show
Zeigen Sie " mit dem man das Leben und die Arbeit von Sängern und Komponisten näher kennenlernt,
Prozess der Erstellung und Aufnahme von Songs...
Aber der Ansatz, der diesem Ereignis gegeben wurde, war ein wirtschaftlicher Ansatz,
was in einem durch die Mode auferlegten Konsumverhalten mündet.

In der heutigen Welt begleitet uns die Musik ständig: Sie überflutet uns täglich.
Nie war unsere Zivilisation in einem so dauerhaften Kontakt mit der Musik wie in den
letzten dreißig Jahre.
Dennoch geht die allgemeine Präsenz der Musik in unserer Kultur parallel mit einer
eine Art von Desinteresse an ihrer Struktur. Ihr Gehör erfolgt automatisch und fast
exempt from attention: reconquering the complexity of listening now requires an effort of
beträchtliche Konzentration. Die elektronische Musikreproduktion hat zwar eine
enorme Verbreitung von Werken und Autoren aus allen Epochen hat als Gegenseitigkeit ein
nennenswerte Abweichung von der direkten Ausführung.

Neben dem Studium der Musik als Unterstützung für das Verständnis der Gesellschaft könnten wir
Uns auf die Musik von heute in Bezug auf die musikalische Ausbildung konzentrieren: humanistische Aspekte,
ästhetische und technologische.
Die Konservatorien beginnen, die Musik von sehr jungem Alter an zu unterrichten, diese
Die Option sorgt dafür, dass die Musik viel Zeit in Anspruch nimmt. Wenn die Schule dieses Gebiet in Betracht zieht, dann ...
Als schmückendes Fach wird sich dieses Problem lösen, und die Konservatorien werden fortbestehen.
funktioniert aber mit einer schulischen Musikbasis, die als Ergänzung dient.
Bei all dieser Perfektionierung müssen wir die kreative Haltung berücksichtigen. Der Eifer von
simplificar führt zu einer aktuellen Bildungstechnologie, die auf Bildungskomponenten und auf
die Art und Weise, das Lernen zu gestalten. Der Aufstieg dieser Grundlagen wird gefördert durch
Geschäftsinteressen. Die Ziele dieser Bildungstechnologie sollten darauf abzielen, das
kürzeres und weniger schwieriges Lernen, birgt jedoch das Risiko der Entpersonalisation des
Individuum angesichts einer massenhaften Behandlung.
Daher, wenn wir berücksichtigen, dass menschliche Ressourcen koordiniert werden können,
methodologischen, instrumentellen und umweltbezogenen mit einem Prozess der Gestaltung, Entwicklung und Bewertung,
Der Bildungsprozess wird von der Technologie profitieren, und diese wird nur ein Risiko darstellen in
Anwendung, aber nicht an sich selbst.

6. MUSIK UND KONSUM

Die Musik wirkt im Prozess der Sensibilisierung des Individuums: die beliebten Lieder
repräsentieren traditionelle Werte, die lehrreichen Lieder verfolgen ein pädagogisches Ziel, die
Kommerzielle Lieder zielen nicht darauf ab, irgendeine Fähigkeit zu entwickeln. Die Lieder von der
Die Musikindustrie sucht wirtschaftliche Vorteile. Diese Industrie stützt sich auf Werbung.
um ihr Ziel zu erreichen.
Die Bildungsarbeit zur musikalischen Sensibilisierung ist in Anbetracht dieses Faktums grundlegend. Es sollte
die künstlerische Vorliebe und das kritische Bewusstsein zu fördern, damit der Konsum erfolgt über
einige vernünftige Kriterien.
Die kommerzielle Musik erzeugt einen Konsumismus, der die Mode auferlegt. Es ist egal, welcher Typ von
Musik oder ein anderer, wenn es der ist, der übernommen wird.

Die Musik kann durch Live-Auftritte oder in Aufnahmen konsumiert werden:

a) Live-Aufführungen bewegen große Menschenmengen auf emotionaler Ebene. Sie finden statt in
Große Sporthallen oder in großen geschlossenen Freiflächen. Ihr Ziel ist, dass je mehr
Je mehr Publikum zugegen ist, desto größer werden die Vorteile.
Die Live-Auftritte in kleinen Lokalen, die sich an ein Publikum richten, das das Ambiente sucht
Kulturell sind sie oft klassische Musik.
b) Die Musik, die in Aufnahmen zu hören ist, hat den Vorteil, dass sie erworben und immer dann gehört werden kann, wenn man möchte.
Es ist wirtschaftlicher und ermöglicht seine Verbreitung. Wir sprechen nicht nur von der Platte, sondern auch von der
Video und die Compact-Disc, die sie verdrängen.
c) Das Radio ist ein wichtiger Punkt im Konsumismus. Die Sender nutzen die Musik
für alle Programme. Sie spezialisieren sich auf Musikprogramme, die Sektoren erreichen
verschiedene Zielgruppen, da es ein kostengünstiges und weit verbreitetes Medium ist.
d) Das gleiche gilt für das Fernsehen, ein Medium, das neben dem Hören auch das Sehen ermöglicht. Man muss beachten
kritisches Bewusstsein und nur die Musik konsumieren, die einen gewissen Wert beiträgt. Es kann mehrere geben
Standpunkte.

Daher sollten die Gesellschaft, die Schule und die Familie diese Phänomene sehr ernst nehmen.
massenkulturellen Elemente und sie in die Bildungsaktivitäten der musikalischen Ausbildung zu integrieren, indem man versucht ...
eine kritische Haltung zu bilden und alles zu nutzen, was gültig ist, um zu erkennen und zu schätzen
besser die Musik von jedem Typ.
Der Konsumismus ist das Ergebnis einer industrialisierten und technologischen Gesellschaft.
Konsum ist ein großes Geschäft, die Musik, als Element des Konsums, gehört zu einer
Produktion, die auf den Markt gebracht werden muss, und es werden Konsumbedürfnisse geschaffen.
Durch die Werbungssprache.
 Die wachsende Präsenz von Jugendlichen stellt eine neue Facette des aktuellen Musikkonsums dar.
Ursachen: Verlängerung der sozialen Adoleszenz, bedingt durch den Anstieg in der
Dauer der Schulzeit.

7. BEITRÄGE UND MÖGLICHKEITEN DER MEDIEN

AUDIOVISUELLE IM ENTWICKLUNG DER WAHNOME
MUSIKWERTSCHÄTZUNG

Der Beitrag der Technologie führt zu kulturellen Veränderungen und diese wiederum erzeugen
Änderungen in der sozialen Struktur. Die Invasion neuer Medien verändert
Gewohnheiten, Denkweisen, Ausdrucksformen, Wahrnehmungsarten und Prozesse und
mentale Einstellungen.
Durch die Massenmedien, die aus der neuen elektronischen Technologie entstehen, die Bilder
Visuelles und akustisches bombardieren mit solcher Nachdrücklichkeit, dass sie zu den Medien geworden sind.
durch die man Zugang zur Realität erhält. Es ist wichtig, den ideologischen Einfluss zu berücksichtigen.
der Medien. Die Hyperüberfülle an Bildern oder die mediatisierte Realität verbergen das Eigene
Realität, die nur eine Auswahl anbietet, die die sozialen Mängel, die wir haben, verdecken kann.
rotean
Die Werbung lädt zum Konsumverhalten ein, die Kulturindustrie profitiert finanziell.
Die Technik wird psychotechnisch oder zur Technik des menschlichen Umgangs.

In der Schule ruft die Einführung neuer Technologien sehr unterschiedliche Reaktionen hervor.
Es gibt Lehrer, die versuchen, eine Beziehung zwischen Medien und Schule herzustellen, andere, die sie sehen
como rivales y otros que no han tomado conciencia de la necesidad de su uso.
Der Übergang von der gesprochene Kultur zur geschriebenen Kultur führte zu einer Art von Lehrer. So,
Die Kultur des Bildes oder Audiovisuellen wird einen didaktischen Ansatz bieten, der einen Wandel provozieren wird.
Einstellung. Der Nutzen, der den Mitteln zugeschrieben wird, wird dazu führen, dass die Schule nicht nur ein weiterer Punkt ist.
Sozialer Konsum, das bedeutet, dass es nicht wichtig ist, über ein Video oder einen Computer zu verfügen, sondern dass es wichtig ist
ihre Verwendung. Sie sollten nicht als sporadisch hinzugefügte oder ergänzende Ressourcen verwendet werden und ohne
Planung, sondern sie müssen als Motor des Lehrprozesses betrachtet werden.
Lernen.

Die Musik ist eine Sprache und als solche ein Kommunikationsmittel. Die Medien
Audiovisuelle Medien leisten Hilfe: Sie dienen als Kanäle, durch die ihre ...
akustische-auditive Nachrichten. Die Medien müssen als expressive und kreative Elemente dienen.
In der Ausarbeitung des Basis-Curriculums wird die wichtige Rolle des Radios anerkannt,
Der Magnetophon, das Video, die Presse, das Fernsehen oder der Computer sind Instrumente, die
erlauben den Zugang zu Informationen und zu einer kritischen und wertenden Reflexion über ihre eigenen
Kreationen.

Die Beiträge und Möglichkeiten der audiovisuellen Medien in der Entwicklung von der
Wahrnehmung und Wertschätzung von Musik ist folgendes:
Interdisziplinärer Ansatz
Integrador neuer Inhalte
- bietet eine umfassende Behandlung der Fächer
- können sequenziell und analytisch entwickelt werden

Die Inhalte können synchron oder diachron präsentiert werden.

 - In Abhängigkeit von den bisherigen Erfahrungen oder der Absicht des Prozesses
Die audiovisuellen Medien beeinflussen nicht nur den kognitiven Bereich, sondern auch die sozialen Erfahrungen.
affektive, Interessen und Motivationen
Fähigkeit, Emotionen hervorzurufen
Se pueden desarrollar actividades: de observación (percepción), de apreciación
(Bewertung), und Selbstexpression (Kreation).
Klassifizierung des Wissens
Ein Kriterium und kritisches Denken fördern
Kommunikation von Gefühlen und Emotionen
Schaffung von Einstellungen
- die kritische Einstellung gegenüber den durch den Konsum geschaffenen Bedürfnissen zu fördern
Werbung
Diskriminierung hinweisende Formen und Inhalte beseitigen
In der Grundschule bezieht sich der Bereich Künstlerische Bildung ausdrücklich auf die
Massenmedien oder audiovisuelle Medien. Wir müssen sie berücksichtigen.
Los medios deben usarse como potencial educativo y como medios de comunicación y
Konstruktion der mentalen und kreativen Prozesse.

Es muss eine Analyse der Medien durchgeführt werden, um zu wissen, welche zu verwenden sind und wie. In der Schule
können verwendet werden:
Projektor für undurchsichtige Körper
- retroproyector de transparencias
Diaprojektor
Magnetophon
Plattenspieler
Compact-Disc
das Radio
das Kino
das Fernsehen
das Video
der Computer

Diese Beziehung zu audiovisuellen Medien kann nach verschiedenen Kriterien klassifiziert werden:
a) In Bezug auf die Sinne.
- visuelle
auditiv
- mixtos: audiovisuales
b) In Bezug auf den Lehrer.
- Untergebene, wenn der Lehrer in Abhängigkeit von ihnen programmieren muss
Schulradio- oder Fernsehsendungen
- keine Untergebenen, wenn sie verwendet werden, nach Ermessen des Lehrers, zum Zeitpunkt
opportun (Plattenspieler, Overheadprojektor).

Wenn sie richtig verwendet werden, hinsichtlich der Wahrnehmung und Wertschätzung von Musik, haben sie eine
umfassende didaktische Anwendung. In fast allen finden wir die grundlegenden Elemente der
Musik: Rhythmus, Melodie und Harmonie.
Jedes Medium hat seine Stärken und Schwächen. Mit den Transparenzen wäre es uns möglich,
sehr einfach, Aktivitäten zu rhythmischen Mustern, Instrumenten, musikalischen Sprachen zu korrigieren; mit
der Projektor für opake Körper, Folien, Zeitschriften usw. projizieren, die das Verständnis erleichtern
Das Magnetophon ermöglicht neben der Wiedergabe der aufgenommenen Musik auch das Experimentieren und Aufnehmen.
der Plattenspieler oder CD-Player für Hörproben. Das Video, das Kino und das Fernsehen verursachen ein
visuell-auditiven Einfluss; der Computer mit Programmen, die es ermöglichen, Figuren zu üben und zu korrigieren,
Noten, Melodien usw.; das Radio mit seiner Musiksendung oder seinen Bildungsprogrammen.

Aber wir müssen auch einige Regeln für ihre Verwendung beachten:
1. Sie als Unterstützung für den Lehrenden nutzen, nicht als Schauspiel
2. Bei gleichwertigem vorhersehbarem Ergebnis verwenden Sie das kostengünstigste "Mittel".
3. sie nur gerecht verwenden
4. Nicht verwenden, ohne die Betriebsanleitung gut verstanden zu haben.
5. Bevor Sie sie vor den Schülern in Betrieb nehmen, testen Sie sie.
6. Achtung vor Unfällen
7. Respekt und Pflege
In Bezug auf den Nutzungsort, in der Regel das Klassenzimmer, obwohl in bestimmten
In bestimmten Fällen wäre ein spezieller Klassenraum von Vorteil. Der Klassenraum sollte über Folgendes verfügen:

Möglichkeit der Verdunkelung

- Schränke, für Geräte und verschiedene Zubehörteile
- verschiedene Steckdosen, strategisch platziert
- großer Bildschirm, auf dem das Licht nicht erscheinen darf
schalldämmende Wände

Letztendlich bereichern die Medien die Bildungsarbeit.

In den letzten Jahren hat das Ministerium für Bildung und Wissenschaft die Projekte "Merkur" integriert.
„Atenea“, dessen Ziel die Ausbildung und kontinuierliche Weiterbildung der Lehrkräfte in diesen Bereichen ist,
habida cuenta del interés que puede reportar su correcta utilización en la escuela.

Schließlich lässt sich sagen, dass der Einsatz von Audiovisuellen Medien folgende Möglichkeiten bietet
Faktoren:
-Spielerisch: audiovisuelle Medien können als Unterhaltung genutzt werden, was
favorecerá su familiarización con ellos y el conocimientos de sus posibilidades
Kreativ: Musik ist eine Kunst und kann daher kreative Aspekte entwickeln.
Die audiovisuellen Medien ermöglichen die Durchführung von Aufnahmen für
Dramatisierungen, Aufnahme von Choreografien usw...
-Kritiker: Durch solche Mittel können wir bei den Schülern entwickeln
seinen kritischen Sinn, sowohl bei der Bestimmung von Problematiken als auch deren Verbesserung dank
a la Grabación und Anhören von von ihnen selbst interpretierten Stücken, wie in anderen
fremde Aufnahmen
-analytisch: Entdeckung und Analyse der Merkmale des Schalls, der Arten von
Musik und ihre ästhetischen Werte dank dieser audiovisuellen Medien
-pädagogisch: Die Verwaltung versuchte, dass die neuen Technologien sich
Verallgemeinern und schaffen Sie gewohnte Ressourcen dank des Projekts Atenea und dem
Merkur.

Es wird eine Programmierung mit einer Strukturierung des Lehrplans unter Verwendung von
von Lehrmitteln, pädagogischen Methoden, ... im Kontext, in dem die Medien von
comunicación cuenten. Estamos en tiempos de Reforma Educativa y, con la aparición de la
LOGSE und die LOCE sollen die Integration der Medien in den Lehrplan in den Vordergrund stellen.
So sagt uns das REAL DEKRET 115/2004 vom 23. Januar, durch das das festgelegt wird
Lehrplan der Grundschule: "Im vorliegenden Lehrplan der Grundschule hebt sich das hervor
Impuls, der der Nutzung der Informations- und Kommunikationstechnologien gegeben wird, der
Beherrschung des mündlichen Ausdrucks und der Behandlung von Lesekompetenz und Leseverständnis, immer
aus dem Rahmen, den die festgelegten gemeinsamen Lehrinhalte im Königlichen Dekret bestimmen
830/2003, vom 27. Juni, für diese Bildungsstufe.
Die Notwendigkeit der angemessenen Nutzung der Informationstechnologien durch die Schüler und
die Kommunikation als Arbeitswerkzeug, die Fähigkeit, sich korrekt auszudrücken und die
Die Bequemlichkeit eines autonomen Verständnisses der Texte rechtfertigt ausreichend die Art und Weise, in der...
que se han incluido estos aspectos educativos en el currículo de la Educación Primaria.
Die Entscheidungen, die diesbezüglich getroffen werden müssen, sollten aus allen Bereichen betrachtet werden.
wie ein Zentrumplan, in dem die Verantwortlichkeiten jedes Einzelnen festgelegt sind
Mitglieder der Lehrerteams und die Arten, wie die Koordination zwischen ihnen hergestellt wird. Wie
Ich möchte, dass die Informations- und Kommunikationstechnologien und die Behandlung von der
Unterricht im Lesen und Leseverständnis muss in allen Bereichen erfolgen.
Lehrplan, in diesem realen Dekret werden die großen Linien dieser Projekte skizziert, damit die
Bildungseinrichtungen erarbeiten und wenden ihr eigenes an, gemäß den besonderen Merkmalen
seiner Umgebung.
Im Bereich der Wissenschaften legt dieses gleiche R.D. einen der Inhaltsblöcke fest.
Tercer Ciclo de la Ed. Primaria, como sigue:“La ciencia: presente y futuro de la sociedad. En
die Kultur und die Freizeit: das Buch (Papier, Tinten); die Kunst (Bilder und Farbstoffe); die Musik (Bänder und
CDs); das Kino (Fotografie, Video und DVD); der Sport (flexiblere Materialien und
stark). Im Haushalt und im täglichen Leben: Textilfasern, Wandfarben und Kosmetika. In der
Transport: Reifen, Airbags, neue Materialien des Automobils zu den speziellen Schiffen. In der
Informatik und Telekommunikation: Chips, CD-Roms, magnetische Speichermedien und Glasfaser.
Bau: Dämmmaterialien und Lacke.
Es spiegelt sich auch in den Inhalten des Bereichs Kunstpädagogik wider: „3. Kreationen und Montagen
mit akustischen, elektronischen und informatischen Elementen.
 THEMA 23

GROßE PERIODEN DER MUSIKGESCHICHTE: VON DEN URSPRÜNGEN AN

BIS ZUM BAROCK. ALLGEMEINE MERKMALE. AUSWAHL VON
MUSIKFRAGMENTS FÜR DIE SCHÜLER DER PRIMARSCHULE.

0. INTRODUCCIÓN

1. URSPRÜNGE DER MUSIK

2. DIE MUSIK IN DEN FRÜHEN ZIVILISATIONEN

2.1. Mesopotamien
2.2. Ägypten
2.3. Das hebräische Volk
2.4. Alter Orient
2.4.1. Indien
2.4.2. China

3. DIE MUSIK IN DER KLASSISCHEN WELT

3.1. Griechenland
3.1.1. Allgemeines
3.1.2. Musiktheorie und Notation
3.1.3. Instrumente
3.2. Roma

4. DIE MUSIK IM MAUERZEITALTER

4.1. Die monodische religiöse Musik
4.1.1. Erste Jahre der christlichen Freiheit
4.1.2. Der gregorianische Gesang
4.1.3. Tropen und Sequenzen
4.2. Die weltliche Musik
4.3. Die Polyphonie: Ursprünge
4.4. Ars Antiqua
4.5. Ars Nova

5. DIE RENAISSANCE
5.1. Allgemeine Merkmale
5.2. Die religiöse Vokalmusik
5.2.1. Deutschland
5.2.2. England
5.2.3. Die Musik in der Katholischen Kirche
5.3. Die profane Vokalpolyfonie
5.4. Die instrumentale Musik

6. DER BAROCK
6.1. Merkmale des musikalischen Barock
6.2. Neue Formen
6.2.1. Vokale
6.2.2. Instrumentales
6.3. Variantes europeas y plenitud alemana
 6.3.1. Italien
6.3.2. Frankreich
6.3.3. Spanien
6.3.4. England
6.3.5. Deutschland

7. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE SCHÜLER

EDUCACIÓN PRIMARIA
7.1. Auswahl nach Musikepochen
7.2. Auswahl nach Bildungszyklen
 THEMA 23

GROßE PERIODEN DER MUSIKGESCHICHTE: VON DEN URSANFÄNGEN

HASTA EL BARROCO. CARACTERÍSTICAS GENERALES. SELECCIÓN DE
MUSIKFRAGMENTS FÜR DIE GRUNDSCHÜLER.

O. EINLEITUNG

Die Musik ist eine Aktivität, die eng mit jeder Zivilisation verbunden ist.
In der Antike war es mit religiösen Handlungen verbunden: Gesang und Praxis
Instrumente waren eng mit den Riten der verschiedenen Tempel verbunden. Die
Instrumente, die Theorie und die musikalische Technik werden von einer Zivilisation zur anderen übertragen.
bis zu den Anfängen des Mittelalters.
Während des Mittelalters wird die Musik monodisch und vokal sein, obwohl sie seit dem 9. Jahrhundert
Es wird sich die Mehrstimmigkeit entwickeln. Die gesamte polifonische Entwicklung wird ihren Höhepunkt erreichen in der
Renaissance.
Der Barock wird große Neuerungen mit sich bringen:
Aparición de la orquesta
Erscheinung der dramatischen Musik
Erscheinung neuer technischer Konzepte wie die tiefe Verschlüsselung, die Tonart usw.

1. URSPRÜNGE DER MUSIK

Der Klang ist ein physikalisches Faktum, aber die Musik ist ein kulturelles Faktum: Sie ist immer präsent.
in den individuellen Handlungen des Menschen und in den kollektiven Handlungen der Gesellschaft, in die er eingebettet ist.
Die Musik hat eine direkte Entsprechung zwischen ihren Eigenschaften und denen des Lebens und
Gewohnheiten der Männer. Aber war das schon immer so? Der größte Teil der Ethnomusikologen
afirman que sí: conociendo la manera de actuar de un grupo, sus códigos éticos, estéticos y de
Kommunikation, wir können erfahren, wie seine Musik war und welche Rolle sie dabei gespielt hat.
Gesellschaft.

Wie macht man Musik? Das natürlichste Instrument des Menschen ist die Stimme, deshalb scheint es
Es logisch zu denken, dass die erste musikalische Äußerung des primitiven Menschen der Gesang war. In Bezug auf
Bis zu diesem Punkt gibt es verschiedene Theorien darüber, wie die ersten musikalischen Äußerungen entstanden.
Schreie der Liebe des primitiven Mannes
Arbejds sange
Erste Kommunikationsrufe
Der Ausgangspunkt wäre also die Sprache, nicht in ihrem aktuellen Verständnis, sondern als
Konvolut von affektiven-tierischen Äußerungen, das dem gesprochenen Wort hätte vorausgehen müssen
strukturiert. Die Entwicklung wird in zwei Richtungen gehen: das Gespräch wird immer komplexer und die
Gesang. Der nächste Schritt wäre die Nutzung des Körpers als Instrument, und danach
mehr oder weniger rudimentäre Instrumente.

So wie auch immer der Ursprung ist, das Gewisse ist, dass es kein Volk gibt, das nicht gehabt hat.
Musikalische Manifestationen: Die ältesten bildlichen Darstellungen zeigen uns Gruppen von
Männer, die "Flötenorchester" spielen (12.000 v. Chr.), Zauberer, die tanzen und Klangbögen spielen
(15.000 v. Chr.).
So müssen wir akzeptieren, dass die Musik existierte, seit der Mensch Mensch ist und hat
intellektuelle Bedürfnisse. Primitive Musik wird keine Gefühle von Individuen widerspiegeln.
besonders, sondern es ist eine „...lebenswichtige, spontane und notwendige Manifestation für den Stamm in seiner
Totalität“ (Sachs, 1959). Diese Musik wäre sehr eingeschränkt, systematisch wiederholt und sehr
nächste am sprechen, beim gesungenen Vortrag.

Man darf nicht vergessen, dass wir uns in einem hypothetischen Bereich befinden. Lassen Sie uns sehen, um
Fortsetzung, Fälle, in denen wir eindeutigere Beweise haben: Wir sprechen von den ersten
historische Zivilisationen, die der Antike.

2. DIE MUSIK IN DEN ERSTEN ZIVILISATIONEN

1.1. MESOPOTAMIEN
In dem Gebiet zwischen den Flüssen Tigris und Euphrat (dem heutigen Irak) wird es
eine der ältesten bekannten Zivilisationen entwickeln, von der wir noch Hinweise haben
historischen mit einem Alter von mindestens 4.000 Jahren.
In diesem Umfeld folgen Kulturen wie die folgenden:
Sumerische Kultur (4. und 3. Jahrtausend v. Chr.) Der sumerische Tempel hatte eine Liturgie mit
häufige Inklusionen von Musik: responsoriale und antifonale Gesänge mit einem Ethos
bestimmt, dass die Kommunikation mit den Göttern ermöglichte. Diese Gesänge waren
begleitet von Flöten („sem“) und Trommeln („balag“). All dies konnte festgestellt werden.
Dank der Ausgrabungen in den königlichen Gräbern von Ur, die bekannt gemacht wurden
literarische Fragmente, die dies beweisen.
Babylonische Kultur (19. – 13. Jahrhundert v. Chr.) Die Babylonier brachten neue
instrumentos: liras (“algas”) y arpas (“zaggal”).
Assyrische Kultur (13.-7. Jahrhundert v. Chr.) Diese Kultur setzte alles Vorherige fort und bereicherte es.
die musikalische Praxis. Aus dieser Zeit stammt die Beschreibung der Instrumente, die im
Buch Daniel: „...dass jeder Mensch, sobald er das Spiel der Pfeife, der Trompete, der Zither hört, die
Sambuca, das Psalterium, die Zampoña und alle Arten von Instrumenten, mögen sich niederwerfen und anbeten die
goldene Statue" (Dan. 3, 10).
Seitdem diese Region in das persische Reich eingegliedert wurde,
Persische Kultur (6. Jahrhundert v. Chr.)
Die Musik verlor nach und nach an Bedeutung. Die Musik war auf die ...
Paläste, und nur von singenden Mädchen interpretiert.

Alle diese Völker waren landwirtschaftlich. In Bezug auf die Religion waren sie animistisch.
Musik wurde als so wichtig erachtet, dass sie die einzige war, die die Wütenden der Götter besänftigen konnte.
sowohl von der menschlichen Stimme als auch von den Instrumenten. Ebenso das grafische Zeugnis
Das älteste uns erhaltene Musikinstrument stammt aus dieser Gegend. Es sind Überreste von
Vase mit Aufzeichnungen von Saiteninstrumenten (mit 7 und 5 Saiten) mit einer ähnlichen Struktur zu
die Harfen und die Leiern. Die am häufigsten verwendeten Instrumente waren die Harfen, Leiern und die Trommeln.
neben einigen Arten von Flöten, wie dem "tig" oder "tigi", ähnlich der Blockflöte, und dem
„sem“, doppelte Flöte Variante des Caramillo.
Aus der beobachtbaren Perfektion geht ihr hohes Niveau der musikalischen Evolution hervor.
Einige Historiker sehen in einigen Keilschriftzeichen eine beginnende Musikschrift. Die
Musikologen haben Theorien zur möglichen verwendeten musikalischen Notation aufgestellt, wobei
Als Referenz die Positionen der Finger der Musiker in den gefundenen Reliefs, aber
Alle sind Hypothesen.

Die gesellschaftliche Anerkennung der Musiker, die im Tempel ihre Dienste leisteten,
war er über dem Beamtenstand und nur unter den Göttern und Königen. Sie waren
als Personen von großem Ansehen betrachtet, und begleiteten den Monarchen bei den Gottesdiensten, in den
Hofzeremonien und in den Kriegen.

Der musikalische Einfluss dieser Kultur erreichte Ägypten, Indien, Palästina, Griechenland und die
islamische Länder.

2.2. ÄGYPTEN
Ägypten erreichte im vierten Jahrtausend v. Chr. ein hohes kulturelles Niveau. Die Instrumente
was wir finden, lässt uns annehmen, dass sie mesopotamische Einflüsse erhalten hatten, obwohl
Es ist zu beachten, dass das Wissen über die Musik in Ägypten uns durch die ...
griechische Kultur.
Ende des III. Jahrtausends und während des II. vor Christus, entwickelten sich die Reiche
Altägyptisch und Mittelägyptisch, mit großen Tempeln im Niltal. In den Tempeln wurden gefeiert
feierliche religiöse Zeremonien, bei denen die Priester, die über fortgeschrittene Kenntnisse verfügten
Musikveranstaltungen, die für sie reserviert waren, stimmten Hymnen und Lieder zu Ehren der Gottheiten an.
Das am meisten geschätzte Instrument war die Stimme), die häufig von Instrumenten begleitet wurde.
Dieses Lied war mündlicher Tradition, weshalb es nicht erhalten geblieben ist.
Zahlreiche grafische Darstellungen aus dieser Zeit ermöglichen es zu verstehen, dass,
Neben der Musik war der Tanz auch bei religiösen Zeremonien häufig. Das Mittlere Reich war
von Völkern Zentralasiens überrannt, die neue Instrumente wie die Lyren und die
Klapperschlangen.

In Bezug auf die Instrumente hatten einige von ihnen einen Zweck
nützlich, wie man Schädlinge von den Ernten fernhält oder zugunsten der Fruchtbarkeit der Felder.
Zu den herausragendsten Instrumenten können wir das Sistrum (Rassel) hervorheben.
metallisch), die Winkelharfe, gerade Flöten, die doppelte Zimbel und die gerade Trompete („sneb“). In
Was das hydraulische Instrument betrifft, das Griechenland zugeschrieben wird, gibt es Hinweise darauf, dass es von dem
ägyptischer Ctesibios von Alexandria (246-221 v. Chr.)

Im Neuen Reich (2. Jahrtausend v. Chr.) verwendeten sie bereits die Skala von 7 Tönen als
sus contemporáneos del Golfo Pérsico.

2.3. DAS HEBRÄISCHE VOLK

Zu Beginn des II. Jahrtausends v. Chr. verließen die Juden unter der Führung von Abraham das
die mesopotamische Stadt Ur nach Kanaan (Palästina). Sein Enkel brachte sie nach Ägypten, wo
Sie traten in Kontakt mit der Musik des Mittleren oder Neuen Königreichs oder Imperiums, während sie Sklaven waren.
Moses wird sie im 15. oder 14. Jahrhundert v. Chr. von der Sklaverei befreien.
Als sie Ägypten verließen, nahmen die Israeliten auch Instrumente mit, wie man sieht.
Zitat im "Exodus", "Buch der Richter" und anderen Büchern des Alten Testaments. Die meisten
Häufig waren die Trommel, die Leier und die Flöte, obwohl auch Hörner, Trompeten und Glocken vorkamen.
die Glöckchen.
Zu Beginn des 11. Jahrhunderts v. Chr. stand Israel unter der Herrschaft von Saul und David.
verwandelte sich in eine mächtige Nation. Von David ist bekannt, dass er die Laute oder die Harfe spielte und dass er auch
Er komponierte. David wird eine Reihe von Männern aus dem Stamm Levi benennen, die für die Musik verantwortlich sind.
Ritual des Tempels. Während der Zeremonien wurden Lobpreislieder, Bitten oder Danklieder gesungen.
Danke. Die Musik ist nicht erhalten geblieben, aber die versale Metrik gibt Hinweise darauf, wie sie gewesen sein könnte.
musikalischer Rhythmus. Wahrscheinlich würden die Psalmen von den Leviten und der Gemeinde interpretiert werden.
Ich würde das Amen oder Halleluja antworten.

Der Tanz war auch Teil der religiösen Handlungen: „...David tanzte vor
aus der Arche mit all seinen Kräften, singend zum Klang von Zithern, Harfen, Trommeln, Sistren und Pauken.
Diese Praxis würde bis ins 6. Jahrhundert v. Chr. fortgesetzt, als Jerusalem unter assyrische Herrschaft fiel.
Der Tempel wurde zerstört und die Juden wurden ins Exil geführt. Viele von ihnen kehrten zurück zu
Palästina mit neuen musikalischen Bräuchen. Der Tempel wurde wieder aufgebaut und es wurde erneut angestimmt.
Musik während der Akte, obwohl ihr "Orchester" reduziert und mit einem neuen Instrument: Oboe
Doppelspritze.

Palästina wird unter Alexander dem Großen ab 332 v. Chr. in das griechische Reich integriert.
Der Einfluss der griechischen Musik wird in den religiösen Handlungen nicht wichtig sein, jedoch im Bereich
profano.
Seit dem 1. Jahrhundert v. Chr. besetzten die Römer die Region. Ihre Zerstörung des Tempels
originó una nueva diáspora judía (70 d.C.) y provocó la aparición de nuevos estilos musicales
inherente an den Gebieten, in denen die Palästinenser landeten. Einige ihrer Merkmale
Musikformen werden von den ersten Christen wieder aufgegriffen und kristallisierten sich in neuen Formen.
westliche Musik (trugen zur Bildung des Gregorianischen Gesangs bei).

2.4. ANTIKES ORIENT

2.4.1. Indien
Es gibt Hinweise auf musikalische Aktivitäten im vierten Jahrtausend.
[Link]. Zu dieser Zeit war ihre Kultur mündlich überliefert, aber mit dem Eintreffen der Arier,
gegen das 15. Jahrhundert v. Chr. wurde es schriftlich in vier Büchern gesammelt, die Veden genannt werden:
Rigveda, Samaveda, Yagurveda und Atharveda, in denen Gebete, Hymnen und
rituelle Formen, die mit der Göttlichkeit in Verbindung stehen und in Sanskrit geschrieben sind. Auch
Wir kennen diese Musik durch die epischen Gedichte "Ramayana" und "Mahabharata."
Die Musik hat einen liturgischen Zweck, obwohl sie auch verwendet wird für die
Unterhaltung. In beiden Fällen ist es im Wesentlichen vokal und monodisch; sehr schlicht und
mit dem Wort in den Hymnen (Rigveda) verbunden und mit größerer melodischer Freiheit in den Gesängen
(Samaveda)
Die Hymnen, die im Rigveda gesammelt sind, wurden in drei Melodien gesungen.
verschiedene
Udatta = “elevada”, o nota más aguda
Anudata = “no elevada”, o nota más grave
Svarita = “sonada”, o nota media
Las notas correspondían a las palabras en el acento y en el ritmo, a razón
de Wort für Wort. Im Samaveda sind die Gesänge ausgefeilter, wobei sie an erster Stelle treten.
Die Bedeutung der Musik über den Text. Auch die Werte erscheinen.
temporal (hrasva = kurz; dirga = lang; und urdí = erhöht).
Bezüglich der Skala bestand sie zu Beginn aus fünf Noten, um
Besitzen, schließlich, sieben. Es ist jedoch gewöhnlich, dass die Melodie weiterhin erhalten bleibt.
innerhalb eines Intervalls unterhalb der Skala, und sogar innerhalb des Tetracordes. Die Persönlichkeit
Die Eigenschaften der indischen Musik liegen darin, dass sie zwar als Ausgangspunkt die nimmt
Octava, teilen Sie diese in 22 kleine Intervalle, Surtís (Arten von Vierteltönen) nicht
 allein nutzbar, sondern in der Summe von zwei, drei und vier, wodurch die sieben erhalten werden.
Noten der westlichen Musikskala, jedoch mit unterschiedlichen Stimmungen.
Die drei Elemente der indischen Musik sind:
a) Raga: melodía-tipo que se caracteriza por:
- sein Maßstab
wegen der Absicht, die einer markierten Notiz gegeben wird
- durch die Häufigkeit bestimmter Noten und bestimmter Intervalle
- durch eine charakteristische melodische Wendung
durch den Bereich, in dem es sich entfaltet
durch die Bewegung und Beziehung zwischen Noten
b) Tala: Element, das den rhythmischen Diskurs kontrolliert, üblicherweise ausgeführt von dem
Trommel. Jeder Raga ist mit einem Tala verbunden; ein Tala kann für verschiedene dienen.
Ragas und umgekehrt.
c) Kharaja (Pedal): gehaltene Note oder "Pedalton", der erhält und als Leitton fungiert
tonal entlang der Melodie. Es wurde von der Tambura gespielt, einer Art Laute mit einem langen Griffbrett.
lang, ohne Bünde.

2.4.2. China
Als die betreffenden Länder eine relativ kulturelle
Fortgeschritten, lebten die Chinesen immer noch ein semi-nomadisches Leben. Es ist Ende des dritten Jahrtausends.
[Link]. als sie sich niederlassen beginnen. Im zweiten Jahrtausend beginnen sie, die ...
Kultureller Einfluss der Sumerer und Ägypter durch die mongoloiden Völker.
Mit der Zhou-Dynastie (1050-255 [Link].) trat China wirklich in die
historischer Zeitraum.
Die Musik entwickelte sich in drei klar unterscheidbaren Umgebungen:
a) Die Agrarfestivals
b) Der Kaiserliche Hof
c) Das religiöse Ritual
Im Laufe des Agrarjahres fanden wichtige Feste in den
Zusammenflüsse der Flüsse, anlässlich des Wechsels von einer Jahreszeit zur anderen, wo eingriffen
Chöre von Jungen und Mädchen. Die religiöse Musik wurde bereichert, als sie eingeführt wurde.
Der Buddhismus, ein rituellerer Glaube als der Konfuzianismus.
Die chinesische Musik verwendet eine Skala aus fünf Tönen, die den entsprechen
unsere: Do-Re-Fa-Sol-La (chih-yü-king-shang-chiao). Jede Note kann dienen als
Ausgangspunkt für einen Modus der Skala, da der Modus dadurch gekennzeichnet ist, dass er hat
die gleiche Note als Anfang und Ende.

3. DIE MUSIK IN DERKLASSISCHEN WELT

3.1. GRIECHENLAND
3.1.1. Allgemeines
Die Musik war für die Griechen die Kunst der Musen, das heißt, sie umfasste das
Gesang, die Deklamation, die instrumentale Interpretation und der Tanz. Musik und Bildung
física permitían conseguir la educación íntegra del individuo, lo que nos permite
überprüfen, dass sie als wahre intellektuelle Bildung angesehen wurde. Die
Die Griechen verwendeten die Musik nicht nur auf diese Weise, sondern nutzten sie auch als Objekt von
wissenschaftliche Spekulation: sie unterschieden den Klang vom Lärm; die hohen Töne von den tiefen;
die Starken der Schwachen.
 Die ersten griechischen Völker betrachteten die Musik als göttlichen Ursprungs und
Sie schrieben die Erfindung jedes Instruments einem Gott zu. Wie wir in der Ilias sehen.
Odyssee, die Musik ist neben ihrer Verbindung zu einer religiösen, höfischen, militärischen Funktion usw. auch
dient für die Ablenkung des Volkes. Ihre wichtigste Verwendung war in der griechischen Tragödie (das
Theater): Im Drama findet die musikalische Aktivität durch Chöre von Sängern statt und
Tänzer, manchmal begleitet von der Aulos oder von der Lyra. Ebenso entwickelt sich in
Griechenland die Volksmusik, Straßenmusik und pastorale Musik begleitet von der Siringa oder Flöte von
Pfanne.
Ab der klassischen Epoche (6. Jahrhundert v. Chr.) ist Musik nicht mehr nur die
Inspiration der Musen, sondern eine Wissenschaft, mit einem Wissensbestand.
systematisiert vor allem von Pythagoras. Die pythagoreische Theorie, perfektioniert im Jahrhundert
IV nach Euklid wird das System sein, das von aller späteren Musik verwendet wird.

3.1.2. Musiktheorie und Notation

Obwohl aktuelle Studien die mögliche Existenz von Schrift unterstützen
Musik in Ägypten, tatsächlich wurde sie zuerst in Griechenland systematisiert. Um
Musik schreiben, sie bedienten sich Buchstaben des Alphabets, die über den Text gelegt wurden, aber davon nicht
Wir haben Dokumente, daher kennen wir ihre Form nicht konkret. Außerdem, in einem
Anfangs war die Musik improvisiert und daher wurde kein System verwendet.
Notation. Dennoch kennen wir ihr System der klanglichen Organisation. Ihnen...
Wir verdanken das Konzept des Intervalls und der Skala als eine Menge von organisierten Intervallen.
Sie definierten die Intervalle als konsonant (Symphonien) oder dissonant (Diatonien).
Die griechische Musik war monodisch und basierte auf dem tetrakordischen Format.
Descendente. Der griechische Tetrakord wurde nach der Reihenfolge seiner Intervalle klassifiziert, und er
Sie stammten von drei primären Modi ab:
Dorisch: Ton, Ton, Halbtönen

Frigio: Ton, Halbton, Ton

Lidio: Halbton, Ganzton, Ganzton

Später wurde der Mixolydische Modus geschaffen, der aus der Umkehrung von
zwei dorische Tetrakorde mit der Hinzufügung von zwei oberen Noten.
 Als zwei Tetrakorde zusammengeführt wurden, um die absteigende Reihe zu vervollständigen.
se originaba die volle Oktave. So haben wir die Skalen oder Modi: Dorisch (Mi-mi),
Frigio (Re-re), Lidio (Do-do) und Mixolidio (Si-si).

Auf diese Weise sehen wir zwei Möglichkeiten, Skalen zu bauen, und zwar ausgehend von
Durch zwei Tetracorde konnte eine neue Skala durch zwei Verfahren gebildet werden: die
Konjunktion (der letzte Ton des ersten Tetrakords und der erste des zweiten sind derselbe)
und die Disjunktion (zwischen dem tiefsten Ton des ersten Tetrakords und dem höchsten von
zweiten, gab es einen Ton). Im ersten Fall sprach man von gemeinsamer Skala, mit einer Note
gemeinsam als mediana (der mixolydische Modus) bezeichnet, während im zweiten Fall
es handelte sich um eine disjunkte Skala, bei der die Median der höchste Ton des Tetrakords ist.
ernster, wie in den dorischen, phrygischen und lydischen Modi.
Zu diesen vier Modi wurden später noch acht weitere Modi hinzugefügt.
die sogenannten "Hiper" oder "Hipo", die sich aus der Umkehrung der Reihenfolge der Tetrakorde ergaben
Ursprüngliche Modi, indem der tiefe Ton zum hohen oder der hohe zum tiefen Ton verändert wird. Das heißt:
Hipodórico (la-la, oktav tief), Hiperdórico (la-la, oktav hoch)
Hipofrigio (sol-sol, octava baja), Hiperfrigio (sol-sol, octava alta)
Hipolidio (fa-fa, octava baja), Hiperlidio (fa-fa, octava alta)
Hipomixolidio (mi-mi, octava baja), Hipermixolidio (mi-mi, octava alta)
Auf der anderen Seite konnten zwei Skalen zu einer größeren Skala zusammengeführt werden.
amplitud. A esto se le denominaba sistema. Los griegos conocían y utilizaban dos
Systeme: das perfekte Unvariante oder größere, und das perfekte kleinere.
Der perfekte Unveränderliche bestand aus der disjunkten Vereinigung von zwei
gemeinsame Skalen. Außerdem wurde ein tiefen Ton hinzugefügt, um das Intervall von zwei zu erreichen.
Oktaven. Dieses System konnte in den hohen oder tiefen Bereich versetzt werden, indem man nur die erste änderte.
Note des ersten Tetrakords.

Das perfekte kleinere System ist eine Variante des vorherigen; die ersten beiden
Tetrakorde werden durch eines in der hohen Lage ersetzt, das eine gemeinsame Verbindung mit der ...
mediana. Sie wurde kleiner genannt, weil sie einen Tetrakord weniger hatte als das Unveränderliche und
weil ihm auch keine Note im Bass hinzugefügt wurde.
 Ein weiterer Punkt der griechischen Musiktheorie ist der der Gattungen. Die
Tetracordes konnten verschiedene Arten von Intervallen zwischen den Tönen, aus denen sie bestanden, haben.
Was als Geschlecht bezeichnet wird. Es gab drei:
Diatonisch, ein Tetrakord, der die Anordnung Ganzton, Ganzton und Halbton aufweist.

Cromatisch, Tetracord, dessen Töne eine Trennungen von kleiner Terz (Ton
und ein Halbton, Halbton und Halbton.

Enarmonisch, bei dem die Vierteltöne verwendet werden. Der Tetrakord zeigte die
disposition: große Terz (2 Töne), kleine Terz und kleine Terz.

Im rhythmischen Aspekt war es eng mit der Metrik verbunden; das heißt,
formuliert durch metrische Füße, je nach Kombination der langen oder kurzen Silben.
Schließlich ist das von Pythagoras entwickelte Stimmungssystem zu erwähnen.
die sich auf das arithmetische Verhältnis zwischen den verschiedenen Längen eines Schallkabels stützt und
die intervallische Beziehung der Töne, die sie produziert.

3.1.3. Instrumente
Sie benutzten sowohl Blasinstrumente als auch Saiten- und Schlaginstrumente.
Seil wurden häufiger verwendet, aber das liegt an einem rein praktischen Grund.
funktional: sie erlaubten die Ausführung während des Singens oder Rezitierens.
Alle Instrumente waren für verschiedene Aktivitäten vorgesehen: die
Cithara, um die lyrische oder epische Poesie zu begleiten; die Aulos diente zur Begleitung des Gesangs
coral; el salfinx (tropeta), era usado en juegos, sacrificios o batallas, etc.; la percuión
für orgiastische Zeremonien und Feste.
Die am häufigsten verwendeten waren:
Lyra (Kitharis): ursprünglich aus dem Schild einer Schildkröte und vier ...
Saiten. Homer nennt sie Phorminx. Später erhöhte sich ihre Anzahl an Saiten.
Dithara (citara): Variante der Lyra, die von Fachleuten (Citaredos) verwendet wird.
Von größerer Größe benötigte sie ein Gurt, um am Körper aufgehängt zu werden.
Psalterion: eine Art von Harfe, die dreieckig geformt war und Saiten von unterschiedlicher Länge hatte.
abnehmend.
Aulós: Instrument mit einfacher Zunge, wurde normalerweise paarweise verwendet
schräg.
Syrinx: die Siringe, ist die sogenannte Panflöte, eine mehrstimmige Flöte ohne Mundstück.
Salphinx: kurze Trompete.
Keros: similar a lo anterior pero de mayor tamaño
 Hydraulisches Organ: Obwohl das Organ anscheinend bereits in Ägypten existierte wie
eine große Syrinx mit Blasebalg, Tesibios von Alexandria erfand ein hydraulisches System
die einen konstanten Luftdruck sicherte.
Becken: Metallbecken.
Crotalos: aus Metall oder Holz (in Form unserer Kastagnetten).
Sistro: Platten oder Metallstäbe, die in einem Holzgriff oder einer Fußstütze eingeklinkt sind.
Tympano: tambor
Xylophon: obwohl es ungewiss ist, erscheint in einigen Fällen ein Instrument in Form
de Skala. Es könnte sich um das Xylophon handeln.

3.2. ROMA
Ausgehend davon, dass die römische Kultur eine eklektische Kultur ist, können wir behaupten
dass im musikalischen Aspekt drei Einflussquellen die Musik elaborieren werden
Rumänisch.
Zunächst der etruskische Einfluss, bei dem die Musik in engem Zusammenhang mit dem
Beerdigungsritus; vorherrschten Blasinstrumente wie Trompeten.
An zweiteter Stelle, der griechische Einfluss
Drittens, während des Imperiums, der Einfluss der eroberten orientalischen Völker.

Aber Rom unterscheidet sich von Griechenland darin, dass die Kunst in erster Linie nachrangig ist.
Begriff, und wird mehr für sinnliche Zwecke verwendet; Rom misst ihm nicht so viel Bedeutung bei und achtet nicht darauf
Bildungsaspekt, sondern tendiert eher zu einer politischen und militärischen Ausbildung; das Volk
der Römer bevorzugte das vulgäre Genre, die Komödie, gegenüber der lyrischen Kunst, der Tragödie. Der Römer bevorzugte das
Komödie, der Mime und die Pantomime. In den Pausen zwischen diesen wurden Lieder und Tänze aufgeführt.
Die Musik wird hauptsächlich für die Feierlichkeiten und militärischen Zeremonien verwendet, weshalb die
Die am weitesten entwickelten Instrumente sind die Schlaginstrumente und die Blasinstrumente (Tibia, Trompete usw.).
Die Tatsache, die Musik in die Hände der Sklaven zu legen, entkoppelte sie von der Musikkunst.
verbunden mit der Poesie, wie sie in Griechenland kultiviert wurde; der Musiker hört auf, die freie Person zu sein und
nobel, der in Griechenland gewesen war. Die Musiker der von Rom beherrschten Länder waren hoch angesehen.
geschätzte. Ebenso haben viele Kaiser die Musikkunst praktiziert und geschützt (es
bekannt der Fall von Nero).

4. DIE MUSIK IM MITTELALTER

4.1. DIE MONODISCHE RELIGIÖSE MUSIK

4.1.1. Erste Jahre der christlichen Freiheit
El Edicto de Milán (313 d.C.) da libertad religiosa a todos los ciudadanos
des Imperiums und die Christen, die bis jetzt im Verborgenen waren, treten öffentlich auf.
In einem ersten Moment nutzen sie Elemente der Welt um sie herum und passen sie an ihre
espíritu. Musicalmente reciben dos influencias palpables:
Vom hebräischen Volk, die Art zu singen mit langen Melismen und die Wichtigkeit
vom Gesang im Kult
Von der griechisch-römischen Kultur, die Musiktheorie mit ihrem modalen System, die Bewertung
Ethik der Musik und ihre Bedeutung in der Bildung.
Die christliche Musik dieser Zeit ist vokal (die Instrumente sind)
erinnern sich an die heidnische Welt) und zum Kult bestimmt. Die bedeutendsten Formen waren:
Die Salmodie, Gesang der Psalmen (poetische Texte des Alten Testaments)
 Die Hymnologie, versifizierte Kompositionen über nicht biblische Texte des Lobes an
Gott
Die Hallelujas, Ausrufe, die aus der Synagoge stammen; sie waren oft geschmückt mit
lange Melismen.
Da die Christen sich ausbreiteten, entstand eine Reihe von
regionale Schulen, jede mit ihrem eigenen Repertoire. Die bemerkenswertesten waren:
Mailänder oder Ambrosianische Schule gegründet von San Ambrosio im vierten Jahrhundert,
er sammelte die Psalmen und Hymnen, die in der Liturgie verwendet werden. Sein bemerkenswertester
Die Beitragsleistung ist die Festlegung von 4 Skalen, auf denen die Gesänge basieren sollten, und
komponierte eine große Anzahl lateinischer Hymnen, von denen einige bis heute erhalten geblieben sind
unsere Tage. Die Gesänge, die von San Ambrosio gesammelt wurden, enthalten einen Sinn
beliebt, aus großer Einfachheit einige, mit einem silbischen musikalischen Sinn und andere mit der
Suntuosität des orientalischen Schmucks. Die Strukturierung, die San
Ambrosio führt in Bezug auf das Konzept der Anordnung von Klängen in einer
stieg der Intonation, im Gegensatz zu dem von den Griechen bekannten,
was im absteigenden Sinne.
Byzantinische Schule stellt die Liturgie des Ostens Europas dar und zeichnet sich aus
hauptsächlich aufgrund der Fülle von Melismen und anderen Arten von Verzierungen.
Mozarabische oder westgotische Schule in Spanien bis zur Implantation des Gesangs
Gregoriano in Spanien, existierte für die spanische Liturgie eine Art von gesungener Musik:
der mozarabische Gesang. Unter der westgotischen Herrschaft geschaffen und während der
Arabische Dominanz wurde ursprünglich durch die Kathedralen von Sevilla gefördert.
Zaragoza und Toledo. Der Respekt, den die Araber gegenüber der Freiheit zeigten
Religiöse und die Isolation, die ihre Herrschaft mit sich brachte, führte dazu, dass sich
die Nutzung dieses Gesangs während fast der gesamten Zeit der Wiedereroberung. Trotz
der Annahme der Gregorianischen Liturgie hat bis in unsere Tage dank der
Kardinal Cisneros. Viele Werke sind vom mozarabischen Gesang (einfach und
mit großem populärem Sinn) in zahlreichen Kodizes, aber die Schwierigkeit des Systems
musikalische Ungenauigkeit, die in dieser Zeit verwendet wurde, hat bis heute das Unmögliche gemacht
eine Formel zu haben, die eine vollständige Transkription ermöglichen würde. Nur
Die Lieder, die durch mündliche Tradition überliefert wurden, werden bewahrt und in dieser verwendet.
tägliche Feier, die in der Primatkathedrale von Toledo stattfindet.
Galizische oder karolingische Schule nimmt seinen Namen von Kaiser Karl dem Großen, der
wollte die Liturgie wieder vereinheitlichen, indem er den gregorianischen Gesang als Grundlage nahm. Er tat
alle galicischen Kodizes verbrennen und den Papst bitten, ihm einige zu schicken
Experten für Gregorianischen Gesang, um ihn in ihrem Reich einzuführen, was auch umgesetzt wurde.
paulatinamente. Er gründete berühmte Schulen durch ihre fortschrittliche Strukturierung und
Idealität, in denen die zukünftigen Schulen für musikalische Ausbildung vorausgesagt wurden:
Aquisgrán, Orléans, Dijon, Toulouse, Paris und St. Gallen in der Schweiz. Der galizische Gesang
era eminentemente melismático, debido a la lógica importación de los pueblos
Ribereños des Mittelmeers, insbesondere Griechenland. Es scheint, dass es nicht sehr
erweitert das Repertoire, über das man verfügte, und wird vom Gesang absorbiert
gregorianisch.
Römische Schule Diese Schule gehört Papa Gregor dem Großen, Autor und
Förderer der Konsolidierung des Gregorianischen Gesangs.

4.1.2. Der Gregorianische Gesang

 Anfänglich gab es verschiedene Liturgien, aber das Erscheinen bestimmter
Häresien und die Gefahr von Schismen stellte die katholische Kirche durch San Gregor I.
el Magno, um die Liturgie zu vereinheitlichen und alle anderen abzuschaffen.
Obwohl wir nicht wissen, ob er der Schöpfer von gregorianischen Melodien war oder nicht, hat er doch
ein äußerst wichtiges Werk der Kompilation aller Liturgien, besonders von
die Byzantinerin.
In der Ausbildung des Gregorianischen Gesangs können wir vier Perioden unterscheiden:
1º) de formation: Jahrhunderte I bis VII
2º) der Verbreitung: 7. bis 12. Jahrhundert
3º) der Dekadenz: vom 12. bis zum 19. Jahrhundert
4º) der Restaurierung: 19. und 20. Jahrhundert, aufgrund der Mönche der Abtei von Solesmes, in
Frankreich
In diesem Prozess bediente sich der Papst mehrerer Mittel.
Gregorio zur Erlangung der liturgischen Einigung:
Die "schola cantorum", eine Institution zur Ausbildung von Gesangsmeistern
Die Mönche, besonders die Benediktiner.
Die Melodien können je nach Verhältnis zwischen Text und Musik klassifiziert werden.
in vier Arten:
a) silábicos = una nota por sílaba
b) salmódicos = varias sílabas sobre una misma nota
c) Reifen = eine einzige Silbe entspricht einer kleinen Gruppe von Noten (von zwei
bis zu vier oder fünf)
d) melismatisch = eine umfangreiche Gruppe von Noten, die mit einer einzigen Silbe gesungen werden.
Das Repertoire, oder die gregorianischen Melodien, werden nach dem Moment gruppiert.
in denen sie ausgeführt werden sollen. So werden sie bezeichnet: a) Hymnen; b) Stundenliturgie
(Maitinen, Laudes, Prima, Tertia, Sexta, Nona, Vespern, Komplet); und c) Teile der Messe,
die sich zwischen dem Ordinarius, den Teilen, die sich nicht ändern (zum Beispiel das Glaubensbekenntnis), und dem
Eigen für die Messe, das sind die Stücke, deren spezifische Texte in Beziehung zu
der liturgische Kalender: Weihnachten, Ostern... (zum Beispiel das Alleluja).
Allgemeine Merkmale des Gregorianischen Gesangs:
Es ist der offizielle Gesang der römischen Kirche
generell lange Vokalisierungen
auf Latein
ohne Veränderungen
ritmo libre y uniforme: todas las notas tienen aproximadamente el mismo valor
reposo am Ende jedes Satzes
sehr eingeschränkter melodischer Bereich, ohne große Sprünge
ausschließlich vokal und monodisch
gleitet sanft, ohne abrupten Sprünge
großartiger und gelassener Charakter, von Frieden und zurückhaltender Freude
Es ist ein Gesang mit religiöser Intentionalität.
USA hat andere Skalen als unsere aktuellen: die Modi
Anfangs wurden die Lieder auswendig überliefert. Als sich die
Anzahl dieser wurde die Notwendigkeit, sie schriftlich zu erfassen. Die ersten
Versuche wurden unternommen, sich einiger Akzentzeichen zu bedienen, die eine Gruppe von Klängen darstellten.
und gaben ihre Richtung an, aufsteigend oder absteigend, und wurden über die Silben platziert.
Text zum Erinnern an die gelernten Melodien. Diese Zeichen waren die Neumen, und es ist eine Art
de Notation adiastematisch.
 Der nächste Schritt war die Einführung in die musikalische pauta. Zuerst, die
Die Verwendung einer Linie in roter Farbe diente als Referenz und stellte das FA dar. Die
Geräusche wurden über, unter oder auf der gleichen Linie dargestellt. Danach wurde eine weitere hinzugefügt.
in der Farbe Gelb, die DO darstellte. Seit dem 12. Jahrhundert wurde die Notation verwendet.
quadratisch: Variante der Diastematik, die vier horizontale und parallele Linien verwendet und
stellt die Klänge normalerweise durch kleine Quadrate und Rauten dar.

Später wurden weitere Linien hinzugefügt, bis insgesamt fünf voll waren.
aktuelle, da im 14. Jahrhundert. Ebenso wurden auch die entsprechenden Zeichen hinzugefügt
zu unseren Schlüssel von Do und Fa.
Ebenso ist der Beitrag des benediktinischen Mönchs Guido hervorzuheben.
d'Arezzo gab den Tönen Namen.
In Bezug auf die kirchlichen Modi ist zu beachten, dass sie sind
später als der Gregorianische Gesang. Irgendwann im 8. oder 9. Jahrhundert. In den kirchlichen Modi
Die Skalen erscheinen in aufsteigender Reihenfolge, im Gegensatz zur absteigenden Reihenfolge der
griechische und die bereits S. Ambrosius von Mailand etabliert hatte. Es gibt vier Modi, die zum
sich vier echte und vier Plagiate unterscheiden, ergeben acht. Die vier echten sind
die bereits von S. Ambrosio festgelegten, und die vier Plagale sind der Beitrag von S. Gregorio.
 Die Modi decken die Ausdehnung einer Oktave ab, die aus einer 5. und ...
eine Quarte vereint. In den authentischen Modi steht die Quarte über der Quint und in den
plagales, darunter; das heißt, der plagalische Modus beginnt eine Quarte tiefer als der authentische.

Man muss an dieser Stelle sagen, dass Gregorianischer Gesang und Plainsong oft
als Synonyme verwendet werden, sind sie dennoch nicht dasselbe. "Es wird Gesang genannt
Gregorianisch oder plainchant zum liturgischen Repertoire der nicht unter einem katholischen Kirche
Kompass oder regelmäßige Maßnahme, die seit dem Mittelalter durch Tradition überliefert wurde bis
„Unsere Tage“. „Unter dem Namen gregorianisch werden in Wirklichkeit mehrere Genres von
Stile und Epochen sehr unterschiedlich; nur die ältesten Gesänge, normalerweise in Prosa,
die aus den Jahrhunderten V bis IX stammen und im VI. Jahrhundert von Papst San kodifiziert wurden
Gregorio I verdienen strikt den Namen gregorianischer Gesang.

4.1.3. Tropos und Sequenzen

Del gregoriano surgieron zwei religiöse Formen, die als Tropen bezeichnet werden.
Sequenzen. Der Trope bestand darin, neue Texte in die Melismen von Melodien einzufügen.
sehr blühende oder melismatische Gregorianik, vor allem in Kyries und Aleluias. Wo zuvor
Es wurde ein Vokal gesungen, jetzt wird ein silbisches Textstück zur entsprechenden Feier gesungen.
Diese neuen Texte werden geträllert und populär gemacht, wobei sie den Ausgangspunkt bilden
von vielen populären Liedern, die sich über die europäische Geographie verbreitet haben. Sie sind auch die
Germen des ersten mittelalterlichen Theaters, da die Tropen der großen Feste
(Natividad, Auferstehung usw.) wurden in Form von Dialogen geschrieben, die dargestellt wurden
im Inneren des Tempels von den Geistlichen; später gaben sie den "Mysterien" Platz,
echte musikalische Theaterstücke.

Die Sequenz ist ein Grad mehr in der Evolution. Die Melodie ist nicht mehr
Gregoriana, obwohl sie sich daran erinnert und von bekannten Autoren verfasst ist. Sie drückten aus
Gefühle und hatten eine konkrete Struktur. Obwohl sie sehr zahlreich waren, im
Im Konzil von Trient wurden viele von ihnen verboten. Die bekanntesten sind: „Dies Irae“
de T. Celano; „Victimae Paschali“ von Wipo; und „Veni Creator“.
 Die Funktion dieser beiden neuen Formen religiöser Musik, die entstehen aus
Ende des IX. Jahrhunderts ist es, den Gregorianischen Gesang zu bereichern, und sie werden den Beginn der Polyphonie markieren.

4.2. DIE PROFANE MUSIK

Wir bezeichnen profane Musik als jene, die nicht für Handlungen und Dienste verwendet wurde.
Religiöse. Obwohl man im Mittelalter annehmen kann, dass die Beispiele sehr zahlreich waren,
Seit dem 12. Jahrhundert sind uns nur Äußerungen von Troubadouren und Spielleuten zugekommen.
Parallell zu der religiösen Musik entwickelte sich um die Schlösser
feudales, die profane Musik. Neben dem Volkslied fand in der Zeit des Ars statt
Antiqua, das trovadoreske Phänomen, das das Lied zur hohen Kunst erhob und das
Genre der mittelalterlichen Lyrik.

Die Spielleute
Die Hegemonie, die die Kirche über die Kultur während des Mittelalters ausüben wird
Die Medien werden eine Verachtung für das Volkslied seitens der gebildeten Klasse hervorrufen. Es waren
sogar verfolgt, beschuldigt, korrupt und Verbreiter heidnischer Traditionen zu sein.
Dennoch wurden sie vom Volk als Träger des guten Humors und der Unterhaltung geschätzt.
„Juglar“ hat dazu gedient, sich auf umherziehende Personen zu beziehen, die von Stadt zu Stadt gingen.
Stadt, von Aufführung zu Aufführung, mit dem Auftrag, ein Publikum zu unterhalten. Sie vereinten in ihrer Person
verschiedene Berufe: Chronist, Schauspieler, Musiker, Puppenspieler, Instrumentalist, Sänger usw. Sie sangen
sowohl populäre Lieder als auch die von den Troubadoure, die sie oft begleiteten
durch die Gerichte.
Ende des 13. Jahrhunderts, mit der Entwicklung der Städte, beginnen die Gaukler
um sein nomadisches Leben aufzugeben und sich in einer der großen Städte niederzulassen. Dies führte dazu, dass
Im 14. Jahrhundert tauchten die „Ministriles“ auf, eine Gruppe von festen Spielleuten, die im Dienst von
Stadt, mit höherer sozialer Anerkennung und gesicherten Einkünften. Diese
Sie sollten ebenfalls die Troubadoure instrumental begleiten.
Eine besondere Art von Gauklern waren die „Goliarden“, die normalerweise waren
secularisierte Kleriker, da ihre umfassende Bildung es ihnen ermöglichte, sowohl in Sprache
Vernakulär wie im Lateinischen, sowohl ausgewählte Poesien als auch gewagte Frivolitäten. Seine Werke sind
konservieren in Kodizes (Ripio in Spanien oder Beuren in Deutschland, letzterer bekannt als
Carmina Burana

Die profane Vokalmusik des Mittelalters wurde in Form von Ballade präsentiert,
Romanzen, Liebeslieder, Hochzeitslieder, von Soldaten und Bauern, pikarisch und satirisch, usw.
Die meisten von ihnen präsentieren einen Refrain. Die Troubadoure nahmen hauptsächlich im Süden zu.
aus Frankreich.

TROVADOREN UND TROVEROS

 Ende des 11. Jahrhunderts, im Süden Frankreichs, eine Reihe von Faktoren, resultierend aus
Die Verfeinerung der Sitten, wie der ritterliche Geist und die Verehrung der Frau, wird hervorgehen
ein neuer poetisch-musikalischer Stil, bekannt als trovadoresk.
Die Troubadoure waren Dichter und Komponisten von Text und Musik, die zu der
Adel (hauptsächlicher Unterschied zu den Spielleuten), ausgebildet in Klöstern und Schulen
episkopalen. Außerdem widmeten sich diese Letzteren der Musik aus Geldgründen, während die Ersteren
Sie taten es ohne Eigeninteresse, aber beide begleiteten ihre Interpretation mit einem
Saiteninstrument. Die verwendete Sprache war Provenzalisch (Langue d'oc). Es waren die Großen
Sänger der höfischen Liebe, eine idealisierte Liebe, in der die Frau gelobt wird, und der Geist.
ritterlich, den Helden der Kreuzzüge, usw.
Ihr Einfluss entwickelt sich zwischen dem 11. und 13. Jahrhundert und erreicht seinen Höhepunkt.
Esplendor um das Jahr 1250. Der erste bekannte Troubadour war Wilhelm IX., Herzog von Aquitanien.
Ebenso, und im Gegensatz zu vor einem halben Jahrhundert, findet es im Norden und Zentrum von
Frankreich eine ähnliche Bewegung, in der die verwendete Sprache das Französisch (langue d’oil) ist. Sie werden
denomina troveros. Wirklich, der Unterschied zwischen Troubadour und Trovero liegt nur in der Sprache.
Hervorzuheben sind die Troubadoure Ricardo Corazón de León und Adam de la Halle.
Die Troubadourkunst wird sich im restlichen Europa während der ersten ausdehnen.
Jahre des 12. Jahrhunderts: Deutschland, Italien, Nordspanien usw.

In Spanien wurden die Lieder "Cantigas" genannt, religiös oder profan.

Man muss auf die „Cantigas de Santa María“ (13. Jahrhundert) verweisen, die König Alfonso X zugeschrieben werden.
der Weise, Troubadour, Dichter und ausgezeichnete Komponist. Die „Cantigas“ sind eine Sammlung von mehr als
vierhundert Lieder in galizisch-portugiesischer Sprache, im Troubadour-Stil, von Charakter
religiös und der Jungfrau gewidmet. Auch als Schriftsteller galicisch-portugiesischer Cantigas
Wir müssen den Troubadour Martín Codas und seine „Cantigas de amigo“ erwähnen.
Auch in Spanien wird die Troubadourkunst in Katalonien praktiziert, wo wir finden
Trovadores wie Guillermo de Berguedà und Berenguer de Palou. Das Königshaus verstand es, die
Bekanntesten auf der anderen Seite der Pyrenäen.

In Deutschland, ebenso wie in Frankreich, finden die Bewegungen statt.

trovadorescos und troveros: die Minnesänger und die Meistersinger. In ihrer Ausdrucksform
Musikalisch weichen sie nicht weit vom Gregorianischen ab.
Die Minnesänger sind die deutsche Version der Troubadoure. Es bedeutet "Sänger der Liebe".
amor". Diese Bewegung entwickelt sich zwischen dem 12. und 13. Jahrhundert. Sie werden der Ursprung des Liedes sein.
beliebte deutsche Kulturen.
Die Meistersinger sind die "Meister Sänger". Diese Bewegung entwickelt sich
zwischen dem 14. und 16. Jahrhundert. Sie gehören zur Mittelschicht, die versucht, die aristokratische Kunst nachzuahmen. Sie
Sie gruppieren sich in akademischen Verbänden und in Gewerben. Sie unterwerfen ihre Kunst dem Raffinement und
Scholastik. Wer lernen wollte, musste sich einem Meister unterordnen, der ihn
lehrte das Buch der Regeln (die Tabulatur) und hatte die Würde eines Lernenden. Als er beherrschte
fünf oder sechs Töne war Sänger, und als er einen neuen Ton zu komponieren begann, war er Meister:
Der Hauptvertreter davon war Hans Sach.

In Italien gibt es eine Bewegung profaner Lieder, die jedoch mit der
Religion, die sind die "laudae spirituale", gesungen von den bußfertigen Pilgern, während
recorrían los caminos de peregrinaje a lugares santos.

4.3. DIE POLYPHONIE: URSPRÜNGE

 Die ersten polyphonen Manifestationen im Westen stammen aus dem späten Jahrhundert.
IX oder Prinzipien des X. Aber es ist bekannt, dass in anderen Regionen (wie den Jagdgesellschaften im Zentrum und
in Afrika) und auch in Europa, in der Popmusik, gab es zuvor die Polyphonie,
aber der Grund für die Verzögerung, von der ernsten Musik angenommen zu werden, liegt in der Vorherrschaft
kulturellen der Kirche, die den monodischen Stil der römischen Liturgie auferlegt. Die Einführung von der
Die Polifonie führte zur Dekadenz des Gregorianischen Gesangs.
Es ist auf den Vertrag "Música enchiriadis" (Jahr 870) von Autor hinzuweisen.
anonym, angesehen als die älteste Quelle über die älteste Polyphonie: Organum oder
Diafonie.
DAS ORGANUM
Zu Beginn des 10. Jahrhunderts begannen verschiedene Stimmen gleichzeitig zu erklingen.
Wo das "Organum", die älteste Form der mittelalterlichen Polyphonie, geboren wurde.
Die grundlegende Melodie, vox principalis, wurde in der 4. unteren Lage von der vox gedoppelt.
Organalis. Diese wird wiederum um die 8. Oktave erhöht, wodurch sie in einem Abstand von einer Quinte zur Vox bleibt.
principalis. Es ist das parallele Organum.
Später wies das Organum Ausnahmen vom Parallelismus auf.
(Organum modifiziert) und unvollkommene Intervalle wie die Terz und Sext zulassend. Die Tendenz zum
Die entgegengesetzte Bewegung der Stimmen nimmt nach und nach über den Parallelkurs zu, und Ende
Im 11. Jahrhundert bahnt sich die gegenteilige Bewegung an, die den Übergang zum Discantus vorbereitet.

DISKANTUS
Es gibt Nachrichten über diese Praxis um das 11. Jahrhundert. Sie wird aufgegeben.
einzigartige parallele Bewegung, und es werden die entgegengesetzte und die schräge Bewegung ausgeführt, die sich kreuzen
ambas Stimmen. Diese Technik bietet die Möglichkeit, Noten unterschiedlichen Wertes zu mischen (Technik
punctum-contra-punctum).

GYMEL
In diesem Fall werden die Melodien anstelle von vierten oder fünften parallelen präsentiert, sie
entwickeln sich in 3. Parallelen, mit der Melodie in der oberen Stimme. Es war eine sehr verbreitete Form in der
englische Musik, vor allem während der Jahrhunderte XIII-XV.

FABORDÓN
Procede des Gymel, und es ist eine Form in drei Stimmen, die ebenfalls verwendet wird.
Intervalle der 3. als Konsonanz, zu der oft eine 6. hinzugefügt wird.

CONDUCTUS
Sie stammt aus dem 13. Jahrhundert. Diese Form bringt eine weitere Neuheit mit sich: die tiefe Stimme nicht mehr
stammt aus dem Gregorianischen. Darüber hinaus wird dem gesamten Werk ein prozessualer Charakter verliehen, und seine Funktion
Es war die Begleitung des Auszugs der Priester zu Beginn der religiösen Zeremonien.

4.4. ARS ANTIQUA

So wird die Art und Weise bezeichnet, Musik im 12. und 13. Jahrhundert zu machen, Zeitraum
nächsten zur Geburt der Polyphonie. Auf Latein bedeutet es "alte Kunst" (oder auch ars veterum).
Der Begriff wurde zu Beginn des 14. Jahrhunderts verwendet, um die Schule des Endes des 13. Jahrhunderts zu unterscheiden.
mit Franco von Köln und Petrus von Cruce, aus seiner eigenen Zeit, die "Ars" genannt wurde
Nova” (oder auch ars modernum).
Derzeit werden die beiden Begriffe in einem weiteren Sinne verwendet, um
Die Musik des 12. und 13. Jahrhunderts im Vergleich zur Musik des 14. Jahrhunderts.
 Das System des Stimmenverdopplens, das ab dem 12. Jahrhundert eingeführt wurde, wurde auch genannt
Kontrapunkt zudem Poliphonie, denn jeder Note (Punctum) stand eine andere gegenüber. Es ist ein System von
Horizontale Komposition, da die Stimmen unabhängig voneinander sind, obwohl sie klingen.
gemeinsam.
Die Hauptformen dieser Phase sind drei:

DER LEITUNG
Es ist eine völlig originelle Komposition, in der sowohl die Stimmen erfunden werden.
Organale oder Begleitstimmen wie die Hauptstimme.

DER RONDELLUS O RONDEL

Auf diese Weise entwickeln sich die Stimmen gemäß den Prinzipien der Nachahmung, was
Dann wird der Kanon und die Flucht entstehen. In den ersten Manifestationen ging man von einem Text aus
Vers, in dem jeder seiner Verse eine musikalische Wendung präsentiert. Die Fähigkeit des Komponisten
besteht darin, dass diese Wendungen paarweise übereinstimmen; das heißt, die Technik besteht darin
Konsonantisch die zwei oder mehr Wendungen kombinieren, die abwechselnd von den verschiedenen Stimmen wiederholt werden sollen.

DAS MOTET
Diese Form entsteht aus dem Organum, in dem die Diskantklauseln enthalten waren, die
Leonin erfand. Die ersten Motetten waren lateinisch und religiös, aber gegen die Mitte des Jahrhunderts
XIII, begannen die lateinischen Wörter durch französische zu ersetzen, sogar im Lateinischen und Französischen
simultan. Und das ist die Besonderheit des Motets: Die Stimmen singen mit unterschiedlichen Texten.
Es können auch in demselben Motett religiöse und profane Texte kombiniert werden.
Das Wort Motette stammt vom französischen „mot“, was „Wort“ bedeutet und sich auf die
neue Stimme hinzugefügt zur Hauptstimme, und mit neuem Text, wird sie Motetus genannt;
Stimme, die sich darüber bildet, Triplum, weil es die dritte Stimme ist; wenn es eine 4. Stimme gäbe, wäre es
Quadruplum.

Durch das Überlagern mehrerer Melodien stellte sich die Notwendigkeit dar, neue zu entwickeln.
Messsysteme, die es ermöglichten, gleichzeitig mit mehreren Stimmen zu singen. Es wurde geändert das
System des freien gregorianischen Rhythmus durch das System des gemessenen Rhythmus oder mensuralen Systems: “Musik
mensurata" oder "cantus mensurabilis", eine Schrift oder spezielle rhythmische Zeichen zur Kennzeichnung der
Dauer der Noten, und bereits im 13. Jahrhundert unterschieden die Polyphonisten vier Klassen von Noten:
duplex longa (máxima), longa, brevis und semibrevis.
Der ternäre Rhythmus war der am häufigsten verwendete, der als perfekter angesehen wurde und
Überlegen dem Binären, da es das Symbol der Heiligen Dreifaltigkeit ist, "tempus perfectus" oder Kompass.
Perfekt. Allerdings muss man bis zu Beginn des 17. Jahrhunderts warten, um die Linie einzuführen.
divisoria del compás.

Die Kulturzentren des Ars Antiqua sind die Klöster und bereits im 12. Jahrhundert.
y XIII, die ersten Kathedralschulen. Hervorzuheben:
In Spanien:
Das Kloster Santa Mª del Ripoll
Santiago de Compostela, dargestellt durch den "Códice Calixtino", der 22 enthält.
Organum mit zwei Stimmen und ein Conductus mit drei Stimmen, das erste europäische Werk von
diese Eigenschaften
die Kathedrale von Brügge und das Kloster von Las Huelgas, wo ein
wichtiger musikalischer Kodex
 In Frankreich:
Die Abtei von San Marcial in Limoges, in der eine Art von Organum hervorsticht.
sehr vokalisiert, wo sich der obere Teil sehr schnell bewegt,
indem ich viele kurze Notizen zwischen jede untere Notiz einfüge
Die Schule von Notre Dame (Paris), mit Léonin und Pärtin, die bedeutendsten Figuren dieser
Epoche. Leonin erarbeitete ein umfangreiches Repertoire an Organum-Stücken für zwei Stimmen.
für fast alle variablen Teile des Göttlichen Amtes. Perotin war ein Fortsetzer des
Vor ihm gibt es bedeutende Kompositionen von Organum für vier Stimmen.
In England:
Zahlreiche Kompositionen für zwei Stimmen, gesammelt im "Troparium von
Winchester.

4.5. ARS NOVA

Philipe de Vitry, Bischof von Meaux, veröffentlicht um das Jahr 1320 einen Tratate mit dem Titel
„Ars Nova“, in dem neue Kompositionstechniken vorgeschlagen werden, im Gegensatz zu den
Vorgänger, die aus diesem Grund "Ars Antiqua" genannt werden.
Es ist eine musikalisch revolutionäre Periode, die sich bis zu den frühen
vom 14. Jahrhundert bis zur Renaissance, in der die Polyphonie weiterhin perfektioniert wird,
sich vom einfachen Gesang emanzipierend. Die musikalische Komposition bleibt horizontal, obwohl sie
konzentriere mehr auf die Ausbildung von Akkorden.
Neuigkeiten aus dieser Phase:
1º) Entwicklung der Individualität des Komponisten
2º) Gleichheit des binären und ternären Taktes
3º) Entwicklung und Reifung der musikalischen Notation und ihre Bewertung
4º) Es werden die Akkorde mit 3. und 6. vorherrschen, und ab sofort sind die Bewegungen verboten.
direktes oder gegenteiliges von 4. oder 5.
5º) Der Gebrauch der Nachahmung (Kanon) wird ausgeweitet
6º) Obwohl die Zweistimmigkeit vorherrscht, gibt es reichlich Mehrstimmigkeit mit drei und vier Stimmen.
7º) Abandon der älteren Formen zugunsten des Motets
8º) Ausschmückender melodischer Stil
9º) La música profana extiende su uso a la danza y a lo instrumental

Was die Musikformen betrifft, gibt es zwei Neuheiten oder Entwicklungen:

- Der Motett, eine Entwicklung des Conductus, besteht in der Regel aus 2 oder 3 Stimmen, und jede von ihnen
es kann einen anderen Rhythmus und sogar unterschiedliche Texte haben, in Latein oder in Umgangssprache
- der Kanon, ebenfalls kontrapunktisch, in dem die Stimmen nacheinander eintreten
nach einer anderen, immer die gleiche Melodie spielend.
Die Anpassung dieser neuen Formen wird dazu führen, dass die Notation voranschreitet
sich perfektionierend, jeder Note nicht nur eine bestimmte Höhe zu geben, sondern auch eine Dauer
spezifisch, um Rhythmen kombinieren zu können. Es ist die Aufgabe von Philippe de Vitry (XIII-XIV), der
ein Schriftsystem, das im 16. Jahrhundert konsolidiert wurde und praktisch dasselbe ist
was derzeit verwendet wird.

Guillermo de Machaut, französischer Komponist und Dichter, setzt alle um.

Theorien, die von de Vitry vorgeschlagen wurden. Werke: die „Messe“ für vier Stimmen hervorheben.
 In anderen Ländern ist hervorzuheben:
In Italien:
Das wichtigste Kulturzentrum des 14. Jahrhunderts befindet sich in
Florenz. Bezugnehmend auf den „Codex Squarcialupi“, ein Compendium von
musikalische Ausarbeitung dieser Zeit.
Francesco Landini fällt hervor. Geboren blind, war er Organist und Komponist.
der berühmteste des Ars Nova in Italien.
In Spanien:
Die Polyfonie in Spanien erlangte nicht die gleiche Bedeutung wie im Ars Antiqua.
Es wurden keine musikalischen Dokumente außerhalb Kataloniens gefunden, wo es ist
„Llibre Vermell“ von Montserrat, Kodex des 15. Jahrhunderts, der Gesänge sammelt
Religiöse mit lateinischen und vulgären Texten, auf Katalanisch.
Es werden auch Kompositionen in der Form des französischen Virelai und der Ballade gefunden.
italienisch, usw.

Der Ars Nova bedeutet die Vervollkommnung der Polyphonie und die
Vorbereitung auf die nächste Etappe: die Renaissance.

5. DIE RENAISSANCE

5.1. ALLGEMEINE MERKMALE

Renaissance: Kultur und Kunst der Zeit zwischen den Anfängen des
15. Jahrhundert (1450) und der Beginn des 17. Jahrhunderts (1600).
Es ist eine Zeit großer künstlerischer Kreativität, insbesondere für die Musik, die
Genießt eine privilegierte Lage; die Humanisten sahen in ihr das geeignete Fahrzeug für die Verbreitung
von ihren Ideen, was sie in eine Kunst von großem sozialem Wert versetzt. Die humanistische Bewegung,
begann im Norden Italiens, zog nach Rom und dann in den Rest Europas.
Dieser Begriff findet volle Rechtfertigung im Bereich der bildenden Kunst, da
ein ästhetisches Wiedersehen mit dem Denken und den Formen der Antike zu veranstalten
griechische und römische Kulturen. Im Gegensatz dazu ist es nicht angebracht, dies auf die Musik anzuwenden, die weiterhin ...
offener Weg durch das Ars Nova. Das heißt, der Stil der Musik der Renaissance basiert auf dem
Entwicklung der Technik des imitierenden Kontrapunkts, durchgeführt von den franko-
Flamencos im 15. Jahrhundert, die auch von anderen Ländern assimiliert wurden.
Die Zentren der künstlerischen Produktion sind nicht mehr die Klöster und Schulen.
katheralischen, sondern die künstlerischen Kreise, die Kammern der Adligen, die sich in die
grandes mecenas de las artes.

Die Innovationen dieser Periode:

Schaffung der Choralpolyfonie, die die Lösung zweier Probleme mit sich brachte:
a) die verschiedenen Stimmen zu verschmelzen statt sie zu unterscheiden
b) sorgfältig beim Einsatz von Dissonanzen verfahren
Neue Techniken:
a) Nutzung der einfachen Homophonie, mit ihrem Schwerpunkt auf den Akkorden
Vertikale und die rhythmischen deklamatorischen Charaktere
b) Nutzung des imitierenden Kontrapunkts. Jeder Abschnitt war aufgebaut auf
ein kurzes Thema, das von einer Stimme zur anderen wechselt, ähnlich wie bei einer Präsentation
fugada
 Ungewöhnlicher Respekt vor den Worten, zu denen er Musik schrieb. Der mittelalterliche Komponist hatte nicht
den Akzent oder die Intonation nicht berücksichtigen, wenn man einem Text Musik hinzufügt

Spezifische Merkmale der Musik der Renaissance:

Es el apogeo de la polifonía vocal
Dieser Stil wird in der religiösen, weltlichen oder instrumentalen Musik verwendet werden.
Die profane Musik gewinnt an Bedeutung
La polifonía religiosa es cultivada en la Iglesia, y la profana por la nobleza
Uniformität der Stile in den verschiedenen europäischen Schulen
La hegemonía musical pasa de la escuela flamenca a la italiana, ocupando también un
relevante Position Spanien und England
Die kirchlichen Modalitäten prevalieren, entwickeln sich jedoch in größere und kleinere.
Es gibt Dissonanzen, aber sie werden nur sehr selten verwendet, wie Durchgangsnoten.
Die Reformation schafft eine neue Art von Musik: den Choralsang
Obwohl die Kompositionsweise weiterhin kontrapunktisch ist, tendiert man zu einer Harmonie
vertical, siendo frecuente la alternancia en una misma obra de trozos contrapuntísticos
(horizontal) mit Homophonen (vertikal)
Die instrumentale und die vokale Musik sind nicht vollständig voneinander zu unterscheiden, da das
Traditionell ist der Austausch von Stimmen durch Instrumente und umgekehrt, obwohl die
Instrumental gewinnt schrittweise an Bedeutung, die im Barock gipfelt

5.2. DIE RELIGIÖSE GESANGSMUSIK

Mit der Spaltung des Christentums wird jede Kirche neue Wege für ihr
Liturgie. Die katholische Kirche, mit einer starken musikalischen Tradition, wird die Polyphonie zu ihrem Höhepunkt bringen.
Die herausragenden Formen, entsprechend der Liturgie, zu der sie gehören, sind:
a) in der katholischen Liturgie: Motette und Messe
b) in der protestantischen Liturgie: der lutherische Choral und das Anthem (englisches Lied)
c) außerhalb der Liturgie (in Italien): geistliche Loblieder

5.2.1. Deutschland
Zu Beginn des XVI. Jahrhunderts trennt sich Luther von Rom und gründet die
Protestantismus. Großer Musikliebhaber und überzeugt von ihrem ethischen Wert, bemühte sich
Sie anzustoßen, Schulen für ihr Lernen und ihre Verbreitung zu schaffen, da sie wollte, dass alle die
Die Gemeinde wird an den Gesängen teilnehmen. Er übersetzte die Bibel ins Deutsche und erhielt Texte zu
die, die Musik spielt. Die ersten Werke stammen oft von Volksliedern der
Maestros Sänger, oder auch von anderen neuen, einige sogar von Luther selbst.
Die Korallen sind Volkslieder, die in Strophen unterteilt sind und gut
ritmadas, in vulgärem Sprache und mit charakteristischen Pausen am Ende jeder Satz.
Sie wurden von Luther für den Gottesdienst verwendet, um den gregorianischen Gesang zu ersetzen und
für eine größere Beteiligung des Volkes. Am Anfang war es monodisch, aber später wurden sie
harmonisiert für mehrere Stimmen und begleitet von einer Orgel. Sie erreichen ihren maximalen Glanz
mit Johann Sebastian Bach.

5.2.2. England
Heinrich VIII., verheiratet mit Katarina von Aragón, kann nicht die
Scheidung, um Ana Boleyn zu heiraten, wodurch er 1534 die Verbindung zu Rom bricht.
die Spitze der Anglikanischen Kirche zu werden. Dies führte zu einer Verarmung des
música, ya que eliminó la misa y sólo necesitó como cantos para los servicios religiosos
los Hymnen.
Hymne: Hymnus oder Antiphon in englischer Sprache, mit regelmäßiger Metrik. Besitzt
eine musikalische Struktur ähnlich dem katholischen Motette (Polyphonie mit 4 Stimmen) und wurde in den
anglikanische Tempel.

5.2.3. Die Musik in der katholischen Kirche

Im Inneren der Kirche bestand Besorgnis über die Komplexität, die dazu führte, dass
Die Polyphonie des Ars Nova war angekommen: komplexe Werke mit vielen Stimmen, weshalb
Der Text war verwirrend. Daher gab es viele Befürworter, die die Polyphonie abschaffen wollten und
Zurück zum einfachen Gesang.
Während des Konzils von Trient (1545-1563) wurde eine Kommission eingesetzt, um
Den Fall untersuchen und mehrere Vereinbarungen treffen:
Der gregorianische Gesang bleibt der offizielle Gesang der Kirche.
Poliphonie ist erlaubt, aber die Klarheit des Textes wird empfohlen.
Es wird erinnert, dass die Rolle der Musik in der Kirche nicht darin besteht, das Ohr zu befriedigen, sondern
um den Gläubigen zu helfen, ihre Seele zu Gott zu erheben.
Diese Bestimmungen wurden von den Komponisten befolgt, die
Sie haben die polyphone Musik bis zu einem Punkt verfeinert, dass wir das 16. Jahrhundert als das
„Goldenes Zeitalter der Polyphonie“. Mit dem Ziel, den Inhalt des Textes zu betonen, die
kultivierte Formen (das Motett, das sich als religiöse Form mit 4 Stimmen konsolidiert,
Latein und die Messe) gewannen an Ausdruckskraft.
So konzentrierten sich sowohl die religiöse als auch die profane Polyphonie
der musikalische Ausdruck in einer Stimme, um die Bedeutung des Wortes zu verstärken und seine
Verständnis, sich dem Stil zu nähern, der den Barock dominieren wird: die begleitete Melodie.
Im 16. Jahrhundert werden Komponisten der hohen Polyphonie hervorstechen.
kreative und imaginative Fähigkeit. Je nach ihren Eigenschaften, eher geographisch als
Techniken können wir in Schulen gruppieren. Die wichtigsten Schulen sind die folgenden:
Flämische Schule: Sie zeichnet sich durch maximale Perfektion im Schreiben aus, die bis zu ...
übertriebene Verfeinerungen, weshalb sie sogar des "Virtuosismus" kritisiert wurden.
artificioso”. Seine Vertreter sind:
oJosquin des Prés. Seine Kompositionen, insbesondere seine Messen und Motetten,
erwarben internationalen Ruhm. Einfluss auf die Komponisten
zeitgenössisch.
Orlando di Lasso. Der repräsentativste Komponist. Gemeinsam mit Palestrina und
Victoria bildeten die große Gruppe der wichtigsten Komponisten der
Polyphonie der Renaissance. Integrierte verschiedene Strömungen und Stile, weshalb
es le representante del “internacionalismo musical”, que queda plasmado en su
renovierender Stil. Er war sehr produktiv, mehr als zweitausend Kompositionen (52 Messen,
ungefähr 100 Magnificat, 4 Passionen, ein „Stabat Mater“ für 8 Stimmen, usw.).
Italienische Schulen: Es gibt zwei, die römische und die venezianische.
Römische Schule. Dreht sich um die Musikkapellen, wie die Papstkapelle oder die
Sixtina. Eigenschaften. Die Strenge, Nüchternheit, Klarheit, Gleichgewicht und
idealistische Konzentration des Denkens, die ihn von allem Überflüssigen befreien wird.
. Sein Hauptvertreter ist Giovanni Perluigi da Palestrina. Sein Stil,
klar, diatonisch, zart und gleichzeitig streng, wird klare Einfluss auf
andere Komponisten. Unermessliches Werk (über 100 Messen und mehr als 500 Werke
von geringerer Bedeutung, darunter 200 Motetten). Das Konzil von Trient
Es war kurz davor, die Polyphonie zu verbannen und zur Monodie zurückzukehren, schon
dass einige Übergriffe begangen worden waren, aber Palestrina ließ drei interpretieren
 de sus Messen, darunter die „Messe von Papst Marcello“, und es war so
Bewunderung, die erweckte, dass sie den Vorschlag ablehnten, in der Erkenntnis, dass
Diese Musik war sehr geeignet für den göttlichen Gottesdienst.
Venezianische Schule. Ihre Anfänge sind Musikern aus Flandern zu verdanken, die sich niedergelassen haben in
Venedig, wie Villaert und Arcadelt, die aus dem Verfahren ausgehen
kontrapunktisch der flämischen Schule, verliehen sie eine Ausdruckskraft, die
er unterstrich den Text. Diese Kompositionsweise wurde schnell übernommen.
von venezianischen Komponisten. Ein weiteres typisches Merkmal dieser Schule war die
polifonische Modalität zu "zwei Chören", eingeleitet von Villaert, in der Kathedrale von San
Marcos, und später von Andrea Gabrielli und ihrem Neffen weiterentwickelt
Giovanni Gabrielli.
In Italien sind außerhalb der Liturgie die laudi spirituali charakteristisch: Gesänge von
Lobpreis auf Gott, der seit dem 12. Jahrhundert praktiziert wurde (monodisch).
Später wurden Stimmäußerungen hinzugefügt, die sie in
polifónicos. Aunque el tema rea religioso, se utilizaban fuera de los servicios
religiöse, da sie auf Italienisch gesungen wurden. Ihre musikalische Struktur war Polyphonie
von vertikaler Schnittführung und sehr einfachem Stil.
Spanische Schulen: Man muss von "Spanischer Schule" sprechen, da die
Die wesentlichen Merkmale sind die gleichen. Die Merkmale oder Eigenschaften am besten
Die Vertreter der Spanischen Schule sind die Tiefe und der musikalische Mystizismus.
Dieses Lied spiegelt direkt die Atmosphäre des damaligen spanischen Dorfes wider,
vorgekehrt zur Verteidigung der Orthodoxie und zur internen Reform. Jetzt werden wir die
Vertreter gemäß den verschiedenen Schulen.
Andalusische Schule
. Cristóbal de Morales. Er war Kapellmeister in Ávila, Gesang der Kapelle
Pontificia, maestro de capilla de Toledo, y finalmente maestro de capilla de
die Kathedrale von Málaga, wo er starb. Gilt als der bedeutendste Komponist
importante de la escuela andaluza. Como sacerdote, puso siempre su
Inspiration im exklusiven Dienst des göttlichen Kultes. Werke: „Missarum“ Liber
I y II, “Lamentationen” a 4, 5 y 6 voces, “Magnificats” a 4 voces, 2 libros
De motetten für 4 Stimmen und einer für 5 Stimmen usw.
. Fernando de las Infantas. Er ließ sich in Rom nieder, wo er sich mit ...
Victoria. Dort wurde er berühmt durch seinen Einsatz für den Gregorianischen Gesang.
gegen Palestrina, der eine Restaurierung durchführen wollte. Er schrieb
vier Sammlungen polyphoner Musik.
. Francisco Guerrero. Er war Schüler von Morales und Kapellmeister der
Kathedrale von Málaga, die Morales nachfolgte. Schließlich wurde er ernannt für
la de Sevilla, im Jahr 1555. In Bezug auf seine Kompositionen ist zu erwähnen, dass neben
zu den "Passionen" und "Messen", im Stil der damaligen Zeit, sticht besonders hervor
durch ihre marianischen Mateten, voller Süße und ruhiger Melancholie, voller
de „engelhaftes und nicht realisitisches Andalusismus“.
oSchule Castellana:
. Antonio de Cabezón. Ciego, ha sido calificado como el “Bach español del
16. Jahrhundert”. Er trat vor allem als Organist hervor.
. Francisco Salinas. Auch blind, hob er sich ebenfalls als Organist hervor.
Er gilt als der wichtigste spanische Schriftsteller des 16. Jahrhunderts.
. Tomás Luis de Victoria. Bedeutendster Komponist der religiösen Polyfonie in
Spanien; komponierte keine weltliche Musik. Er wurde in Ávila geboren und starb in der
Kloster der Descalzas Reales in Madrid. Es zog nach Rom, wo es
wurde zum Priester geweiht und scheint ein Schüler von Palestrina gewesen zu sein. Seine Werke sind
 sind in acht Bänden zusammengestellt und in Leipzig veröffentlicht worden. Diese
Die Sammlung besteht aus 20 Messen, 22 Motetten, 34 Hymnen usw. Besonders hervorzuheben ist ihr
„Officium Defunctorum“ und das „Officium Hebdomadae Sanctae“, Amt von
Semana Santa, die allein ein Meisterwerk der Polyphonie darstellt
Spanische Religiosität. Auch marianische Themen sind zahlreich, darunter 3
Marianische Messen, Ave Maria usw. Ihr Werk ist sicherlich weniger zahlreich.
als die von Palestrina, aber im Ausdruck und der Tiefe der Emotion,
Konkurrenz mit ihm und übertrifft ihn wahrscheinlich.
Valencianische Schule
. Juan Ginés Pérez. Mit 14 Jahren war er Kapellmeister in seiner Heimatstadt.
(Orihuela); 18 Jahre später nahm er denselben Posten in der Kathedrale ein.
de Valencia. Sein Werk ist verschwunden, obwohl einige Psalmen erhalten geblieben sind,
Hymnen, Motetten und Magnificat. Er war einer der Komponisten, die
intervenierten an der musikalischen Komposition des Mysterienspiels von Elche.
. Juan Bautista Comes. Er ist einer der interessantesten Komponisten.
Spanier ihrer Zeit; es wird bereits im 17. Jahrhundert eingeführt, wo es sich entwickelt.
größter Teil seines Werks. Unter seinen Werken, unzählige Weihnachtslieder
polifonisch, Chormusik, usw.
oEscuela Aragonesa:
. Melchor Robledo. Es sind nur sehr wenige Werke erhalten (eine Messe für 5 Stimmen in einem
Kodex der Sixtinischen Kapelle in Rom, eine Antiphon in einem anderen Kodex, und
einige Kompositionen in den spanischen Kathedralen). Er war Kapellmeister
Die Seo von Zaragoza und ihre Werke kennen wir durch Referenzen.
Dokumentationen und andere Autoren.
. Sebastián Aguilera de Heredia. Organist von Huesca zuerst, und von
Zaragoza, danach. Er komponierte umfangreiche religiöse Musik: seine zu kennzeichnen
„Magnificats“, verteilt über zahlreiche spanische Kathedralen.
Katalanische Schule
. Mateo Flecha “el Viejo” y Mateo Flecha “el Joven” (tío y sobrino). Existe
Parallele zwischen beiden: Beide wurden in Prades (Tarragona) geboren, beide
waren karmelitische Religiosa und beide standen im Dienste der Infantinnen
María und Juana. Vom Onkel sind keine religiösen Kompositionen erhalten geblieben, und von
Neffe, wenige. Was vom Ersten erhalten bleibt, sind "Salate",
humorvolle Kompositionen für mehrere Stimmen, in deren Text sich mischten
verschiedene Sprachen, religiöse und weltliche Elemente mit anderen satirischen, und die
homophones und kontrapunktisch Stile.
. Die Schule von Montserrat blieb ein großes Zentrum musikalischer Schöpfung.
Die religiöse Musik des 16. Jahrhunderts ist einer der wichtigsten Aspekte des gesamten
Die Geschichte der spanischen Musik, die sich durch ihre Tiefe vom Rest Europas unterscheidet.
Spiritualität.

5.3. DIE PROFANE VOKALPOLYPHONIE

Während des 16. Jahrhunderts wird die Unterscheidung zwischen religiöser Musik und
profane Musik, die bereits mit dem Ars Nova begonnen hatte. Während der Renaissance wird sie
Die Blüte der höfischen Musik, produziert von denselben Komponisten der Kirchenmusik,
für die Palastabende, da die musikalische Praxis in diesen Momenten ein Zeichen von
Verfeinerung. Es entstehen eine Reihe von Formen zur Erholung der kultivierten Minderheiten. Italien wird die
Pionier: Florenz, wo die bedeutendsten Formen des humanistischen Geistes kultiviert wurden und
Von dort verbreiteten sie sich über Europa und nahmen in jedem Land unterschiedliche Merkmale an. Es sind Formen
Mit der Literatur verbunden; die Musik wird versuchen, das auszudrücken, was der Text sagt.
Unterschiede zwischen religiöser Musik und weltlicher Musik:
a) Die Anzahl der Interpreten ist geringer (Quartett oder nur Solostimmen begleitet von
Instrumente)
b) Die Texte sind in vulgärer Sprache
c) Die Themen erlauben größere Originalität
d) Die Modi entfernen sich von den kirchlichen und zielen auf die Dur- und Mollmodi.

Die verschiedenen Formen und Strukturen, die das Volkslied angenommen hatte, je nach den
Verschiedene Nationen werden in dem Lied und im Madrigal zusammenfließen.

Die profane Polyphonie in Italien: Zunächst auf die "Frottola" Bezug nehmen,
populäre profane Lied, dessen Name vom Verb „frottolar“ stammt, was so viel wie verspotten bedeutet. In seinen Anfängen
es war monodisch, wurde aber später für 4 Stimmen geschrieben. Sein Thema war satirisch, und es ist
als Vorläufer des italienischen "Madrigal" angesehen.
Das Madrigal kann im 16. Jahrhundert als Komposition definiert werden.
polifonisch und "a cappella", ähnlich dem "Motett", aber mit profanem Text. Die Schrift folgt der
freie Versstruktur, mit lyrischen, liebevollen und sehr ausdrucksstarken Themen. Später wird
Sie werden in einem oder mehreren Stimmen komponiert, mit oder ohne instrumentale Begleitung.
Komponisten: Palestrina, A. Gabrielli, Monteverdi, Luca Marenzio und die
Flamencos, die in Italien ansässig sind, Villaert und Arcadelt.

Die profane Polyfonie in Frankreich: Es entwickelt sich das französische „chanson“, das
Es stammt aus dem Troubadour-Lied, aber mit dem neuen Geist des italienischen Madrigals.
Merkmale dieser Form:
- von einfacher Art, ohne so viel polyphone Handlung wie das Madrigal, aber polyphon
- im Silbenstil
großer Sentimentalismus und Galanterie
- von beschreibendem Charakter (versucht, dem Zuhörer Bilder und Eindrücke zu vermitteln von der
Natur: das Singen der Vögel, Geräusche der Jagd usw.)
- mit Begleitung
- über einen strophischen Text
Komponist: Clemente Janequin, mit über 400 Liedern.

Die weltliche Polyphonie in Spanien: Der "italienische Madrigal" hatte in Spanien nicht den
Arraigo, das in anderen Nationen. Hier halten die "Villancicos", "Balladen", "Romanzen" ihren Höhepunkt.
“tonos”, “canciones”, etc.
Vielleicht war das Lied, das die größte Bedeutung erlangte, der Weihnachtslied. Sein Wort stammt von
Villano, das heißt, eine Melodie, die von den Bösewichten gesungen wird, später in ein Lied verwandelt.
Gesang mit Begleitung von Vihuela, oder auch Lied für 3 und 4 Stimmen, im vertikalen Stil und
einfache Harmonie. Es ist in mehrere Strophen gegliedert, die mit einem Vers enden, der sich mit dem reimt
Refrain. Der Refrain wiederholt sich ganz oder teilweise nach jeder Strophe. Der Text ist frei.
generell populär, einfach, aber ausdrucksstark, verstärkt durch Instrumente ebenfalls von
Beliebte Art, wie die Vihuela. Genoss große Popularität zur Zeit der Katholischen Könige.
El conjunto de canciones polifónicas profanas españolas de esta época, sobre
Alle Weihnachtslieder befinden sich in Liedersammlungen, unter denen das der Colombina hervorhebt:
de Upsala, der vom Palast (Lieder, die im 15. Jahrhundert und der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts gesungen wurden in der
Corte der Katholischen Könige, und viele von ihnen von Juan del Encina) und der von Medinaceli.
 Komponisten: Juan del Encina, Juan Vázquez, Francisco Guerrero und Mateo
Flecha (Onkel und Neffe), von deren „Salaten“ wir bereits zuvor gesprochen haben.

Die Komponisten all dieser Formen, mit dem Bestreben, den Text zu "illustrieren", zu
Trotz der fortwährenden Verwendung der polyphonen Technik des Kontrapunkts, geben sie zunehmend mehr ...
Wichtigkeit einer Stimme, der übergeordneten, und den anderen die Rolle der Begleitung überlassend; das heißt,
Es wird zunehmend angestrebt, Akkorde zu bauen, um die obere Melodie zu betonen.

5.4. DIE INSTRUMENTALMUSIK

Bis jetzt hatte die Instrumentalmusik nur ihre Funktion erfüllt
Begleitung zur Stärkung der Stimmen, zur Verstärkung oder zum Ersatz derselben, oder verbunden mit dem Tanz. A
Ab der Mitte des 15. Jahrhunderts beginnt man, Musik für die Instrumente zu konzipieren.
ausschließlich.
Das wachsende Interesse an instrumentaler Musik führte zu einigen Konsequenzen:
dass die Handwerker die Instrumente (die Lautenmacher) perfektionieren
dass die Komponisten, durch bessere Instrumente ausgestattet, Stücke von größerer
Schwierigkeit, weshalb
Die Instrumentalisten mussten sich auf ein bestimmtes Instrument spezialisieren.
Es entstehen spezifische Techniken, um jeden von ihnen zu spielen.
Die Theoretiker entwickeln neue Systeme für die Musikschrift, die sich von den vokalen unterscheiden.
Basis von Ziffern, Zeichnungen der Fingerpositionen (Tabulaturen) usw.

Este proceso, que se desarrolló paulatinamente, puede observarse a través de tres

verschiedene Strömungen:
1ª) Die Merkmale der Renaissance-Instrumente:
a) die hohen Instrumente, die so wegen ihrer Klangintensität genannt werden, wurden verwendet
um bestimmte Arten von Tänzen und Musik im Freien zu begleiten: Chirimías,
Pauken, Trompeten, Posaunen
b) Die tiefen Instrumente mit sanfter Intensität wurden zur Begleitung verwendet.
Stücke der Vokalphonien. Violen, Flöten, usw.
c) die polyphonen Tasteninstrumente: Orgel, Spinett, Virginaal, Clavichord
Clavicembalo, Clavecín oder Klavier; und die Saiteninstrumente: die Harfe und das Lauten (Vihuela in
Spanien). Mit diesen Instrumenten würde die Technik des Virtuosentums eingeleitet werden.
interpretativo.
2ª) Eigene musikalische Formen:
Zu Beginn ging es um die einfache Transkription der vokal-polyphonen Musik für
seine nachfolgende instrumentale Interpretation. Der nächste Schritt war die Ornamentierung von
eine der Stimmen, normalerweise die höchste, mit kurzen Klängen, die bereichern
und sie beleben die Melodie, die sich immer weiter von der Originalversion entfernt und Raum für die
Glosa oder Variation (der Komponist entwickelt ein Thema und danach verschiedene
Variationen). Anschließend wird das Verfahren des Kontrapunkts angepasst.
Imitativ zur Instrumentalmusik, was die Gefühle hervorrufen würde, und durch die
Improvisation, die Fantasie (ein frei gestaltetes Stück, bei dem das Wichtigste ist, die
Vorstellungskraft oder Improvisation, die Struktur, die in den Hintergrund tritt.
Por otra parte, se utiliza también como base para el desarrollo de las formas
instrumentale Renaissance, die Tänze: Pavane, Gallarde, Folia, Allemande,
zarabanda, giga, gavotte, usw. Zu Beginn wurden nur zwei mit einem Hauch von
kontrastiert (einer pausiert und der andere lebhaft). Später würden die
 Anzahl der Tänze, die der so wichtigen Instrumentalform wie der
Suite.
Ebenso für die instrumentalen Werke, die dazu bestimmt sind, "gespielt" zu werden von
Tasteninstrumente, es würde Latocata verwendet werden (kurzes Stück für Tasteninstrument)
als Vorspiel oder Prolog zu einem wichtigeren; ist oft von kurzer Dauer
um Geschicklichkeit zu zeigen), und für die anderer Instrumente, die Sonate.
3ª) Compositores célebres:
a) Bei Tasteninstrumenten stechen hervor:
- in der spanischen Schule: Antoni de Cabezón (Tientoes, Variationen und
Unterschiede), Francisco Salinas und Francisco Correa de Arauxo
- in Italien, Girolamo Frescobaldi
- In England, William Byrd, John Bull und Orlando Gibbons
b) In den Streichinstrumenten: der Spanier Diego Ortiz, "Tratado de glosas",
veröffentlicht in Rom im Jahr 1553, für die Viola da Gamba, und der Italiener Andrés Amati
was die Blüte der Geige anregen würde.
c) Bei den Zupfinstrumenten:
- spanische Vihuelisten: Luis de Milán, Alonso Mudarra, Luis de Narváez
Diego Enríquez de Valderrábano, Miguel de Fuenllana, Diego Pisador und
Estaban Daza
- in Italien: Francesco de Milano und Vicenzo Galilei
- in England: John Dowland

Die Instrumente der Renaissance: das Instrumentarium, geerbt aus dem Mittelalter
Progresa, vor allem die polyfonen.
Polifonisch
otecla:
. Wind Orgel: das kostbarste Instrument im Tempel. Man beginnt zu
construir los grandes órganos de tubos de las iglesias. Compositores: las
venezianische Schule, mit den Gabrielli, und die spanische Schule mit Félix
Antonio de Cabezón und Francisco Salinas
. Cuerda
Pulsada: Clavichord oder Klavichord (Varianten: Spinet, Virginal...)
Percutida: Clavicordio (die Saiten werden mit Platten geschlagen)
metallisch)
gezupfte Saite
. laúd: instrumento muy utilizado en las cortes para danzas (frecuente en
Gemälde). Hervorzuheben ist der Italiener Francesco da Milano
. Vihuela: spanische Variante des Lauts. Sie hat hinten eine flache Korpusform und das
kürzerer Mast. Luis de Milán und Luis de Narváez heben sich hervor
Melodisch
oSaiteninstrument: Violen (entwickeln sich zur Violine im Barock)
oViento
. Madera: flautas, oboes
. Metal: trompetas, cornetas
6. EL BARROCO

6.1. MERKMALE DES MUSIKALISCHEN BAROCKS

Der Barock umfasst die Zeit von Ende des 16. Jahrhunderts bis zur Mitte des Jahrhunderts.
XVIII. Die chronologischen Daten, die diese Etappe abgrenzen, sind: die Uraufführung der 1. erhaltenen Oper
und der Tod seines höchsten Vertreters, Johann Sebastian Bach. Der Begriff, entnommen aus den Künsten,
wird analog auf die Geschichte der Musik angewendet.
Después del arte idealista, poético e intelectual del Renacimiento, habrá una
Reaktion von realistischer Art. In der Musik wird sie sich nicht als abrupten Wechsel manifestieren, sondern als die
logische Fortsetzung des Prozesses, den wir seit dem Mittelalter gesehen haben. Die Monarchien
Autoritäre haben im Absolutismus gipfelt, in dem die Könige die Musik als
manifestación de su poder. En Italia y Alemania, sin unificación territorial, la rivalidad de los
Kleine Staaten werden insbesondere die Kammermusik vorantreiben. Die Kirche wird ein großer Motor sein.
von der Musik, die darauf abzielt, die Gläubigen durch große musikalische Formen zu erreichen. Eingeleitet in
Italien verbreitete sich in ganz Europa und erreichte seine Blütezeit in den Ländern des germanischen Raums.

Im Allgemeinen wird es eine große Entwicklung der instrumentalen und weltlichen Musik geben, und
Interaktion zwischen vokaler und instrumentaler Musik. Die Rolle des Musikers reduziert sich auf die eines Dienstboten.
der normalerweise im Palast seines Beschützers lebt, obwohl er einige beweisen muss
solide Kenntnisse und eine große Professionalität.
In dieser Phase ist eine klare ästhetische und formale Einheit zu beobachten. Bukofzer konkretisierte
die Merkmale, die das Barock vom Renaissance unterschied:
Polarität der Musik zwischen der Oberstimme (Melodie) und dem Bass (Continuo)
Die Zwischenstimmen verlieren an Bedeutung
Rückgang der Polyphonie, ersetzt durch eine harmonische und homophone Sprache, vertikal oder
harmonisch
Übergang vom Modal- zum Tonsystem
affektive und dramatische Musikalität der Worte
harmonische Progression, die durch die Gesetze der Tonalität geregelt ist
Erscheinung von zwei gut unterscheidbaren Sprachen, vokal und instrumental
künstlerische Nutzung sowohl des Chromatismus als auch der Dissonanz
Es wird angestrebt, die Klangblöcke, die Intensitäten, die Klangfarben, die Zeiten der
Bewegungen, usw.

Das Auftreten des Barock wird oft in Italien verortet. Die ersten barocken Merkmale zeigen sich
äußerten sich in der polyphonen Musik: die Stimmen, die in der renaissancistischen Polyphonie eine
Klangeinheit, sie wurden pluralisiert und unabhängig, wobei die melodische Stimme dominant wurde. Das
führte dazu, dass die Mittelwerte verschwanden und die Melodie unterstützt wurde und
harmonisiert durch das sogenannte „continuo“, das üblicherweise von den Bässen der
Schnur, das Orgel oder das Cembalo. Die Partitur des Cembalos gab nur durch Zahlen an, die
Akkorde, die die linke Hand (Bassschlüssel) spielen sollte, die rechte Hand des Cembalisten
schmückte die Komposition nach seinem Geschmack und entsprechend seiner Improvisationsfähigkeit, innerhalb von der
Tonart angegeben durch die Akkorde.
In diesem Zeitraum wird das neue System der Tonarten, Dur und Moll, eingeführt.
Führen Sie das Konzept des Kompasses ein. Es wurden Begriffe geschaffen, die auf den Charakter verweisen.
musikalisch eine Arbeit und die sich auf den "tempi" oder musikalischen Luft beziehen.
Ebenso fand das Auftreten der folgenden Musikformen statt: die Oper,
Eloratorio, das die Kantate und die Passion, die Suite, die Sonate hervorgebracht hat (die perfektioniert werden würde)
während des Klassizismus) und das Konzert.
6.2. NEUE FORMEN
 6.2.1. Vokale
Die religiöse Musik war bis jetzt überwiegend vokal gewesen, und zu
Capella. Bereits im späten 16. Jahrhundert wird sie sich mit instrumentaler Begleitung bereichern.
Die religiösen Formen unterscheiden sich kaum von den profanen in ihrem Geist und ihrer Struktur.
obwohl sie unterschiedliche Namen tragen. Es bestehen die Messe, das Motette und die Passion, mit anderen
neue, die erscheinen, wie das Oratorium, die Kantate usw.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass im 17. Jahrhundert drei religiöse Stile kultiviert werden.
verschiedene: a) die a cappella Vokalmusik; b) das Solo mit Instrumentenbegleitung; und c) das
concertierender Stil von Stimmen und Instrumenten. Außerdem beeinflusst von dem Phänomen
Operistisch werden zwei große neue Formen erscheinen: das italienische Oratorium und die Kantate
Deutsch.
Die Formen werden die des Renaissance sein, aber mit dem neuen Stil von
begleitete Melodie
Minderjährige
oCantata (Evoluzione des Madrigals). Die erste Bedeutung dieses Begriffs war für
bezieht sich auf ein vokales Stück, im Gegensatz zu „Toccata“. Im 17. Jahrhundert wird es
sich auf eine Komposition für Chor und Solostimmen mit Begleitung zu beziehen
instrumental e intermedios orquestales, con contenido dramático pero sin acción.
Im Gegensatz zum Oratorium ist es kürzer und lyrischer. Es gibt zwei Arten:
. Kantate für die Kirche, mit religiösem Thema und zur Aufführung in der Kirche
. Kammerkantate, aus profanen Texten, Liebesthema und zum Singen gedacht
in den Salons
Die erste hatte ihren Höhepunkt in Deutschland in der ersten Hälfte des Jahrhunderts
XVIII, durch Schütz, Buxtehude und Pachelbel, und später Mattheson,
Telemann und Johann Sebastian Bach, der etwa 300 Kantaten komponierte
Religiöse, von denen rund 200 erhalten sind.
Ältere
oOratorium (Evolution des Motets). Es hat einen markant liturgischen Ursprung und keine
präzise die Szene (Oper ohne Darstellung). Ursprünge in den laudi spirituali,
komponiert von Giovanni Animuccia, um in den Versammlungen gesungen zu werden
Jugendliche, die San Felipe Neri in einer Kirche und einem Oratorium in Rom feierten. Mehr
Am Nachmittag nahmen sie eine stabilere und umfassendere Form als Komposition an.
für Stimmen, Solo und Orchester mit Text aus der Heiligen Schrift. Das erste Oratorium
es "Reppresentatione di anima e del corpo", von Emilio de Cavalieri. Wird erwerben ein
Moment der höchsten Pracht mit Giacomo Carissimi. Mitte des Jahrhunderts
XVII, werden zwei Arten von Oratorien definiert:
. Der Lateinische, über biblische Texte, der in der Kirche verbleibt
. Der vulgäre, über freie Texte, in Italienisch, von edukativem und moralischem Charakter
oPassion. Werk über die Passion Christi. Oratorischer Stil (Bach, Händel)
Telemann, usw.)
Oper. Entwicklung der Oper in der Musik.

6.2.2. Instrumentales
Con el Barroco se da la eclosión de la música instrumental. La perfección
Die Instrumente erreichten unerwartete Grade, insbesondere die Instrumente
de Bogen, die anfingen, die instrumentalen Ensembles zu dominieren; sie erwarben ebenfalls
besondere Bedeutung haben die Tasteninstrumente, sowohl die im Salon als auch die Kirchenorgel.
Besondere Erwähnung verdienen außerdem das Klavier, die Geige und in Spanien die Gitarre.

Die am meisten kultivierten Formen sind:

Minderjährige
Präludium, Toccata, Fuge... kurze Formen für Tasteninstrumente
. Fuge: Gegenpunktikkomposition, die aus einem einzigen Takt besteht, geschrieben
im polyphonen Stil, für eine bestimmte Anzahl von Stimmen und strukturiert
entsprechend einem formalen Plan, der aus der beharrlichen Wiederholung eines
Thema und seine Nachahmung, mit freien Fragmenten zwischen den Wiederholungen. Es
sagen, ist gekennzeichnet durch Monothematismus: ein einziges Thema namens
Motiv oder "Subjekt", dem eines oder mehrere sekundäre Themen begleiten
genannt "Gegenmotive oder Kontra-Subjekte".
Elemente der Flucht:
a) Subjekt: Das Thema wird oft Subjekt oder Motiv genannt. Es ist ein Satz
melodisch mit vollem Sinn und mit bestimmten Intervallmerkmalen und
rhythmische gut definierte in der Haupttonart. Ein Subjekt kann sein
modifiziert durch Erhöhung, durch Verminderung, durch Umkehrung der
Intervalle), durch Rückwärtslesen (lesen vom Ende zum Anfang), und durch
jede der möglichen Kombinationen dieser Änderungen.
b) Antwort: Melodisch bewahrt es dieselbe Physiognomie wie das Subjekt,
nur dass es von einer Stimme präsentiert wird, die auf diejenige antwortet, die es vorgebracht hat und in
der Ton der Dominante. Diese Transposition erleidet eine Reihe von Änderungen
(Mutationen) zur Erhaltung der tonalen Einheit
c) Contrasujet: Es eine melodische Idee mit unterschiedlichen Merkmalen (über
alles im rhythmischen Aspekt) des Subjekts. Es hat geringere Bedeutung und
Sein Zweck ist es, das Subjekt durch Kontrast hervorzuheben.
Teile der Flucht:
a) Ausstellung: Die Präsentation des Motivs oder Subjekts findet statt im
Hauptton, am Ende dessen erscheint in einer anderen Stimme die
Antwort im Ton der Dominante. Eine dritte Stimme reproduziert von
neues Motiv in seiner Originalform, während eine vierte Stimme
reproduziert wiederum die Antwort. Der Kontrasubjekt erscheint unten
des Subjekts und der Antwort, gleichzeitig mit deren Imitation durch
Teil der verbleibenden Stimmen.
b) Entwicklung: Besteht aus einer Reihe von gekürzten Wiederholungen
(Motivo-contramotivo) en las cuatro tonalidades vecinas. Se lleva a
beendet eine Abwechslung zwischen den Episoden oder Unterhaltung mit aufeinanderfolgenden
Präsentationen des Subjekts. Die letzte Episode ist meist aufgebaut
über die Dominante, die den Eintritt der "engen" vorbereitet in die
Reexposition.
c) Reexposition: In der Haupttonalität, mit der Neuheit, dass die
Nachfolgende Eingaben der Stimmen werden anticipiert, wobei der Raum bleibt
Zeit zwischen der Initiation des Subjekts und seiner Antwort am "engsten". Der
Die Anzahl der engen Stellen, die ein Leck haben sollte, liegt in der Regel zwischen zwei und
fünf, die gewöhnlich mit einem Pedal auf der Tonika enden.
. Sonate. Etymologisch war die Sonate ein Stück, das „gespielt“ werden sollte.
Opposition zu "Cantata", die ein Werk war, das "gesungen" werden sollte. Im 17. Jahrhundert,
Es wurden Sonaten in einem einzigen Tempo geschrieben. In der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts,
Einige Autoren verwendeten sie als Synonym für Suite, aber mit der
Der Unterschied besteht darin, dass die Sonate aus reinen Musikstücken bestand.
Zu dieser Zeit wurden zwei Arten von Sonaten verwendet: Kammer-Sonate und Sonate
da Kirche oder religiös. Die Mehrheit der Sonaten wurde für
Tast instruments allein oder begleitet von einem melodischen Instrument.
 Die eigentliche Sonatenform ist vielleicht die wichtigste der
musikalische Formen, und hat als strukturelle Grundlage für unzählige gedient
Meisterwerke. Die Symphonie; die Ouvertüre, die sich von der Oper loslöste, gab
Ursprung der Sinfonie; das Streichquartett, in der Regel; und das Konzert.
Erwachsene
oConcerto:
. Grosso, eine Art von flüchtiger instrumenteller Form, die aus drei oder mehr besteht
Zeiten, in denen zwei Instrumentalgruppen verwendet werden, eine kleine,
Concertino, bestehend aus beliebiger Kombination von Instrumenten, und ein anderes
groß, oder alle, zwischen denen ein dialektischer Austausch stattfindet. Sein
Die formale Struktur war wenig definiert, oscillierend zwischen der Fuga und der Suite, und ihr
Die Anzahl der Zeiten war unbestimmt. Ihre Schaffung war dem Italiener zu verdanken.
Corelli und verbreitete sich während der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts und
Anfänge des XVIII.
. Solist, für Orchester und einen Solisten
oSuite. Vereinigung mehrerer Tänze unterschiedlichen Charakters in einem Werk, um zu sein
nacheinander interpretiert, die ein Ganzes bilden. Schlussfolgerung der eingeleiteten in der
Renaissance. Erscheint unter anderen Bezeichnungen: Ordre (Frankreich), Partita
(Deutschland) und Sonata (Italien). Nachdem Bach schwächer wird, taucht er wieder auf
Mitte des 19. Jahrhunderts, bereits als ein orchestrales Werk, das von einer
Serie von freiformigen Stücken; das aus dem Barock wäre die "Alte Suite" und das des S.
XIX, „Moderne Suite“.

6.3. EUROPÄISCHE VARIANTEN UND DEUTSCHE VOLLKOMMENHEIT

6.3.1. Italien
Die Wurzeln in der venezianischen Schule des späten 16. Jahrhunderts, wo in der
Kirche San Marcos, G. Gabrielli hatte zwei gegenüberliegende Orgeln auf den Emporen platziert.
Laterales, sowie Orchester und Chöre, die eine musikalische Atmosphäre schufen, die die
Assistenten auf der Grundlage kontrastierender Klänge.
Der Ursprung der Oper liegt in einer Gruppe von Künstlern, Literaten und Musikern
Florentiner, die sich im 'Cenáculo' des Grafen Bardi versammeln, versuchen, das Drama wiederzubeleben.
musikalisch griechisch. Aus diesem Ensemble hervorzuheben sind: Emilio de Cavalier, Giulio Caccini, Vicente
Galilei und Jacobo Peri und Rinuccini, Librettist zahlreicher Werke, die auf der Mythologie basieren
griechisch. Sie werden die "Camerata fiorentina" bilden. Die erste Oper, "Eurydice", von Peri,
wird 1600 in Florenz mit Caccini uraufgeführt.
An dieser Schule werden die drei repräsentativen Prinzipien des Neuen ausgearbeitet.
estilo:
1) dramatische Deklamation im rezitativischen Stil (begleitete Monodie)
2) melodische Passagen des Solisten, Arie
3) Verwendung des Generalbasses
Alle diese Innovationen werden von den römischen Musikern übernommen werden.
Die römische Oper gewinnt an Bedeutung, bis sie aufgrund des Verbots des Papstes verblasst.
Innocenz X. Wird die römische Oper durch den größten Einsatz von Chören von der florentinischen unterscheiden.
und komischen Szenen.
Auf dieser Grundlage wird die venezianische Oper Mitte des 17. Jahrhunderts entstehen,
die mit Claudio Monteverdi ihren Höhepunkt erreichen wird, dem Domkapellmeister der Kathedrale von
San Marcos von Venedig. Obwohl er religiöse Werke komponierte, war er vor allem ein Schöpfer von
Opern: "Orfeo" und "L'incoronazione de Poppea" werden als die
antecedentes más próximos al concepto moderno de ópera.
 Später wird in Italien die neapolitanische Schule entstehen, deren Haupt...
Vertreter war Alessandro Scarlatti, der 125 Opern schrieb. Er wusste, den Teilen ...
Protagonisten der melodischen Linie und des typisch virtuosen Stils des Genres, so dass es ihm
wird oft als der nächste Vorläufer des "Belcanto" betrachtet. Scarlatti führte ein:
Die Ouvertüre, ein einleitendes instrumentales Fragment mit einem langsamen Abschnitt dazwischen
zwei schnelle
Die Da-Capo-Arien, Fragmente, die die dramatische Handlung unterbrechen von den
Rezitativa und in denen der Text die Ausrede ist, um eine schöne Melodie zu zeigen
(Prinzip des bel canto)
La utilización de la orquesta par producir efectos dramáticos
Das heißt, der musikalische Aspekt gewinnt an Bedeutung zu Lasten der
literarischer Teil.
Der Verlauf der Oper war:
1. Florencia: nacimiento
2. Roma: Fortsetzung
3. Venedig: Opernzentrum, als C. Monterverdi dorthin zog (1607: Orfeo)
4. Neapel: mit dem Jahrhundertwechsel wird es die Pionierstadt der Oper sein, mit A.
Scarlatti.
Von Neapel aus verbreitete sich die Oper in ganz Europa, dargestellt von
italienische Unternehmen. In demselben Neapel beginnt eine frivolere Reaktion, mit
Das Argument ist humoristisch; es wird die sogenannte Opera Bufra sein, die von G. B. Pergolesi aufgeführt wird.
Autor von „La serva padrona“.
En cuanto a música instrumental, tenemos que mencionar a varios autores
je nach dem Instrument, dem sie gewidmet waren:
a) Tastenmusik (Orgel und Klavier)
- Frescobaldi, Durante und Domenico Scarlatti
b) Musik für Violine
- Corelli, Vivaldi, Albinoni, Locatelli, Tartini, Veracini usw.

6.3.2. Frankreich
Frankreich hat die politische Hegemonie von Spanien übernommen; sein
Die Monarchie ist das klarste Beispiel für Absolutismus. Für den Hof wurde das geschrieben
die Mehrheit der religiösen und profanen Kompositionen, mit großem Pomp, um zu zeigen die
Majestät und Macht des Souveräns.
Die Flöte war das bevorzugte Soloinstrument. Hervorgehoben wurden F. Couperin und J.
Ph. Rameau. In der Musik für Violine stechen Leclair und Viotti hervor. Was die Musik betrifft
Vokalmusik der Religion, es wurden viele Messen und Te Deums geschrieben.
En música vocal profana triunfó la ópera italiana, aunque se desarrolló
eine Ästhetik, die sich von der italienischen unterscheidet. Der große Opernkomponist wird ein Italiener sein, J. B. Lully (französisch gemacht)

der Name), der es verstand, ein sehr französisches Spektakel aus Opern zu schaffen mit
Text von den großen Literaten der Gegenwart (Molière, Corneille) mit großer Beteiligung
vom Ballett (mit viel Tradition am Hof) und mit einer Ouvertüre, die im Gegensatz zu der
Italienisch, bestand aus einem schnellen Abschnitt zwischen zwei langsamen.
Rameau versuchte, eine französische Oper zu schaffen, die näher am italienischen Stil ist,
Dies ist der Beginn einer Reihe von Auseinandersetzungen zwischen den Anhängern der beiden Stile.
die in die berühmte "Streit der Hofnarren" mündeten, die entstand, als Pergolesi
repräsentierte 1752 in Paris die buffoneske Oper „La serva padrona“.

6.3.3. Spanien
 El Imperio español inició su declive, entrando también en pobreza
musikalisch. Die instrumentale Musik setzte die orgelmäßige Schule von Cabezón mit F. fort.
Correa de Arauxo und J. B. Cabanilles, Autoren von religiöser und profaner Musik; auch
Der Padre Soler, Organist des Klosters El Escorial, schrieb Musik für das Keyboard.
Die Vihuela wird durch die Gitarre ersetzt, in der G. Sanz, Interpret und Komponist, hervorsticht.
neben Luis Briceño und Francisco Guerau.
Die religiöse polyphone Schule des Goldenen Zeitalters zog sich hin und erschwerte
und die Einführung des neuen Stils hinauszuzögern; die Schule von Montserrat, mit J. Cererols wird sein
einer seiner größten Exponenten.
So wie mit den Habsburgern Flamenco-Musiker nach Spanien kamen, so auch mit der
Die Bourbonen-Dynastie haben die Italiener geschaffen, die das neue Operngenre mitbrachten; sie
versuchte, Oper mit Texten von Lope de Vega und Calderón de la Barca zu machen, aber der Erfolg von
Die italienischen Unternehmen verhinderte den Sieg einer nationalen Oper. Dann entstand die
Zarzuela, mit fantastischen und mythologischen Handlungen (genauso wie die Oper), aber mit Teilen
gesprochen.

6.3.4. England
Ein gewisser musikalischer Rückstand im Vergleich zum Kontinent. Sein bemerkenswertester Musiker
wird deutschen Ursprungs sein: G. F. Händel, der, nachdem er in seiner Heimat begonnen hatte,
perfektionierte in Italien und wusste alles an den Geschmack des Londoner Publikums anzupassen und genoss das
Die deutsche Dynastie Hannover wurde mit Georg I. gegründet, für den bereits
ich hatte gearbeitet. Außerdem, H. Purcell zu erwähnen, Autor von Musik aller Art:
instrumental, religiös und theatral, über Texte von W. Shakespeare.
Auch hier entwickelte sich eine spezifische Theaterform, die Maskerade,
mit gesprochenen Teilen und einer aufwendigen Bühnendekoration.
In der Instrumentalmusik zeichnet sich die Musik für Tasteninstrumente aus, mit
Komponisten wie Blow und Purcell.

6.3.5. Deutschland
Die deutschen Komponisten verwenden italienische Formen und die neuen
Techniken und bringen sie zu ihrer maximalen Vollkommenheit. Von hier aus werden die zukünftigen ...
klassische Formen
Die politische Fragmentierung beeinflusste einen großen Reichtum an Orchestern von
Kamera und von kirchlichen Kapellen, die eine enorme Menge an Werken hervorgebracht haben. Das
introductor de las formas italianas fue H. Schütz. G. P. Telemann fue ya un gran
vollständig deutscher Komponist, sehr produktiver Autor in allen Genres.
Die Musik für Tasteninstrumente, mit D. Buxtehude und J. Pachelbel, blieb treu an
die polyphone Tradition, die ihren Höhepunkt in J. S. Bach fand, der es verstand, die Polyphonie zu kombinieren
mit Harmonie, sowie das Beste der französischen und italienischen Stile mit ihrem Beitrag synthetisiert
germanisch; er war ein sehr produktiver Autor, der alle Genres der Zeit bearbeitet hat mit
Ausnahme der Oper.
Was die profane Vokalmusik betrifft, entstand ein eigenes Genre.
das Singspiel, in dem es gesprochene Teile gibt.

ANEXO DE AUTORES: BACH Y HAENDEL

JUAN SEBASTIAN BACH
Er wurde am 21. März 1685 in Eisenach (Deutschland) geboren. Er ist frühwaise.
früh, da seine Mutter starb, als er 9 Jahre alt war, und ein Jahr später sein Vater.
muss er zu seinem Bruder Johann Christoph nach Ohrdruff ziehen, wo dieser war
Organist. Die musikalische Ausbildung von Bach, die von seinem Vater begonnen wurde, der ihm die Grundlagen beibrachte.
Musik und Violine, wurde von ihrem Bruder fortgesetzt, der ihr das Spielen des Clavichords beibrachte, und ihr
übertrug die erhaltenen Lehren von Pachelbel.
Mit 15 Jahren zieht er als Intern mit dem Chor nach Lüneburg (Norddeutschland).
Diese Stadt. Der Stimmwechsel zwang ihn, seinen Lebensunterhalt mit Geigenunterricht und dem Spielen zu verdienen.
Instrument bei Zeremonien, was gleichzeitig mit der Vervollkommnung seines Studiums geschah.
Nachdem diese beendet waren, trat er als Geiger in den Hof des Herzogs von Weimar ein. In dem Bestreben, sich zu verbessern,
Monate später bekommt er die Stelle als Organist in der Stadt Arnstadt. Probleme mit dem
Stadtverwaltung dieser Stadt betont die Notwendigkeit, einen neuen Job zu suchen, den er bekommt.
Als der Posten des Organisten in der Kirche von San Blas in Mühlhausen frei wurde, in dem...
Die Gemeinde heiratete kurz darauf seine Cousine Mª Bárbara Bach, mit der er sieben hatte.
Kinder, von denen drei der Musik gewidmet sind (Guillermo Friedeman – aus Halle -, Carlos
Felipe Emmanuel – aus Berlin – und Juan Godofredo Bernardo). Persönliche Probleme zwangen ihn
um diesen Posten aufzugeben und nach Weimar zurückzukehren, im Dienst des Herzogs Wilhelm Ernst als
Organist, und später auch als Konzertmeister (zweiter Direktor), eine Position, die ihm
verpflichtete dazu, jeden Monat eine neue Komposition auszuführen und die Proben der Musiker zu leiten.
Kapelle. Lerne Telemann kennen, mit dem er Freundschaft schließt. Als der Kapellmeister stirbt (erster
Direktor) und nicht für dieses Amt benannt zu werden, stellte sich sein Rücktritt dar, was am
Ihm wird dieser Posten in Köthen angeboten, mit einem deutlich höheren Gehalt. An diesem Ort wird er bleiben.
bis zum Jahr 1723, da ihm verschiedene Umstände die Situation aufdrängen, es aufzugeben,
Tatsache, dass die Stelle des Kantors der Kirche St. Thomas vakant bleibt
Leipzig, das die musikalische Ausbildung sowie die Komposition und Leitung der Musik mit sich brachte.
zwei Hauptkirchen, Santo Tomás und San Nicolás; obwohl dieses Amt administrativ war
Menor, Bach erreichte eine Vereinbarung, die ihm ein höheres Gehalt als das, das er zuvor hatte, einbrachte.
früher. In diesen 5 Jahren (1717-1722) komponiert er die 6 "Brandenburgischen Konzerte" und
die 3 "Violin-Konzerte", unter anderem. Auch stirbt seine Frau und er heiratet erneut
Heiratsantrag, ein Jahr nach der Witwenschaft, mit Ana Magdalena Wilcke.
In dieser Position als Kantor, wo ich eine geringe tägliche Arbeit hatte, außer samstags und
Die Sonntage, an denen er die Chöre leitete, werden bis zu seinem Tod, das heißt 27 Jahre, andauern. Die Tatsache, dass
Die Verfügbarkeit von Freizeit begünstigte, dass er sich der Komposition widmete, und während dieser Zeit
er erledigte den wichtigsten Teil seines Werkes. Schließlich die Übermaß an Arbeit und Hingabe an
Studium, brachen seine Gesundheit und schwächten sein Sehvermögen, was ihn dazu brachte, sich einer Doppel-
Operation mit einem dramatischen Ergebnis: er wurde blind und in einem beklagenswerten Zustand. Am 28. Juli 1750,
stirbt in seinem Haus in Leipzig an einem Schlaganfall.
Es wurden 1087 Werke katalogisiert, darunter:
a) Instrumentalmusik und Keyboardmusik
- Werke für Orgel: Konzerte, Sonaten, Präludien und Fugen, Toccaten, Choralpräludien und
variaciones corales. Entre los preludios y fugas, la más célebre es la “Tocata y fuga
in e-Moll, BWV 565.
- Werke für Cembalo: Hervorzuheben sind die 48 Präludien und Fugen aus "Das wohltemperierte Klavier", die
schrieb aus pädagogischen Gründen an seine Frau und Kinder, die ebenfalls
escribió “Invenciones” y el “Álbum de Ana Magdalena Bach”. Otras obras
wichtig sind: 6 „Englische Suiten“, 6 „Französische Suiten“, 6 „Partiten“, „Variationen
Goldberg", usw.
- Musik für Kammerorchester: die 6 „Brandenburgischen Konzerte“ und die 3
Konzerte für Violine
- Musik für Soloinstrumente: Die 3 „Sonaten“ und 3 „Partiten für Violine“ heben sich hervor
Solo", die 6 "Suiten für Violoncello solo", die 6 "Sonaten für Cembalo und Viola da gamba
Gamba
b) Chormusik und Vokalmusik. Ihre Vokalmusik ist überwiegend religiös. Hervorzuheben sind: die
„Kantaten“ (über 300), die „Passionen nach Johannes und nach Matthäus“, 5 „Messen“
 (vier Protestanten und eine Katholikin, in h-Moll), das „Weihnachtsoratorium“ und die 371
„Corales“, einfache Melodien für 4 Stimmen, mit oder ohne Orgelbegleitung im Stil
homophonisch.

GEORG FRIEDRICH HÄNDEL

Er wurde am 23. Februar 1685 in Halle (Deutschland) geboren, im selben Jahr wie Bach. Sein Vater
er sah seine musikalische Berufung nicht mit guten Augen, da er wollte, dass sie Jura studiert, was
der gleichzeitig während eines Jahres das Amt des Organisten der Kathedrale ausübte; sein
padre ya había fallecido. Transcurrido el año de compromiso adquirido con la Catedral de Halle,
er zog nach Hamburg, wo er in die Musikkreise eindrang und eintrat als
Clavecinist im Oper, geleitet von Keiser. Dort wurden seine erste und zweite Oper aufgeführt.
(„Almira“ und „Nero“), sowie das Oratorium „Die Passion nach Johannes“.
Auf Einladung von Gastón Médicis reist er 1706 nach Italien, wo er bis 1710 bleibt.
nachdem einige Opern („Rodrigo“, „Agripina“ usw.) und Oratorien („Die
„Auferstehung“, „Der Triumph der Zeit und der Enttäuschung“), in Verbindung stehen mit wichtigen
Komponisten wie Domenico Scarlatti und Corelli und einen hervorstechenden Erfolg erlangt haben, so
wie ein umfangreiches Wissen über Musik für Theater und Kammermusik.
Er kehrt aus Italien zurück, um die Stelle des Kapellmeisters am Hof von Hannover zu übernehmen.
Er unternimmt mehrere Besuche in London, wo er seine Oper "Rinaldo" uraufführt. Die theatralische Untätigkeit von
Hannover lässt ihn überlegen, sich 1712 endgültig nach London zu verlegen. Sein Prestige und Ruhm
Er war so weit gekommen, dass er den Auftrag erhielt, das "Te Deum Utrecht" und das "Jubilate Utrecht" zu komponieren.
in der Kathedrale von St. Paul gesungen, um den Frieden von Utrecht (1713) zu commemorieren. Kurz darauf
er würde seine "Wassermusik" schreiben, die im Juli 1717 uraufgeführt wurde, um die Wasser-spiele zu begleiten
feiern auf der Themse.
Im Jahr 1719 wurde er zum Direktor der Royal Academy of Music ernannt und setzte seine Erfolge fort.
Opernhaft, bis er beginnt, die Erfolge mit den Misserfolgen aufgrund der Konkurrenz abzuwechseln.
die Italiener, die Zerstreuung der Theatergesellschaft und der Erfolg, den sie mit ihren erzielte
Oratorien (vor allem "Der Messias"), was ihn dazu bringt, die Oper aufzugeben. Sein großes Oratorium "Der
„Messias“, wurde in weniger als einem Monat komponiert und in Dublin uraufgeführt; kurz darauf wurde es aufgeführt.
in London. Ein weiteres wichtiges und sehr erfolgreiches Werk wird seine „Musik für die königlichen Feuerwerke“ sein,
geschrieben zur Feier des Abschlusses des Österreichischen Erbfolgekriegs und während aufgeführt
einige Feuerwerkskörper.
Im Jahr 1751 beginnt er, blind zu werden, und am 14. April 1759 stirbt er in seinem bescheidenen Haus.
de London. Seine sterblichen Überreste wurden in der Westminster Abbey beigesetzt.
Das auffälligste Merkmal von Händel ist seine Fähigkeit, sich an die Geschmäcker anzupassen,
modas y estilos de los distintos pueblos por donde pasó; así conjugó su severa personalidad
deutsch, mit dem italienischen Operngeschick und dem majestätischen Glanz des Englischen. So ist ihr Werk
Plasma von Kraft, Theatralik, Majestät und Brillanz, die den klaren Klang und die ...
rhythmische Gerechtheit.
a) Opern- und Chormusik
- Óperas: “Julio César”, “Rodelinda”, “Ezio”, “Rinaldo”, “Orlando”, “Xerxes”
- 32 Oratorien, von denen herausragen: „Esther“, „Saúl“, „Israel in Ägypten“, „Simson“
„Judas Makkabäus“ und „Der Messias“. Unter den Profanen: „Acis und Galatea“ und „Herkules“.
- Psalmen, Motetten, Hymnen (Anthem) und kleine Kantaten für die anglikanischen Gottesdienste.
b) Instrumentalmusik
- 12 Konzert antiken (im Stil von Corelli)
- 12 Konzerte für Orgel und Orchester
- Umstände Werke: “Wassermusik” und “Musik für das königliche Feuerwerk”
- 6 Konzerte für Orgel in 3 Versionen
- 40 Suiten für Cembalo, solo oder kombiniert
 - Rund 37 Sonaten und Trios für Kammermusik, besonders für Violine.

7. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE SCHÜLER

IN DER GRUNDBILDUNG
Mittelalterliche Musik
Gregorianischer Gesang „Dies Irae“ von Tomás de Celano (13. Jahrhundert), „Kyrie fons bonitatis“
Werke der Mönche von Silos
TROVADORISCHE MUSIK
Cantigas de Santa María
ARS ANTIQUA
Ein Motette von Leonin oder Perotin
ARS NOVA
Missa de Notre Dame von Machaut
Renaissance
Monteverdi: „Madrigale“
Musik am Hof von Kastilien (15. – 16. Jahrhundert)
Spanische Musik der Renaissance
o Villancicos von Juan del Encina
o Ave María von Tomás Luis de Victoria
o Kriegerstück
Einige instrumentale Tänze
„Sonate für Klavier“ von G. Gabrielli
BAROCK
Albinoni: “Adagio en sol menor par órgano y orquesta de cuerda”
Bach
Die 6 "Brandenburgischen Konzerte"
4. Konzert für Violine und zwei Flöten, mit Orchester und Cembalo
„Passion nach Matthäus“
Toccata und Fuge in d-Moll
Musikalisches Ofrenda
Corelli: „Concerti Grossi“ oder eine Sonate
Das Kuckuck
Haendel
"Halleluja" aus "Der Messias"
„Largo“ aus „Xerxes“
Wassermusik
„Musik für die echten Feuerwerke“
Pachelbel: „Kanone“
Vivaldi: „Die vier Jahreszeiten“, Oboenkonzerte
Charpentier: „Präludium“ aus dem „Te Deum“
Purcell: „Rondó“ aus „Abdelazar oder die Rache des Mauren“
THEMA 24
GROßE PERIODEN DER GESCHICHTE DER MUSIK: DIE MUSIK IM
KLASSIZISMUS, IM ROMANTICISMUS UND IM 20. JAHRHUNDERT. MERKMALE
GENERELLES. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE STUDIERENDEN
PRIMARSTUFE.

0. EINLEITUNG: GROSSE PERIODEN DER MUSIKGESCHICHTE: DIE

MUSIK IM KLASSIZISMUS, IM ROMANTIZISMUS UND IM 20. JAHRHUNDERT.

1. DIE MUSIK IM KLASSIZISMUS

1.1. Allgemeine Merkmale des musikalischen Klassizismus
1.2. Die Instrumentalmusik: die großen musikalischen Formen
1.3. Die Vokalmusik: die Oper in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts
1.4. Die Vorläufer und die Vollendung der Wiener Schule: Haydn und Mozart
1.4.1. Klassische Schulen
1.4.2. Franz Joseph Haydn
1.4.3. Wolfgang Amadeus Mozart
1,5. Der Übergang zum Romantismus: Beethoven

2. DIE MUSIK IM ROMANTIK

2.1. Allgemeine Merkmale des musikalischen Romanticismus
2.2. Die instrumentale Musik: Musikalische Formen und repräsentativste Autoren
2.3. Der romantische Piano: Chopin, Liszt und Schumann
2.4. Die Vokalmusik: das Lied und die Oper im 19. Jahrhundert. Die Zarzuela
2.5. Die Nationalismen: Russland, Böhmen (Tschechoslowakei), Skandinavien (Norwegen und
Finnland) und Spanien
2.6. Der musikalische Impressionismus und die repräsentativsten Komponisten: Debussy und Ravel
2.7. Der Postromantismus und der deutsche Expressionismus

3. DIE MUSIK IM 20. JAHRHUNDERT

3.1. Características generales de las nuevas tendencias del siglo XX
3.2. Hauptbewegungen, Stile und musikalische Strömungen
3.3. Die Musik in Spanien und in Andalusien im 20. Jahrhundert

4. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE STUDIERENDEN

GRUNDSCHULBILDUNG
THEMA 24
GROßE PERIODEN DER GESCHICHTE DER MUSIK: DIE MUSIK IM
KLASSIZISMUS, IM ROMANTIK UND IM 20. JAHRHUNDERT. MERKMALE
ALLGEMEINES. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE SCHÜLER
GRUNDSCHULE.

0. EINLEITUNG: GROSSE PERIODEN DER GESCHICHTE DES

MUSIK: DIE MUSIK IM KLASSIZISMUS, IM ROMANTIK
UND IM 20. JAHRHUNDERT

Der Klassizismus ist die Periode, die auf den Barock folgt. Die Vorherrschaft der Form
Die Strukturierung und das instrumentale Genre sind die bestimmenden Merkmale dieses Moments.
Diese Etappe konkretisiert sich mit dem Romantismus durch einen kurzen Übergangszeitraum.
repräsentiert von Beethoven, in dem wir beginnen, die Subjektivität zu erahnen, die triumphieren wird
im zwanzigsten Jahrhundert.
Der Romanticismus, richtig gesagt, wird sich durch Ausdrucksstärke und durch die
Freiheit der Musiker beim Komponieren. Deutschland wird das hegemoniale Land sein, außer in der
Oper, wo die Dominanz italienisch sein wird.

Seit der Mitte des 19. Jahrhunderts, in peripheren Ländern, in denen der Romantismus nicht angekommen war
Das Gewicht wird zunehmen, der Nationalismus wird aufkommen und seine Wurzeln in der einheimischen populären Musik suchen.
Es wird zwei Phasen geben: die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts und die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts.
Während des letzten Drittels des 19. Jahrhunderts wird der Impressionismus in Frankreich entstehen, der versuchen wird
jugar con el “color musical” y crear verdaderas atmósferas sonoras. Ello lo conseguirán
die traditionelle Harmonie aufgebend und nicht-westliche Skalen verwendend.

En la primera década del siglo XX, en Alemania y Austria nacerá el Expresioniamo

musikalisch, verbunden mit der bildenden Kunst und der Literatur. Seine Absicht wird es sein, die harte Realität zu zeigen.
Schaffend beim Zuhörer angsteinflößende Gefühle. Die expressionistische Musik wird die Tonalität leugnen, durch
was auch als atonal bezeichnet wird.
Diese Suche, zusammen mit dem Bruitismus, wird die Musik allmählich von der
Gesellschaft. Gegen diesen Trend wird der Neoklassizismus in Frankreich und die nützliche Musik aufkommen.
Deutschland.
Zuletzt hat es seit dem Zweiten Weltkrieg verschiedene Musikstile gegeben.
gekennzeichnet durch die Nutzung von Lärm, die Missachtung von Harmonie und den Einsatz von Ressourcen
Techniker.

Angesichts all dieser Versuche, entfernt von der Gesellschaft, hat nur der Jazz es geschafft, eine
cierta aproximación manteniendo una elevada calidad técnica e interpretativa.

1. DIE MUSIK IM KLASIZISMUS

 1.1. ALLGEMEINE MERKMALE DES MUSIKALISCHEN KLASSIZISMUS
Klassizismus: Zeitraum zwischen der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts und dem Anfang
des 19. Jahrhunderts. Es sind die Jahre des Übergangs von der Neuzeit zur modernen Epoche. Die
Die Philosophie der Aufklärung wird tiefgreifende Umwälzungen in allen Bereichen mit sich bringen. Künstlerisch
Es sind die Jahre des Neoklassizismus, in denen die Künstler erneut das Diktat der Vernunft suchen werden.
und die ideale Schönheit. Aber in der Musik bedeutet es keine Referenz zur klassischen greco-lateinischen Kultur.
Im Vergleich zum musikalischen, ornamentalen und übertriebenen Barock ist der Klassizismus
stellt ein Gleichgewicht, Ordnung, Klarheit und kalten Akademizismus dar. Neben Autoren wie David, Ingres,
Winckelmann oder Cánova, mit ähnlichen Gedanken aber unterschiedlichen Mitteln, werden Haydn und
Mozart. Die Autoren werden sich für künstlerische Ausdrucksformen interessieren, die die Idee von ...
formale Perfektion. Deshalb wird der musikalische Klassizismus durch das Überwiegen von der
strukturierte Form.
Es gibt mehrere Daten, die als Referenz genommen werden, um die
Beendigung des Barock und Beginn des Klassizismus. Eine davon ist der Tod von Bach.
(1750). Außerdem, ziehe die Veröffentlichung des Tratats der Harmonie von Rameau (1750) in Betracht, wo sich
ersetzt die kontrapunktische Konstruktion des Barock und öffnet einen freien Weg zur Auffassung
vorzugsweise melodisch. Gevaert datiert sie auf 1760, ein Jahr, in dem wichtige
instrumentale Transformationen im Orchester, die seinen Verlauf beeinflussen werden, und das Auftreten von
das große Sinfonieorchester.

Der Absolutismus hat in den aufgeklärten Despotismus mündet: die Könige und ihre
Ministerien führen Verbesserungen in der Kultur und den Künsten ein, während sie die soziale Situation aufrechterhalten.
des alten Regimes. Die Monarchen und die großen Herren besitzen Instrumentensets und
Schützen Sie die Komponisten, während das Publikum der Konzertliebhaber wächst (das
beginnen bereits öffentlich zu werden), was die Nachfrage nach Musikern erhöht.
Die Komponisten versuchen, das Publikum zu erreichen, eine Aristokratie, die um ...
seine Privilegien und eine bereicherte Bourgeoisie aufrechtzuerhalten, mit einer Musik, die sich zeigen will
elegant und angenehm für alle, weshalb eine äußerlich einfache Methodik erfolgreich ist, aber die
verbirgt eine rationale Arbeit, die mit der Philosophie des Augenblicks übereinstimmt, geprägt von Normen
komplexe.
Instrumentalmusik triumphiert und das profane Genre setzt sich über das durch.
religiös, das Ergebnis der laizistischen Mentalität der Aufklärung.

Die grundlegenden Merkmale des musikalischen Klassizismus sind die folgenden:

1. Ordnung und Klarheit der Ideen, die eine allgemeine Vereinfachung von Strukturen erzeugt,
Texturen und Techniken.
2. In den melodischen, tonalen und harmonischen Aspekten anmerken:
In Bezug auf die Melodie: Ihr Merkmal ist die Klarheit und melodische Einfachheit.
durch die Erstellung kürzerer, regelmäßiger und quadratischer Melodien als in
der Barock. Die melodischen Ideen sind mit ihren Dividierungen gestaltet und
Unterteilungen, unterstrichen von klaren und präzisen Rhythmen. Das bringt einen Rhythmus mit sich.
einfach und regelmäßig, mit einer großen rhythmischen Quadratur, mit kontrastierenden Pausen dazwischen
Themen und Melodien.
In Bezug auf die Tonalität: Sie konzentriert sich auf die bimodale Tonalität, ohne Chromatik.
In Bezug auf die Harmonie: Dominanz der vertikalen Harmonie über den Kontrapunkt
horizontal. Die Polyphonie wird durch den homophonen Stil der begleiteten Melodie ersetzt,
wo die funktionell und bestimmt angeordneten Akkorde erzeugen und dienen von
Unterstützung der melodischen Idee. Es ist eine transparente Harmonie, basierend auf einfachen Akkorden.
wo die Dissonanzen zufriedenstellend gelöst werden. Die Verschwindung hervorheben der
 Basso continuo, das vollständige harmonische Schreiben durchführend. Stattdessen wird der Bass verwendet.
Alberti.
3. Die musikalische Form verfeinert sich. Die Themen und ihre harmonischen Begleitungen, unterworfen
a Transformationen und Entwicklungen, geben einen musikalischen Diskurs von einer Kohärenz und Einheit, die
Selten hat es in der Geschichte der westlichen Musik existiert; das heißt, es präsentiert eine
estructura clara y transparente. Se busca la simetría formal.
La forma esencial del Clasicismo es la “Forma Sonata” con sus derivados: Sinfonía,
Quartett, Trio und Konzert. Ebenso verschwinden die Suite, der organische Choral, die
antike Kantate und Sonate, und entwickelt sich das "Concerto grosso" zum klassischen Konzert mit einem
Soloinstrument, und die alte Ouvertüre, gibt Ursprung zur Sinfonie.
4. Predominanz der instrumentalen Musik über die vokale. Es werden die Grundlagen der modernen Musik geschaffen.
Orchestrierung, indem ihm eine konstitutive Formel bereitgestellt wird, die als grundlegend betrachtet werden würde für
der „Sinfonismus“ und eine neue klangliche Ästhetik, die sich in der besonderen Aufmerksamkeit manifestiert, die
es eignet sich für klangliche Kombinationen, wobei die Farbigkeit und Klangfülle jedes einzelnen berücksichtigt wird
Instrument
Die Regeln für die orchestralen Effekte und die expressiven Kontraste werden festgelegt, wie zum Beispiel
crescendo und diminuendo. Das Orchester wird größer und erweitert sich durch die Einbeziehung neuer
timbres. También aparece el piano, que desbancaría a los demás instrumentos de teclado.
5. Die Musik wird sich rhythmisch und harmonisch bedeuten; jede Bewegung wird präsentieren ein
einzigartiger Rhythmus, ohne Veränderungen und seine Harmonie wird grundsätzlich tonal sein (I-V-I).
6. Empieza a desarrollarse el virtuosismo instrumental, que alcanzará su punto culminante en
der Romanticismus

1.2. DIE INSTRUMENTALMUSIK: DIE GROSSEN MUSIKFORMEN

Im Jahr 1740 gründet die berühmte Schule der deutschen Stadt Mannheim eine
Orchester, die als die beste ihrer Zeit gilt, die als Modell für das klassische Orchester dienen wird, und
mit leichten Modifikationen, von den späteren. Dort wurden die Regeln der "Formen" festgelegt.
klassischen" und es wurden die Normen der orchestralen Effekte festgelegt.
Die Anzahl der Orchesterkomponenten (zu Bachs Zeiten 20 und etwa 30
Vor dem Dargelegten wird es zu 60. Die übliche Zusammensetzung war die folgende:
a) Streichgruppe: 1. und 2. Violinen, Bratschen, Cellos und Kontrabässe
b) Wind: Flöte (1), Oboen (2), Fagotte; und später Klarinetten, Posaunen,
fagot, contrafagot, trompas (2) y trompetas (casos concretos)
c) Die Perkussion beschränkte sich auf zwei Pauken

Ein wichtiges Tasteninstrument wird zu Beginn dieses Jahrhunderts erfunden werden.

als Antwort auf die Notwendigkeit, den Klang und den Ausdruck zu erhöhen, die das Clavichord nicht bot:
das Klavier, Tastentastung, mit geschlagenen Saiten, in der Lage, die Lautstärke durch die
unterschiedlicher Druck, den die Finger auf die Tasten ausüben. Vom Italiener Bartolomeo gebaut
Cristofori en 1709, y perfeccionado con apagadores y pedales.
Unter den Komponisten der Mannheimer Schule ist Johann Stamitz zu nennen,
Schöpfer der Prinzipien der Schule, sein Sohn Karl Stamitz, Franz Xavier Reichter und Christian
Cannabich.

Die großen musikalischen Formen, die sich in diesem Zeitraum entwickeln werden, werden
ser la Sonata clásica, la Sinfonía, el Concierto clásico y la Música de Cámara (ver Tema 5,
Seiten 77, 78, 79-3, jeweils für jede der Formen.
In Bezug auf die klassische Sonate ist zu sagen, dass Carlos Felipe Manuel Bach, der zweite Sohn von
Johann Sebastian Bach wird als sein Schöpfer angesehen. Seine Theorie: "Der Zuhörer, nach
Um mehrere Themen zu hören, muss er sie variieren, um die Monotonie zu vermeiden; dennoch,
Er muss sofort wieder hören, was er am Anfang gehört hat." Auf diese Weise entsteht die Sonate.
Ternaria oder die „Sonatenform“ (Exposition, Entwicklung und Wiederexposition). Er komponierte einige
70 para clave in einem sehr harmonischen und galanten Stil, im Gegensatz zum fugenartigen Stil seines
padre. También compuso 52 conciertos, 22 pasiones, cantatas, 2 oratorios, sinfonías, etc.
Die Sonate ist für ein einzelnes Instrument oder für ein kleines Ensemble.
Forma – Sonate
Exposition: präsentiert zwei Themen: eines energisch, in der Grundtonart, und ein anderes mehr.
melodisch in der Tonart der Dominante.

Einführung Tema A Brücke Thema B

(optional) (I) (modulante) (Nachbar-Ton)

Entwicklung: Es wird ein "Kampf" zwischen den beiden Themen etabliert; nachdem jedes
Einer von ihnen beschäftigt sich mit seinen jeweiligen Motiven, der Autor erstellt eine thematische Arbeit entsprechend
mit den Gesetzen der Harmonie. Es herrscht ein Klima harmonischer Spannung.
A B A B A
Reexposition: Das Klima der harmonischen Anspannung löst sich, wenn die Themen erneut gehört werden.
Initialen, stimmen beide in der Grundtonart, um ein größeres Gefühl von
Reposo. Manchmal wird eine Coda hinzugefügt.

Thema A Brücke Thema B Coda

(Ich) (I)

Im Hinblick auf die Sinfonie, die ihren Ursprung in der Ouvertüre hat, auf die sie angewendet wird.
Sonatenform, Mitte des 18. Jahrhunderts, muss hervorgehoben werden, dass sie dank der ...
Anstrengungen von Komponisten: In Italien, Sammartini; in Deutschland, die Mannheimer Schule
y Stamitz, der sein Hauptanstoßgeber war (45 Sinfonien, die bereits die Sinfonie von 4 verwendete
Bewegungen, das 1. in Sonatenform). In Deutschland auch die Söhne von J. S. Bach:
Carlos Felipe Manuel, Wilhem Friedeman und Juan Cristian. In Frankreich sticht Gossec hervor.
Autor mehrerer Symphonien, die den Richtlinien der Mannheimer Schule folgen. Eine
Eine Sinfonie ist in Wirklichkeit eine Sonate, die von einem klassischen Orchester interpretiert wird.
In Bezug auf das klassische Konzert, das Mitte des 18. Jahrhunderts ersetzt wird
„Concerto grosso“, verwendet die Struktur der „Sonatenform“. Die Soloinstrumente
más frecuentes suelen ser el violín y el piano. La transición del concierto barroco al
Klassik ist ebenso den Kindern von J. S. Bach zu verdanken. Die großen Komponisten
spätere, Haydn, Mozart und Beethoven werden diese musikalische Form zu ihrem Höhepunkt bringen
Esplendor. In Wirklichkeit ist dieses Konzert eine Sonate für Orchester und einen oder mehrere Solisten.
In Bezug auf die Kammermusik kann man sagen, dass sie ebenfalls die "Sonatenform" übernehmen.
Das Streichquartett tritt mit 3 Sätzen ins Rampenlicht. Hervorzuheben sind die 83.
Haydn-Quartette, 26 von Mozart und 16 von Beethoven, sowie die vom ...
italiano afincado en Madrid, Luigi Bocherini. Igualmente se escriben dúos (sobre todo
für Klavier und Geige), Trios, Quintette usw., für verschiedene Kombinationen von
Instrumente. Andere freiere musikalische Formen sind das Divertimento, die Serenade und die
Kasation. Sie weisen eine Struktur auf, die eher der modernen Suite als der Sonate ähnelt.
 Es gibt auch unzählige Klaviersonaten. Besonders hervorzuheben sind die Italiener: Pietro
Domenico Paradisi und Muzio Clementi, der Spanier Padre Antonio Soler und der Deutsche Juan
Bautista Cramer.

- Struktur der klassischen Formen im Allgemeinen -

Um diesen Punkt abzuschließen, werden wir die Zusammensetzung des Orchesters kommentieren.
klassisch
Cuerda: 10 violines 1º, 10 violines 2º, 8 violas, 6 chelos y 4 contrabajos
Holz-Bläser: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten und 2 Fagotte
Viento-Metall: 2 Trompeten, eventuell die Trompeten
Percusión: eventuell, die Pauken.

1.3. DIE GESANGSMUSIK: DIE OPER IN DER ZWEITEN HÄLFTE DES JAHRHUNDERTS
XVIII
In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts werden ebenfalls neue Formen erscheinen.
Opernarten: die Opera buffa in Italien; die komische Oper in Frankreich; und das Singspiel in Deutschland.
Zeitgleich mit diesen Neuerungen tritt die Figur Gluck auf, die die Reform der
Oper, die die Grundlage für die neue tragische Oper legte, die sich im 19. Jahrhundert perfektionieren sollte.

Die opera buffa

Es entwickelte sich parallel zur Opernserie. Die Natürlichkeit des Dialogs strahlte.
Frische der Musik, und die behandelten Situationen entsprangen dem Alltag, von den Straßen,
Die Tavernen usw. mehr nach dem Geschmack des bürgerlichen Publikums. Die ersten waren eine Karikatur der Oper.
seria, bis Vinci und Pergolesi sie in leichte Komödien verwandelten. Im Jahr 1750 wurde die Opera buffa
hat sich so weit verbreitet wie die ernste Oper, in drei Akten und mit anspruchsvollerer Musik; ihre
Das Thema blieb seinen volkstümlichen Wurzeln treu.
Komponisten: Giovanni Paisiello, mit seinem Meisterwerk "Der Barbier von Sevilla" und
Domenico Cimarosa, mit seinem Werk "Die heimliche Ehe".

Die komische Oper

Die Franzosen schufen die komische Oper, zu der Rousseau beitrug, indem er seine ...
basierend auf seiner kleinen Komödie „Le Devín du village“. Unterschied zur Oper buffa: nein
besitze den kraftvollen grundlegenden Realismus des bufo Geistes, erklärbar, da wenn dasjenige
stammte aus dem Schoß der höfischen Tradition, verwurzelt in der „Commedia dell’arte“, dies
inspiriert, sie zu idealisieren, im Leben der Unterwelt.
 Komponisten: François Philidor, Pierre Monsigny und André Modeste Grétry,
Belgier geboren in Lüttich, der als "Molière der Musik" und "französischer Pergolesi" bezeichnet wird, mit seinen Werken
„Die beiden Geizigen“ und vor allem „Richard Löwenherz“.

Das Singspiel
Es ist ein Musical-Drama, das leichte gesprochene Dialoge enthält, mehr
sentimental sondern komisch, da die unschuldigen und natürlichen Gefühle des Ausdruck finden.
ein einfaches Volk und die niedrige Bourgeoisie.
Vertreter: Johann Adam Hiller und Johann Zumsteeg. Aber ihre Blütezeit erreichte sie
alcanza a través de Mozart, con “El rapto en el serrallo” y “La flauta mágica”. Pero hay que
sagen, dass Mozart meisterhaft die beiden Strömungen vereinte: die ernste Oper und die komische Oper.

Die Opernreform von Gluck

Gluck wird der französischen Oper ihre dramatische Funktion zurückgeben, die verloren gegangen war.
verloren gehend, wichtige Innovationen beitragend, die in der traditionellen Oper produziert wurden, anpassend
die neuen Techniken der Mannheimer Schule sowie die Durchführung der Anpassung und
dramatische Kohärenz zwischen Musik und Text, wobei die Musik und der Text der Handlung untergeordnet werden
dramatisch. Ebenso schlägt er vor, die Akte auf drei oder höchstens vier zu reduzieren. Seine Opern:
“Orfeo”, “Alceste” “Ifigenia in Aulide”, “Armida” e “Ifigenia in Tauride”.

Hinsichtlich Spanien sind die Komponisten José Nebra, Antonio Literes, Domingo
Terradellas folgt der italienischen Linie und synchronisiert sie mit den Zarzuelas, die verloren sind während der
erste Hälfte des Jahrhunderts, wird wiedergeboren. Im Gegensatz zu den ersten, die sich nur von der
Oper, da sie gesprochene Teile hat, sind die Themen und die Musik jetzt populärer.
Gusto des Publikums des Moments. Hervorstechend in der Zarzuela ist Antonio Rodríguez de Hita mit “La
Briseida" und "Die Mähderinnen von Vallecas"; Pablo Esteve mit "Die Ährenleserin".
Es entsteht auch ein weiteres, beliebteres spanisches Genre: die Szene-Tonadilla, die
Attacke auf die sozialen Klassen. Sie sind sehr kurz und beinhalteten populäre Lieder und Tänze.
spanische (seguiriyas, boleros usw.) und sogar koloniale, wie Habaneras, Tangos und Guajiras.

1.4. LOS PRECURSORES Y LA PLENITUD DE LA ESCUELA VIENESA:

HAYDN UND MOZART
4.1.1. Klassische Schulen
Die Präludien des neuen Stils stammen etwa aus dem Jahr 1740 und treten auf
verschiedene Orte in Europa, die schließlich in Wien zusammenlaufen.
Unter den Musikern und den Schulen, die den neuen Stil einleiteten, können wir
zitieren als:
CP.E. Bach. Der dritte Sohn von J.S. Bach. Ihm verdanken wir das Konzept der Opposition.
Themenbereich (haben wir schon früher gesehen).
J.C. Bach. Der jüngste Sohn von J.S. Bach. Er schrieb sehr melodische Musik und
leicht, nach dem Geschmack des Publikums in London.
D. Scarlatti. Sohn des Opernkomponisten A. Scarlatti kam nach der Hochzeit an den spanischen Hof.
von Bárbara de Braganza mit Fernando VI und modernisierte die alte Tastenakademie von
Cabezón. Er komponierte Sonaten für Cembalo, in denen wir Rhythmen entdecken können.
castañuelas und Zupfen der Gitarre. Dank ihm gab es wieder in Spanien eine
Instrumentalschule. Ergebnis: die Figur des Padre Soler. Sehr eng mit dem Hof verbunden seit
dass er Mönch von El Escorial wurde, schrieb er viele religiöse Musik und Sonaten für
Schlüssel. Wenn Padre Soler der große Tastenmusiker unseres Klassizismus ist, dann Fernando Sors
es wird die Gitarre sein.
Boccherini. Italienischer Herkunft, verbunden mit dem spanischen Hof, als er in den Dienst trat von
Infant D. Luis. Spezialist für Kammermusik.
Mannheimer Schule. In dieser deutschen Schule wurde ein Orchestermodell geschaffen, das
Sie werden die späteren kopieren. Die Musiker teilten sich, das Holz und das Metall bereicherten sich.
ebenso wie die Percussion, die eine entscheidende Rolle im rhythmischen Aspekt spielen wird.
Schule von Berlin. Es wurde viel am Kunstlied gearbeitet, gefördert durch Friedrich den
Groß.
Wiener Schule. Österreich und seine Wiener Schule setzte sich über die anderen hinweg und sammelte das
Italienischer Methodismus, zusammen mit der Orchestererfahrung in Mannheim und sich verwandelnd in
das Hauptzentrum der klassischen Musik. Vertreter: F.J. Haydn, W.A. Mozart und L.V.
Beethoven.

1.4.2. Franz Joseph Haydn

Er wurde am 31. März 1732 in Rohrau, östlich von Wien, geboren. Sein Vater,
Musikliebhaber, sang bei den liturgischen Aufführungen und spielte die Harfe. Als er sich...
cuenta de las cualidades musicales de su hijo, lo envió a un pariente, maestro de escuela
und von der Chorgemeinschaft, von Hamburg. Dort wird er von Reutter, dem Kapellmeister, entdeckt.
Stephansdom in Wien, wo er fast 10 Jahre lang als Sänger tätig war, bis
der Stimmenwechsel. Er beschließt, in Wien zu bleiben, wo er gezwungen ist, sich durchzuschlagen
die Orgel in den Kirchen spielend, Einzelunterricht gebend, usw. Später, dank
a Metastasio, entrará al servicio de Incola Porpora, con quien estudió composición. Las
Empfehlungen und ihre Zusammensetzungen erleichterten ihm die Erlangung der Position des Direktors.
musical der privaten Orchester des Grafen Morzin. Ein Jahr später (1760) heiratete er
María Anna Séller, die während ihres gesamten Lebens ein ständiges Problem wurde, bis
die starb (1800), da sie dominant, verschwenderisch und grundlos großzügig war.
Die wirtschaftlichen Schwierigkeiten des Grafen Morzin zwangen ihn, die
Orchester, kein Problem für Haydn, da er am 1. Mai 1761 in den Dienst trat.
von Prinz Paul Esterházy in Eisenstadt, und als dieser noch im selben Jahr starb, zu seinem
Bruder Nicolás José, dessen Dienst er 28 Jahre lang stand. Während dieser Zeit von
Stabilität, ist wo er einen großen Teil seines Werkes durchführen wird, da er über die
Natur gleichzeitig komponierte. In den ersten 20 Jahren komponierte er 71 Sinfonien,
Streichquartette usw. Sein Ruhm verbreitete sich über ganz Europa, vor allem nach London und
Paris, wo er gefordert wird, sodass er in den letzten Jahren mehr für die ...
Anfragen und Aufträge aus Wien, London und Paris, die für denselben Prinzen bestimmt sind. Nach dem Tod des
Der Prinz, sein Nachfolger, wenig an Musik interessiert, ermöglichte es Haydn, einen Vertrag anzunehmen.
de Salomón, deutscher Geiger, der in London ansässig ist. So groß war der Triumph in London, dass
wurde mit dem Titel "Honoris Causa" von der Universität Oxford ausgezeichnet, wo sich
interpretó su sinfonía nº 92, llamada “Sinfonía Oxford”. De regreso a Viena, conoce a un
junger L. Van Beethoven. 1794 kehrt er nach London zurück, wo er die Sinfonien Nr. 99 und
100 „Militar“, und 6 Quartette für Streicher.
Zurück in Wien, schreibt er "Die sieben Worte Christi", beauftragt von
eine gaditanische Bruderschaft, die 1785 in Cádiz gegründet wurde, und "Die Stationen". Auch
komponiere eine Hymne an den Kaiser "Gott erhalte Franz den Kaiser" als Antwort auf die
Eindruck, den die englische Nationalhymne „God Save the King“ hinterlassen hat, Nationalhymne
österreichisch und später, 1922, in der deutschen Nationalhymne.
Müde, datieren seine letzten Werke aus dem Jahr 1802. Er starb 1809 in Wien.
Die genaue Anzahl der Werke kann nicht genau angegeben werden. Ungefähr:
Sinfonías: más de 100. Sobresalen: nº 6 “Le matin”, nº 7 “Le midi”, nº 8 “Le
Abend", Nr. 31 "Der Ruf der Trompete", Nr. 44 "Begräbnis", Nr. 45 "Die Abschiede", Nr.
 {"49":"„Die Leidenschaft“","85":"„Die Königin“","92":"„Oxford“","100":"„Militär“","101":"„Das“"}
Uhr”, Nr. 104 “London”
Konzerte: 6 für Violoncello, 9 für Violine, 20 für Klavier und mehrere für Flöte,
Oboe, Trompete, Trompete usw., jeweils.
Kammermusik: Trios, Streichquartette, Klaviersonaten, für Violine,
für Cembalo, usw.
Oratorios: “La Creación”, “Las estaciones” y “El retorno de Tobías”
Opern: von geringer Bedeutung und kurzer Dauer: "Der Apotheker", "Armida, das
Welt des Mondes”, “Filemón und Baucis”, usw.
Religiöse Musik: Verschiedene Messen, „Die heilige Messe“, die „Trommelmesse“, die „Messe
de Nelson”, die “Messe von Teresa”, die “Schöpfungsmisse” und die “Messe von der
Armonie"; 2 "Te Deum", "Stabat mater", "Die sieben Worte Christi", usw.

1.4.3. Wolfgang Amadeus Mozart

Er wurde am 27. Januar 1756 in Salzburg geboren; er ist das siebte Kind von
Leopoldo Mozart, erster Musiker des Kapitels und Geigenmeister, Instrument über dem
der ein wichtiges "Essay über die Methode für Violine" schrieb.
Von ihren 7 Kindern überleben nur zwei: ihre Tochter Ana Mª, genannt "Nannerl".
exzellenter Pianist, der seine Karriere aufgab, um zu heiraten, und der Benjamin, Wolfgang
Amadeus.
Wolfgang hatte bereits im Alter von 6 Jahren Miniaturen, Menuette und
kleine Lieder. Dieses wundersame Talent, das von W. A. gezeigt wurde, ließ Fantastisches verwirklichen.
Projekte an seinen Vater, der plant, Europa zu bereisen, um dieses Genie auszustellen und
seinen musikalischen Karriere aufgeben. Er hat sein erstes Probeläuten in München und Wien.
Erntet sowohl W. A. als auch seine Schwester verherrlichende Erfolge.
Dieser Sieg wird sie dazu bringen, eine Serie von 7 Reisen durch verschiedene zu beginnen.
wichtige deutsche Städte zuerst, und dann Belgien, Frankreich, England, Holland,
Schweiz und Italien, wo der Komponist mit Johann Christian Bach, Haydn, in Beziehung steht.
Sammartini usw. In Brüssel, seine 1. Sonate für Cembalo (er war 7 Jahre alt). In London
komponiert 6 Sonaten für Violine. Dort lernt er Juan Christian Bach kennen. 1767 reist er weniger.
und widmet sich dem Komponieren und dem Vertiefen im Violin- und Cembalospiel. Im selben Jahr reist er nach
Viena und Kaiser Joseph II. beauftragten eine Oper "La finta semplice" und akzeptierten nicht
que hubiera sido compuesta por un niño de 11 años, y se la atribuían a su padre.
Im Jahr 1770, in Italien, komponiert er sein erstes Streichquartett und einige
Opern. Später wird er seine Auslandsreisen mit seinem Wohnsitz abwechseln.
zwischen Salzburg und Wien.
1780 zieht er nach München und komponiert die Oper „Idomeneo, König von
"Creta" auf Auftrag. Begeistert vom Erfolg und satt von der unerträglichen Unterwerfung zum
Erzbischoff von Salzburg verlässt diese Stadt und lässt sich in Wien nieder, wo
wird bis zu seinem Tod bleiben. Dort heiratet er Constanza Weber, die Schwester
de Eloísa Weber. Sie hatte zwei Kinder: Carlos, der in Mailand als Angestellter arbeitete, und
Wolfgang, mittelmäßiger Musiker und Komponist.
Während dieses Zeitraums wird W. A. eine wichtige Intensität entwickeln.
Schöpferin und wird ihre wichtigsten Werke schreiben: Opern, "Die Hochzeit des Figaro", "Don
Juan", "Die Zauberflöte", etc.; Symphonien, "Haffner", "Prag", "Jupiter", etc.; Konzerte
Für Violine, für Klavier, für Flöte usw.; Streichquartette usw.
Schließlich starb er mit 35 Jahren in Wien, in Armut und wurde in einer
gemeinsame Grablege. Er war dabei, sein berühmtes "Requiem" zu komponieren, das unvollendet blieb.
Mozart komponierte eine Anzahl wichtiger Werke und berührte fast alle die
Genres, und die Fähigkeit zur Assimilation der verschiedenen Musikstile nachweisend,
 ein Faktum, das sich in seinen Kompositionen zeigte, wo er es verstand, die Erfahrungen zu synthetisieren von
sus viajes y su relación con los grandes compositores de su época. Destacamos:
Sinfonien: mindestens 41. Hervorheben: Nr. 35 „Haffner“, Nr. 38 „Praga“, Nr. 39 „Mi
B-Dur, Nr. 40 „e-Moll“ und Nr. 41 „Jupiter“
Konzerte: 29 für Klavier und Orchester, 8 für Violine und Orchester, 3 für Flöte, 6
1 für Trompete, 1 für Klarinette, 1 für Oboe, 1 für Violine und Viola, 17 Sonaten für
Orgel und Orchester, usw.
Kammermusik: 7 Quintette, 23 Quartette, 35 Sonaten für Violine und Klavier, 2
Duo für Streicher, 2 Trios für Streicher, usw. Außerdem 11 Serenaden, 2 Casationen, 79
Minuetten, 23 Divertimenti, usw.
Chorwerke: 4 Kantaten, 1 Oratorium und 2 Chöre
Óperas: al menos 22. Destacamos: “bastian y Basiana”, “Idomeneo, rey de
["Kreta","Die Entführung aus dem Serail","Die Hochzeit des Figaro","Don Juan","So machen's die Alten"]
alle”; “Die Zauberflöte”, und “Die Milde des Titus”
Religiöse Musik: 15 Messen, insbesondere die "Krönungsmesse" und
religiöse Kompositionen, darunter können wir das "Ave Verum" und das
Requiem

[Link] ÜBERGANG ZUM ROMANTIZISMUS: BEETHOVEN

El tránsito del período clásico (2ª mitad siglo XVIII) al período romántico (XIX),
Was die Musik betrifft, wird sie von Beethoven durchgeführt werden.
Die Französische Revolution wird sich auf die Künste auswirken und Veränderungen hervorrufen
Stile und eine freiere, persönlichere Interpretation. In der Malerei Goya; in der Literatur Goethe,
Zeitgenossen von Beethoven.
Die neuen ästhetischen Ziele werden vor allem auf dem basieren
Gefühl und Ausdruck. Die künstlerischen Schöpfungen werden individueller und umfangreicher sein.
Schöpferische Freiheit; die Öffentlichkeit ist zahlreicher als der Hof, der Palast oder die Kirche. Alles dies
Der Geist des Wandels wird im deutschen literarischen Movement „Sturm und Drang“ verkörpert.
die die wichtigsten Vertreter der deutschen Preromantik beherbergen wird, und die
wird sich in allen Künsten widerspiegeln.

Ludwig van Beethoven

Er wurde am 16. Dezember 1770 in Bonn (Deutschland) geboren. Seine musikalischen Anfänge,
gezwungen, macht er das mit seinem Vater, der grob und trinkfreudig ist. Bald muss man nach ihm suchen.
andere Meister. 1783 wird er zum Cembalisten der Kapelle des Kurfürsten ernannt und sticht hervor in
Die Kunst der Improvisation. 1787 reiste er nach Wien, wo er Mozart trifft. Fünf Jahre später
Fija dort seinen Wohnsitz (1792). Dort wird er Unterricht bei Haydn erhalten. Die ersten Jahre in Wien waren
glücklich, da er sowohl als angesehener Pianist anerkannt war. Er wird geschützt werden von
wichtige aristokratische Familien.
Aber ab 1796, als die ersten Symptome seiner Taubheit auftauchen, die
kontinuierliche Enttäuschungen in Liebesangelegenheiten und die Ärgernisse, die ihm seine beiden Brüder bereiteten,
Sie wurden zu einer zurückgezogenen und schweigsamen Person.
Im Jahr 1808 stand er kurz davor, Wien zu verlassen, da der König von Westfalen ihn
bot den Posten des Kapellmeisters in Kassel an; dennoch war die aristokratische Gesellschaft in Wien,
Angesichts der Angst, ihn zu verlieren, sicherte er ihm eine lebenslange jährliche Rente zu. 1816 hatte sich seine Taubheit ...
erhöht und er muss anfangen, Hefte zu verwenden, um sich zu verstehen. Im folgenden Jahr sein
Die Gesundheit beginnt sich zu verschlechtern, obwohl sie weiterhin komponiert, so dass das Jahr 1823 endet mit der
„Gran Misa Solemnis“ und 1824 die „Neunte Symphonie“.
 Schließlich verschlechterte es sich. 1826 leidet er an einer Erkältung, die die Ärzte diagnostizieren.
wie eine Hydropsie, weshalb er vier Operationen erleidet und am 26. März 1827 stirbt.

Musikalische Merkmale von Beethoven:

Verwende den harmonischen Stil, im Gegensatz zum kontrapunktischen.
Einfache Melodien, aber große thematische Entwicklung
Ihre Werke spiegeln ihre inneren Gefühle wider.
Entwickle die Möglichkeiten des Pianos bis zum Maximum
Gibt den klassischen Formen eine persönliche Note: bewahrt ihre Struktur, fügt aber hinzu
eigene Elemente
Stelle das Orchester auf: füge Schlagzeug, Posaunen und andere in der Holzbläsergruppe hinzu: Kontrabässe und
Flautín

Verschiedene Autoren unterscheiden drei Phasen in Beethovens Schaffen:

1) Klassik (1795-1801). Es ist eine Nachahmung von Haydn und Mozart. Werke: die ersten 6.
Quartette, die ersten 10 Klaviersonaten und die 1. Sinfonie.
2) Zeitraum der Durchführung oder Übergang (1801-1815). Es ist eine Analyse der Vergangenheit und ein Blick nach vorne.
Zukunft. Es hat keinen Sinn, den Weg weiterzugehen, den Mozart und Haydn bereits erreicht hatten.
Perfektion; es werden andere Alternativen auf dem Weg der Musik als Ausdruck in Betracht gezogen.
Ideen und Gefühle. Werke: von der 3. Sinfonie (Eroica) bis zur 8., der Sonate Nr. 28
für Klavier und die Oper „Fidelio“.
3) Zeitraum der Kontemplation (1816-1827). In diesem Zeitraum verstärken sich die Innovationen, ihr
Inspiration ist freier und ungehinderter. Werke: von der Klaviersonate Nr. 28 bis zur 32.
5 últimos Cuartetos, la “Misa Solemnis” y la “Novena Sinfonía”.
Auflistung seiner bedeutendsten Werke:
Sinfonías: 9. Resaltamos: la 3ª “Heroica”, 5ª “en do menor”, 6ª “Pastoral”, y la 9ª
„Koralle“ (Ode an die Freude)
Konzerte: 5 für Klavier und Orchester, ein Konzert für Violine und Orchester, dreifaches Konzert
für Klavier, Violine, Violoncello und Orchester.
Kammermusik: 17 Streichquartette, 10 Sonaten für Violine und Klavier, 5 für Violoncello und
Klavier, 13 Trios und das berühmte Septett
Musik für Klavier: 32 Sonaten für Klavier und verschiedene Klavierwerke: Variationen,
Bagatellen, Rondos, Romanzen, usw.
Opern: “Fidelio”
Oratorien: "Christus am Ölberg"
Religiöse Musik: „Missa Solemnis“

2. DIE MUSIK IM ROMANTIK

2.1. ALLGEMEINE MERKMALE DES MUSIKALISCHEN ROMANTIKS

Der musikalische Romanticismus erstreckt sich ungefähr von 1815 bis
1880. Es gibt Autoren, die von drei Phasen des Romanticismus sprechen:
- Erster Romanticismus: 1815-1848 (revolutionär)
- Zweiter Romanticismus: 1848-1880 (bürgerlich)
- Postromantik: 1880-1910
Der Romanticismus ist eine Alternative zu dem Gleichgewicht, das der Klassizismus verlangt.
es führte zu einer Stagnation. Die individuelle Erhöhung wird positiv für die Entwicklung sein
Kunst und wird die Grundlagen für zukünftige Innovationen des späten 19. und des 20. Jahrhunderts legen.
 Die Musik gilt als die "romantischste" der Künste aufgrund ihres Grades von
Abstraktion und aufgrund ihrer großen Fähigkeit, ihre expressive Ladung zu vermitteln und zu fassen.
Komponisten, Dirigenten und Interpreten werden zu wahren Idolen des Publikums, das kommt
zu den Konzerten, um neue Empfindungen und Gefühle zu erleben.

{"Características (según Subirá y Casanovas):":"Merkmale (laut Subirà und Casanovas):"}

Entdeckung der Intimität des Künstlers als Quelle von Gefühlen und Emotionen, die
können musikalisch ausgedrückt werden, was die Vorherrschaft der Formen bestimmen wird
kurze Klavierstücke. Diese gleiche Einstellung zeigt sich im Lied.
Nutzung der Möglichkeit, Musik als Ausdruck von Ideen und literarischen Konzepten zu verwenden.
philosophisch und poetisch, die uns zum symphonischen Gedicht führt.
Bewertung der folkloristischen und populären Tradition (es werden "musikalische Nationalismen" entstehen)
und auch von der Flucht vor der Realität in exotische Länder (des Ostens) und von der
„remota“ Spanien, das in Mode kommt.
Fortschritt des Orchesters und seiner Instrumente, sowohl aus technischer Sicht
wie aus den Klang- und Timbre-Kombinationen, die auch die Anzahl der erhöht.
Komponenten. Die häufigste Musik wird die instrumentale sein.
Tiefgreifende Änderungen in der Technik und in der Musiktheorie, die in die
Musikalischer Impressionismus zuerst, und in den heterodoxen Innovationen der Musik,
vanguardistischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts, danach.

Die klanglichen Elemente, die die musikalische Sprache hervorrufen, werden ebenfalls erfahren
durch romantische Musik eine wesentliche Transformation:
-Rhythmus: Es werden neue Formeln experimentiert, indem Werte und metrische Einheiten kombiniert werden.
komplex, unter Verwendung der extremen Zeiten und dem Tempo rubato
-Lautstärke: Es wird ein breites Spektrum an Intensitäten entwickelt, von der am meisten
ohrenbetäubend laut, bis hin zum sanftesten pianissimo
-Timbre: Es wird eine auffällige Erweiterung der instrumentalen Klangfarbe aufgrund von
einerseits zur Entwicklung der Instrumentaltechnik und andererseits zur größeren Vielfalt der
Blasinstrumente
-Skala der Klänge: Es wird sowohl auf höhere als auch tiefere Klänge erweitert;
Erhöhe die Nutzung von chromatischen Klängen
-Melodische Linie: im Vergleich zur Klassik die Ruhe- oder Haltpunkte oder
Trennungen sind weniger präzise. Die Melodie ist das wichtigste Element, das übernimmt
alle Arten von Zeichen
-Harmonie: Eine autonomere Nutzung der Akkorde entwickelt sich, eine Erweiterung von
Die Akkorde in Bezug auf klangliche Elemente, größere Beteiligung an der Dissonanz,
Eingliederung der chromatischen Klänge in den harmonischen Block und die Möglichkeit der Ressource wird geschaffen
von jedem modulativen Prozess
-Textura: compleja y densa.

2.2. DIE INSTRUMENTALMUSIK: MUSIKFORMEN UND AUTOREN MEHR

REPRÄSENTATIVEN
Im Vergleich zum Klassizismus wird man im Romantismus mehr beobachten
Sorge dafür, die Inspiration und die ausdrucksvolle Emotionalität zu vermitteln, die durch die äußere Form.
estrukturell. In dieser Hinsicht können wir zwei Muster in der Herkunft der Innovationen unterscheiden.
von den Musikformen, die sich während der Romantik entwickeln:
1) Die Ableitungen des Transformationsprozesses der klassischen Sonate mit ihren
Instrumentalprognosen: Obwohl sie anfangs dem klassischen Schema folgen, geht es weiter.
 eine geringere Steifheit der klassischen Struktur zu beobachten und sie an den Antrieb anzupassen
Schöpfer jedes Werks; das heißt, seine Struktur zu flexibilisieren.
2) Die aus neuen Formen stammen, das heißt, neue romantische Formen. Ihr
Die Struktur besteht aus einer einzigen Bewegung, als Ergebnis der Aglutination der
drei (Exposition, Entwicklung und Wiederexposition), die in Form einer Sonate entwickelt werden.
Je nach Umfang können wir zwei Arten unterscheiden:
a) Kurze Formen: das Lied, sehr kultiviert, das als Basis für die
neue Auffassungen seiner Musik. Andere kurze Formen: Romanze,
Präludium, Nocturne (für Klavier, von intimem und melancholischem Charakter)
intermezzo, improvisiert (improvisiertes Stück), Rhapsodie (auch
improvisierte inspiriert von populären Themen), Bagatelle, Ballade, Fantasy,
Studium (verfolgt und ermöglicht eine gewisse technische Verwirklichung), Laune,
musikalisches Moment, usw.
b) Große Formen: Das sinfonische Gedicht, der große Beitrag des
Romantismus in der Orchesterkomposition. Besteht aus einem einzigen Satz, von
freie Form, in der ohne Worte ein Thema oder eine Idee entwickelt wird, deren
Argument stammt aus einem literarischen Text. Diese Terminologie wird zugeschrieben
ein Liszt.

Der Virtualismus wird an Bedeutung gewinnen, vor allem mit Klavier und Geige.
Diese Bewegung wird weiterhin ihren Schwerpunkt in den Ländern des germanischen Raums haben.
(außer der italienischen Oper), obwohl das Conservatoire de Paris der Ort sein wird, an dem sie sich verewigen.
die Komponisten und wo die Neuheiten und die "Musikmoden" markiert sind.
Im Folgenden werden die romantischen Autoren nach Ländern gruppiert.

DEUTSCHLAND
Félix Mendelssohn. Obwohl sie von Sentimentalität gefärbt sind, spiegeln seine Werke eine Meisterschaft wider.
in allen Genres, mit Ausnahme der Oper, die er kaum pflegte, und einem meisterhaften Beherrschung
in der Vollziehung der instrumentalen Farbenpracht. Werke: 5 Sinfonien, 2 Klavierkonzerte,
Ouvertüren („Der Traum einer Sommernacht“), Klavierstücke, 2 Oratorien usw.
Robert Schumann. Die Ausdruckskraft seines poetischen Empfindens und die Originalität hervorheben
seinen Stil. Werke: 4 Sinfonien (Nr. 1 „Der Frühling“, Nr. 3 „Rheinische“), 145 Lieder, Konzerte
für Klavier, zahlreiche Werke für Klavier, usw.
Johannes Brahms. In seiner sinfonischen Musik lässt er sich von Beethoven inspirieren. Werke: 4 Sinfonien, 2
Konzerte für Klavier, 1 für Geige, 1 für Geige und Violoncello, Kammermusik,
rund 300 Lieder, zahlreiche Klavierwerke (vor allem seine berühmtesten
„Ungarische Tänze“. Man muss auf sein berühmtes „Wiegenlied“ hinweisen
op. 49.
Otros autores son: Weber y Wagner.

ÖSTERREICH
Franz Schubert. Er ist der genialste Schöpfer und Vertreter des Liedes, einem Genre, in dem
erreicht die Perfektion dank der engen Beziehung, die er zwischen der Musik und dem
Texte. Werke: etwa 60 Lieder (hervorzuheben sind die Zyklen "Die schöne Müllerin" und "Reise
im Winter"), 9 Sinfonien, 15 Opern, die Musik von "Rosamunda", 15 Streichquartette,
das berühmte Quintett mit Klavier "Die Forelle", mehrere Sonaten und zahlreiche Stücke für
Klavier, Messen, Chormusik usw.
Antón Bruckner. Er trat als Organist hervor. In seiner instrumentalen Musik kann man
sowohl den Einfluss von Beethoven als auch den von Wagner zu schätzen. Werke: 9 Sinfonien, 1
 Streichquintett, Kirchenmusik (hervorzuheben die "Missa Solemnis", 1 "Te Deum", 1
„Requiem“, 1 „Magnificat“, usw.), usw.

FRANKREICH
Héctor Berlioz. Gepriesen als der "Vater der modernen Instrumentierung". Sein scharfer Intuition
Beim Auswählen der Klänge und dem tiefen Wissen über die Instrumente machte ihn das zu dem
erster Meister der romantischen Symphonie. Er schrieb ein "Handbuch der Instrumentation und von
Orchestrierung. Brillant war die Uraufführung seines berühmten "Requiem", an der folgende Personen beteiligt waren:
8 Timbales, 4 Orchestern ergänzende mit Blechblasinstrumenten, 180 Instrumentalisten und
600 voces. Obras: “Sinfonía fantástica”, “Sinfonía Harold en Italia”, los oratorios “La
»Die Verdammnis des Faust« und »Die Kindheit Christi«, Opern, usw.
César Franck. Obwohl er in Belgien geboren wurde, entwickelte er sich musikalisch in Paris und ist
innerhalb der französischen Musik angesehen. Er hob sich als Organist hervor und schrieb die meisten
wichtige Werke für dieses Instrument aus dem gesamten 19. Jahrhundert. Werke: eine große Anzahl von
religiöse Musik, die Oratorien "Die Erlösung" und "Die Seligpreisungen", "Variation
symphonische" für Klavier und Orchester, "Sinfonie in D-Dur", "Sonate in A" für Violine und
Klavier, usw.
Camille Saint-Saëns. Dieser Komponist nimmt weiterhin die Autoren als Referenz.
Klassiker, obwohl mit einer realistischen Anpassung. Werke: die Oper „Simson und Delila“, Gedichte
sinfónicos wie „Die Totentanz“, 3 Sinfonien, 5 Klavierkonzerte, 3 für Violine,
2 für Violoncello usw. Außerdem muss die "zoologische Fantasie" der Suite "Der
Karneval der Tiere
Georges Bizet. Er gilt als der unbestrittene Meister des französischen Operntheaters.
aufgrund seiner melodischen und harmonischen Fülle. Obwohl er vor allem ein Komponist von
Opern, komponierte auch andere instrumentale Werke. Werke: Opern "Carmen"
“Pescadores de perlas”, etc., “Sinfonía en do”, las dos suites orquestales “La Arlesiana”,
la Suite de 12 piezas para dos pianos “Juego de niños”, etc.
Weitere Autoren sind: Eduardo Lalo, Julio Massenet und bereits im Postromantizismus und in
Die Übergangszeit zur Musik des 20. Jahrhunderts, Emmanuel Chabrier („Rhapsodie
española”), Gabriel Fauré, Paul Dukas (poema sinfónico “El aprendiz de brujo”), etc.

2.3. DER ROMANTISCHE PIANO: CHOPIN, LISZT UND SCHUMANN

Die technischen Verbesserungen, die am Klavier vorgenommen werden, sind wichtig und
entscheidend, da dieser über eine vergleichbare und leistungsstarke Klangqualität verfügt und ebenso,
Proliferieren so viele Kompositionen für dieses Instrument, dass das 19. Jahrhundert als "das
„Jahrhundert des Klaviers“. Die Verbesserungen waren folgende:
- die Mechanik der Hämmer (Stein) wurde perfektioniert
- Der aufrechte Klavier, das kleinere Modell (Streicher), wurde gebaut.
- 1822 wurde der Mechanismus der Doppelverflüchtigung oder Wiederholung erfunden, bestehend aus
in dem die Schlägel, nachdem sie die Saite geschlagen haben, an ihren Platz zurückkehren und nicht
Sie löschen das Seil (Errad)
- Es wird das System der Kreuzung der Saiten und der Dämpfung angewendet.
(Steinway)
Auch der Einfluss und der Wert großer Pädagogen tragen zu seinem Erfolg bei.
Instrumente: Muzio Clementi, der als der wahre Gründer der modernen Schule gilt.
Pianistik, Bertini, Dussek, usw.
 Zu den großen Komponisten, die Musik für Klavier schreiben, gehören:
Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Chopin, Liszt, etc. Hablemos de los
dass wir noch nicht gesprochen haben.
Friedrich Chopin. Polnischer Komponist und Pianist, seine professionelle Karriere entwickelt sich in
Paris. Er verbrachte eine Zeit auf Mallorca, genas von der Krankheit, die ihn schließlich beenden würde.
mit ihm (Tuberkulose), wo er die meisten seiner "Präludien" schrieb. Merkmal
Allgemeines zu seinem Werk: der kommunikative und lyrische Sinn, der der romantischen Musik eigen ist. Unter
seine Werke: 2 Konzerte für Piano und Orchester, 3 Sonaten für Piano, Etüden, Préludes
mazurkas, polonesas, valses, scherzos, baladas y nocturnos.
Franz Liszt. Ungarischer Komponist und Pianist, zog nach Wien, wo er studierte mit
Czerny und Salieri, und später ging er nach Paris. Er war Orchesterdirigent in Weimar und
er nutzte diese Zeit, um zahlreiche Werke zu komponieren. Er war Beschützer und Verteidiger von
Wagner, mit dem eine seiner Töchter (Cósima) verheiratet war. Hervorzuheben ist, dass er der Schöpfer des
„symphonisches Gedicht“, eine musikalische Form, die dem Romanticismus eigen ist und der Schöpfer der Moderne
Technik der pianistischen Interpretation (er war ein bekannter Virtuose). Werke:
a) für Klavier: Sonaten, ungarische Rhapsodien, Studien, Präludien usw.; 2
Konzert für Klavier und Orchester
b) orchestral: die Präludien (symphonisches Poem), "Symphonie von Faust", das
Oratorien "Christus" und die "Legende von Santa Elisabeth", Messen, Requiem,
usw.

2.4. DIE GESANGSMUSIK: DAS LIED UND DIE OPER IM 19. JAHRHUNDERT.
ZARZUELA
Das romantische Lied ist ein Gesang für Stimme mit Begleitung.
allgemein pianistisch, in dem Text und Musik im Zweck vereint sind, die Gemüter zu erheben
passionierte. Ihre Herkunft liegt in deutschen Gedichten mit Gesang, die ihren Höhepunkt im
16. Jahrhundert, das im 17. Jahrhundert verfiel und Ende des 18. Jahrhunderts dank wieder auflebte
Dichter wie Goethe, Heine oder Schiller.
Das prärömantische Lied war strophisch, aber Schubert bereichert es und schafft das Lied.
elaboriert (andere Musik für andere Texte), die es dem Komponisten ermöglicht, sich anzupassen in jedem
Strophe zum Gedanken des Poeten.
Komponisten Lieder: Beethoven, Loewe, Weber, aber vor allem Schubert und
Schumann.

Die romantische Oper. Die Oper wird ein weit verbreitetes Genre sein.
während der Romantik. Dazu trug die Tatsache bei, dass die Theateraufführungen
sehr geeignete Verfahren zur Ausdruck der romantischen Prinzipien. Die Entwicklung von
Die Oper wird ihre größte Bedeutung hauptsächlich in Italien, Deutschland und Frankreich erlangen.
Merkmale der Oper in Italien:
- weniger ausgeprägter vokaler Virtuosismus als in früheren Zeiten; eine gewisse Oberflächlichkeit,
obwohl sie mit Frische und Jugendlichkeit ausgestattet ist, bis Verdi.
Allmähliche Aneignung der Bedeutung des Chores, was auch auf die angewendet werden kann
Orchester
- Progressiver Abandon der mythologischen und historischen Themen zugunsten von Themen
realistisch
Komponisten der italienischen Oper:
Rossini. Fortsetzer des "bel canto", dem er einen universellen Rang verleiht durch
von seinen komischen Werken zuerst und von seinen ernsten Werken danach.
 Donizetti und Bellini. Sie passten die Gesangslinie an den Text und die dramatische Intention an und legten damit
die Grundlagen des italienischen Melodramas.
Verdi. Höchster Vertreter der italienischen Oper: „Nabucco“, „Rigoletto“, „La
„Traviatta“, „El trovador“, „Aida“ und „Otello“, unter anderem. Ihre Merkmale sind:
1) Die Behandlung der Chöre, die an Bedeutung gewinnen und untergeordnet sind zu
die Aktion
2) La distribución más coherente de arias y recitados
3) Die rechtzeitige und angemessene Nutzung des Orchesters, um orchestral zu unterstreichen
bestimmte Momente des Werkes.
Die letzte Phase von Verdis Leben fällt mit dem Auftreten eines
dramatisch-musikalische Strömung namens „Verismo“, die darauf abzielt, einen Realismus zu beschreiben
Zielsetzung unter Berücksichtigung sogar des täglichen Lebens. In diesem Strömung heben sich hervor
Leoncavallo, Mascagni und Puccini.
Mit dem Tod von Puccini wird die veristische Strömung aufgegeben und man wird ein wenig ...
künstlich und ohne neue Referenzmodelle zu finden, denen man folgen kann.

Merkmale der Oper in Deutschland:

Die Uraufführung der Oper "Fidelio" von Beethoven (1805) wurde als die
Beginn der romantischen Oper, aufgrund des Ausdrucks, in der romantischen Linie, von menschlichen Eigenschaften
de Leonora, die sich als Mann mit dem Namen Fidelio verkleidet, um ihren Geliebten zu befreien. Aber sie geht
Es wird Weber sein, der die deutsche romantische Oper entwickeln wird.
Wagner. Bringt die deutsche Oper zu ihrem höchsten Glanz. Führt eine wichtige Durchführung durch.
Renovierung der Oper
Wagner betrachtet die Oper als eine Synthese aller Künste, eine
Manifestation des integralen Theaters, bei der alle Künste zusammenkommen
2) Das Orchester im Graben kommentiert die Einstellungen der Charaktere.
3) Zunahme der Blasinstrumente: Wagner-Tuben und Hörner, die verwendet werden
alle seine Ausdruckskraft
4) Nutze einen breiten melodischen Einsatz: Verfahren, das als "Melodie" bezeichnet wird.
unendlich
5) Weisen Sie der musikalischen Rede eine klangliche Substanz zu, die durch den Text angeregt wird und
agglutiniert durch das "Leitmotiv", die klangliche Idee, die jede dramatische Situation definiert.
Das "Leitmotiv" evokiert eine Figur oder eine bestimmte seelische Situation.
Óperas: “Rienzi”, “El buque fantasma”, “Tannhäuser”, “Lohengrin”, “Tristán e isolda”,
„Die Meistersinger von Nürnberg“, die Tetralogie „Der Ring des Nibelungen“: „Das Rheingold“
“La Walkyria”, “Sigfrido” y “El ocaso de los dioses”, y finalmente “Parsifal”.

Eigenschaften der Oper in Frankreich:

Gegen Mitte des Jahrhunderts gibt es zwei Strömungen: auf der einen Seite die Oper
Lyrik, und auf der anderen Seite die Operette, eine Fortsetzung der komischen Oper, deren Schöpfer war
Offenbach. Andere Vertreter sind:
Lyrische Oper: Berlios, Gounod, Bizet, Massenet und Saint-Saëns
de Operette: Offenbach, Delibes, etc.

Merkmale der Oper in Spanien:

In Spanien wird die italienische Oper gelebt, und sie wird in den Theatern aufgeführt,
despreciando la escasa producción nacional. Con todo, la idea de crear una ópera nacional no se
verwerflich, und so versuchen es Joaquín Romualdo Gaztambide, Juan Emilio Arrieta mit 'Marina',
Tomás Bretón mit "Die Liebenden von Teruel" und Ruperto Chapí mit "Die Hexe".
In dieser Situation wird die vergessene Zarzuela durch den Anstoß von neuem zum Leben erweckt
Francisco Asenjo Barbieri, der ihm eine Struktur von 3 oder 4 Akten verleiht. Unter seinen Werken: "Mitspielen mit
["Feuer","Der Barbier von Lavapiés","Brot und Stiere"]
Dieses Genre hatte tatsächlich Erfolg, da es die Eigenheiten des Volkes spiegelte.
Im Gegensatz zur dreisätzigen Zarzuela, der "großen Zarzuela", erscheinen die Einakter und von
beliebtesten Themen, das "kleine Genre". Die Komponisten waren dieselben wie die von der
Zarzuela grande: Manuel Fernández Caballero, „Die alte Dame“, „Riesen und Zwerge“; Federico
Chueca, „Die Gran Vía“, „Wasser, Zuckerl und Schnaps“; Ruperto CAPII, „Die Aufständische“, „Der
rey que rabió"; Tomás Breton, "Die Verbena von der Taube"; Jerónimo Jiménez, "Die Hochzeit von Luis
Alonso”, “La tempranica”.
Bereits im 20. Jahrhundert: José Serrano, "Das Lied der Vergessenheit", "Seele Gottes", "Die
Dolorosa"; Amadeo Vives, "Doña Francisquita" und "Bohemios"; José Mª Usandizaga, "Die
golondrinas"; Jesús Guridi, "El caserío", Federio Moreno Torroba, "Luisa Fernanda"; Pablo
Sorozábal, „La del manojo de rosas“, „Katiuska“.

2.5. DIE NATIONALISMEN: RUSSLAND, BÖHMEN (TSCHECHOSLOWAKEI)

SKANDINAVIEN (NORWEGEN UND FINNLAND) UND SPANIEN
Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts war die Musik in Frankreich zentralisiert worden.
Italien und die germanischen Länder; der Rest der Länder, mit Ausnahme punktueller Ausnahmen in Spanien und
Inglaterra, estaban supeditados a esos países. En estas circunstancias surge, en pleno siglo XIX,
eine Strömung innerhalb des Romanticismus, die "Nationalismus" genannt wird, die eine Reihe von
Länder mit geringer musikalischer Tradition an der Spitze der musikalischen Schaffung.
Definition: Nationalismus ist "die musikalische Strömung, die darauf abzielt, zu bewerten und
„das hervorheben des Charakteristischen eines Landes“ (Zamacois); oder „das Bewusstsein für die eigenen
valores, liberarse del servilismo de la música extranjera y buscar las expresiones musicales en
ihre eigenen Folklore" (Mariano Pérez). Strenger definiert, muss man darauf hinweisen, dass man nicht
Es handelt sich um eine genau abgegrenzte Bewegung, daher werden wir die Merkmale festlegen.
die ihn definieren:
Surge en pleno Romanticismo y otorga al individuo la primacía que paulatinamente se
convertirá en un despertar de los conceptos de temperamento, raza o nación
Es wird die Verwendung von populärer Folkloremusik angenommen, die Grundlage für einen großen Teil der
geschriebene Werke
Entsteht in Ländern, die über kaum oder keine eigenen musikalischen Hintergründe verfügen.
Zusammenfassend: „Es ist eine natürliche Entwicklung der romantischen Bewegung und des Wachstums von
Die Demokratie, die durch die Oper zum Ausdruck gebracht wurde, die die Sprache des Eigenen verwendete
Land, denn der Romantismus und die Demokratie begünstigten die Beschreibung von Charakteren,
Länder und Personen aus geografisch abgegrenzten Bereichen, die im Allgemeinen mit übereinstimmten
die Nationen

DER RUSSISCHE NATIONALISMUS

Der erste Komponist, der die nationalistischen Bestrebungen Russlands aufgreift, ist Michail.
Glinka, der die russische Sprache einführt und patriotische Opern wie "Das Leben" schreibt
durch den Zar" und "Ruslan und Ludmilla". Sein Schüler Alexander Dargomizsky wird als Brücke dienen.
mit der berühmten Gruppe "die Fünf", bestehend aus: Borodin, César Cui, Balakirev, Mussorgsky und
Rimsky-Korsakow
Alexander Borodin. Teil des russischen Volkserbes. Sein bekanntestes Werk ist die Oper.
inconclusa „Der Prinz Igor“, fertiggestellt von Rimsky
 César Cui. Französischer Herkunft, hob sich nicht als Komponist hervor, aber er war der Sprecher
ideologisch, propagandistisch und Historiker der Gruppe.
Mily Balakirev. Er war der Theoretiker. Werke: „Russland“, „Tamara“ und seine Fantasie für Klavier
Islamey
Modest Mussorgski. Genannt der "Patriarch des Impressionismus", da seine
características personales de conjugar una armonía fugaz, o el cambio de la melodía o el
Geräusch bestimmter Instrumente, um ein Bild, eine Figur oder eine Idee auszudrücken, wird
Einfluss auf die französischen Impressionisten und die spätere russische Musik. Werke: “Bilder von
eine Ausstellung" (für Klavier und von Ravel orchestriert), und "Eine Nacht auf dem Monte
Pelado.
Nicolás Rimsky Korsakoff. Der technischste im Gruppe. In seinen Werken spiegeln sich seine
umfassendes Wissen über die Orchestrierung und ihre Fähigkeit, den Reichtum zu nutzen
tímbrica de los instrumentos. Escribió un tratado de orquestación y otro de armonía. Su
„Praktischer Vertrag und Harmonie“ wurde ins Spanische übersetzt. Werke: die beliebte Suite
„Sherezade“, die Orchesterfantasie „Capricho español“, die Bühnenwerke „Sadko“, „Die
Zarewna", "Der goldene Hahn", usw.

Parallel zu dieser Bewegung gibt es in Russland Komponisten mit größeren Perspektiven

Universalisten und die diesen Drang nach Folklore in den Hintergrund stellen. Unter ihnen: Antón
Rubinstein, Piotr Tschaikovsky, Alexander Glazunov, Sergei Rachmaninow, Alexander Skriabin.
Peter Ilyich Tschaikovsky. In seinem Werk ist er im romantischen Sinfonismus verwurzelt.
Sentimentalismus und Pathos. Werke: die Ballette „Der Schwanensee“, „Die Schöne“
durmiente” und “Nussknacker”, 10 Opern, 6 Sinfonien (die Nr. 6 “Pathétique”), und andere Werke
berühmt wie "Italienischer Spaß" und die Ouvertüre "1812".
Sergei Rachmaninow. Großer Pianist, verband Lyrik mit Sentimentalität.
Tchaikovskiano. Werke: 2 Sinfonien, 2 Klavierkonzerte und Orchester, die Serie von
Variationen „Rhapsodie über ein Thema von Paganini“, usw.

DER BÖHMISCHE NATIONALISMUS (TSCHECHOSLOWAKEI)

Der böhmische Nationalismus entwickelt sich in Prag, einer Stadt mit großer Tradition.
Musical. Der erste Komponist wird Bedrich Smetana sein, dessen Werke sich durch Themen auszeichnen.
patriotisch. Werke: die komische Oper "Die verkaufte Braut" und 6 symphonische Gedichte mit dem Titel "Mein
patria”. Sein Nachfolger ist Anton Dvorak, der in seinen Werken den Geist und die Atmosphäre des tschechischen Volkes ausdrückt.
Werke: seine 9 Sinfonien, und vor allem die 9. mit dem Titel „Sinfonie der Neuen Welt“.

DERUNGARISCHE NATIONALISMUS
In Ungarn wird eine äußerst wichtige Arbeit zur Sammlung von
die gesamte populäre Musik des Landes. Diese Arbeit verdankt sich drei Musikern. Bela Vikar, begann seine Aufgabe 6
Jahre bevor die beiden nächsten, die populäre Musik aus dem ganzen Land und sogar von
Die angrenzenden ländlichen Gebiete Rumäniens und der Slowakei. Diese waren Bela Bartok und Zoltan Kodaly.

DER SKANDINAVISCHE NATIONALISMUS

a) In Norwegen, zuerst den Geiger Olef Bull zu nennen, der das durchführt
Entdeckung der eigenen Folklore. Aber Edward Grieg ist der wichtigste: er schafft
seine Kompositionen, die auf den norwegischen Volksliedern basieren. Werke: sein
célebre ópera “Peer Gynt”, “Danzas noruegas”, “Concierto para piano y orquesta”,
usw.
b) In Finnland, das bis 1917 von Russland abhängig war, wird Jean Sibelius haben seine
Hauptvertreter und der beste Komponist seiner gesamten Geschichte. Werke: das Gedicht
symphonisch „Finnlandia“ (die verboten wurde), 7 Sinfonien und sein berühmter „Trauermarsch“.
DER SPANISCHE NATIONALISMUS
Felipe Pedrell. Impulsor. Er wird die Grundlagen des spanischen Nationalismus schaffen, indem er ein
sehr wichtige Arbeit der Sammlung und Forschung über den Volksglauben. Ihm verdankt man
die Wiederentdeckung und Herausgabe der Werke von Komponisten des Goldenen Zeitalters, Sammlung
von dem gesamten spanischen Liederschatz in einem Werk von 4 Bänden: "Volksliedersammlung"
Spanisch
Isaac Albéniz. Er entwickelt sein Leben im Ausland und verbindet sich mit den herausragendsten.
Komponisten, dennoch sind ihre Werke von nationalistischen Einflüssen durchdrungen.
„Iberia“, ihr bekanntestes Werk, bestehend aus 12 Kompositionen und gruppiert in 4
Hefte. Auch ihr Bühnenwerk „Pepita Jiménez“, unter anderem.
Enrique Granados. Er konzentriert sich auf sein Werk im Madrid des 19. Jahrhunderts. Hervorzuheben ist "Goyescas".
„Spanische Tänze für Klavier“ und „Tonadillas“.
Bereits im 20. Jahrhundert sind Manuel de Falla und Joaquín Turina hervorzuheben.
Manuel de Falla. Gaditano, gilt als der universellste hispanische Komponist.
Sein Werk umfasst mehrere Strömungen und Stile: Nationalismus, "Sieben Volkslieder"
„Vier spanische Stücke“, die Oper „La vida breve“; Impressionismus, „Nächte in den
Gärten Spaniens”; andalusische Phase, “Die verzauberte Liebe”, “Der Dreispitz”
„Béticos Fantasien“; und kastilische Phase, „Der Tafelaufsatz von Maese Pedro“.
Joaquín Turina. Geboren in Sevilla, obwohl er sich am andalusischen Folkore orientierte,
supo transferirle un lirismo tal, que queda difuminado lo puramente folklórico und seine
Werke erwerben Universalismus. Werke: „Die Prozession von Rocío“, „Sevillanische Sinfonie“
{"Danzas fantásticas":"Fantastische Tänze","Oración del torero":"Gebet des Toreros"}

Andere Komponisten sind: in der Comunidad Valenciana Oscar Esplá, Sinfonie

„Aitana“. Im Baskenland, J. Guridi, Autor der Oper „Amaya“ und der Zarzuela „El caserío“, und
der Padre Donosita, großer Folklorist und Autor einer erneuerten religiösen Sprache. In Kastilien, C. Del
Campo, mit "Kastilischer Fantasie". In Katalonien, E. Toldrá mit der Oper "Der Wind des Mai".
Antonio Massana mit dem Oratorium „Motserrat“ und der Oper „Canigó“. Auch P. Casals, genial
Celista, dessen wichtiges Werk das Oratorium „Der Stall“ ist.

DER AMERIKANISCHE NATIONALISMUS

Amerika wird nun in den Musikgeschichte-Überblick eintreten. Obwohl nicht
Wir können von einem Nationalismus sprechen, es gibt ein Interesse daran, Musik zu komponieren.
speziell amerikanisch, da bis dahin aus Europa importiert wurde.

Im Norden entwickelte sich eine Art Musik, in der wir entdecken können
Einflüsse des Jazz von der europäischen Sinfonik. Sein bedeutendster Vertreter war G.
Gershwin con Rapsodie in Blue, Ein Amerikaner in Paris und Porgy und Bess, erste Oper mit
Charaktere in Farbe und mit einem wesentlichen jazzistischen Thema.

In Südamerika muss man zu den beiden genannten Einflüssen den des Reichen hinzufügen.
einheimischer Folklore. Die Ergebnisse sind in jedem Land sehr unterschiedlich, aber vielleicht ist der Autor, der war
Am bekanntesten in Europa ist der Brasilianer H. Villalobos.

2.6. DER MUSIKALISCHE IMPRESIONISMUS Y COMPOSITORES MEHR

REPRESENTATIVES: DEBUSSY UND RAVEL
Der Begriff stammt aus der Malerei. Er geht auf den französischen Maler Claude Monet zurück, der
In Paris wurde ein Gemälde mit dem Titel „Impression–Sonnenaufgang“ ausgestellt.
 Die These der Maler war, dass Farbe nicht für sich allein existiert, sondern dass sie in
unsere Retina, wo sie sich bildet. Auf der Grundlage dieses Prinzips betrachten impressionistische Musiker
was wichtig ist, ist die Farbigkeit oder Klanglichkeit jedes Akkords an sich, ohne dass die ... wichtig sind.
Kollisionen oder Dissonanzen. Unser Ohr ist dafür zuständig, diese Akkorde und Klänge zu verschmelzen.
Impressionistische Musik suggeriert Gedanken und Emotionen, ohne die Natur zu beschreiben oder zu imitieren. Es ist
subjektive Musik. Der gleiche Debussy verwendete den Begriff "Impressionismus" in Bezug auf eine Auffassung
von schneller, totaler und dauerhafter Besitz der musikalischen Emotion.
Debussy nannte die Merkmale der impressionistischen Musik:
- mehrdeutige Harmonien
- unangekündigte Dissonantakkorde
- ungewisse Intervalle, freies Tonsystem
- Die Musik ist weder größer noch kleiner, sondern beides.
- Die tonalen Funktionen dehnen sich aus
- revolutionäre Behandlung der Melodie, die fragmentiert erscheint, aber
was leicht erkennbar ist
- Änderungen in den formalen Strukturen
Die Hauptvertreter dieser Bewegung sind: Debussy und Ravel
Claude Debussy. Er begann seine musikalische Tätigkeit, beeinflusst von Wagner und von
Mussorgsky, um deren Liberalisierung später zu erwerben. Er führt ein Konzept ein
de Harmonie, in der der Akkord als unabhängige Einheit erscheint, ohne Bindung an
Die in den klassischen Normen festgelegten Verkettungsregeln. Beinhaltet "Dissoziation".
harmonisch, ähnlich dem Prozess der Farbzerlegung, der in der Malerei entwickelt wurde. Nicht
Obstante, in seinen letzten Kompositionen wurde sein Stil nüchterner und man beobachtet ein
Rückkehr zu den klassischen Formen. Hervorheben seines Beitrags zur Klaviertechnik durch ein
neues Konzept der Nutzung des Pedals, auf der Suche nach neuen Klangkontrasten. Werke:
oPara Orchester: „Das Meer“, „Präludium zu einem Faun“, die Suite „Iberia“, usw.
Oper: „Pelléas“ und „Melisande“
Kammermusik: Streichquartett und Sonaten für verschiedene Instrumente
oMusik für Klavier: „Estampas“, „Suite Bergamas“, „Imágenes“, „Children’s
Ecke", die beiden Sammlungen von Preludios "Die versunkene Kathedrale" und "Das Mädchen von
die leinenen Haare, usw.
Maurice Ravel. Größer als Debussy, obwohl er oft mit ihm in Verbindung gebracht wird, hatte er seine eigene
Persönlichkeit und musikalischer Einfluss. Sein Impressionismus ist heller, härter und weniger
sentimental. In mehreren Werken ist spanische Inspiration zu beobachten. Seine bekanntesten Werke:
„Spanische Rhapsodie“, „Der Walzer“, „Daphnis und Chloe“, „Meine Mutter die Gans“, sein zahlreiches Werk
für Klavier (“Pavana für eine verstorbene Infantin”, “Sonatine”, “Das Grab von Couperin”),
Drei Lieder aus Don Quijote an Dulcinea für Bariton und Orchester, usw.

Diese Zeit gehört den französischen Komponisten Gabriel Fauré.

(wichtige pianistische Werke und sein berühmtes „Requiem“) und Erick Satie, auf die wir bereits hingewiesen hatten
referencia.

2.6. DER POSTROMANTIZISMUS UND DER DEUTSCHE EXPRESSIONISMUS

In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts folgte die deutsche Musik der großen Tradition
symphonisch, insbesondere von Brahms und Wagner, weshalb oft von einem
Postromantizismus, von dem Wien weiterhin das Zentrum war. Es wird die formale Perfektion angestrebt.
Brahms und die Grandiosität von Wagner, durch Programme, die nicht mehr beschreibend sind,
narrativ, usw., sondern von ideologischem Charakter, wobei die Musik als Fahne zu verwenden beginnt
philosophische der verschiedenen materialistischen Strömungen der Gegenwart.

Der Postromantik wird direkt in den Expressionismus münden, wo nicht

Er flieht nicht vor der Realität, wie es die Romantiker taten, sondern der Komponist dringt in sie ein.
um uns die dramatische und angespannte Situation zu bieten, die der Mensch in den Jahren vor der ...
Krieg. Die Form, der Klang, alles wird verzerrt, um das, was kommuniziert werden soll, zu verstärken.

Im Postromantismus finden wir große Symphoniker, aber von

sehr unterschiedliche und sogar in gewisser Weise gegensätzliche Stile, wie sie G. Mahler und R. Strauss sind.
Während der zweite, deutsche, die letzte Kette des romantischen Idealismus darstellt, Mahler,
österreichisch, spiegelt das historische Umfeld seines Landes wider, bevor der Erste Weltkrieg ausbrach, in ein paar
Werke durchdrungen vom Pessimismus Schopenhauers. Er war ein anerkannter Regisseur.
international; komponierte neun Sinfonien (plus eine unvollendete zehnte), in denen er erweiterte
viel das Orchester, seine Dauer usw., umfasste manchmal, zum Beispiel in der 8. Sinfonie von den
1.000, die menschliche Stimme zur Intensivierung des Ausdrucks; ebenfalls von außergewöhnlicher Bedeutung war
die Stimme in seinen zahlreichen Liedern, wie Kinderliedern oder Lied der Erde,
wo wir auch einen großen poetischen und dramatischen Sinn entdecken können.

R. Strauss schrieb ebenfalls Werke mit starkem Ausdrucksgehalt, aber nicht mit dem
der erschütternde Pessimismus von G. Mahler, sondern vielmehr die Rasse erhobend (die Idee des Übermenschen
de Nietzsche) in Werken wie dem Sinfoniegedicht Also sprach Zarathustra, Direktor und brillant
Orchestrator, arbeitete an der symphonischen Form (Alpina), dem symphonischen Gedicht mit literarischer Inspiration (D.
Juan, Die Streiche des Till Eulenspiegel, D. Quijote usw.), und er gilt als einer der besten.
Operisten des 20. Jahrhunderts, mit Electra und Salomé.

3. DIE MUSIK IM 20. JAHRHUNDERT

3.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LAS NUEVAS TENDENCIAS DEL

20. Jahrhundert

Im 20. Jahrhundert werden Techniken, Formen und Klangmittel entwickelt.

innovativ, die neue Trends erzeugen werden und die Folgendes sind:
In Bezug auf die Melodie. Im 20. Jahrhundert kommt es zur Befreiung und Unabhängigkeit
der Melodie, wodurch ein straffer und kantiger Linienverlauf entsteht. Es wird zurück zum
Kontrapunkt und Horizontalismus der Musik.
In Bezug auf den Rhythmus. Es erfolgt eine Freisetzung der Maßnahme, die sogar dazu führt,
fast freie Rhythmen, ohne Takte. Beispiel: die neuen metrischen Schemata, komplex und
variados de Stravinsky, Bartok, etc.
In Bezug auf die Harmonie. Es werden alle Arten von Dissonanzen verwendet, ohne sich an irgendwelche zu halten.
traditionelle Regel, oder was das Verschwinden der traditionellen Konsonanzen zur Folge hat.
In Bezug auf den Fortschritt der Instrumente findet eine Experimentierung mit "neuen
Sonoritäten”. Die Register der traditionellen Instrumente werden extremisiert und es wird erkundet
neue Effekte und Klangfarben. Auf diesem neuen Weg werden neue Instrumente erscheinen
Elektronische und neue Klangformeln (konkrete Musik), sowie die
430Erscheinung430S430430 vom Geräusch zur Musik.
 Wenn wir bis jetzt historische Phasen studiert haben, in denen wir über ...
un estilo, a partir de los últimos años del siglo XIX las corrientes artísticas no solo avanzan a
Eine 431erscheinigung, die atemberaubend ist, aber sich zudem überlappen und oft widersprechen;
Der gleiche Künstler nimmt an mehreren Trends teil.
Die im 19. Jahrhundert beliebte Opernaufführung wird ersetzt durch die
Ballets, und später durch das Kino, in dem die Musik eine große Rolle spielt.
Andererseits, seit der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, das Phänomen der populären Musik
Moderne, mit ihren zahlreichen Varianten, hat sich zur Sprache par excellence entwickelt.
431parición, eine Sprache 431parición431S431 anders als die ernste Musik.

3.2. HAUPTMUSIKBEWEGUNGEN, STILE UND TENDENZEN

Der wagnerianische Chromatismus wird im Dodekaphonismus von Schönberg münden, und der
französischer Impressionismus, der uns den Wert der isolierten Klangfarben enthüllt, werden dienen als
Säulen für das Auftreten zahlreicher Trends und Stile, wobei einige einfach sein werden.
Varianten von anderen, und anderen, werden zeitgleich auf unterschiedliche Trends und Stile treffen und sogar
widersprüchlich. Andererseits ist die Tatsache, dass neue technische Ressourcen und Möglichkeiten erscheinen
Die Manipulation des Klangmaterials wird neue Trends oder Stile hervorbringen, die diese formen.
nuevos descubrimientos.
Casanovas und Subirá klassifizieren die Trends je nach Herkunft in
drei Abschnitte.
I. Trends, die sich aus der Möglichkeit ergeben, die Musik mit der Natur zu verbinden, die
Männer, die Gefühle, die Literatur, die Poesie, die Malerei, die Philosophie, usw.
a. Impressionismus. Behandelt im Abschnitt 2.6.
b. Expressionismus. Ästhetische Bewegung, die von den germanischen Künstlern geschaffen wurde
Jahrhundertbeginn und der Innovationen sowohl in der Literatur als auch in der Malerei hervorbringt,
Wie in der Musik. In der musikalischen Expressionismus war die Freundschaft von entscheidender Bedeutung.

Schönberg con los pintores expresionistas alemanes. Este movimiento trata de

registrieren, nicht die von außen kommenden Drucke, wie im Impressionismus, sondern
exklusiv die inneren oder subjektiven. Derzeit qualifiziert der Expressionismus
una música llena de color, violencia y dramatismo , no siempre escrita en
atonale Sprache, und die das Werk von so unterschiedlichen Komponisten wie Schönberg ist,
Berg, Bartok und Shostakovich.
c. Konkrete Musik. Wir werden sie im nächsten Abschnitt sehen.
II. Trends, die aus den Fortschritten der Technik, der Theorie oder der Akustik resultieren.
[Link]ät. Atonal ist jede Klangstruktur, die sich nicht an die Norm hält.
tonal. De Pedro: "Musikalisches System, das die tonal eigenen Funktionen ablehnt"
die Tonalität und die grundlegenden Beziehungen zwischen den Graden einer diatonischen Skala.
Es setzt die Abschaffung der Tonika voraus und empfiehlt die Verwendung der zwölf Töne.
de der chromatischen Skala mit Gleichheit der Funktionen”. Anfänge von Schönberg, der
grundet sich auf der These, dass das tonale Gefühl und seine Polaritäten (die Musik
bis jetzt) war es ein auditives Laster, das eliminiert werden musste. Die atonale Musik
wird den Weg zur Abstraktion ebnen, die im "Dodekaphonismus" münden wird.
es werden zwei Arten von Atonalität verwendet:
Einfache oder freie Atonalität. Sie besteht in der Verwendung
indiscriminierte der zwölf Töne der temperierten Skala
(moderat Dodecafonismus).
2. Serielle Atonalität. Sie besteht in der Verwendung der zwölf Töne.
von der Skala, die in einer bestimmten Reihenfolge und Anordnung angeordnet ist
(Dodecafonismus, seriell).
[Link]. Er stammt vom freien Atonalismus und entsteht aus der Notwendigkeit von
die Atonalität kohärent organisieren. Alle Gesetze abweisen, die die
Harmonie und die klassische Tonalität, und die zwölf Töne der Skala haben das gleiche
Wert und Funktion. Luis de Pablo: „Der Komponist wählt frei aus, was man nennt
una serie, doce sonidos de la escala cromática ordenados de una determinada
Manier. Diese zwölf Klänge müssen immer in der gleichen Reihenfolge erscheinen, obwohl
sein Spiel ermöglicht es, dass sie rückwärts, invertiert oder transponiert von tausend gelesen werden.
Formen, so dass das gesamte Material, das eine Serie liefern kann, nicht
Es ist denkbar, dass es in einem Werk erschöpft ist, es sei denn, es dauerte eine Zeit lang.
indefinido”. Y sigue De Pedro: Das dodekaphonische System besteht aus:
1. Erstellung der Serie. Kein Klang darf wiederholt werden, solange nicht
haben alle anderen gehört.
2. Retrogradierung: grundlegende Serie in umgekehrter Reihenfolge angeordnet.
3. Investition: Umgekehrte Grundreihe.
4. Rückwärtsinvestition: Rückschritt der Investition.
[Link]. Es besteht darin, das Prinzip des dodekaphonischen Serialismus zu übertragen, das
reguliert den Klang nach den anderen Klangparametern: Dauer, Intensität, Timbre usw.
Wurde von Antón Webern vorgeschlagen. Komponisten, die diesen Trend nutzen: Olivier
Messiaen, der systematisch die Dauer organisiert. Andere sind der Franzose
Pierre Boulez und der Deutsche Karlheinz Stockhausen.
[Link]. Verwendung in einer Komposition von musikalischen Teilen, die
entwickeln sich gleichzeitig in verschiedenen Tönen. These: das westliche Ohr, in einem
Anfangs hörte ich nur eine einzige Melodie; später war ich in der Lage, zu hören
mehrere übereinandergelegte Melodien, sogar mit Dissonanzen, warum sollte es nicht möglich sein
mehrere übereinanderliegende Melodien in unterschiedlichen Tönen hören? Komponisten:
Strawinsky in "Petruschka" und in "Die Weihe des Frühlings", oder an Manuel
de Falla in "El retablo de ámese Pedro".
e. Musique concrète. Valls Gorina: „ Die Musik concrète ist einerseits die
Manipulation, die am "schalltenden" (Ton und Geräusch) vorgenommen wird, ermöglicht
einen anderen, von verschiedener Art, aus einem Rohklang zu erhalten, den man nicht
Wir könnten ohne die Hilfe der elektrischen Geräte ankommen. Auf der anderen Seite ist es das
System, mit dem versucht wird, das „Material“ in kohärente Strukturen zu organisieren.
erhalten durch diese Manipulationen”. Zusammenfassend besteht es darin, auf Band aufzuzeichnen
magnetofonische Klänge oder spezifische Geräusche, „klangliche Objekte“, die sind
ausgewählt, verzerrt oder nicht, manipuliert, um schließlich zu sein
kombiniert in einer Art klanglich-musikalischem Arrangement, das von
elektroakustische Medien (De Pedro). Ihr Auftreten stammt aus dem Jahr 1948, als die
Die Franzosen Pierre Schaeffer und Pierre Henry stellen ihre ersten Studien vor.
Mit dieser Technik und im nächsten Jahr sein Werk "Sinfonie für einen alleinstehenden Mann".
[Link]ällige und/oder stochastische Musik. Dem Zufall die Ausführung von einigen anvertrauen
Vorschläge, die eine ungenaue musikalische Übersetzung haben; sie können nicht ausgeführt werden.
zwei identische Versionen des Werkes. Der Komponist weist auf verschiedene Alternativen hin für
der Moment der Ausführung, das heißt, schlägt vor, verschiedene Kombinationen auszuwählen oder
Musikalische Routen. Xenakis zieht es vor, den Begriff „stochastische Musik“ zu verwenden.
äquivalent zu konjunkturell. Dennoch stützt sich dieser Autor mehr auf Formeln
Mathematik, die im einfachen Zufall liegt. Komponisten: der Amerikaner John Cage,
der Techniken wie "Atlas eclipticalis" oder die Serie "Variationen" nutzt.
[Link] Musik. Sie besteht aus der Erstellung von Klängen durch Mittel
elektroakustisch und ihre anschließende Behandlung durch dasselbe System. Es ist das Ergebnis
aus einer Reihe von Experimenten mit dem durch Röhren erzeugten Klang
 Schallvibrationsgeneratoren, deren Ausgang oder akustische Materialisierung sich
realiza únicamente por medio del altavoz. Compositores: Herbert Eimer y
Karlheinz Stockhausen.
III. Tendenzen, die aus einem romantischen Nationalismus hervorgehen, der in die Musik eingegangen ist
vom authentischen Volksglauben und den Instrumenten entlegener Völker und Kulturen.
[Link]. Fortsetzung des im 19. Jahrhundert entstandenen Nationalismus, aber
rationaler, entblößt seine Werte von das Oberflächliche und Malerische. Stravinsky,
Bartók, Falla und Villalobos verkörpern eine greifbare Besorgnis gegenüber den
authentischste nationale Wahrheiten.
[Link]. Das Ende des Nationalismus hin zur Erforschung der Musik
oriental, exotisch und primitiv. Komponisten: Glinka, Debussy, Ravel, Bartók,
usw.
[Link]ät des Klanges. Konzept von Musik als pansonare Entität, vorgeschlagen von
Olivier Messiaen, der die unterschiedlichsten Klanginstrumente der Welt verwendet
ganz, gleichzeitig exotische Percussioninstrumente, östliche, mit den
westliche Klassiker und die neuesten Elektronikgeräte.

3.3. DIE MUSIK EN SPANIEN UND IN ANDALUSIEN IM 20. JAHRHUNDERT

Bereits in den vorherigen Abschnitten 2.4. und 2.5. tritt die Geschichte der spanischen Musik ein.
Im 20. Jahrhundert, vor allem mit Manuel de Falla. Die Geschichte der spanischen Musik des 20. Jahrhunderts,
Wir werden es in drei Phasen unterteilen.

a) Fortsetzung des musikalischen Nationalismus. Regional fallen neben Joaquín Turina folgende Namen auf:
In Valencia: Óscar Esplà, der einen als wissenschaftlich bezeichneten Nationalismus pflegte. Werke:
„Nochebuena del diablo“ und „Sonata del sur“, Konzert für Klavier und Orchester. Eduardo
López-Chávarri, Musikologe und Komponist. Werke: „Acuarelas valencianas“ und „Sinfonie“
hispanisch", außerdem zahlreiche Werke für Klavier.
In den Vascongadas: José Mª Usandizaga und Jesús Guridi.
In Katalonien: Enrique Morera, obwohl er mehrere Werke schrieb, ist in die Geschichte eingegangen als
Komponist von Sardanas; hervorzuheben sind "La Santa Espina" und "Die Sardana der Nonnen". Juan
Lamote de Grignon gründete das Sinfonieorchester von Barcelona.
In Kastilien: Conrado del Campo verbindet den Einfluss des Straussismus mit dem madrilenischen Kasteismus.
Obras: “La Divina Comedia”, “Caprichos románticos” y “Fantasía castellana”. Julio Gómez,
Als Dozent für Komposition am Konservatorium von Madrid hatte er Einfluss auf die späteren.
Generationen. Werke: „Suite in la“, „Ballade für ein Orchester“, „Sonate für Violine“ usw.
Facundo de la Viña studierte bei Paul Dukas. Werke: „Covadonga“ und „Sierra de Gredos“.

b) Die "Republikgeneration" oder "Generation von 27". Bezeichnungen, die stammen von
obwohl in letzter Zeit die d "Generación del 27" vorherrscht, da sie sich mit den
Poeten dieser Generation. Man kann zwei Gruppen unterscheiden: die aus Madrid und die aus Barcelona.
Madrid: die Brüder Rodolfo und Ernesto Halffter stechen hervor, letzterer war Schüler von Falla.
schloss die "Atlantis". Andere: Salvador Bacarisse, Julián Bautista.
Barcelona: Federico Mompou sticht hervor, der vor allem für Klavier und Gesang komponiert.
unter Berücksichtigung folkloristischer Themen; ihre Musik ist intim und zurückhaltend. Werke: „Lieder
y Tänze”. Eduardo Toldrá komponierte schöne Lieder und Seiten für Violine. Roberto
Gerhard, mezcla la enseñanzas de Falla con las de Schönberg en obras como “Quinteto de
Wind”; er ließ sich in England nieder, wo er 4 Sinfonien und das Oratorium „Die Pest“ komponierte.
unter anderem.
 Al margen de estos grupos, hay que citar a Joaquín Rodrigo que, aunque valenciano, se
Er ließ sich in Madrid nieder und ist der wichtigste Komponist unter denen, die keiner zugehörig sind.
von ihnen. Er begann sein Studium in Valencia und zog nach Paris, wo er bei Paul Dukas studierte.
Folge der nationalistischen Linie mit Einflüssen aus dem levantinischen und kastilischen Folklore. Werke: der
„Concierto de Aranjuez“ für Gitarre und Orchester, „Fantasía für einen Gentilherren“
„Sommerkonzert“, „Abwesenheit von Dulcinea“ usw.

c) La “Generación del 51”. La Guerra Civil española y la II Guerra Mundial, van a producir una
Unterbrechung des Kontakts der spanischen Musik mit der universellen.

Zwischen der Generation von 27 und der von 51 gibt es eine Gruppe von Komponisten, die
Wir erwähnen im Folgenden: Xavier Montasalvatge, der sich vom Nationalismus entwickelt.
Inkorporation des antillanischen Folklore bis zur reinen Musik. Werke: "Schwarze Lieder", "Quartett
indiano”, “Morphologische Desintegration der Chaconne von Bach”, usw. Joaquín Homs, Gerardo
Gombáu, Francisco Escudero, Joan Comellas, Manuel Valls und Miguel Asíns Arbó.

In den 50er Jahren gibt es einen Wandel in der spanischen Musik, verursacht von jungen Leuten.
Komponisten, die mit den Trends, die in Europa entstanden, verbinden werden. Sie
sie können zwei Gruppen untereinander unterscheiden, eine, die sich diesen Strömungen auf eine Weise anschließen wird
extremer, und ein anderer, in gemäßerer Form.
a) Extremos. Juan Hidalgo, mit Werken wie "Courga" und "Ukanga". Cristóbal Halffter, mit
“Anillos”, “Noche pasiva del sentido”, “Yes, speak out”. Luis de Pablo, Carmelo Bernaola,
Ramón Barce, Claudio Prieto und Augusto Bertomeu.
b) Moderados. Antón García Abril, mit "Cadencias", "Cántico de la Piedad", "Concierto
aguedano”. El sevillano Manuel Castillo con “Sinfonía”, “Antífonas de Pasión”, conciertos
für Klavier. Ángel Arteaga, Manuel Angulo, Narciso Bonet, José Peris, Antonio Ruíz Pipó,
Gonzalo de Olavide, Manuel Moreno Buendía.

In den sechziger Jahren wird eine weitere Generation erscheinen, die den letzten folgen wird.
Europäische Trends: die zufällige Musik und die elektronische Musik, unter denen Jesús hervorsticht
Villa Rojo, Carlos Cruz de Castro, Antón Larrauri, Tomás Marco, Carlos Guinovart, José
Evangelista, unter anderem. Näher an unserer Zeit sind der Granadin Francisco Guerrero und José
Ramón Encinar.

Schließlich wollen wir einige kurze Zeilen der andalusischen Vertretung und ihrer
Beitrag zur spanischen Musik des 20. Jahrhunderts, ohne Falla und Turina, über die wir bereits gesprochen haben.
Wir werden sie in zwei Gruppen präsentieren: eine vor 1950 und die andere danach.
a) Vor 1950. José Muñoz Molleda: das Oratorium "Die Auferstehung des Lazarus", Konzerte
für Klavier und Orchester, Suite "Zirkus", Konzert für Horn und Orchester, usw. Eduardo
Ocón: „Spanische Volkslieder“. José de Hierro: Werke für Violine. José Mª Guervós:
„Alegro de concierto“. Manuel Infante: „Danzas andaluzas“, „Gitanerías“, „Sevillanas“
„Variationen“, usw. Luis Lerate: „Pentodia a Santo Domingo“ für Solo, Chor und Orgel.
b) Nach 1950. Manuel Castillo studierte in Madrid bei Conrado del Campo und in Paris.
mit Nadia Boulanger und Lazare Levy; 1959 erhält er den nationalen Musikpreis.
Obras para piano: “Concierto para piano y orquesta”, “Sonatina”, “Tocata”, “Preludio para
la mano izquierda”, etc. Obras para órgano: “Suite”, “Coral para órgano y cuerda”, “Sonata
für Orgel und Streicher”. Werke für Orchester: “Partita für Flöte und Streicher”, “Symphonie”, usw.
Manuel Carra: „Suite über alte spanische Themen“. Francisco Guerrero: „Rechnungen“, Werk
für 10 Instrumente, mit dem sie den Kompositionspreis „Manuel de Falla“ erhält: „Das
 weniger wichtig”, Werk für Cembalo und drei Magnetofonen; elektronische Werke wie
„Utopie“, „Studien“ usw. Arbeitet im Bereich der elektronischen Musik.

4. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE STUDIERENDEN

GRUNDSCHULBILDUNG

DER MUSIKALISCHE KLASSIZISMUS

Beethoven
o "Minueto" des Septetts
Romanzas für Violine und Orchester 1 und 2
o“Sinfonías” nº 5 (1º y 2º tiempos), nº 6, “Pastoral” (1º movimiento), nº 9,
“Coral”(último movimiento: “Oda a la alegría”)
Sonate Nr. 14: "Mondscheinsonate"
Boccherini: Minuetto
Haydn
Konzert in C-Dur für Trompete und Orchester
Die Sinfonie der Spielzeuge
Sinfonie Nr. 94, G-Dur, „Ssurprise“
Mozart
Die Zauberflöte – Allegro
„Serenade Nr. 13, in G-Dur“ (Kleine Nachtmusik)
Sinfonie Nr. 40 – 1. Satz
Sonate für Klavier Nr. 11 in A-Dur
DER MUSIKALISCHE ROMANTIZISMUS
Bizet: Habanera aus der Oper "Carmen"
Brahms:
Wiegenlied
Ungarische Tänze, Nr. 5 und 6
César Franck: „Sonate für Violine und Klavier in A-Dur“
Chopin
oNocturno Nr. 2
oTristeza (Studie)
Fauré: „Muñequita“, („Dolly“)
Liszt
„Traum der Liebe“
„Ungarische Rhapsodie für Orchester Nr. 4 in c-Moll“
Mendelssohn
„Hochzeitsmarsch“ aus „Ein Sommernachtstraum“
Frühlingslied
Rossini: „Der Barbier von Sevilla“ – Ouvertüre
Saint-Saëns
Der Karneval der Tiere
Danza macabra
Schubert
Das Quintett „Die Forelle“
Sinfonie Nr. 8, „Die Unvollendete“
 Ave Maria
Schumann
Szene von Kindern
„Album der Jugend“
Verdi
„Aida“ – Triumphmarsch
Die Frau ist wandelbar
Wagner
„Lohengrin“ – Ouvertüre
„Tannhäuser“ – Ouvertüre
Reiterzug der Walküren
DER MUSIKALISCHE NATIONALISMUS
Béla Bartók: "Rumänische Volks Tänze"
Borodin
Der Fürst Igor – Ouvertüre
oNocturno
Dvořák: Sinfonie Nr. 9 in e-Moll, „Aus der Neuen Welt“
Grieg: “Peer Gynt”
Kodály: „Die Tänze von Kallo“
Mussorgsky
„Bildersammlung einer Ausstellung
Eine Nacht auf dem kahlen Berg
Das Kinderzimmer
Rimski-Korsakow: „Der Flug des Bumbles“
Thacikovsky
Der Nussknacker
Italienische Laune
Der Schwanensee
1812
DER SPANISCHE NATIONALISMUS
Albéniz: „Suite Ibérica“
Falla
Nacht in den Gärten Spaniens
o“El sombrero de tres picos”
Granados: „Goyescas“ – Intermezzo
Guridi: "Zehn baskische Melodien"
Rodrigo: „Concierto de Aranjuez“
Tárrega: “Recuerdos de la Alambra”
Turina
Sinfonie von Sevilla
Das Gebet des Toreros
DER MUSIKALISCHE IMPRESSIONISMUS
Debussy
Der Ozean
Der Kinderwinkel
Die Spielzeugkiste
Ravel
Bolero
KONTEMPORÄRE UND AKTUELLE MUSIK
Britten: „Orchesterführer für junge Menschen“
Casals: „Der Stall“
Dukas: “El aprendiz de brujo”
Katchaturian: „Der Säbeltanz“
Ketelbey: „In einem persischen Markt“
Mompou: „Lieder und Tänze“
Popp: „Píccolo, Saxo und Gesellschaft“
Prokofjew: „Peter und der Wolf“
R. Strauss: „So sprach Zarathustra“
Strawinsky
Die Weihe des Frühlings
Der Feuervogel
THEMA 25
DIE MUSIK ALS KULTURELLE AUSDRUCKSFORM DER VÖLKER. DIE ETHNISCHE MUSIK.
DAS FOLKLORE UND SEINE DIDAKTISCHEN ANWENDUNGEN. AUSWAHL VON FRAGMENTEN
MUSIKALISCHE FÜR DIE SCHÜLER DER GRUNDSCHULBILDUNG.

1. DIE MUSIK ALS KULTURELLE AUSDRUCKSFORM DER VÖLKER

1.1. INTRODUCCIÓN
1.2. MÚSICA Y CULTURA

2. DIE ETHNISCHE MUSIK

2.1. ETNOMUSIKOLOGIE
2.1.1. Historische Hintergründe
2.1.2. Musikologen und Ethnomusikologen
2.1.3. Konzept
2.1.4. Methodologische Modelle
2.2. POPULÄRE MUSIK UND FOLKLORE
2.2.1. Folklore
2.2.2. Populäre Musik
2.3. DAS FOLKLOR IN SPANIEN
2.4. POPLAR VALENCIANISCHE MUSIK
2.5. DER FOLKLOR IN EUROPA

3. DAS FOLKLOR UND SEINEN DIDAKTISCHEN ANWENDUNGEN

3.1. BELIEBTE LIED IN DER SCHULE
3.2. DER FOLKLORE UND SEINE DIDAKTISCHEN ANWENDUNGEN

4. AUSWAHL VON MUSIKFRAGMENTEN FÜR DIE STUDIERENDEN

GRUNDSCHULBILDUNG
THEMA 25
DIE MUSIK ALS KULTURELLE AUSDRUCKSFORM DER VÖLKER. DIE ETHNISCHE MUSIK.
DER FOLKLORE UND SEINE DIDAKTISCHEN ANWENDUNGEN. AUSWAHL VON FRAGMENTEN
MUSIKALISCHE FÜR DIE SCHÜLER/INNEN DER PRIMARSCHULE.

1. DIE MUSIK ALS KULTURELLE EXPRESSION DER VÖLKER

1.1. INTRODUCCIÓN
Die Musik, verstanden als Spiel von Klängen, reicht bis in die Antike zurück; im
Im letzten Zeitraum der Steinzeit existierte es bereits und diente dazu, die verschiedenen Zustände auszudrücken.
Mut.
In China betrachtete Konfuzius die Musik als Mittel zur Reform der Moral.
öffentlich. Platon als pädagogischer Plan für seine Staatsphilosophie. Aristoteles als Disziplin
um die Jugendlichen zu bilden, ihnen die gleiche Kategorie wie der Rhetorik, Dialektik und
Mathematik. Quintilian als Pflichtfach neben Tanz und Mimik. Karl dem Großen wurde
Die Förderung seines Studiums in der westlichen Welt verdankt sich Guido d'Arezzo.
pädagogischer Beitrag der Achtung in ihrem Antiphonar.
Während des Mittelalters wurde es im Quadrivium aufgenommen. In Athen wurde es kultiviert in
Beziehung zur Poesie, und war bei allen öffentlichen Veranstaltungen anwesend. In der Renaissance entsteht
Der Kult des Virtuosentums: Es werden Fachleute ausgebildet.

En Europa el hombre culto pierde su relación con la naturaleza rítmica de la

Tanz und das Lied. Mitte des 19. Jahrhunderts gibt es eine Reaktion auf sozialer und pädagogischer Ebene.
die musikpädagogik in der schule in frage zu stellen, auf der suche nach der rückkehr zu den elementaren
die Musik, die Lieder und Volkstänze.
Seit unvordenklichen Zeiten, neben den künstlerischen Äußerungen, die weise genannt werden
y eruditas, es hat sich eine Art von naiver, spontaner, direkter und lebhafter kultureller Ausdruck entwickelt,
geboren in den unteren Schichten der Gesellschaft oder in ländlichen Gebieten. Wir erleben in den letzten
Jahrzehnte eine Aufwertung des „Populären“, ein kulturelles Phänomen, das im Begriff ist, zu sterben.
In der zeitgenössischen Gesellschaft hat die Musik eine große Bedeutung erlangt.
Danke an die Medien, die kontinuierlich Musik nutzen, genauso wie das Kino.
dass sie als expressive Unterstützung dient. Die Platten und CDs machen es einfacher, zu finden
Musik aller Art und für alle Interessen.

1.2. MÚSICA Y CULTURA

A lo largo de la historia, podemos estudiar cómo se ha expresado una sociedad
musikalisch. Je nach sozialer Auffassung wird so der musikalische Ausdruck betrachtet.
Die Musik fasst alle Ereignisse zusammen, die in der Gesellschaft stattfinden.
Sound ist ein naturgegebenes Faktum, aber Musik ist ein kulturelles Faktum, denn sie ist in die Gewohnheiten eingebettet.
von dem Leben des Menschen und von den verschiedenen Arten von Gesellschaften, die der Mensch geschaffen hat.
Das führt dazu, dass man, um die Musik zu analysieren und zu studieren, sie sehr gut kennen muss.
die Geschichte der Gesellschaft, in der sie verankert ist; so werden wir dieser Kunst die Verbindung geben, die sie hat mit
die Kultur, die sie umgibt. Eine der Bedeutungen des Wortes „Kultur“ ist: „Gesamtheit der Arten von
Leben und Bräuche, Kenntnisse und Grad der künstlerischen, wissenschaftlichen und industriellen Entwicklung, in einem
Epoche oder soziale Gruppe, usw. (Wörterbuch der Königlichen Akademie der spanischen Sprache).
Die Suche nach den Wurzeln alter Musik kann uns dazu bringen, unsere Denkweise zu ändern, wenn
Wir wollen die Musik dieser Epoche oder Periode verstehen. Die ersten musikologischen Versuche
estaban precedidos por una especie de prólogo mítico muyos héroes eran el Jubal bíblico o
Hellenischer Hermes, gemäß der jüdisch-christlichen oder klassischen Bildung des Autors.
Die historistische Entwicklung, die seit dem XVIII. Jahrhundert stattfindet, konnte nicht ...
acuerdo con este inicio legendario. Pero como los especialistas no estaban capacitados para
wissenschaftlich zu klären, widmeten sie sich der Darstellung ihrer eigenen Meinungen und der ihrer
Zeitalter. Die bekanntesten waren:
Darwin. Er versuchte, die Musik in sein gesamtes evolutionäres System einzuführen. Für ihn wäre die Musik
ein Mittel zur natürlichen Selektion, ein Schmuck des Menschen, der ihn für die Anger
Frauen.
Spenser. Er betrachtete die Musik aus einem doppelten Aspekt: emotional, als Ausdruck von den
seelische Zustände und Rituale in kollektiven Zeremonien.
Büchez. Er meint, dass Musik ein Mittel wäre, um rhythmisch zu ordnen und
Die kollektiven körperlichen Aufgaben erleichtern.

Man muss die Lebensweise, Bräuche, künstlerische Auffassung und

Wissenschaftlich. Und die Musik als universelle Sprache ist eine der Hauptmanifestationen
was die Menschheit zu allen Zeiten genutzt hat. Musik hat als Mittel gedient und dient weiterhin als
kultureller Ausdruck des Volkes. Das Volk unterscheidet nicht zwischen kultiviert oder vulgär, sondern von allen in
allgemein.
Die Unterteilung in ernste Musik oder populäre Musik erfolgt nicht durch Diskriminierung in
Wichtigkeit, sondern aus Studiengründen. Wir nennen ernste Musik die klassische Musik und populäre Musik.
o folklórica a la que recoge la expresión de los sentimientos del pueblo y que muchas veces
beeinflusst die Kultur (die Nationalismen) und wird ihrerseits davon beeinflusst.

2. DIE ETHNISCHE MUSIK

2.1. ETNOMUSIKOLOGIE
2.1.1. Historische Hintergründe
Der Begriff Ethnomusikologie kombiniert zwei Disziplinen. Ethnologie, Studium
von anderen Kulturen und Musikwissenschaft, die die traditionelle Musik studiert und kaum zählen die
andere Musik. Bis die Musikologie nicht begann, die Musik anderer Kulturen zu studieren
Mit vergleichendem Eifer wurde die europäische als das Ideal und die Norm betrachtet, und man
Sie betrachteten die anderen Musiken als exotisch und seltsam.
Brailoiu, Pionier der ethnomusikologischen Studie, identifiziert
Etnomusikologie mit musikalischem Folklore fokussiert die Beziehung zwischen Musik und Gesellschaft und...
Die Ethnomusikologie wird als eine Minderheit innerhalb der Musikwissenschaft betrachtet.
Am Ende des vergangenen Jahrhunderts wird der Ethnomusikologie das Studium von zugesprochen.
die Kulturen anderer Völker und die musikalische Folklore die exotische Kultur der Umgebung.
En este ámbito se le da importancia al contexto de las producciones
Musik und ihr Übertragungs- und Erhaltungsprozess. Brailoiu ist sich dessen bewusst, dass die
Schwierigkeit, die Kultur zu teilen. Der grundlegende Unterschied der sogenannten Musik
Die Popularität hinsichtlich der Bildung hing nicht von der Herkunft ab, sondern von der Art und Weise, wie man sich...
wird geschaffen und übertragen.
Die ethnomusikologischen Studien müssen die musikalischen Aspekte berücksichtigen.
und die sozialen. Die Ethnomusikologie wird in den Rahmen der modernen Anthropologie integriert werden und
Der Folklore wird sich auf den Code der Schaffung der als kulturelle Tradition betrachteten Tradition konzentrieren.
popular.
 Die Transkription bereitet Sorgen, sich mit dem Problem konfrontiert zu sehen, dass man ...
die gleichen Parameter wie die westliche ernste Musik verwenden, auch wenn sie es gewesen wären
geplant und anders ausgeführt werden.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts begannen die ersten Archive zu entstehen
„primitiv“ Musik, unter denen wir sprechen können über: die amerikanischen ethnischen Musiken,
in denen sich indigene Komponenten (Quechuas, Aymara, Maya usw.) mit anderen vermischen
westliche, die von Spanien und Portugal beigetragen wurden; die euro-orientalische Ethnomusik, mit
ein großer Einfluss der türkischen Musik; die ethnischen afrikanischen Musikstile, in denen wir müssen
die der schwarzen Afrika (südliche Zone) von denen Nordafrikas unterscheiden, mit
ostasiatische Einflüsse (islamisch, arabisch und persisch); die ethnischen Musiken Asiens
sudoriental (Java und Bali) vertreten durch charakteristische instrumentale Formationen
(Gamelan), mit Einfluss der indischen Musik.
Die Ethnomusikologie fand institutionelle und persönliche Unterstützungen, die sie machte
Zentren schaffen wie das Phonograph-Archiv in Berlin, wo es Tausende von Zylindern gibt.
Aufnahmen aus der ganzen Welt. Bei dieser sammelnden Aktivität wurde in der Musik nach dem gesucht,
Soziale Aspekte bei der Untersuchung der Rolle von Musik und Riten in nicht-zivilisierten Gesellschaften
europäisch.

2.1.2. Musikwissenschaftler und Ethnomusikologen

Die musikwissenschaftlichen Historiker und die Ethnomusikologen stehen wegen ihrer gegenüber
Ansatz, die ersten lehnen die mündlichen Dokumente ab und die zweiten die schriftlichen. Für
Die Ethnomusikologie, die ungeschriebene populäre Musik, trägt mit ihren Dokumenten zur Klarheit bei.
Ursprünge der Musik und ihre spätere Entwicklung.
Aus dieser Perspektive betrachten wir, dass es zwei Bereiche gibt:
- die, die Musik als Teil der Gesellschaft und der Bildung studieren, um
einander vergleichen; das heißt, als Kunst
- die, die die musikalischen Schöpfungen innerhalb der Anthropologie studieren; das heißt,
als Sozialwissenschaft
Laut Merriam macht die Opposition zwischen Kunst und Sozialwissenschaft keinen Sinn.
insofern die Ethnomusikologie sich nicht mit dem Qualitativen oder Ästhetischen befassen sollte, sondern mit dem
kreativer Prozess und seine Studie, und ist daher mehr wissenschaftlich als künstlerisch.

2.1.3. Concepto
Ethisch, laut dem Wörterbuch der Königlich Spanischen Akademie der Sprache,
bedeutet: zu einer Nation, Rasse oder Ethnie gehörend, und Ethnie bedeutet menschliche Gemeinschaft
definiert durch rassische, sprachliche, kulturelle Affinitäten usw. Ethno ist Volk oder Rasse.
Wir können schließen, dass ethnische Musik die Musik einer Ethnie ist.
Ein weiterer verwandter Begriff ist Ethnomusikologie, die "Sparte der
Musikologie, die die populäre Musik sowie die der exotischen Zivilisationen studiert.
von den primitiven Völkern”. Umfasst das Studium der primitiven und traditionellen Musik
aus der ganzen Welt. Und je nach Epoche und Land wurde es genannt: vergleichende Musikwissenschaft,
música popular, música folklórica, folklore musical, etnología musical, etnomusicología,
Etnophonie, ethnische Musik, exotische Musik, außereuropäische Musik, oder musikalische Geographie.
Und die Definition der Ethnomusikologie hat sich seitdem gewandelt
die erschien. Zunächst war es eine vergleichende Musikwissenschaft, die die
Musik der nicht-europäischen Länder und die Folkloremusik Europas, das heißt, die Musik
durch orale Tradition übertragen. Das Problem war, diese beiden Arten von Musik zu benennen.
Dasselbe Set. Folklore wird mit Ethnomusikologie identifiziert, da die Musik
Folkloristische Kunst wird nicht als archaische Kunst betrachtet, sondern als die Art und Weise, wie sie geschaffen und übertragen wird.

Musikalische Tradition unabhängig von ästhetischen Kriterien.

 Es war sehr schwierig, das Folklore von der Ethnographie oder Ethnologie zu dissociieren.
Die Folklore hat letztendlich die Gesamtheit der kollektiven Ereignisse bezeichnet.
europäische ländliche Gemeinschaften. Die Ethnographie tut dasselbe, jedoch in den Gemeinschaften nicht
europäisch. Und die Ethnologie ist zu einer sozialen und kulturellen Anthropologie geworden.
Letztendlich sind Ethnomusikologie und musikalischer Folklore zwei Begriffe
sinónimos: el folklore musical se ocupa de estudiar las manifestaciones culturales de
innen und die Ethnomusikologie dasselbe, aber von außen, das heißt, die daraus resultierenden Musiken
Vermischung von Kulturen, sowohl aus städtischen als auch aus ländlichen Bereichen, insbesondere von
Nordamerika und Westeuropa.

2.1.4. Methodologische Modelle

Es gibt eine Methode, die vom rekonstruktivistischen Interesse abgeleitet ist; ein anderer Ansatz ist
el histórico. Dentro del folklore español, el difusionismo fue empleado por algunos
Forscherinnen und wird als eine sehr umstrittene theoretische Methode dargestellt.
Die ideologischen Strömungen haben den Folklore so manipuliert, dass sie einen
politische und ideologische Inhalte zu den traditionellen Bräuchen.
Es entstanden verschiedene Ansätze, die zu unterschiedlichen Theorien führten:
Funktionalistische Theorie (Anthropologie)
Strukturalistische Theorie
- Theorie der Oralformel
Transkulturelle Theorie
Einige methodologische Modelle:
- Das Modell von Alan P. Merriam konzentriert sich auf die Elemente der Musikklänge.
Kognition und Verhalten, wobei ihre Stärke auf den sozialen Aspekt fällt.
- El método de Timothy Rice se centra sobre los elementos de construcción
historisch, soziale Wartung und Schaffung sowie individuelle Erfahrung.
Mit all seinen Einschränkungen muss das Studium der Kultur fokussiert werden auf
verschiedene Aspekte:
a) Organologie oder Studium der Musikinstrumente
b) Musikalische Systeme, wie die Klänge (Skalen) organisiert waren
c) soziologische Aspekte, welche Rolle spielt die Musik in der Gesellschaft.

2.2. BELIEBTE MUSIK UND VOLKSDARSTELLUNG

2.2.1. Folklore
Das Wort Folklore ist ein sächsisches Wort, das aus zwei Stimmen besteht: Volk,
que significa gente, pueblo, y lore, que significa doctrina, instrucción, saber. Por tanto
Folklore ist "das Wissen des Volkes", "das Volkswissen".
Der Ursprung liegt im Jahr 1846, durch die Arbeiten von Mr. William J. Thoms
in einer Zeitschrift in London. Dieses Wort ist bereits weltweit anerkannt, deshalb in
Spanien hat sich nicht verändert. Es umfasst die gesamte Kultur des Volkes, die aus seinen eigenen entnommen ist.
Ressourcen, und es entwickelt sich aus einem Bedarf, seine Kultur auszudrücken.
Die Folklore kann aus drei Aspekten studiert werden:
- Sammlung von Fakten und folkloristischen Daten zur Ordnung, Beschreibung und
Ausstellung
- Untersuchung von Daten, Fakten oder Dokumenten zur Analyse des Ursprungs und
Entwicklung
Behandlung von Fakten und Daten auf wissenschaftlicher Basis.
So definieren wir es: "Folklore ist die Wissenschaft, die die Kultur studiert"
traditionell, anonym und kollektiv der Völker.
 Der Folklore jedes Landes entspricht seiner Geografie, seiner Art von
Leben und die Kontakte, die er mit anderen Völkern hatte. Nicht zu verwechseln mit Ethnologie, die
Es ist die Wissenschaft, die die Kultur der nicht-europäischen und exotischen Völker studiert, und sie ist vorher als
Folklore.
Jedes Volk ist ein wesentlicher Bestandteil der Musik, die durch Mittel ausdrückt von
Volkslieder und -tänze, die gesungen, getanzt oder auf beide Weisen dargeboten werden, fast immer mit
Instrumentalbegleitung. Die folkloristischen Varianten sind unendlich.

2.2.2. Populäre Musik

Der Folklore untersucht und analysiert das Wissen, das Fühlen, das Sehen, das Handeln und den Glauben des
Es ist eine Wissenschaft, die sich mit der Erforschung der Entwicklung der menschlichen Kultur beschäftigt.
Im Wissen des Volkes finden wir die Folklore.
Das Populäre hat drei Merkmale:
- es ist traditionell, mündlich von Generation zu Generation überliefert
- es ist anonym,
- es kollektiv, es ist die Gewohnheit aller.
So ist die populäre Musik die, die ein Volk an sein Empfinden angepasst hat. Sie hat
seine Verwurzelung in den Bräuchen oder in den Gefühlen. Die populäre Musik ist der Ausdruck von
die Persönlichkeit und die Sensibilität dieses Volkes. Und neben den drei genannten Punkten
Früher hat es die Eigenschaft, dass es im Gesang und / oder im Tanz ausgedrückt werden kann.
Die besonderen Merkmale der populären Musik müssen gesucht werden.
en:
der Takt
die rhythmisch-melodische (Melodie)
der harmonische accompagnement
die Morphologie (Struktur oder Sätze)
die tonale Organisation
- y, als undefinierbares Merkmal, der emotionale Inhalt (das Gefühl).
Der Mann singt und drückt seine Gefühle durch Gesang aus. Die Themen sind so
variierte wie das Leben selbst. Im Allgemeinen beschreiben die Lieder die Beschäftigungen und
Sorgen jedes Landes, die historischen Ereignisse oder wichtigen sozialen Handlungen, die
Besonderheiten, die jede Person umgeben, die Feste, die Emotionen vor der Natur oder
kosmische Phänomene.
Die primitiven Lieder reduzierten sich nicht auf Poesie und Musik, sondern
Sie hatten auch ihren tanzenden Teil. Die ersten Melodien, die zum Tanzen bestimmt waren, waren von
vokalen Charakter. Außerdem weisen viele Tänze und Lieder Analogien auf:
- Einige haben den Text verloren, aber nicht die Melodie und Choreografie, und sie werden interpretiert.
instrumentalmente
- andere haben die Choreografie und die instrumentale Version verloren, was als interpretiert wird als
beliebte Lieder
Aber zunächst müssen wir zwischen zwei Begriffen unterscheiden: Tanz und
Tanz. Tänze sind choreografische Interpretationen einer Gemeinschaft (fast alle die
Leute des Dorfes), mit großer Spontaneität und nicht zu vielen Regeln. Während die
Tänze wären entwickelte Tänze, mit einer größeren Vorbereitung durch die
Interpreten, mit fast festen Regeln.
Sie haben die Antike gemeinsam, denn man sagt, dass der Tanz und der Tanz sind
tan antiguos como la propia Humanidad. Además, el baile y la danza conducen al
éxtasis: abstracción, olvido de la situación real que rodea al individuo, el sumergirse en
eine unrealistische und fantasievolle Welt; dies ist das Hauptziel sowohl des Tanzes als auch der
Tanz.
 Beim Tanz geht es nur darum, den Rhythmus mit der Bewegung zu folgen, während
dass in der Tanz ein hohes Maß an Harmonie in der Bewegung angestrebt wird
individuell und die Verbindung der verschiedenen individuellen Bewegungen, kollektiv.
In den afrikanischen Stämmen ist der rhythmische Agent der Förderer der Handlungen, und
Die convulsiven Tänze dominieren: frenetischer und aufregender Charakter.
Darüber hinaus werden wir einige Unterschiede zwischen den Tänzen festhalten.
Orientalen und die Westlichen:
- In den westlichen Kulturen wird der Ausdruck des gesamten Körpers verwendet, während in den
Orientalen haben eine Vorliebe für die Bewegung der oberen Extremitäten und die
Gesichtsmimik
- Im Orient sammeln sich die Tänze an dem Ort, an dem sie beginnen (spiralförmige Linien
y Kurven); im Westen entwickeln sie sich in geraden Linien

2.3. DAS FOLKLOR IN SPANIEN

El folklore musical español es muy rico y variado. Tiene una gran riqueza rítmica
und expressive Nuancen. Die geografische Vielfalt beeinflusst die Existenz einer Vielfalt in
Musik. Auch der historische Fakt hat Einfluss; zahlreiche Rassen und Völker sind eingedrungen und
unsere Länder zu kolonisieren, das Gefühl von jedem zu vereinen. Spanien war besetzt von
Phönizier, Tartessen und Griechen, die in protohistorischer Zeit mit den Iberern zusammenlebten.
Mittelmeerregion erreichte der Einfluss der Phönizier und später der Römer, die Kultur, die am meisten Einfluss hatte auf
diese Zeit.
Nach dem römischen Reich wurde Spanien im 5. Jahrhundert von den Völkern überfallen.
Barbaren, jeder in einer geografischen Zone und mit eigenen kulturellen Eigenschaften angesiedelt:
Suevos, im galicischen Territorium, das zuvor von den Kelten besetzt war; Westgoten in der zentralen Zone der
Halbinsel; jetzt im Süden, das gegenwärtige Andalusien. Später die arabische Invasion und viele andere
geringfügige Invasionen.
Cada cultura ha dejado su huella más o menos nítida en el folklore nacional en
Instrumente, Tänze, melodische Wendungen usw. So hat sich im Laufe der Geschichte ...
verwandeln und in den Liedern und Tänzen Spaniens festhalten.

Ebenso hat die spanische Volksmusik Einfluss auf Komponisten wie

Albéniz und Falla, Spanier, und andere Ausländer wie Ravel und Debussy.

Innerhalb der Tänze könnte Spanien eines der Länder der Welt sein, in dem das
Tanz und der Tanz haben sich tiefer verwurzelt. Aber das Wissen über die Tänze und
Spanische Tänze sind begrenzt und teilweise. Einige sind sehr bekannt und weit verbreitet aufgrund ihrer größeren
Brillanz und Spektakularität; andere bleiben dem lokalen Wissen und der Praxis vorbehalten.
Es wird sichergestellt, dass der Tanz unter den prähistorischen Menschen dieses Landes existierte.
(Quartär, Oberpaläolithikum), da die Felsmalereien Szenen von Tänzen zeigen
magische, religiöse oder zeremonielle Korallen. Auch im Neolithikum, aber sie sind schematisch.
Während Griechenland und Rom gab es weiterhin Kult und Hingabe an den Tanz. Während des Christentums, befand sich...
bailes und Tänze an religiös-liturgische Ideen angepasst (einige sind noch erhalten). Mit den
árabes y las luchas, no se propicia el cultivo de la danza. Pero con la Reconquista, surge de
neu die Begeisterung für den Tanz, die sich im 16. und 17. Jahrhundert intensiviert. Viele der Tänze und
Tänze, die traditionell erhalten bleiben, stammen aus dieser Epoche und verändern sich im Laufe der Zeit.
Jahrhunderte XVIII und XIX.
Die Tänze, die wir in Spanien finden, können profan oder religiös sein, je nach:
sollen den Ritualen des menschlichen Lebens (von Stöcken) gewidmet sein
präsentieren Konnotationen mit alten Riten und heidnischen Symbolismen (Hochzeit)
 sean bailadas und getanzt zu Ehren der Heiligen (die des Llibre Vermell – Jahrhunderte XIV-XX – 10
heilige Tänze der Pilger; oder die Seises von Sevilla).
Es gibt auch Tänze und Tänze, die ausschließlich der Unterhaltung gewidmet sind und der
Spaß, ohne irgendwelche Rituale zu sein. Sie finden oft auf Plätzen oder in öffentlichen Orten statt, wo man hingeht.
Das ganze Volk (ohne Klassenunterschiede) drückt seine Freude mit dem musikalischen Ausdruck aus
choreografisch. Es gibt verschiedene Arten dieser Tanzklasse:
2. Im Kreis und in Gruppen: die Sardana, der Aurresku, der Tanz Prima und die
Giraldilla, der Ball rollte, das kastilische Rad...
3. Von gemischten, losen oder konfrontierten Paaren: die Jota, die Seguidilla und ihre
Varianten, der Fandango und seine Ableitungen, die Muñeira...

Die Jota hat einen instrumentalen Teil, der von einer Rondalla gespielt wird. Der Gesang
präsentiert einen differenzierten Moment: die Interpretation der Copla, solo, im dreiteiligen Rhythmus. Der
Rhythmus ist lebendig und basiert oft auf tonalen und dominanten Akkordgruppen. Dieser Tanz, ursprünglich
de Aragón, hat sich auf große Teile Spaniens ausgeweitet.
Die Seguidilla ist die typischste Komposition aus La Mancha. Sie hat vier Teile:
Einleitung, mit einer unbestimmten Anzahl von Takten, instrumental.
Ausgang: zentrierter Teil, bestehend aus drei Takten, die zum Tanz einladen.
Vuelta: instrumentales Fragment, in dem getanzt wird, bestehend aus 3 Takten der Einführung
Copla oder Refrain: neun gezählte Takte, in denen auch getanzt wird.

Die Copla und die Vuelta wiederholen sich dreimal und dies bildet den Abschluss des Tanzes.

Der Fandango ist ein Tanz mit zwei verschiedenen Teilen:

Variation oder instrumentale Einführung von 8, 10 oder 12 Takten
Copla ist der sangbare Teil, der zum Tanz anregt und sich mehrfach wiederholt.
 Die spanische Folklore lässt sich in Gruppen nach Regionen oder durch
Ähnlichkeit in ihren Formen. Zur einfacheren Lokalisierung werden wir sie in Gruppen von Regionen unterteilen.
über die wir in dieser Reihenfolge sprechen werden: die Tänze, Lieder und typischen Instrumente.

GALIZIEN
1. Allgemeines: Der galizische Folkore ist sehr alt. Er ist geprägt von dem keltischen Instrument, dem
Gaita, denn es ist Galicien, die Region, die den größten keltischen Einfluss in ihren Formen bewahrt hat.
traditionelle der Populärkultur.. Es ist eine sehr sentimentale Musik. Die populäre galizische Musik
ändert nicht die melodische Linie, die naiv, aber mit tiefer Emotion ist. Es sind Lieder
melancholisch, süß und rhythmisch.
2. Tänze und Tänze: Lamuñeira ist der typischste und berühmteste. Es wird auch Gallegada genannt. Es ist ein
schlackiger Tanz und Paartanz, im Rhythmus von Gaita, Pandeiro und Trommel. Die letzten Rehihíos werden
in Galicien nennt man sie „Aturuxos“. Die Frau, mit oder ohne Kastagnetten, mit maßvollen Bewegungen,
der Blick fest auf die Füße des Gentlemans gerichtet, und kaum die Arme bewegend, scheint sie die Hommage zu empfangen
del Mann, der mit seiner Beweglichkeit prahlt. Es tanzen gewöhnlich 6 Paare, die zwischen den Punkten tanzen.
Sie bilden ein Rad, ohne die Bewegungen zu unterbrechen. Es könnte von den Griechen stammen, von den
suevos oder von den Kelten, aber es ist sicher, dass es alt ist und durch orale Tradition bewahrt wurde.
Etymologisch bedeutet es "Mühlenbetreiberin". Es weist Ähnlichkeiten mit der baskischen Biribilketa auf und
 bestimmte traditionelle katalanische Melodien. Derzeit ist es ein instrumentaler Tanz, aber
Die Muñeiras, die gesungen wurden, waren sehr berühmt. Es ist ein binärer Rhythmus von 6/8, der die Formel wiederholt.
(dáctilo). Zwei musikalische Sätze von jeweils 4 Takten, unterteilt in Halbsätze von
4 Takte. Wiederholt sich.
3. Cantos: Lapandeiradasuele cantarla una voz sola, auf die ein Frauenchor antwortet.
begleitet von der Pandeiro. Binäres Rhythmus. Im Begleitspiel markieren Muscheln den Rhythmus.
hierrillos und bincos. Es ist typisch für Asturien (asturianische Pandeirada).
Elalalá ist ein süßer Gesang. Er ist charakteristisch, weil der Refrain das "alalá" enthält. Es drückt aus
Melancholie mit der typischen galizischen Sanftheit. Sie wird solo und im Freien gesungen. Es ist oft ein Lied.
der Liebe.
Laalborada ist ein festliches Lied zum Gaita.
Es ist auch der Gesang dieser Region, die lafoliada, im dreiteiligen Takt. Sie steht im Gegensatz zum alalá durch
ein Gesang der Freude und des Jubels, sehr lebendig und lebhaft, der gewöhnlich mit einem kräftigen endet
Schrei, der Aturuxo.
In Galizien gibt es auch eine Reihe von Romanzen und Arbeiterliedern, darunter die
hervorstechen die Lieder der Fuhrleute, die der Weinlese, aus dem Weinanbaugebiet Ribeiro, die
landwirtschaftlich, oft auf Flachs und seine Bearbeitung bezogen, und die von Gärtnern, sehr
häufig in der gesamten Region.
4. Instrumente: Die charakteristischsten sind die Lagaita Ceilta und das Quadrat-Pandeiro, das mitgeführt wird.
arxéouxeles (Cascabeles). Sie verwenden auch lasveiras oder cunxas, das sind Muscheln;
die Laspanderetas oder Ferreñas, die keine Fell haben; und die Lazanfoña, die ein sehr Instrument ist.
alt und ähnlich zur Gaita, ein Vorläufer.
Die Musik aus dieser Region ist im "Musikalischen Liederbuch von Galicien" von Castro gesammelt.
Sanpedro.

Muñeira galicische Instrumente

ASTURIEN
1. Allgemeines: Die Merkmale sowohl dieser Region als auch von Kantabrien und dem Baskenland,
Sohn: exuberante melodische Verzierungen, lyrische Ausdruckskraft, freier Rhythmus und festgelegtes Metrum.
Der Charakter dieser Musik ist sehr alt, uralt. Es gibt auch Einflüsse aus dem keltischen, wie
en Galicia, por eso el instrumento típico de esta región también es la gaita.
2. Tänze und Tänze: Der primäre Tanz stellt ein überraschendes Ereignis dar: die Verbindung von einem
alte Choreografie (zirkulär) mit dem Text, der eine einfache Tanzmelodie begleitet. Der
Der Text ist ein Romanze, die die Lieben einer maurischen Infantin und eines christlichen Galans besingt.
intercalando religiöse Ausrufe. Es hat seinen Ursprung in der keltischen Kultur. Während der
 Im Mittelalter werden die Bindungen zur heidnischen Vergangenheit zerstört und an die Traditionen angepasst.
christlichen, die sich in liturgischen Festlichkeiten (Johannes, Peter) interpretieren. Die Melodien sind
Sie passen sich den liturgischen Gesängen an, und ihre Struktur fügt sich perfekt zum Tanz.
prähistorisch. Im 18. Jahrhundert gab es zwei konzentrische Kreise: Männer und Frauen; manchmal
es waren drei: der 3. der Kinder (Jovellanos). Derzeit, während die keltische Gaita klingt, der Tanz
Gehe von links nach rechts mit ruhigem und gelassenem Gang: ein Schritt nach vorne mit dem Fuß
Rechts, und zwei zurück. Auch die Arme bewegen sich, die sich ausstrecken und die lassen fallen auf die
tiempos de la marcha. Un hombre y mujer (más ancianos) guían la danza, y dicen los
Liebeslieder mit liturgischen Gesangstönen; nach jedem zwei Versen macht der Chor die Ausrufe. In
Im Schweigen hört man die Schritte und die Ixuxús.
Lagiraldilla ist ein einfacher Tanz: im Takt folgt man dem Rhythmus und dreht sich im Kreis. Es wird abwechselnd ...
mozos und mozas, die sich an den Händen halten und Lieder singen: die Strophe im Kreis und das
estribillo paarweise. Es ähnelt den kastilischen Rädern und den Tänzen 'a lo alto' von
Kantabrien, das von lebendigem und binärem Rhythmus geprägt ist.
Eine weitere Tanzform ist der Pericote aus Llanes. Ein Tänzer "Perico" oder "Pericote" umwirbt die...
Frauen mit ihren Schritten und Rhythmen. Früher sangen die Frauen die Strophen, während sie folgten
Strophen des Romans von Espinela. Jetzt ersetzen andere Strophen und Verse diesen Roman.
wenn es nicht mit der Gaita interpretiert wird.
Der Tanz des Tamburins oder die Vaqueirada, von den Vaqueiros de Alzada, ist ebenfalls charakteristisch.
Männer und Frauen in zwei Reihen gegenüber. Während das Lied gesungen wird, ertönt die
Pandero und die Tänzer führen den "Paseo" aus: Bewegung zur Seite, während sie die
Arme in der natürlichen Position. Nach dem Lied dreht man sich auf den Füßen und hebt
Die Arme beginnen mit einfachen Bewegungen zu tanzen: eine einfache und abwechselnde gekreuzte Bewegung.
de Füßen in jedem Teil des Taktes. Es hat viel mit der galizischen Muñeira zu tun.
Elcorri-corride Arenas de Cabrales in San Juan und San Pedro. Ein Mann, der tanzt, beginnt das
Tanz mit Kniefällen und Grüßen an die Frauen, sich schmerzerfüllt von den Missachtungen abwendend. Sie
werden sie zärtlich und anzüglich, zurück zu den Ablehnungen, wenn er lächelt, weil er seinen Triumph glaubt.
Begleitet eine Person, die singt, und andere, die Trommel und Schellen spielen. Die Frauen tragen
In der Hand einen Lorbeerkranz. Sie ist sehr schnell und von keltischem Ursprung.
3. Cantos: Es typisch für die Asturianada, ein melismatischer Gesang, mit freiem und sehr ausdrucksvollem Rhythmus. Kann
eine Beziehung zum Flamenco haben. Es wird solo interpretiert. Besonders die Enden sind sehr
melismatisch. Es findet eine kadenzielle Improvisation statt. Es ist ähnlich dem galizischen Alalá. In der asturianada
Die Gaita wird hier nicht mehr wie in Galicien verwendet: Sie dient hier dazu, den Eintritt des Sängers zu markieren.
die möglichen Brücken abzudecken, aber um mehr Freiheit zu haben, singt der Sänger ohne
Begleitung. Dieses letzte Merkmal findet sich auch im typischen santanderianischen Lied.
Es gibt auch Zauber von Bergleuten und Vaqueiros.
4. Instrumentos: lagaita, eltambor, lascastañuelas de los Vaqueiros de Alzada, además de
lapanderetay elpandero.
Die Musik dieser Region ist in "Hundert traditionelle Lieder aus Asturien" von José Hurtado gesammelt.
in „Cancionero der populären asturischen Lyrik“ von Eduardo Martínez Torner.
 schnell-schnell

KANTABRIEN
1. Allgemeines: In Santander gibt es zahlreiche Tänze, möglicherweise keltischen Ursprungs. Aber
Im Gegensatz zu den vorherigen Gemeinschaften wurde hier die Gaita durch die Pito ersetzt, wie in
das Baskenland.
2. Tänze und Tänze: A lo pesau und a lo ligero sind Tänze mit musikalischem und choreografischem Kontrast;
Es ist ein gemischtes Paar, locker und gegeneinander. Die erste ist ein langsamer Tanz und
Grav; die zweite ist von technischer Sprungkraft und Fröhlichkeit. Eine Maid singt oft A lo pesau,
begleitet von Tamburin, während die Paare im Dreivierteltakt tanzen. Die von A lo ligero
Manchmal wird mit dem Rabbel und zur binären Zeit ausgeführt.
Lospicayosson Tänze von alleinstehenden Männern. Ihnen folgen die Mädchen, die die Melodien singen.
Begleitet von der Schellenrassel. Man glaubt, sie stammen aus dem Mittelalter und es wird behauptet, dass ihre
Existenz zur Zeit von Karl I. Sie sind auch eine Bruderschaft, die dem Schutzpatron gewidmet ist.
Ortsgemeinde Viérnoles, die alte Tänze zu Ehren der Anrufung aufführten, der die
servierten.
Andere Tänze sind die Bergtänze.
3. Cantos: Son importantes las marzas, canciones de ronda. También las canciones al rabel.
pastorales Saiteninstrument, ähnlich einer rudimentären Geige.
4. Instrumente: Pito und Trommel, aber das charakteristischste ist das Rabel, ein kleines Instrument.
von der Saite, die die Araber auf die Halbinsel brachten (”rebab”). In Santander spielen alte Leute sie.
Pastoren, die es selbst machen, mit einer Form ähnlich der von Geigen, aber schöner. Früher.
drei Saiten haben. Jetzt ist es praktisch ein Museum-Instrument.
Die Musik dieser Region wird in "Cantos de la Montaña" von Rafael Calleja und in der
„Volksliederbuch der Provinz Santander“ von Sixto Córdoba y Oña.

Baskenland
1. Allgemeines: Das baskische Volk tanzt mit den Füßen. Der weite Tanz hat einen Sinn.
äußerst akrobatisch. Die Haltung des baskischen "Dantzari" ist aufrecht, in Marschposition.
Es gibt keine Verzerrung, kein Greifen, kein Zucken der Hände, kein Drama. Es gibt nur Fußaktionen.
spontan und natürlich. Die baskischen Tänze können Hochzeits-, Spiel- oder öffentliche Tänze sein und
feierlich.
Es característica principal de la música vasca la afición por las agrupaciones corales como el
Orfeón, das ein gemischter Chor ist, und das Ochote, eine Gruppe von 8 Männern, die paarweise angeordnet sind: 2
10 Tenöre 1º, 2 Tenöre 2º, 2 Baritone und 2 Bässe.
2. Tänze und Tänze: Elzortziko ist der charakteristischste. Es bedeutet "von acht", bezogen auf die
Folge von 8 Versen mit 8 Silben, die die poetische Strophe bilden, wenn jener Tanz zu sehen ist.
vokal interpretiert. Der Rhythmus von 5/8 (Aksak-Rhythmus) war schon immer der eigene Zortziko.
Ein peculiar Zeichen ist das Punktieren seiner Bewertungen. Die metrische Formel ist 3 + 2, und die
rhythmische Kombination ist Besteht aus Sätzen von 8 Takten, die sich zusammensetzen
von Hintergründen und Konsequenzen.
Elariñ-ariñ ist ein profaner Paartanz, der "schnell-schnell" bedeutet. Gewöhnlich
Tanzen anlässlich verschiedener Feierlichkeiten. Eine Art Galopp, der früher seine eigene Musik hatte.
besonders, aber heute wird es durch jede Melodie im 2/4-Takt ersetzt.
 Laespatadanzay labiribilketason Ketten Tänze, wahrscheinlich von mittelalterlichem Ursprung.
Die erste ist aus Schwertern und die zweite aus Schnur, Seil oder Kette. In der Biribilketa die
Tänzer verbinden ihre Hände und ziehen in einer langen Reihe durch die Straßen.
Im Baskenland gibt es Fandangos, die nichts anderes sind als Ableitungen, fast immer.
sehr treu zum Original, der aragonesischen und navarresischen Jotas, was sie sehr unterschiedlich macht von
die auch als Fandangos aus Kastilien oder Andalusien bezeichnet werden und von der Seguidilla abgeleitet sind.
3. Gesänge: Es gibt echte Wiegenlieder, liebevolle, kindliche, elegische.
Man kann die Arbeit der losbertsolaris nicht vergessen, Improvisatoren von vertonten Versen, die
Sie wetteifern miteinander mit sprühenden Anspielungen und Gegenanspielungen. Ihre Werke sind vergänglich.
und niemand wiederholt sie, weil ihr bester Schmuck ihr improvisierter Charakter ist und
espontáneo.
4. Instrumente: Es existiert ein Aerophon von 43 Zentimetern, gestimmt in fis diatonisch und mit zwei
Oktaven. Es wird mit der linken Hand gespielt, die die drei Löcher bedeckt, die es hat: zwei vorne und
uno dahinter. Währenddessen schlägt die rechte Hand auf die Trommel. Vom santanderischen Pfeifen zum baskischen Txistu die
Der einzige Unterschied ist ein Ring zum Einführen des Fingers.
Laalbokaes ist ein baskisches Hirteninstrument; eine sehr primitive Doppelklarinette. Die beiden Röhren
sind aus Rohren aus verschiedenen Materialien, die mit einem Bindfaden als Klammer verbunden sind. Der Klang ist
amplifica mit dem „abarandú“, einem großen Kuhhorn, das als „Glocke“ dient. Der Klang ist sehr
metallisch, schriller als die Gaita.
Andere Instrumente sind das Tamborin, das den Txistu begleitet, und die Trikitixa, die ein
Zusammenstellung, die das Akkordeon und die Tamburin umfasst, da das Akkordeon ebenfalls
predominant in dieser Gemeinschaft und wird vor allem in städtischen Gebieten verwendet, wo es
Es ist in vielen Fällen gelungen, das eigene Txistu zu bewegen.
Die Musik dieser Region ist im „Cancionero del País Vasco“ enthalten, einer Sammlung von Juan.
de Orúe.

ezpatadanza Tanz der Männer

 Txistu und Tamboril

NAVARRA
1. Allgemeines: In Navarra haben die angrenzenden Regionen, insbesondere der Aragonese Jota, Einfluss gehabt.
das kastilische Rad, die baskischen Tänze, aber sie hat es geschafft, ihm einen eigenen Stil und Charakter zu verleihen. In
Navarra hat zwei klar unterscheidbare Zonen: die Nähe zum Baskenland, die teilt
mit diesem die baskische Sprache und die am nächsten zu Aragón, das spanisch spricht.
Die Konsequenz ist auch, dass ihre Folklore denjenigen ihrer Nachbarn ähnelt.
2. Tänze und Tänze: Der Jota aus Navarra unterscheidet sich von dem aus Aragón. Letztere hat einen eher
melismatisch, langsam und pausiert. Der Jota aus dem Norden wird mit dem aus dem Baskenland identifiziert, und der aus dem
Sur ähnelt der von Kastilien. Sie besteht aus 4 Teilen:
Intro: 4 Akkorde
Variación: ||: A :|| ||: B :|| ||: A :||
Brücke: Akkorde, die die Strophe einführen
Copla: melismatisch und langsam; man tanzt sie nicht
Text 2 1 2 3 4 4 1
melodía A B Ein B A B C
In den Worten des Professors Manuel García Matos: "Obwohl aufgrund ihrer harmonischen Struktur, Anzahl
Von Sätzen und viriler Emotionalität manifestiert die Jota der Region Navarra eine sehr enge Verwandtschaft.
eng und intim mit der von Aragón, ausgestattet ist sie mit anderen Qualitäten, die es nicht zulassen
verwirren. Diese bestehen aus einer größeren linearen Wellenform der Sätze, aus der Verwendung von mehr
abundante und lange Melismen und in geringerem Maße an metronomischer Regelmäßigkeit gebunden, resultierend aus
alles dies ein melodischer Preise, den wir nur aus Seltenheit in der Aragonese finden
Jota. Eigen sind sie und im Allgemeinen sehr unterschiedlich von den aragonesischen, die einleitenden Teile und
der instrumentalen Variationen.
Es gibt auch Jugendtänze wie lamutildantza.
3. Gesänge: Das Charakteristischste an dieser Region sind ihre Tänze, aber sie hat auch Gesänge.
Besonderheiten, wie schöne Liebeslieder, wie die Aprikose, und festliche Lieder,
unter denen der Olentzero hervortritt, der die gleichnamige Figur in vielen begleitet
Navarrischen Orte, wenn die Jungs ihn zum Spazieren Ausführen, um das Weihnachtsgeld zu bitten
Heiligabend.
4. Instrumente: Lagaita, die Flöte und die Trommel; Txistu und Trommel. Außerdem, für die Jotas, wird
usanguitarras und Bandurrias.
Die Musik dieser Region ist in einem Heft mit dem Titel "Al aire de la jota" gesammelt.
Seminar in Logroño (La Rioja), das Navarrischen, Aragonischen und Riojanischen Jotas sammelt.
 Jota von Navarra
ARAGON
1. Generalitäten: Man kann nicht von populärer Musik Aragons sprechen, ohne die Jota zu erwähnen.
beliebte Form des Aragonischen Zentrums in ternärem Rhythmus, mit Strophe und Refrain und mit einem Rhythmus von
gran virilidad que se ha extendido a otras regiones a veces con la denominación de
Fandangos. Die Tradition schreibt seine Erfindung dem Araber Aben Jot zu, der ihm seinen Namen gab.
2. Tänze und Tänze: Bolero von Caspe; obwohl der Bolero einer der am weitesten verbreiteten Tänze ist
Ganz Spanien, der von Caspe ist einzigartig in seiner Art.
Die Jota von Aragón wird in zwei Typen unterteilt: die des Alto Aragón (kalte Zone), eine sehr lebhafte Jota; und
die im Bajo Aragón (wärmende Zone), ruhigere Jota. Es hat immer einen dreiteiligen Takt.
zwei Teile
Variierung oder instrumenteller Teil, wenn er gesungen wird, würde in diesem Fall Refrain genannt werden.
Strophe oder Vers, Gesangsteil
Die Variationen beginnen mit drei typischen Akkorden. Die Jota bewahrt stets die Harmonie.
básica I-V. Wenn die Kopla ankommt, senken die Instrumente die Lautstärke. Die Texte sind:
Achtzeilige Strophen, die in sieben Musikfrasen verteilt sind.
Ejemplo: variación = guitarras, bandurrias y castañuelas
Copla = Gitarre (ternärer Rhythmus) und Sänger
Andere Aragonese Tänze sind: elsomerondón, Tanz und Gesang von corrode der Zone, die von
der Fluss Aranda; die Polinarios, ähnlich dem Bolero; der Tintan, der im Norden getanzt wird und hat
großer französischer Einfluss; die lasseguidillas, die sich im Gebiet der Jota durchsetzen können.
3. Cantos: Wir haben bereits den Somerondón erwähnt, der sowohl ein Tanz als auch ein Gesang ist; und
Wir müssen auch die albas erwähnen, Lieder zum Wecken, die in anderen reichlich vorhanden sind.
viele Regionen Spaniens.
4. Instrumente: Chicotényflauta Jacetana, Rondalla... Der Chicotén ist ein sehr
Original, denn kein ähnliches Instrument erscheint in einer anderen Region Spaniens, obwohl es hat.
elternlos mit europäischen Zithern und insbesondere mit der Spinetta aus den Vosges, Frankreich.
Es ist ein Saiteninstrument, das mit einem Stock geschlagen wird.
Auch im Land von Huesca erscheint Lagaita oder Bot, das nichts mit den
gallegas oder asturianische, aber ja mit der französischen caberte, alle Töchter der cornamusa, so
ausgedehnt über Europa.
Die Musik dieser Region wird in einem Heft mit dem Titel "Im Klang der Jota" gesammelt.
Seminar von Logroño (La Rioja), das navarresische, aragonesische und riojanische Jotas sammelt.
 Jota aus Aragón chicotén
KATALONIEN
1. Allgemeines: In der populären Musik Kataloniens ist das Genre Romancero weit verbreitet.
In Katalonien gibt es viele alte Romane, von denen einige aus dem reichen mittelalterlichen Erbe stammen, und
andere mit maritimem Inhalt, ein sehr häufiges Thema.
2. Tänze und Tänze: Der beliebteste Tanz Kataloniens ist die Sardana. Es ist ein kreisförmiger Tanz in der
dass Männer und Frauen Hand in Hand verbunden sind und dass es eine Art offenen Tanz ist, weil in
él pueden entrar y salir quien quiera y cuando quiera sin que eso importe. Hay quien dice
was aus Griechenland oder aus den alten Zivilisationen stammen kann... Auch im
etymologischer Begriff. Aber die Form und Struktur der kurzen Sardana (primitiv) scheint nicht zu sein
sehr alt wegen ihrer Konstitution in regelmäßigen und symmetrischen Perioden von 8 und 16 Takten, und
wegen ihrer harmonischen tonalen Entwicklung. Die erste Nachricht über die Sardana als solche findet sich in einem
Manuskript des 18. Jahrhunderts: Musikstück mit diesem Titel, gefolgt von drei Veränderungen. In seiner
Der Ursprung musste gesungen werden und wäre der Höhepunkt des „Contrapás“ (einem anderen katalanischen Tanz). Die Sardanas
Cortas oder primitive entwickelten sich über zwei Phrasen von 8 Takten in Dur und
zusammengesetzter binärer Takt. Der zweite Satz wurde wiederholt, um die 16 Takte der
lange. Die langen Sardanas entwickeln sich in freier Tonalität und binärem (einfachen oder
zusammengesetzt) und bestehen aus einer unbestimmten Anzahl von Takten sowohl für den ersten Teil
(cortas) wie für die zweite (lange). Sie werden instrumentell von der Cobla begleitet, ein
Instrumentalensemble.
L'Hereu Riera ist eine Adaption eines älteren Tanzes. Der gesungene Roman, der
begleitet den Tanz, scheint der gleiche Fall zu sein wie im asturianischen Primitanz: Choreographie
bewahrt dank der Speicherung eines Textes, der verhindert, dass die ursprüngliche Melodie der
Der Tanz geht verloren. Er wird ausgeführt, indem man zwei Stöcke kreuzweise anordnet, an deren Ecken ...
tanzen die Tänzer (ähnlich einem Tanz aus Schottland, aber mit Schwertern oder Lanzen). Bis
Vor kurzem wurde es als Spiel verwendet: ein Glas wurde auf den Boden oder auf einen Tisch gestellt.
von Wein und gekreuzten Stöcken darüber. Es bestand darin, die Schritte des Tanzes ohne Berührung zu interpretieren
die Stöcke mit den Füßen.
3. Cantos: Das Liederbuch mit religiösem Inhalt ist auch in Katalonien sehr reich, vor allem
Was die "Gozos" betrifft, lange Litaneien, die die Tugenden des Heiligen besingen.
Patron jedes der katalanischen Dörfer.
4. Instrumente: das Besondere ist die Cobla, ein instrumentelles Ensemble, das aus dem Flabiol besteht.
(caramillo), tamboril, tipleytenora, cornetín, fliscorno, trombón y contrabajo, y sirve
um die Sardane zu begleiten.
 Ein weiteres Instrument ist die Lagralle, Gralles im Plural, eine Art von Dulzaina.
Die Musik dieser Region wird in "Cançons de la terra" von Francisco Pelay Briz festgehalten.

cobla sardana
BALEAREN
1. Allgemeines: Auf den Balearen hat sich ein typischer Fall von "Naturreservat" ergeben, das...
Erlaubt das alte Volkswesen mit sehr wenigen Varianten über Jahrhunderte zu bewahren.
2. Tänze und Tänze: Lamateixa ist ein Paartanz im dreifachen Takt. Sein Name macht
Anspielung auf die Variationen, mit denen der "selbe" Tanz interpretiert wurde, und seine musikalische Struktur.
es muy similar a la de la jota.
Elbolerotambién ist auch typisch für die Balearen. Es stammt von einem alten höfischen Tanz ab und ist bekannt.
seit Beginn des 19. Jahrhunderts. Nach einem langen Schlaf tauchte es wieder auf mit den
Arrangements, wie sie jetzt bekannt sind. Es wird kein Teil gesungen und es besteht aus einer
majestätische Einleitung und ein tanzbarer Teil, der dreimal wiederholt wird.
Die mallorquinische Labolera ist eine Variante des Boleros, die zu Beginn des aktuellen Jahrhunderts aufgetaucht ist. Die
Interpretieren drei Tänzer: zwei Frauen und ein Mann, der höflich auf die Gesten reagiert.
von ihnen.
Die Jota ist ein Tanz mit ruhigeren und maßvollen Schritten. Charakteristisch sind die Anmut und der Charme.
Andere Tänze dieser Region sind die Fandangos, der Bergtanz und der Copeo-Tanz.
In Ibiza stechen die Hochzeits Tänze „sa curta“ und „sa llarga“ hervor.
3. Gesänge: Was die Gesänge betrifft, sind die Gesänge von Cuantre, von Ibiza, erwähnenswert. Sie sind
Trovos o cantos de porfía, das heißt, Kampf oder Streit zwischen einem Mann und einer Frau, der sich
Sie sitzen in den Familienbesprechungen und kneifen die linken Knie zusammen, zwischen denen man sich festhält.
Tamboril. Sie legen die Stirn zusammen und bedecken das Gesicht mit einem Tuch. Die Buchstaben werden improvisiert.
(trovos) und das Publikum lacht und applaudiert dem Einfallsreichsten. Sie improvisieren ihre Verse, während sie
Sie begleiten mit einem kleinen Trommel und verteidigen ihre Geschlechtsgenossen, während sie gleichzeitig versuchen, lächerlich zu machen.

Im Gegenteil.
También son abundantes lascanciones referentes a las tareas y labores del campo: el
Die Olivenernte oder die Ernte der Mandeln haben ihre eigene Musik geschaffen. Sie sind die
escasas canciones de trabajo agrícola en España que aún se cantan mientras se trabaja.
4. Instrumente: Charakteristisch sind die lasxeremíes (Chirimías) und die lasxiurellesy, genauso wie in
Cataluña, lagaita, elflabiol, eltamboril, laguitarra, elviolín, lascastañuelas, el
Dreieck...
Eine wichtige Sammlung, die das Volksleben dokumentiert, ist "Mallorquinische Musikfolklore" von A. Pol.
 Cantos de Cuantre Ibiza-Tanz
KASTILIEN-LA MANCHA UND MADRID
1. Allgemeines: Der kastilische Folklore ist allgemein nüchtern und vom Ascetismus geprägt.
2. Tänze und Tänze: Die Seguidilla hat ihren Ursprung in La Mancha und reicht bis ins 15. Jahrhundert zurück.
XVI. Es ist normalerweise im Takt 3/8 und in Dur, Moll modal. Ein Ersatz für die
Seguidillas ist der Bolero, typisch für Levante und die Balearen. Es hat vier typische Teile: Intro
(instrumental) + Salida (vokal) + Vuelta oder Refrain (instrumental) + Copla (vokal).
Es werden auch Boleros gespielt, ebenfalls mit ternärem Rhythmus und denselben Konfigurationen.
rhythms of the seguidillas, and the torrás, with a livelier air. Other forms include the fandango,
jerigonzas und jotillas.
In Castilla la Vieja gibt es viele Prozessionen, angeführt von der Einleitung und
gefolgt von Umzügen, die die wichtigsten Feste jedes Dorfes begleiten.
Wir müssen auch über die Lastoreras sprechen, die die Verwurzelung des Stierenspiels demonstrieren.
in den spanischen Traditionen.
3. Cantos: mayos oder mayas. Es war ein heidnisches Fest, das Ereignisse wie die Ankunft feierte.
Frühling. Die Burschen und Mädchen umschwärmten die Feier. Ein Baum wurde geschmückt.
aber es wurde so stark geschmückt, dass die Kirche es verbot (phallisches Zeichen) und es durch eine ersetzte.
Kreuz. Jetzt ist das Fest religiös. Die Lieder des Mais werden zu dieser Zeit gesungen und können
sich heidnisch oder religiös verhalten.

Die Existenz der zahlreichen Romanzen zu kommentieren, die von Formeln großer ...
Antiquität bis zu den jüngsten Liedern von Blinden, von sehr niedriger literarischer Qualität, aber das Ergebnis von
eine weit verbreitete Tradition.
In Kastilien la Nueva sind auch die Liebesrunden berühmt, die aus bestehen aus
Lieder mit Rhythmen von Jota und Seguidilla.
4. Instrumente: Das charakteristischste ist die Rondalla, die Tamburine und auch die Gaita.
Podemos encontrar música de esta región en “El estudio sobre el canto popular castellano”
de Gonzalo Castrillo.
 Paloteo von Albalate

CASTILLA LEÓN
1. Allgemeines: In Kastilien-León, wo der kastilische Charakter vorherrscht, ist auch
umgeben von den Nachbarn Galicien und Asturien.
2. Tänze und Tänze: A lo alto, das auch A lo agudo, A lo aligero, Agudillo genannt wird, oder
Seguidilla. Es una danza contrastante con A lo bajo, que también se llama A lo llano, A lo
gravier, A lo pesado oder Jota.
Ein weiterer Tanz aus dieser Region ist die Rueda: Es bildet sich ein Kreis mit allen Paaren, die...
drehend. Er diente dazu, den Priester an den Feiertagen bis zum Rathaus zu begleiten, und dann,
mit den Behörden, bis zur Kirche. Nach der Zeremonie zurück ins Rathaus.
Es ist der Aksak-Rhythmus. Er ist typisch für Segovia und Burgos (genauso wie die Einleitung).
Laentradillase tanzte vor dem Dorfpatron, als er zur Prozession hinausging, und auch
Bei den Hochzeiten tanzten zuerst die Männer und dann suchten die Mädchen einen Partner.
die Angehörigen auswählend. Der Rhythmus ist Aksak: 8/8 kombiniert in 3+3+2 oder 3+2+3. Es
begleitet von Dulzaina und Trommel und ist in Rondo-Form strukturiert.
In den Lascharradas, typischen Tänzen aus Salamanca, bleiben Körper und Kopf fest.
Die gesamte Anmut liegt in dem Flechten, das sie mit den Beinen machen, im Wiederholungsgeräusch der Füße und in
la mayor ligereza para moverlos. Suelen estar en compás aksak de 10/16, en tempo
moderato und über den Dur- oder Moll-Modus, oder über die andalusische Skala. Die Choreografie kann
ser gesetzt oder gesprungen. Eine Variante ist die gehackte Charrada.
Lashabas verdes, sagen einige, dass sie von den Seguidillas aus La Mancha stammen, und der Name
stammt aus dem Refrain, der die stimmlichen Lieder des Tanzes beendet, was sowohl das betrifft als auch
tanze wie das Lied, das es begleitet.
3. Gesänge: In Kastilien-León fanden sie Strophen, Serenaden, Berglieder, Cantigas, Lieder
von der Hochzeit ...

4. Instrumente: die Kanne, das Triangle, die Rasseln, die Zimbel, die Trommel...
Ein charakteristisches Instrument sind die Lastejoletas, zerbrochene Teller, die mit einem Faden hängen und die
Sie sind normalerweise aus Glas, es gibt aber auch welche aus Holz (die ältesten).
Ladulzaina ist ein Doppelrohrblattinstrument, das einen fröhlichen und schrillen Klang hat und gespielt wird.
begleitet von Trommel. Es wird mit beiden Händen gespielt und die Luftmenge, um es erklingen zu lassen, ist größer.
als bei anderen Instrumenten. Es gibt zwei Arten:
B. mit Schlüsseln
C. sin llaves (pastoril), die 7 Löcher hat und älter und einfacher ist als die
anterior
Es ist bekannt, dass die Dulzaina im 13. Jahrhundert durch die Miniaturen der Cantigas von Alfonso existierte.
X el Sabio. Er wird in anderen Regionen unterschiedlich genannt: dolçaina oder gralla in Katalonien,
 bolín-gozo im Baskenland, tururaina (in Cuenca), verinocas (Alicante), [charamita in
Callosa].

Castellana Dulzaina
Sammelt den Folkore von Kastilien und León die "Cancioneros de Burgos, leonas, salmantino..." des
zuvor genannter Gonzalo Castrillo.

EXTREMADURA
1. Allgemeines: Cáceres und Badajoz, die beiden Provinzen Extremadura, sind enorm
vom Rest der spanischen Städte isoliert. Diese geografische Isolation hat bestimmt, dass das
Die extremeñische Volksmusik ist größtenteils original, obwohl im Norden der Region Einfluss von
salmantino und im Süden andalusisch. Neben seiner Originalität ist sein Folklore von einer erstaunlichen
Reichtum, sicherlich, weil kein Genre übermäßige Vorherrschaft erlangt hat, noch hat es
ausgesetzt, daher andere weniger beliebte Stile.
2. Tänze und Tänze: Elson Brincao wird als der Tanz aus Montehermoso (Cáceres) angesehen.
wichtig. Der Mann und die Frau (Tänzer) stehen sich gegenüber. Es gibt eine Einführung
ein Tambor und sie bewegen sich hin und her und machen einige Vorbereitungsfiguren. Dann,
Die Gaita aus Extremadura kommt. Die Frau schaut immer zum Boden. Der Mann hört nicht auf, zu schauen auf
Ihr Partner.
Elquita und du bringst einen fröhlichen Paartanz, dessen Rhythmus ähnlich dem der Jota ist.
in den Kastagnetten vom Mann interpretiert. Die Choreographie ist nicht sehr alt. Der Name
Es kommt vom Refrain (letzte Zeile).
Lajotatambién wird auch in Extremadura gegeben, in diesem Fall die jota extremeña, und sie sind auch zahlreich.
losfandangos.
Andere Tänze sind elperantóny und der Kerzentanz, ebenfalls im dreiteiligen Takt.
wir haben das Corridino Oliventino oder Elviradoble. Es handelt sich in allen Fällen um Tänze, die sich
Interpretieren fast immer mit Gitarren und Bandurras, die manchmal mit dem Akkordeon versehen sind.
als Ergänzung, und dessen Rhythmus mit Kastagnetten, Schellen, Flaschen und verschiedenen
Arten von Yerrillos.
In Arroyo de la Luz (Cáceres) wird ein Paartanz namens La rama in seiner ursprünglichen Form erhalten.
Ritual, der zu den ältesten in Extremadura gehören kann. Er wird mit einem Quililí abgeschlossen.
vibranter Schrei, der in jeder Region unterschiedlich genannt wird (Aturuxo in Galicien).
3. Cantos: In Extremadura sind die Rundlieder zahlreich, jedoch nicht die Arbeitslieder.
Und man sollte die Zeremonien und Lieder hervorheben, die die Feste des Kreuzes begleiten, in
das pacense Dorf Feria, das in den ersten Maitagen gefeiert wird.
4. Instrumente: lagaita extremeña, mit drei Öffnungen, und die Trommel.
Die Musik dieser Region wird im "Volksliedbuch von Extremadura" von Bonifacio gesammelt.
Gil.
 Tanz der Laterne Jotilla Oliventina

MURCIA
1. Allgemeines: In Murcia gibt es eine heterogene topografische und klimatische Vielfalt. Bis zum Jahrhundert
XVII funktionierte als semileerer Rand des Königreichs Kastilien, das sich ein wenig dem widmete
Polykultur und Viehzucht. Bis zum XVIII. Jahrhundert kann man nicht von dem murcianischen Volk sprechen. A
Von da an wurde die Region schnell besiedelt. Trotz der Modernität der letzten
Seit Jahrzehnten besteht in Murcia eine ausgeprägte Vorliebe für das Ländliche: Verhaltensweisen, Gastronomie,
fiestas, usos familiares y sociales... y el folklore.
2. Tänze und Tänze: In Murcia dominieren die Arten, die der Unterhaltung und dem Spaß dienen,
die keine grundlegende Funktionalität haben. Sie verwenden vor allem choreografisch-sängende Formen.
gemeinsam mit anderen Regionen Spaniens, aber mit eigenen Besonderheiten.
Die Lajota Murciana erhält Einflüsse aus der aragonesischen, der valencianischen (Cants de l’horta) und von
Cantos aus Andalusien. Einige Bezeichnungen sind: Jota Panadera, Jota Chipirrín, Jota de Tres,
jota huertana, je nach ihrer Herkunft (jota aus Lorca...). Erwähnenswert ist die jota aus Águilas, jota
Marinera, schnell ausgeführt mit Sprüngen und Schwierigkeiten, die sie schwer zu lernen macht;
gleicht in Tapferkeit der Aragonese.
Lasseguidillasen Murcia werden Parrandas und / oder Pardicas genannt, die von maurischer Herkunft sind.
wurden aus La Mancha nach Murcia importiert.
Laparrandaes ist der typischste und exklusivste Tanz der Murciana-Gemüsegärten. Sie sind in der Regel schnell,
mit auffälligen und fröhlichen Umzügen. Zwei Paare tanzen sie: Die Frauen spielen Kastagnetten und
Die Männer tragen die Montera. Bei den Parrrandas spricht man von dem "Retal", das ist ein
eine Art von Coda oder Refrain, die am Ende hinzugefügt wird, mit sehr lebhaftem Rhythmus; die Tänzer
endet mit großen Sprüngen, Sprüngen und Klatschen und erreicht ein außergewöhnliches Ende. Es
begleitet von der Rondalla (Violine, Gitarre, Rahmentrommel und Kastagnetten).
Die bekanntesten Laspardicas sind die "Nein-Pardicas", die aus Caravaca stammen.
Moratalla. No tienen estribillo y su característica es la síncopa, además de que son muy
lebendig und auffällig.
Andere Seguidillas sind die Seguidillas-Sevillanas, die Roblatas oder Toreras, die Manchegas und die
torrás.
Es gibt auch Murciaboleros, die langsamer und melodischer sind. Die Refrains sind
Paseillos. Die seguidillas huertanas sind ein Stil des Boleros, obwohl sie auch genannt werden.
parrandas mit pausierter Ausführung, bei denen der Rhythmus mit Kastagnetten markiert wird; sie sind sehr
beliebt.
In Murcia tanzt man auch Fandangos, die Malagueñas und Murcianas genannt werden. Es ist ein Tanz.
reposado und señorial, die aus bestehen: einführung, umzüge und estribillos mit variationen.
 Die "Malagueñas del dos" aus Cieza sind bekannt. Der yeclanische Fandango ähnelt mehr dem
andaluz. Andere Fandangos sind die Rondeñas und die Granadinas.
Andere Tänze, die in der Region Murcia stattfinden, sind: die Alegrías, ähnlich den Seguidillas.
de Rhythmus ternär und sehr kurzes Lied, das flamenco- und gitanoähnliche Erinnerungen präsentiert,
typisch in Mula und Ulea; die Encarnación, die ein einzigartiger Tanz der Encarnación ist, ähnlich wie
Die Pardicas (abgeleitet von der Jota), mit schnellem und synkopiertem Rhythmus und ohne Refrain, mit Texten
sehr vielfältig; und die Marías, ein einzigartiger typischer Tanz aus Lorca mit synkopiertem Rhythmus und
anschaulich, mit verschiedenen Stimmungswechseln und ohne Refrains, wobei die Strophen instrumental getrennt sind.
3. Cantos: Es ist typisch für diese Region, die Aguinaldos, auch Animeras, Aguilanderas genannt, zu haben.
Ostern. Die Strophen und Refrains sind in achtzeiligen Quartetten strukturiert. Der Rhythmus ist
ternär, mit klarem Phrasieren und modulierender Harmonie zum verwandten Ton. Der literarische Inhalt variiert:
Die Animeras beziehen sich auf die Seelen und sind ein Gesang in Gefahr zu verschwinden; die Aguinaldos sind
Improvisationen für Albar-Bilder und bedeutende Personen und um das Aguilando zu bitten; sind
witzig.
Lassalves und aurorasse werden seit dem 10. Jahrhundert durch mündliche polyphone Traditionen bewahrt.
entonan Cofrades der Bruderschaften der Auroros, aufgeteilt in zwei Chöre, geleitet von den
Klingeln einer Glocke, die der Dirigent des Gesangs schlägt. Die Gesänge sind für 4 Stimmen: eine Stimme
Singt die Melodie und die zweite singt in dritten oder sechsten parallelen tief; die anderen zwei
Ihr rezitiert den Text in Bordón unten und oben zur Oktave. Diese Polyfonie ergibt als
Das Ergebnis sind einige Lieder von rauer, naiver und suggestiver Schönheit. Die Auroros gliedern sich in
zwei Teile, die sich gegenseitig antiphonal beantworten.
Hay que hablar en la región de Murcia de la relación con el flamenco que se da con el auge
bergbaulich seit dem 19. Jahrhundert in der Sierra de Cartagena, insbesondere in der Gemeinde La
Union. Der Flamenco wurde dort aufgrund der andalusischen Einwanderer, die ankamen, populär.
Arbeiten in der Bergbauindustrie. Seit 1961 findet das Nationale Festival des Gesangs der Minen statt.
die einige Stöcke am Leben erhält: Cante Jondo, Mineras, Cartageneras, Tarantas,
malagueñas... Allí son también muy frecuentes los trovos, improvisados por los troveros
lokale.
4. Instrumente: Zu den Saiteninstrumenten gehören die Gitarre und das Gitarreninstrument (mit 5 Saiten und kleiner als)
die Gitarre, mit orientalischem Klang), Laúd, Elaudino, Labandurria, El Timple und der
timplete, el violín, el laúd filipino. Typisch für die Perkussion sind die postizos und die
castañuelas, loscrótalos, elpanderode piel de gato, elcántarode aguador, lacampana,
pandereta, elraspador, lascampanillas, elcollerón de cascabeles, losplatillos, la
calabaza(de gran sonoridad y efecto contrabajo), lascarrasquillas(cañas huecas unidas
untereinander und um den Hals hängen, um sie durch Schlagen zu spielen), die lascarrasquetas (gleich wie die
anteriores aber von Tierknochen), die Kastagnetten (aus leichtem, dickem und sehr trockenem Rohr
45 Zentimeter lang, längs bis zu einem der Knoten geteilt; trägt einen
Essen in der Mitte; wird mit der linken Hand gehalten und mit der rechten Handfläche gerieben), der
Dreieck, die Löffel und die Anisflaschen.
Lascuadrillas und die Rondallas sind die typischsten instrumentalen Gruppen des Volksliedes.
murciano. Die Gruppen sind Gruppen von 10 bis 15 Musikern aus der Gemeinde, die ergänzt werden durch...
Pascua der „Verwalter“. Wenn sie am aktivsten sind, ist es zu Weihnachten, bei den Wallfahrten und
Tänze des Dorfes. Sie nutzen die mündliche Überlieferung. Bekannt sind die aus Lorca, Barranda und
Patiño. Sie stammen aus der bäuerlichen Kultur.
Das repräsentativste Liederbuch ist das von José Verdú „Volkslieder aus Murcia“.

Parranda
ANDALUSIEN
1. Allgemeines: Es ist eine sehr reiche und vielfältige Musikregion. Die Lieder und Tänze
andaluzas están muy influenciadas por el flamenco. Andalucía siempre ha sido un centro
wichtig im musikalischen Bereich bis zu dem Punkt, dass die spanische Musik durch bekannt wird
die andalusische. Merkmale der spanischen und andalusischen Musik:
Große rhythmische Vielfalt. In Andalusien finden sich Polyrhythmen und reiner Rhythmus.
Choreografische Tendenz
Utiliza la escala mediterránea o escala andaluza. Usa el # para subir y el zum Herunterladen.
Verwendet eine große Anzahl von Refrains, Melodien über dem Text und Phrasen.
2. Tänze und Tänze: Die wichtigsten Formen sind lassoleares, mit Versen aus acht Silben in
tercetos; die Freude, die Scherze, die seguiriyas, die Peteneras und der fandango, mit ihren
granaínas, rondeñas, malagueñas und murcianas, alle sind dies musikalische Formen mit
Einleitung, Strophe und im ternären Rhythmus.
Ebenso sind die Verdiales und der Vito typisch. Alle diese Formen haben einen ternären Takt.
3. Gesänge: Unter den religiösen Liedern sind die lassetas und die Lieder der Morgendämmerung. Auch
wir haben den jondo Gesang, der zum Flamenco gehört, die Romerosongs und die Arbeitslieder. Andere
Formen sind die Sevillanas, die, wie die meisten Formen dieser Region, sind
sowohl Tänze als auch Lieder.
4. Instrumente: Die Hauptinstrumente sind die Kastanetten und die Gitarre.
Die Musik dieser Region wird in "Sammlung volkstümlicher Lieder" von Eduardo Ocón festgehalten. Und
im "Cancionero de Andalucía" von Juan Hidalgo.
5. Der Flamenco. Die flamenco Kunst ist geografisch mit Andalusien verbunden. Kenntnisse über die
Primitiv flamencos zu singen ist eine Aufgabe mit großer Schwierigkeit aufgrund des Mangels an Daten.
rigoros und dokumentiert. Sie wurden mündlich überliefert, sodass nicht bekannt ist, welche Treue
bewahren die ursprünglichen Lieder.
In Andalusien erscheint ein musikalisches Panorama aufgrund der vielfältigsten Einflüsse:
5. Ionische und phrygische Modi, inspiriert vom byzantinischen Gesang
6. Primitive Musiksysteme des Hinduismus, die durch Ziryab mit Stil übertragen wurden
wiederholend und ornamental
7. Lieder und Musik der Muslime. Der Fandango und seine Ableitungen sind von diesem Einfluss.
Dieser Einfluss stammt vor allem aus dem 17. Jahrhundert in den unterandalen Ländern.
8. Salmodische Melodien und jüdisches Musiksystem
9. Beliebte mozarabische Lieder, einheimischer, andalusischer Art: die
„Jarchas“ und die „Zambras“.
Es scheint, dass das Zigeunervolk im 15. Jahrhundert angekommen ist und neue Lieder formte, die sich
fueron integrando en las tradiciones populares. Antes de finales del XVIII permanece a
Dunkel. Was Flamenco genannt wird, formt sich am Rande anderer folkloristischer Manifestationen.
andaluzas, aufgrund von Rassenumständen, in striktem anonymen Zustand. Die Ablehnungen und
Verfolgungen von Zigeunern und Morisken, mit Leben am Rande der Gesellschaft und des Gesetzes, erklärt
Warum ist der Flamenco im Untergrund?
Der Flamenco erreicht seinen Höhepunkt Mitte des 19. Jahrhunderts, beginnend in Cafés Cantantes und
sich über ganz Andalusien erstreckend. Wenn man das Repertoire der Lieder und Tänze der Cafés betrachtet
Sänger finden die Quellen des Flamenco: die Zigeunerin und die eigentliche andalusische: die
tonás, seguiriyas, soleares und tangos der gitanischen Rekreation sowie seguiriyas, boleros und fandangos
der andalusischen Volksoberfläche.
Die Klassifizierungen des Flamenco sind schwer zu konkretisieren, da sie auf Faktoren basieren können.
stilistischer, rassischer, historischer, geografischer, musikalischer usw. Wir wissen, dass es Gesänge gibt
Primitivos, die sind: Tonás, Seguiriya und Soleáres, und andere, die abgeleitet sind und wenig Stile.
integriert im reinen Schmelztiegel des Flamenco wie Farruca, Peteneras, Trilleras, Guajiras oder das
garrotín. Dentro de lastonástenemos: toná grande, toná chica, martinete, debla, carcelera y
Pregones. Der Fandango als eine Variante des Flamenco mit andalusischen Wurzeln scheint
 zweifelhaft. Das Einzige, was sicher ist, ist, dass die Fandangos sich ab einem bestimmten Zeitpunkt in ein produktives Gebiet verwandeln.
19. Jahrhundert in der flamenco-andalusischen Kunst. Einer der Höhepunkte des andalusischen Fandango ist die
Malagueñas. Andere alte Fandangos sind die Verdiales und Bandolás. Wenn wir als Ausgangspunkt nehmen
Von Anfang an im andalusischen Fandango finden wir Gesänge wie Rondeñas, Jaberas, Zánganos,
marengos, tarantas, cartageneras, mineras, granaínas, medias granaínas und fandangos von
Huelva.

Fandango de Huelva

KANARISCHE INSELN
1. Allgemeines: Der kanarische Folklore hat gemeinsame Merkmale mit der venezolanischen Folklore.
obwohl es auch Einflüsse von der Halbinsel erhält, vor allem aus Andalusien. Es zeichnet sich aus
vor allem durch die Verbindung des Geistes der alten Guanchenrasse und den Einfluss der
Halbinsel.
2. Tänze und Tänze: Der typischste ist die "Isa". Auf das Kommando des Tanzkapitäns beginnen
Ketten und einfache Figuren, die sich nach und nach komplizieren. Plötzlich, nach einem
trockenes Zupfen der Instrumente, die Kette des Tanzes bricht und die Schwierigkeiten beginnen
Arabesken von Isa, auf die wieder das Rad folgt. Ihre Harmonie basiert auf I-V. Die Texte
sind von cuarteta octosílaba für die Copla und von cuarteta de seguidillas für den Refrain. Sind von
ternärer Takt
Eltanganillo, el Santo Domingo und el Tajaraste sind Paartänze, die verbunden sind.
Tanganillos begleiten Bandurrias oder Timple und ein Bass, ebenso wie in Santo Domingo, aber
dieser ist ruhiger. Der Tajaraste ist der lebhafteste; Kastagnetten und das Tamburin werden hinzugefügt.
auch tajaraste genannt, da es ausschließlich für diesen Tanz gewesen sein musste.
Lafolía ist ein Gesang mit Tanz. Eine leidenschaftliche und idyllische Melodie, die den Charakter widerspiegelt.
Temperament der Bewohner der Inseln. Sie waren auch in anderen Regionen bekannt.
Spanische (unter Aragón, Valencia). Sie haben eine feste Form und eine harmonische Begleitung.
estereotipiert. Mit aller Sicherheit stammt es von der historischen Folia in ihrer barocken Bedeutung ab.
Die malagueña canaria ist eine besondere Anpassung des gleichen andalusischen Gesangs. Die Form
armónica und strukturell blieb gleich, aber ihre melodischen Wankungen sind sanfter und
subtil in Nuancen und Ausdrucksweisen. Sie sind sowohl ein Tanz als auch ein Lied.
Die kanarische Seguidilla ist eine fröhliche, springende Seguidilla.
Andere Tänze sind el sorongoy und der Tango, der herreño, gomero und tinerfeño sein kann, beide
im ternären Rhythmus. Ein wichtiger Tanz ist der laguarachay, es gibt auch den corrido.
3. Cantos: Die Isa und die Malagueña Canaria sind Tänze, die auch Gesänge sind. Aber sie sind auch
typisch sind die kanarischen Wiegenlieder, die arrorrós genannt werden. Unter den Arbeitsliedern sind sie zahlreich vorhanden.

den Fischerei- und Landwirtschaft gewidmet, den beiden wichtigsten Arbeitsbereichen der
Inseln, vor allem vor der touristischen und kommerziellen Explosion, die dort stattfand.
4. Instrumente: Die typischen Instrumente der Kanarischen Inseln sind der Timple und das Canelillo.
tajaraste (Pandera) und die Chácaras, eine Art von Kastagnetten. Auch larondallacon
Bandurrias und Gitarren.
Die Musik dieser Region wird in "Kanarische Gesänge" festgehalten, gesammelt von Bernardino Valle.

isa Folía kanarische Instrumente

2.4. POPULÄRE VALENZIANISCHE MUSIK

Weltweit berühmt, ist Valencia das Symbol des mediterranen Spaniens, wegen der
Esplendor seiner Landschaft, die Fruchtbarkeit seiner Erde, das Licht seiner wunderbaren Sonne und das Goldene
Freude an seinen Orangen, seinen Zitronen und seinen Palmen. Das Land ist allgemein flach und ist gesprenkelt mit
Picos, wie wachsame Türme: Tosal del Rey, Muela de Ares oder Altana. Jahrhunderte der Dominanz.
Musulmanen haben ihre Spuren im valencianischen Volksglauben hinterlassen, insbesondere in der Kleidung von
ihre Musiker und Tänzer, reich und von unvergleichlicher Schönheit. Küste, die von jeher allen geöffnet ist
Kulturen, die auf der Halbinsel aus dem Mittelmeer stammten. Griechen und Römer
Sie hinterließen auch ihre Spuren in den Tänzen und den valencianischen Liedern, die alle suggestiv sind,
harmonisch und elegant. Alle Tänze, insbesondere bei den Frauen, haben eine gewisse Ausstrahlung von
Majestät und Süße, die manchmal im Kontrast zur rhythmischen und instrumentalen Pracht ihrer Verse steht.
So bewahren wir in Valencia einen kleinen Teil des katalanischen Romancero.
provenzal mit bereits durch die Zeit verwandelten Versionen; wir bewahren eine große Menge von
Melodien des Tanzes aus nordischen Traditionen. Und wir bewahren auch viele Lieder der
südliche Tradition gemäß der Art und Weise, wie die Neuen diese Musik verstehen
christliche Einwohner.
In unserer valencianischen Gesellschaft, wie in der gesamten westlichen Welt, die Kultur
Tradition ist gestorben. Die orale Überlieferung, die ein grundlegendes Vehikel einer
Kultur, die die Bedürfnisse einer Gesellschaft abdeckte, die ebenfalls verschwindet. Zum Glück,
Heute gibt es in unseren Regionen noch individuelle Manifestationen traditioneller Musik und
Kollektive; und das Gedächtnis unseres Volkes bewahrt immer noch lebendige Lieder und Melodien, die ...
in der letzten Zeit aus der Nutzung gefallen, aber während seiner Kindheit noch in Gebrauch.
Aus welchem Dorf oder aus welcher Region ist ein Lied? Es kann nicht als gültig betrachtet werden.
Diese Frage, warum traditionelle Musik keine definierten Grenzen hat.

Traditionelle Musik kann aus verschiedenen Blickwinkeln untersucht werden: von einem
geografische Sichtweise, aus einer thematischen Perspektive oder nach musikalischen Genres. In der
In der Valencianischen Gemeinschaft können wir ebenfalls diese Unterscheidungen treffen:
Thematische Klassifizierung:
Arbeitssongs aus der Landwirtschaft Romanzen und Erzählungen
Wiegenlieder Romane von Blinden
Trinklieder oder Wirtshauslieder Weihnachtslieder, Weihnachtsgeschenke
 Oster- und Snacklieder humoristische und witzige Lieder
Rundgesänge, von Alba und von Lieder über Hausarbeiten
fünftes Religiöse Lieder, Auroras und Gozos
Mayos Lieder von Salpasa oder von Massen
trovos Lieder der Geschichten
canciones de marineros Kinderlieder: zum Spielen, von
Lieder von Fahrern Regen, von der Schnur...
pregones: de vendedores, de sereno,
obszöne Lieder bandos...
Lieder der Liebe tocatas: dianas, de toros..
Kategorisierung von Musikgenres:
jotas Aufbahrungen wegen der Zwei
Seguidillas gelegentliche Tänze wegen der elf
Fandangos Folías copeos
Tänze Peteneras Valencianer
Boleros durch die Eins Seefahrt
Habaneras durch die Eins und das Riberas
Polkas zwei Parrandas
Mazurkas durch die Eins und den
Walzer zwölf

Häufig überschneiden sich diese beiden Klassifikationen, da es oft vorkommt, dass ein
Die Art eines Liedes zu einem bestimmten Thema hat bestimmte musikalische Merkmale. Andere
Manchmal ist das nicht so. Im Falle von Wiegenliedern zum Beispiel in den Regionen
In Valencia gibt es diese Juxtaposition, von der wir sprechen.
In der Comunidad Valenciana, wie in vielen anderen Regionen Spaniens, gibt es ein
Feste Genres sind die Jota, die Seguidilla und der Fandango. Die Jota ist einer der Rhythmen, die am meisten ...
in unseren Regionen verstanden. Es ist einer der beliebtesten Tänze, einer der ältesten und von
die bis zu unseren Tagen am besten erhalten geblieben sind. Der Rhythmus ist ternär, und es gibt verschiedene Arten von
jotas, wie die jota von quintos, die häufig mit einer gemischten Rondalla interpretiert wurden
Schnur und Wind. Einige der Jotas stammen ausschließlich von der Straße, wie es geschrieben steht in
Manifiesto den Titel einer von ihnen, die in Ibi gesammelt wurde: „Jota dels carrers“, die interpretiert wird in der
Abschied der Fünften.
 Die Jota de Jijona ist eine levantinische Jota, vielleicht die repräsentativste unter ihnen. Sie hat
das Verdienst, folkloristisch und auch menschlich, dass es scheint, fast in seiner ursprünglichen Reinheit alles zu bewahren
die Authentizität ihrer ältesten Zeiten. Fehlt niemals bei den Volksfesten und in den
Familienereignisse, und zeichnet sich durch die anmutige Gelassenheit der Frauen und die Arroganz aus
majeza der Männer. Natürlich wird es von Gitarren und Bandurras begleitet.

Die Seguidilla ist mehr verloren gegangen, sie wird nicht so oft getanzt wie die Jota und auch nicht in so vielen
Dörfer. Ihr Rhythmus ist ebenfalls ternär, aber er ist viel schneller als die Jota. Es gibt Orte in
Valencia, como por ejemplo en la comarca alicantina de Bañeres, donde la seguidilla recibe el
Name der Coplas, wie auf den Balearen. Der nächste Verwandte der Seguidillas ist der Bolero, der
hat die gleichen Eigenschaften wie jene, aber mit einer langsameren Ausführungsgeschwindigkeit und
Majestätisch. Der Bolero von Castellón ist eine der schönsten Melodien des gesamten Bolero-Repertoires.
Valencianer.

Der Eins und der Zwei ist ein sehr beliebter Tanz im valencianischen Land und überall.
Levante. Eigen für Volk Feste und familiäre Anlässe, bei denen das Gute triumphiert.
Humor und Freude. Man tanzt in Paaren, bildet einen Kreis, wobei die Männer innen bleiben.
círculo, dándose la espalda. La música tiene un ritmo vibrante y rápido. Los pasos son
kompliziert und auffällig und während der Refrains machen die Tänzer grazile Bewegungen
und Theatralität. Die Spezialisten betrachten diesen Tanz als Teil der sogenannten Gruppe von
Mímicos. Die Kleidung verleiht dem Tanz Licht und Farbe, und die Gitarren bringen in den Tanz und in die
kopiere das unverwechselbare Dazzle seines spanischen musikalischen Eifers. Außerhalb von Valencia sind diese
Lieder haben auch eine breite geographische Verbreitung und sind normalerweise als Fandangos bekannt.
wie in Andalusien, Kastilien, Murcia und Menorca. Diese Form besteht aus einer instrumentalen Wiederholung
die sich zwischen den gesungenen Strophen abwechseln. Sowohl die Rückkehr als auch die Strophe können variieren.
aber immer nach dem gleichen Schema. Im Vall d’Albaida und in anderen Landkreisen weiter im Süden werden
Sie sammelten eine große Anzahl verschiedener und origineller Melodien von Liedern durch die von eins, die sich ...
veröffentlicht in den "Notizheften zur valencianischen Volksmusik".
 Die Polka ist ebenfalls ein Tanz, aber mit binärem Rhythmus, modern und stammt aus
ZentralEuropa. Im Laufe der Zeit hat der Polka auch einen traditionellen Charakter angenommen in
Unsere Gemeinschaft. Mit der Mazurca ist es dasselbe passiert. Es ist ein Tanzgenre, das mehr oder
weniger zur gleichen Zeit wurde hier Mode und unsere Musiker lernten es. So gibt es
viele wenige und Mazurkas, die nicht importiert sind, sondern von den Rondallas komponiert wurden oder
Dulzaineros der Gemeinschaft. Die Mazurca hat einen ternären Rhythmus und macht sehr viel Spaß zu tanzen.

Von familiärer Tradition sind die Wiegenlieder und die Romantik, die sich etabliert haben.
transmitido al calor del hogar en todas las familias. Un ejemplo de canción de cuna es la
nächster Buchstabe:
Mein Mädchen ist die Herrin Mein Junge hat einen Sonett.
vom Corral und von der Straße, das Meer wird ihn in den Schlaf wiegen,

von dem Blatt der Rebe er wird ein kleines Lied machen
die Blüte der Orange dauert von heute bis morgen.
Basierend auf diesen Versen sind verschiedene Varianten in den Texten entstanden.
die jedoch immer mit identischen Merkmalen in ihrer formalen Struktur auftreten
musikalisch. Der stark Ausdrucksvolle Charakter der Wiegenlieder aus Alicante ist vielleicht mehr
intim und zurückhaltend, wie die Melodien, die in den Gartenbau-Dörfern von Valencia gesungen werden.
 Eine weitere wichtige Gruppe von Melodien innerhalb dieses Kapitels bilden die
die den Kindern gesungen werden, besonders von ihren Großeltern, eingestreut zwischen den Erzählungen
bestimmt, um den Kleinen gute Manieren und einen guten Instinkt beizubringen; wir werden dafür zitieren
größere Bekanntmachung "Für die Blume des blauen Lilien", "Öffnet, öffnet Zicklein" und "Für die Ringe haben sie mich"

enviat", diese letztgenannte exklusiv aus der Gemeinde Onil (Alicante).

Die Romancen sind narrative Lieder. In dieser Kultur, wo die Mittel

modernen Massenkommunikationsformen existierten nicht, spielten die Romane eine wichtige Rolle in
die Kommunikation. Die wichtigen historischen Ereignisse, die Legenden oder die relevanten Ereignisse
die sich abspielten, wurden durch die Romanzen und die Charaktere, die
Sie besuchten Dörfer, um diese Ereignisse bekannt zu machen. Die Romanzen wurden gelernt.
aufmerksam für die Menschen, die sich an sie erinnerten, sie sangen und sie für die Nachwelt übertrugen.
Die Romanzen breiteten sich über weite Territorien und durch die Jahre aus; und so sammelten sie ...
Unterschiede zwischen Text und Musik. So haben sich in der Erinnerung des Volkes Romancen erhalten mit
viele Varianten und Versionen. Aber im valencianischen Volksglauben sind nicht viele geblieben, da
im Gegensatz zu Katalonien oder Kastilien, wo das erhaltene Repertoire von Romanzen
extensiv
Unter den Romanzen, die in der Provinz Alicante noch erhalten sind, ist es die meist...
klassisch und populär von ihnen "An der Küste des Meeres". Seine melodischen Wendungen, die typisch sind für
das gesamte Gebiet des Königreichs Valencia hebt es deutlich von den beiden anderen ab
Versionen, Katalanisch und Balearisch, die über sehr ähnliche Texte bekannt sind.
 Es gibt eine Art von Romanze, die in Valencia als die Romanze des Blinden bekannt ist.
Dieser Typ zeichnet sich durch eine klar definierte Struktur aus. An erster Stelle stehen die Melodien.
semitonaden, obwohl die Ein- und Ausgänge gelegentlich bestimmte Verzierungen haben. Zweitens
Ort, diese Romantik wiederholte immer denselben kurzen melodiösen Satz, als ob es sich um einen Psalm handelte.
tratara. Drittens haben sie eine große Flexibilität, sich an die Anforderungen der
Erzählung.
Es gibt einen Gesang und eine Tradition vom Samstag der Ehre, die fast verloren gegangen ist, aber die
Wir können ihn immer noch in Altura finden, einem Dorf in der Region l'Alt Palància. Eine Kommission,
formada por el cura y los monaguillos, acompañados por una gran grupo de niños con bastones
Mit Holz in den Händen durchquert er das Dorf. Sie halten vor einem Haus an und die Kinder klopfen an die
Tür und der Boden, während sie ein einfaches Lied wie ein Vortragslied singen: 'Engel sind wir, des'
Himmel, wir kommen, Körbe bringen wir, Eier bitten wir, die nicht gekocht sind, die delikat sind, zu der
gana del cura, buen bocau, chau, chau, chau...". Der Priester segnet das Haus, indem er es mit Wasser besprenkelt.
Segne die Familie, dankbar, macht normalerweise dem Pfarrer ein Geschenk, das aus ein paar Eiern besteht.
dass die Kinder in ihren Körben sammeln. Diese Tradition wird Salpasa genannt.
Neben den Salpasa-Liedern gibt es in unserem traditionellen Repertoire eine große
Menge an Rezitativen oder rezitierter Musik, die in vielen Fällen eine Volkstümliche Literatur zeigen
farbige und fantasievolle. Diese Stücke, die sich irgendwo zwischen Gesang und Rezitation bewegen, zeigen
diversas formas o estructuras. La forma más corriente es la de una frase melódica muy simple
was sich wiederholt und als Unterstützung für den mehr oder weniger langen Text dient. Es ist die
die häufigste Struktur in den Gesängen von Salpen und in den Kinderspielen. Diese ganze Welt von
Spiele reagieren spontan auf die fortschreitenden Bedürfnisse des Wachstums.
Anwendung von Fähigkeiten, Entwicklung der Motorik, Sozialisierung... die Kinder haben.
Heute haben diese Spiele aufgrund des Wandels der Lebensweisen an Bedeutung verloren.
Gesellschaft.
 Früher gingen die Kinder am Gründonnerstag zu Ostern picknicken. An diesen Tagen ...
Kinder versammelten sich, um Spaß zu haben. Obwohl diese Tradition heutzutage nicht mehr so gepflegt wird wie
Dann ist die Gewohnheit, ins Feld, außerhalb des Dorfes oder an einen angenehmen Ort zu gehen, mit
Das Ende des Vesperns ist nicht verloren gegangen und wird immer noch sehr geschätzt. Bei diesen Treffen hatte man und man
hat die Gewohnheit, zu singen, um die Feier zu begleiten, um die Mädchen nach Hause zu begleiten,
um das Seil zu werfen...
Der Ball des Pla de les Coves de Vinromà ist ein ganz besonderer Tanz. Er bewahrt das
wichtiger ist, dass ein traditioneller Tanz erhalten bleibt, wie die massive Teilnahme und
offen für die Leute aus dem Dorf im Tanz. So ist der Ball del Pla kein Spektakel, in dem
einige tanzen und die Mehrheit betrachtet, wie sich das Kunstwerk entwickelt, sondern es ist eine
Fiesta, bei der die Musiker mit der normalen Kleidung auftreten, die jeder trägt, und alle teilnehmen. Es
Eine der wenigen Tänze, die immer noch ihre festliche Funktion bewahren und nicht in den Verfall geraten sind.
von einem einbalsamierten Tanz für das Museum. Der Ball des Pla hat dreizehn Teile oder Tänze (der Aufruf, die
Nummer drei, die Joteta, der Tanz des Pevets, die Kette, die Brüste, richte den Finger auf - richte den Finger auf, die
vier Gesichter, die Paletten und Kastagnetten, die vier Gesichter und das Kreuz, die Flasche und der Tanz, und der Walzer)
sie spielen und tanzen ohne Unterbrechung. Eines der Zeichen des Interesses, das es im Dorf gibt, für
Diese Feier am Leben zu erhalten bedeutet, dass der Ball del Pla der Beginn des Abendtanzes ist: man fängt an
mit den Tänzen, die jeder tanzt, und man weiter mit einer Band und einem Orchester tanzt, die
spiel die Rhythmen des Moments. Derzeit wird es von einer Bläsergruppe interpretiert von der
Musikgruppe, obwohl man denkt, dass in der Antike mit der Schalmei und der Trommel gespielt wurde.
Es ist unbestreitbar, dass das populärste Lied mit der autentischsten Schönheit gesucht werden muss.
immer unter den Landbewohnern. Die besonderen rhythmischen Merkmale der verschiedenen
Agrarische Arbeiten geben Ursprung zu verschiedenen Formen lyrischen Ausdrucks, die der Landwirt bewahrt hat.
Sie leben bis zu unseren Tagen. So werden die Lieder in üppiger Fülle bis heute bewahrt.
de Trilla, de Labranza, wobei die Beispiele für Lieder über die Ernte und über die Fuhrleute seltener sind.
fast vollständig verschwunden sind die Gesänge anderer Arbeiten wie die des „Veremar“ und
"calçigar" von denen wir noch einige Beispiele finden konnten. Besonderes
Die Bedeutung der "Cançons de munyir", die exklusiv für die Palmearbeiter des Feldes sind
Elche, die so die Gesänge nennen, mit denen sie sich bei den Arbeiten der Ernte begleiten
von den Datteln, eine Handlung, die sie mit dem "munyir" der Palmen identifizieren.
 Auch die Prozessionen ziehen unsere Aufmerksamkeit auf sich, hauptsächlich wegen des
Kontext von Tänzen, die sie begleiten. Diese Prozessionstänze bilden einen der
wichtigsten Körperschaften des gesamten Landes. Eines der deutlichsten Beispiele für diese Tatsache ist die
Festlichkeit des Corpus Christi in der Stadt Valencia, die seit dem Jahr existiert
1355, Jahr, in dem die erste allgemeine Prozession gefeiert wurde. Bereits seit 1372 wird das Fest des Corpus gefeiert.
Es wurde mit großer Feierlichkeit wiederholt, wobei es im Laufe der Zeit an Pracht, Reichtum und Glanz gewonnen hat.
die Jahre einschließlich neuer Anreize wie Musik und Tänze, die Geheimnisse und die
Erweiterung der Charaktere. Zu dieser Gruppe von Tänzen, die während der Prozession getanzt werden, der
Das Volk kennt sie liebevoll unter dem Namen „dansetes“.
 In den valencianischen Regionen gibt es verschiedene Arten von Gelegenheits-Tänzen, es gibt
sagen, verbunden mit einem Ritus oder Feier. In einigen Fällen haben diese Tänze eine Bedeutung
mit der Feier verbunden; in anderen Fällen gibt es keine Beziehung: es ist einfach
Gewohnheit, sie in diesen Momenten zu interpretieren. Drittens finden wir Tänze, die in ihrer
Ursprung waren mit einer Feier verbunden, haben jedoch diese Verbindung verloren und werden aus
sie allein, sogar an anderen Anlässen feiernd als denen, zu denen sie geboren wurden.
 Ein Thema, das im Bereich unserer traditionellen Musik noch sehr unberührt ist.
es die Musik von religiösem Charakter. Die restaurierenden Gruppen des Folklore kümmern sich
normalerweise zum Sammeln und Lernen von Tänzen; sie sammeln auch oft einige Lieder von
Arbeit, von der Wiege, irgendeine Romanze; aber sie interpretieren weder die Freuden noch die Morgenröten neu.
Rosarios. Es könnte daran liegen, dass diese Folklorefälle immer noch aktuell sind und
Mit der Tradition verbunden. Gegen das, was man denken könnte, ist die traditionelle religiöse Musik
Bewahrt sehr wichtige Schätze, einige sehr alte, wie das Misteri d’Elx.
Die Gosen sind Lieder, die dazu bestimmt sind, Gott, die Jungfrau und die Heiligen zu verherrlichen.
In ihnen werden Lobgesänge angestimmt, in denen ihre Tugenden und wundersamen Taten erzählt werden.
eigene Zeit, in der sie um Gefallen und Dank bitten. Eigenschaften: strophische Form; in jeder
In der Gemeinde werden oft mehrere Gesänge gesungen, normalerweise zu den Patrons der Pfarreien; in den
In Gozos dominiert das Spanische.
Die Auroren werden in den Morgenstunden an jedem ersten Sonntag jedes Monats gesungen.
Sie werden oft von Gitarren und verschiedenen Percussion-Instrumenten begleitet, um zu
die Anwesenheit von Gläubigen für das Gebet des Heiligen Rosenkranzes zu fordern. Die Auroren und die Bürger
die sie begleiten, durchstreifen die Straßen ihrer Gemeinde und singen diese Lieder. In der
Provinz Alicante, die beliebtesten sind die von Callosa de Segura und die von Crevillente.
Und so muss man über andere folkloristische musikalische Ausdrucksformen sprechen, die damit verbunden sind.
mit der Religion, die in der Gemeinschaft Valencia herrscht, ähnlich wie in vielen anderen Regionen von
Spanien, wie die Weihnachtslieder zu Weihnachten; auch zu Weihnachten die vertonten Mitternachtsmessen;
die Osterlieder...
 Das charakteristischste Instrument der folkloristischen Gemeinschaft Valencia ist die
Dolçaina (Dulzaina). Derzeit wird die dulzainetradition wiederbelebt, so dass
Es wurden sogar zahlreiche Dulzaina-Schulen in der gesamten valencianischen Geografie gegründet. Im Süden
Von der Gemeinschaft wird es auch xirimita (charamita) genannt, genauso wie im Norden.
Llama Gaita. Sie wird normalerweise vom Tabellet oder Tambourin begleitet, und ihr Einsatz erfolgt sowohl in Prozessionen,
wie um die Tänze zu begleiten, wie in den Umzügen der Riesen und großen Köpfe, und in unzähligen
von Riten und volkstümlichen Traditionen, jetzt wo dieser Prozess der Wiederaneignung stattfindet
Folklore. Auch die Zupfmusikgruppen sind sehr beliebt.
Aber man darf die große blasmusikalische Tradition der Gemeinschaft nicht vergessen.
Valenciana, die die hohe Qualität der Musikbanden in unserer Region betont.
Vergleich mit anderen aus dem Rest von Spanien. Derzeit sind viele dieser großen Bands
sie erweitern, indem sie Saiteninstrumente in ihre Besetzungen aufnehmen, wobei viele von
die sinfonischen Blasorchester.
3. DAS FOLKLORE UND SEINE DIDAKTISCHEN ANWENDUNGEN

3.1. BELIEBTES LIED IN DER SCHULE

Singen in der Schule kann formativ sein, wenn die Lieder ausgewählt werden.
angemessen: das Tempo, die Intonation, den Text und die Tessitur zu berücksichtigen.

Was den Text betrifft, so nimmt er in Bezug auf literarische oder poetische Formen einen Platz ein.
Die Primazität liegt auf der Quartette, einer Strophe aus vier Versen mit Kunstmaß (8 Silben), mit reimenden Konsonanten.
o asonante. In vielen Fällen reimt sich der Konsonant in den ungeraden Versen und der Vokal in den geraden.
Er erscheint in allen Regionen. Die Quartette der Seguidilla sind eine unregelmäßige Form aus vier Versen.
Der erste und der dritte sind heptasílabisch und haben Konsonanzreim, die Paare sind pentasílabisch und
reimt sich im Assonanz.
Die oktosilbische Quintilla ist eine Strophe aus fünf Versen mit acht Silben, die verwendet wird in
fandangos, malagueñas, murcianas, granaínas...
Der achtzeilige Terzett besteht aus drei Versen mit acht Silben und tritt fast auf
exclusivamente en el folklore gallego.
Der Zortziko ("von acht") besteht aus einer Folge von acht Versen. Diese bestehen aus
jede der Strophen dieses Tanzes, wenn sie gesungen wird.
Die Romanze ist die am weitesten verbreitete poetische Form innerhalb der narrativen Lyrik. Sie
Forme mit acht Silben. Die ungeraden sind reimlos und die geraden mit assonantischem Reim.

Was die Musik betrifft, zeigen die Lieder im Allgemeinen eine strophische Art, das ist
sagen, alle Strophen mit derselben Melodie. Gleichzeitig ist die Melodie oft strukturiert in
Sätze aus acht Takten mit zwei Halbsätzen oder Perioden von jeweils 4 Takten. Wir können.
uns treffen, dass es keinen Refrain gibt, was ein Lied vom primären Typ ist: A, A, A...
Der binäre Typ ist der, in dem ein neues, anderes musikalisches Fragment erscheint.
al verwendet in den Strophen, um einen unveränderlichen Text zu musikalisiere; wir beziehen uns auf das
Refrain. Seine Struktur wäre A, B, A, B,... Auch wenn dies am häufigsten vorkommt, bedeutet das nicht, dass
Sei die einzige Möglichkeit.

Wenn die Lieder den Anforderungen der Kunst des Volkes entsprechen, werden sie
werden in der populären musikalischen Ausdrucksweise ausgebildet. Die musikalische Bildung sollte mit diesen beginnen.
Lieder, kulturelle Grundlage des Volkes.
Der Anbau des Volksliedes in der Musikausbildung, in der Bildung
Die Grundschule wird sich auf das Vergnügen und die Schönheit der Musikkunst konzentrieren. Die musikalische Bildung in der
Die Grundbildung wird darin bestehen, darauf vorzubereiten, die musikalische Schönheit auf zwei Arten zu genießen:
-rezeptiv, durch Betrachtung
-Aktiva, durch Interpretation und Produktion
Diese zweite Modalität ist die, die im Lernen befolgt werden sollte.
Interpretation von Liedern. Bei der Methode muss man das große nachahmende Gefühl berücksichtigen, das...
Die Schüler*innen besitzen und einen spielerischen Ansatz.

Der Folklore verwurzelt die Gefühle ihrer Rasse im Schüler und lässt ihn wahrnehmen
Mit diesen Liedern die Essenz ihres Volkes. Die Volksmusik muss ihren Einfluss in Oden tragen.
die Phasen der Erziehung des Kindes und des Jugendlichen mit dem Ziel einer Bildung wie
Gesamtausbildung, deshalb ist es so wichtig, dass sie in der Schule eingeführt wird.

3.2. DAS FOLKLORE UND SEINE DIDAKTISCHEN ANWENDUNGEN

 In der Gesangsausbildung wird das Folklore nützlich sein, da die Schüler dadurch
die Bräuche, die Lebensweisen und die künstlerischen Ausdrucksformen anderer kennenlernen zu können
Regionen. Es stellt eine Annäherung an eine andere, der meisten unbekannte Realität dar.
Kinder in der heutigen Zeit. Die Nutzung von Romanzen wird es ihnen ermöglichen, auch verschiedene
Situationen oder historische Momente und die Interpretation bestimmter Lieder
Nationalitäten wird ein Verhalten gegenüber anderen Sprachen des spanischen Staates mit sich bringen.
In der instrumentalen Ausbildung wird die Verwendung von folkloristischen Instrumenten, vor allem
Die Percussion wird das Konzept erweitern, das die Schüler über die Instrumente haben:
werden verstehen, dass sie oft nicht mehr als Alltagsgegenstände sind, denen eine
función rítmica en la interpretación musical. Por su facilidad, muchos de ellos podrán ser
eingeschlossen in die Schul-"orchester": Almirez, Mörser, Waschbrett, Flasche mit Rillen, usw.
Was Bewegung und Tanz betrifft, so ist das Ziel der Musikausbildung nicht
Die Schüler dazu zu bringen, Jotas oder Sevillanas oder einen anderen Tanz zu tanzen. Allerdings,
sofern ein ausreichender Grad an motorischer Geschicklichkeit, Koordination und Verbindung erreicht wurde
Gruppen, usw., können wir das Erlernen relativ einfacher Tänze einführen. Dank der
Sie werden komplexere Schritte lernen und die Schüler haben die Möglichkeit, diese "zu analysieren".
um zu sehen, welche räumlichen und motorischen Elemente, die ihnen bekannt sind, sich in solchen befinden
Tänze.

Im Abschnitt über die pädagogische Anwendung können wir vielleicht das größte Beispiel sehen
in Ungarn wegen der didaktischen Nutzung, die sie von ihrem Folklore macht. Kodaly: "Das Volkslied ist
la lengua materna del niño, de la misma forma que aprende a hablar, la debe aprender siendo
klein
Der erste Schritt zur didaktischen Nutzung des Folklore gemäß dieser Idee ist die
Erstellung einer Methode, die viele beliebte und Kindersongs umfasst, um damit zu
die geeignetsten für die Kinder auszuwählen und einen Ausgangspunkt für ihre Ausbildung zu bieten. Es
ordnen nach Schwierigkeiten:
melódicas: secuenciando la introducción de intervalos
Rhythmus: Sequenzierung der Verwendung von Figuren
andere Möglichkeiten: Tonalität, Harmonie, je nach motorischer Entwicklung der Schüler...
Diese Lieder lernt man im frühen Alter (vorschulische Stufe) nach Gehör.
Von dort aus, aus diesen Liedern, werden die ersten musikalischen Elemente beigebracht und es beginnt die
Musikalische Lesung. Alle theoretischen Lehren sollten von Liedern begleitet werden, die enthalten
Beispiele dafür, insbesondere in den unteren Klassen.
Laut Kodály mussten die Kinder zuerst die Lieder lernen.
traditionelle aus ihrer eigenen Region. Danach sollten sie zu den Liedern anderer Länder kommen.
Auch Orff arbeitet in diesem Bereich und verwendet eine große Menge an Sprichwörtern, Reimen,
Retahilas, Zungenbrecher, Rätsel usw., mit denen er Prosodien, sehr
einfach, die pädagogisch genutzt werden, begleitet von Instrumenten, dramatisiert und
indem sie sie effektiv als Generatoren von motorischen Übungen nutzen...
Ein weiterer großer Pädagoge, Willems, sagt, dass es notwendig ist, dass alle Kinder
Lernt die beliebten Lieder, die aus eurer Rasse entstanden sind; Lieder, in denen Schönheit und Geschmack
Musik muss den pädagogischen Sorgen vorangestellt werden. Der Erzieher wird sich darum kümmern, zu machen
eine gezielte Auswahl und besonders auf interessante populäre Lieder zu bestehen seit
der Blickwinkel des Rhythmus, der Intervalle, der Akkorde oder der Modi.
In Spanien wurde die Elizalde-Methode sowohl für Flöte als auch für Gesang durchgeführt.
basierend auf den beliebten Liedern unseres Landes.

Aber nicht jeder ist für die Nutzung dieses reichen Erbes.
folkloristisch, oder zumindest nicht in seiner Verwendung, wie wir ihn antreffen.
 Margrit Küntzel-Hansen sagt, dass es keine romantische Beziehung gibt.
sofort mit einem Lied, werden die Kinder kritisch gegenüber ihm, insbesondere wenn der Text
es steht im Widerspruch zu seiner realen Umgebung. Diese Autorin schlägt vor, diese Lieder zu ändern und
Andere erfinden, indem sie die neuen Berufe nutzen.

Daher wird die Methodik auf den Prinzipien der Globalisierung und von
Aktivität.

Unter den Volksliedern finden wir Wiegenlieder, Rundlieder,

infantile, liebevolle, von Karneval, von Ernte, von Aussaat, von Erntezeit, von Weihnachten, Romanzen
Unsere Volkskultur ist sehr reich und vielfältig in Liedern, die auf die Interessen reagieren.
ludische Aktivitäten der Kinder, die Teil des Repertoires sein können und sollten, das in der Bildung verwendet wird
Musical. Sería absurdo, un descuido, un desaprovechamiento, una negligencia, no hacer uso de
Dieser enorme Reichtum, den uns unser reiches folkloristisches Erbe bietet, indem er manchmal die ...
die gleichen Spiele, die ihn traditionell begleitet haben, und andere, die sie durch andere ersetzt haben
Wir schaffen geeigneteres. Wir müssen beliebte Kinderlieder auswählen, die zu den
Vorlieben und Bedürfnisse der Kinder (Text, Tessitur, rhythmische, melodische Schwierigkeiten...) und
didaktisch von ihnen profitieren.
De todas ellas podemos hacer una selección y sistematizarlas en un programa.
Programm: strukturierte Zusammenstellung von Übungen, Vorschlägen, Aktivitäten und Erfahrungen, die sich
bereiten Sie sich darauf vor, das Verständnis der musikalischen Aktivität in ihren grundlegenden Formen zu fördern:
Schaffung, Wahrnehmung und Interpretation.
Wir müssen das Interesse daran wecken, die Wurzeln unserer Musik zu entdecken und kennenzulernen.
Eine Aufgabe zur Sammlung von Liedern, die ihre Großen kennen, wird zu einem Studium führen.
Untersuchung ihrer Ursprünge, Merkmale, Formen und Varianten, die zur Klassifizierung dienen werden.
Das Ergebnis wird sein: „Die wichtigsten musikalischen Ausdrucksformen kennen und respektieren
Gemeinschaft Valencia. Wir werden zu einem besseren Verständnis der Umgebung beitragen und
Eine Bewertung seiner musikalischen Äußerungen.

Neben den Aktivitäten zur Datensammlung, der sozialen Untersuchung der Umgebung,
Assistenz bei Partys und Konzerten, die populären Lieder werden genutzt, um zu verstärken: die
Improvisation, die rhythmische Erziehung, die Gesangsausbildung und der Gesang, die instrumentale Erziehung, die
psychomotorische Bildung und Körperbildung und Tanz, das heißt, alle Bereiche miteinander zu verknüpfen
von der musischen Erziehung.

Notwendige Materialien:
geräumiges, helles Klassenzimmer
normale und gepunktete Tafel
geregeltes Papier
Klavier, Orgel, Gitarre oder ein anderes harmonisches Instrument
Flauta und das Orff-Instrumentarium
verschiedene audiovisuelle Medien
spezifische Bibliografie

4. AUSWAHL VON MUSIKSTÜCKEN FÜR DIE SCHÜLER

GRUNDLEGENDEN BILDUNG
 Die traditionellen populären Lieder werden oft zu Hause gelernt, bevor sie ankommen.
der Schulbildung. In diesen Liedern spielen die Worte eine zentrale Rolle, manchmal in
zum Nachteil der Intonation und der Stimmung. Diese Lieder sollten ein Ausgangspunkt sein,
sind die Grundlage der auditiven Bildung.
Die Auswahl erfolgt auf Grundlage der eigenen Merkmale der Schüler und der Ziele.
was erfüllt werden muss. Sie dienen dazu, das musikalische Empfinden, das Vergnügen am Hören zu entwickeln,
Kreativität und Improvisation sowie die Wertschätzung des eigenen kulturellen Erbes.
Aufgrund der großen Vielfalt, die es gibt, ist eine umfassende und vollständige Auswahl
Unmöglich, aber es müssen Stücke ausgewählt werden, die dem Schwierigkeitsgrad des Verständnisses entsprechen.
Für jeden Zyklus. Zu beachten ist, dass ein und dasselbe Stück unterschiedliche Ziele erreichen kann, sodass es ...
kann auf verschiedenen Ebenen mit unterschiedlichen didaktischen Ansätzen eingesetzt werden.

Die Auswahl muss in erster Linie Folgendes umfassen:

ERSTER ZYKLUS
1º) – Lernen von Liedern mit populären, kindlichen Themen und einfachen Melodien
Refrain, dessen Rhythmus mit Klatschen, Körpergesten usw. begleitet wird.
- einige sehr bekannte regionale Kompositionen und Hörproben von Liedern einbeziehen
beliebte Kindersendungen
2º) – einfache folkloristische Lieder singen
- Anhören von regionalen Liedern
ZWEITER ZYKLUS
3º) – Lernen von Liedern mit Rhythmusübungen in 3 und 4 Takten
- Vorspiele von regionalen Liedern
4º) – Anhören ausgewählter Lieder
- Lernen von populären Liedern
DRITTE STUFE
5º) – Lernen von Liedern in zwei Stimmen
Audition von lyrischen Kompositionen und beliebten Liedern
6º) – choralische Interpretation von folkloristischen Motiven
Hören von regionaler Musik

Die folgende Klassifizierung ist eine der klarsten, aus einem Punkt von
didaktische Sicht. Einige Lieder erscheinen in mehreren Abschnitten, was uns von ihrer Vielfalt sagt.
Validität im Bildungsbereich. Wir können diesen Aspekt auf andere Beispiele ausweiten.
anders als die hier angebotenen, sowie die Nutzung der hier angebotenen Lieder zu erweitern
verbunden.

A. AUSWAHL VON POPULÄREN LIEDERN

1. STIMMBILDUNG Die Kohlenhändlerin von Salamanca
Bartolo hatte eine Flöte Ich verließ Havanna an einem Tag
Als Fernando VII 2. PSYCHOMOTORISCHE SPIELE: RAUM
Eme ama Wo sind die Schlüssel?
Unter einem Knopf Maus, die die Katze fängt
Der kleine Wagen leré Es war der Herr Don Gato
Eine Mädchen fährt nach Atocha Der Truthahn, das Küken
Morito Pititón Der Hof meines Hauses
Auf dem Balkon des Palastes San Pantaleón
Der Esel ist bereits gestorben. Weder du, noch du, noch du...
Die Sonne heißt Lorenzo Ein Soldat
Bruder Jakob
[Link] SPIELE: Minero
IATERALIDAD Los labradores
A Pedro, como er calvo .. Der Laternenanzünder
Da drüben in Havanna fiel ... Jetzt gehen die Hirten
Ricotín, ricotán Antón Pirulero
Im Kreis Chirimbolo Carbonerita von Salamanca
Weder du, noch du, noch du...
Seit ich klein war 8. SPIELE und TANZE
Im Saal des Prachtes
4. ZUM ZÄHLEN Por el puente Triana
Eins, zwei, drei Wie kommst du so hoch?
Eine, zwei Neben meiner Hütte
Ich bin der Laternenanzünder Naveira
Ich habe eine Puppe Eins Januar...
Ich hatte zehn Welpen Die Sinda
Erster Januar Diese Nacht erleuchtet nicht
Die Henne Turuleta Deine braunen Augen
Ein Elefant balancierte... Der Vito
Mein Esel Ich bin die Königin der Meere
In der Breitenstraße
5. FÖRDERN DIE AUFMERKSAMKEIT und DIE
Im Kreis der Kartoffel
KREATIVITÄT Alle Entchen
Mein Esel Die Scharlatane
Mit meinem echten und halben
Los corzos
Gehen Sie hinaus
El cocherite leré
Die Königin Berenguela Der Hof meines Hauses
San Serenín des Berges Ein Floh, eine Maus...
Antón Pirulero Popeye
Die Müllerin Pinto, pinto
Jetzt, wo wir langsam fahren Der Glücks-Hase
Die Tarara Das blindes Huhn
Der Herr Don Katz Kuckuck
Steh aus dem Bett auf Maus, die die Katze fängt
Baile de la carrasquilla
Der Kokon 9. LIEDER ZUM VERWÖHNEN
Das Tuch
6. WIEGENLIED Die Küken
Vögel, die singt Neben meiner Hütte
Dieser kleine Junge Du bist groß und schlank
Din, don Ron, ron, ron
Die Pastorin
7. BERUFE und ARBEITEN Mein Esel
Die drei Alpenbewohner
Die Pastorin
Die vier Maultiere
Meine Kohlenmutter 10. VILLANCICOS
Die Steinmetze Carrasclás
Der Nachtwächter Pastoren, kommt
Sie springen und tanzen
Im Stall von Bethlehem Diese Nacht ist Heiligabend
 Die Jungfrau geht zu Fuß Ein Elefant
Gatatumba Ein frischer Nachmittag im Mai
Die alte Frau kommt schon.
Glocken von Bethlehem 14. ANDERE BEKANNTE LIEDER
Rin, rin Monat Mai
Chiquirritín Auf zur See
Grüne Pampanitos Drei Blättchen Mutter
Eine Pandereta klingt Naveira
Sag mir, Kind, von wem du bist Die Schnürsenkel
In dieser Nacht wird ein Junge geboren Der Esel ist schon gestorben
Die Jungfrau wäscht Windeln Jamboree
Aber schau, wie sie trinken Epo, itai, tai, yé
Zumba, zúmbale al pandero
Nacht der Ruhe
Fum, fum, fum
Der Junge von der See

11. ROMANZE
Wohin gehst du, Alfonso XII
Mambrú ging in den Krieg
Der Graf Olinos
Campito del Moro
Meine Mutter hat mich geheiratet
Die Witwe des Grafen Laurel
In Cádiz gibt es ein Mädchen

12. KANONEN
Ich habe eine Heuschrecke
Do, re, mi, fa, sol
Fray Santiago
Unter einem Knopf
Der gefleckte Hahn
Die Trompeten erklingen
Das Konzert
Übergebe das Bataillon
Bartolo

13. NATURLIEDER
Lass es regnen
Der Winter kommt
Die Safari
Mein Bauernhof
Die Küken
Die Tiere vom Bauernhof
Der Esel Perico
Mein Esel
B. AUSWAHL DER SONGBÜCHER
Das Repertoire, das verwendet werden soll, um den Schülern die Vielfalt der Musik näherzubringen
étnicas y el folklore español es amplísimo. A modo orientativo, señalamos los siguientes:
1. ETHNISCHE MUSIKEN
„Musikalische Anthologie des Orients“, veröffentlicht vom Internationalen Musikrat
UNESCO
„Musikalische Anthologie Afrikas“ C.I.M. / UNESCO
„Musik und Traditionen der Welt“ C.B.S.
„Der Gesang der hispanoamerikanischen Völker“ 10 Bde. SONODISC

2. SPANISCHE FOLKLORE
„Cancionero Popular des Baskenlandes“, Arraita, 1968
„Cancionero Popular der Provinz Valencia“ (auch von Alicante und Castellón),
Seguí und Andere
Traditionelle katalanische Musik, Crivillé, 1983
„Cancionero Popular manchego“, Echevarría, 1951
Beliebte Lieder aus Asturien, Fresno
„Cancionero Popular von Extremadura“, [Link]., 1956, Bände I und II
„Cancionero Populaire der Provinz Santander“, Cordovay, 1955
„Mallorca, Menorca, Ibiza. Folklore, Tänze, Bräuche“, Galmes, 1950
Cancionero der zwei Castillas, Hidalgo, 1971
„Cancionero de Andalucía“, Hidalgo, 1971
Cancionero musical de Galicia, Hoyos, 1944
„Cancionero Popular murciano“, Sevilla, 1921
„Die traditionelle kanarische Musik, heute“, Noda, 1978

Da es eine Auswahl von all dem oben Genannten darstellt und viel bequemer und erschwinglicher ist,
Lassen Sie uns die folgenden beiden Werke hervorheben:

Die Lieder des spanischen Volkes

Was das spanische Volk singt
beide Werke von J. Juan del Águila, Ed. Unión Musical, Madrid (1973).

C. AUSWAHL VON VALENZIANISCHEN VOLKSLIEDERN

Mein Mädchen
Quen dirà die Hirschziege
Am Ufer des Meeres
Onkel Pep
Öffne mich, Ziegen
Sant Jusep wird geehrt
{"INDICE":"INDEX"}
THEMA 1. Musik als Sprache und als Ausdrucksmedium. Bildungserwert der
Musik. Wahrnehmung und Ausdruck. Bedeutung der musikalischen Bildung in der Erziehung
Primarstufe. Der Lehrplan für Musikpädagogik bei der Umsetzung didaktischer Einheiten
globalisiert. 3

TEMA [Link] melodía en la educación musical. Intervalo, línea melódica, frase melódica.
Erkennung der Melodie. Tonalität, Modalität und Transposition von Liedern.
Harmonisierung von Liedern und instrumentalen Werken. Didaktische Materialien zur Bearbeitung in
der Klasse.

23

THEMA 3. Die Modulation. Verfahren und Beispiele ihrer Mechanik. Ausdrucksfunktion.

Recursos didaktisch für arbeiten de der Klassenzimmer.

39

THEMA 4. Die Harmonie in der Musikpädagogik. Akkord, Arten von Akkorden, Umkehrungen. Sein
Ursprung. Hauptkadenzen. Didaktische Ressourcen zur Arbeit im Klassenzimmer.

49

THEMA 5. Die Textur: Arten. Die Textur in der Instrumentierung von Liedern und in Werken
Musikformen. Die Form. Formale Analyse von Liedern. Hauptmusikalische Formen.

65

THEMA 6. Die musikalische Erziehung durch den Rhythmus. Freier, rhythmischer und metrischer Rhythmus. Rhythmus und
Sprache. Rhythmus und Bewegung. Rhythmus und instrumentelle Ausführung. Polyrhythmie. Klein.
Formen rhythmisch: Analyse e Improvisation. Intervention pädagogisch.

85

THEMA 7. Pädagogisch-musikalische Strömungen des 20. Jahrhunderts. Analyse und Projektion der
Mismas en la Bildung musical Schüler

101

THEMA 8. Die Musik als Teil der ganzheitlichen Entwicklung des Kindes. Grundlagen
psychopädagogische Aspekte der Musikausbildung. Musikalische Entwicklung und Musikunterricht.

123
THEMA 9. Die musikalische Aktivität in der psychomotorischen Erziehung: allgemeine Koordination und
Präxis, Störungen des Schemas und der Körperanpassung, Störungen der temporalen Orientierung
räumlich. Interdisziplinäre Beiträge zum Bereich der psychomotorischen Bildung, wobei
wie Basis la Aktivität Musical.

139

THEMA 10. Die musikalische Aktivität als Ausgleich für Bildungsungleichheiten.

Grundprinzipien der Intervention. Die Musikpädagogik im Bereich der Beeinträchtigungen
auditiv. Techniken der vibrierenden Sensibilisierung. Stimulation und Antwort. Beiträge
interdisziplinär, um die Bildungsungleichheiten ausgehend von der Aktivität zu bearbeiten
Musical.

153

THEMA 11. Funktionalität des Musiklesens und -schreibens. Grafische Darstellungen und
gestuales no convencionales. Grafías convencionales. Objetivos, contenidos y recursos
didaktisch.

171

THEMA [Link] Spiel als Lehr- und Lernaktivität in der Musikpädagogik.

Kriterien für die Klassifizierung und Auswahl des Repertoires. Beiträge und Möglichkeiten des Spiels
in den Aktivitäten, die mit vokaler, instrumentaler und Bewegungsbildung verbunden sind
y Tanz.

189
THEMA 13. Der Körper und die Bewegung als Mittel des musikalischen Ausdrucks. Die Entspannung:
notwendigen Techniken für die gesangliche, instrumentale und bewegungsbezogene musikalische Aktivität. Die
Tanz de la Bildung musikalisch.

201

TEMA [Link] improvisación como forma de expresión musical libre y espontánea. La

Improvisation als kompositorisches Verfahren. Didaktische Ressourcen für die Produktion
musikalisch de der Aula. Kreativität e Improvisation.

217

THEMA 15. Das Lied und sein Einfluss auf den musikalischen Bildungsprozess. Die Absichten
comunicativas del canto. El canto coral en los distintos ciclos educativos: canto
monofónico, homofónico y polifónico. Criterios de selección del repertorio escolar.
Methodologie und Lehrmittel im Prozess des Lehrens und Lernens einer
Lied. Prinzipien Grundlagen de la Adresse Koralle.
231

THEMA 16. Die Dramatisierung als musikalisches Spiel, das die verschiedenen Arten von
Ausdruck. Dramatisierung von Kinderliedern und beliebten Liedern. Kriterien für die Auswahl von
dramatisierbare Lieder. Teilnahme und instrumentelle Improvisation in der Dramatisierung.

245

THEMA 17. Die Entwicklung der Stimme als Instrument des musikalischen Ausdrucks. Methodologie und
didaktische Ressourcen der Gesangstechnik: Atmung, Artikulation, Intonation, Resonanz.
Stimmumfang in der Grundschule. Die Stimme des Musiklehrers: Bedeutung ihrer
Vorsicht y Wartung.

259

THEMA 18. Die schulischen Musikinstrumente. Familien der Instrumente. Der Körper
als Instrument. Instrumentalgruppen. Instrumente der aktuellen Musik.
Selbstgebaute Instrumente. Verwendung von Elektronik und Musik-Computertechnik.

277

THEMA 19. Die instrumentale Praxis. Auswahl- und Systematisierungskriterien des Repertoires
instrumentell in der Primarstufe. Ziele und Inhalte der instrumentellen Aktivität in
das Klassenzimmer. Methodik und didaktische Ressourcen im Prozess des Lehrens und Lernens von einem
Teil instrumental.

303

THEMA 20. Die auditive Diskriminierung. Didaktische Ressourcen zur Erkundung und Forschung
sonor. Die Entwicklung der auditorischen Wahrnehmung: Höhe, Dauer, Intensität, Klangfarbe und Form.
Techniken y Methoden.

315

THEMA 21. Die musikalische Audition. Ihre Didaktik. Entwicklung des Hörverständnisses in
Primarier. Ziele, Inhalte und Aktivitäten. Programmierung von Anhörungen für den
Schüler de Bildung Primaria.

329

THEMA 22. Soziologie der Musik. Beziehung Musik-Gesellschaft. Soziale Funktion der
Musik. Das sozial-kulturelle Umfeld und sein Einfluss auf die Entwicklung der musikalischen Sensibilität.
Die Musik in der heutigen Welt. Musik und Konsum. Beiträge und Möglichkeiten der
Audiovisuelle Medien in der Entwicklung der Wahrnehmung und Wertschätzung von Musik.

345

THEMA 23. Große Epochen der Musikgeschichte: von den Ursprüngen bis zum
Barock. Allgemeine Merkmale. Auswahl von Musikfragmenten für die Schüler von
Educación Primäre.

361

THEMA 24. Große Perioden der Musikgeschichte: die Musik im Klassizismus, im

Romantismus und im 20. Jahrhundert. Allgemeine Merkmale. Auswahl von Fragmenten
Musicals para der Studentenschaft de Bildung. Primaria.

399

THEMA 25. Die Musik als kultureller Ausdruck der Völker. Die ethnische Musik.
Folklore und seine didaktischen Anwendungen. Auswahl von Musikfragmenten für die Schüler
de Bildung Primar

429