Was ist die Dalcroze-Methode?

Die Dalcroze-Methode, auch bekannt als Dalcroze Eurhythmik, ist ein weiterer Ansatz zur Musik
Pädagogen verwenden, um die Musikschätzung, das Gehörtraining und die Improvisation zu fördern, während sie verbessern
musikalische Fähigkeiten. In dieser Methode ist der Körper das Hauptinstrument. Die Schüler hören zu
theRhythmuseines Musikstücks und drücken aus, was sie hören, durch Bewegung. Einfach gesagt,
Dieser Ansatz verbindet Musik, Bewegung, Geist und Körper.

Wer hat diese Methode geschaffen?

Diese Methode wurde von Emile Jaques-Dalcroze, einem Schweizer Komponisten und Musikpädagogen, entwickelt.
und Musiktheoretiker, der bei studierteGabriel Fauré, Mathis Lussy undAnton Bruckner.

Mehr über Emile Jaques-Dalcroze:

Dalcroze wurde am 6. Juli 1865 in Wien, Österreich, geboren. Er wurde Professor für Harmonie an
das Genfer Konservatorium im Jahr 1892; zu diesem Zeitpunkt begann er, seine Methode zu entwickeln
Rhythmus durch Bewegung zu lehren, bekannt als Eurhythmik. Er gründete eine Schule in
Hellerau, Deutschland (später nach Laxenburg gezogen) im Jahr 1910, und eine weitere Schule in Genf im
1914, wo Schüler nach seiner Methode lernten. Dalcroze starb am 1. Juli 1950 in Genf.
Schweiz. Mehrere seiner Schüler, wie die Ballettlehrerin Dame Marie Rambert, verwendeten
Eurythmie und wurde einflussreich in der Entwicklung von Tanz und zeitgenössischem Ballett
im 20. Jahrhundert.

Was sind die Schlüsselelemente der Dalcroze-Methode?

Diese Methode hat 3 Facetten:

Eurhythmik (Griechisch für "guter Rhythmus") - Musikalischer Ausdruck durch Bewegung;
Entwicklung musikalischer Fähigkeiten durch kinetische Übungen. Schüler lernen Rhythmus und Struktur.
indem sie Musik hören und das, was sie hören, durch spontane Körperbewegungen ausdrücken
Bewegung. Zum Beispiel werden Notenwerte und Rhythmen durch Schritte dargestellt und
Applaus.
Solfege (Fixdo) - Hilft, das Gehör und die Fähigkeit zum Notenlesen zu entwickeln.
Improvisation - VerwendungInstrumente, Bewegung undStimme.

Wie ist eine typische Unterrichtsstunde?

Obwohl es allgemein als Methode bezeichnet wird, gibt es eigentlich keinen festgelegten Lehrplan. Dalcroze
Er selbst mochte es nicht, seinen Ansatz als Methode bezeichnet zu werden. Daher verwendet jeder Lehrer einen
verschiedener Ansatz basierend auf seinen/ihren Interessen, Ausbildungen und Fähigkeiten, wobei man die ...
Alter, Kultur, Standort und Bedürfnisse der Schüler.

Was sind die wichtigsten gelernten Konzepte?

Die Dalcroze-Methode fördert die Vorstellungskraft, den kreativen Ausdruck und die Koordination.
Flexibilität, Konzentration, inneres Hören, Musikschätzung und Verständnis von Musik
Konzepte.

Welche Schulungen sind verfügbar, um diese Methode zu lehren?

Dalcroze-Zertifikat - Erfordert einen Bachelor-Abschluss in Musik; kann Kinder unterrichten.

Dalcroze-Lizenz - Erfordert einen Master-Abschluss in Musik; kann Erwachsene unterrichten.
Diplome - Nach Abschluss des Studiums am Jaques-Dalcroze-Institut in Genf vergeben.
Die Schweiz; kann andere Lehrer ausbilden und Zertifikate verleihen.

In den Vereinigten Staaten bieten Hochschulen ein Zertifikat und eine Lizenz in der Dalcroze-Methode an.
Carnegie Mellon Universität, Columbia College und Universität von Maryland, College
Park.
Was ist die Kodály-Methode?

Die Kodály-Methode ist eine Möglichkeit, musikalische Fähigkeiten zu entwickeln und musikalische Konzepte zu lehren.
beginnt in sehr jungen Kindern. Diese Methode verwendetVolkslieder, Curwen-Handzeichen,
Bilder, bewegliches Do, Rhythmussymbole und Silben. Es wurde zuerst in Ungarn eingeführt, aber
wird jetzt in vielen Ländern verwendet, entweder allein oder in Kombination mit anderen Methoden.

Wer hat diese Methode geschaffen?

Die Kodály-Methode ist ein Ansatz zur Musikausbildung, der auf den Philosophien vonZoltan
Kodály. Zoltan Kodály war ein ungarischer Komponist, Autor, Pädagoge und Experte für
Ungarische Volkslieder. Obwohl diese Methode nicht genau von Kodály erfunden wurde, war sie
entwickelt von seinen Kollegen und Studenten in der Mitte des 20. Jahrhunderts basierend auf seinen Lehren.

Was waren die Ziele und Philosophien von Zoltan Kodaly?

Heben Sie das Niveau der Lehrerbildung an.

Verbessern Sie die musikalische Bildung in Schulen.
Jeder ist fähig und hat das Recht auf musikalische Alphabetisierung.
Singen ist die Grundlage des musikalschen Lernens.
Musikunterricht muss bei den ganz Kleinen beginnen.
Die Bedeutung der Verwendung von Volksmusik (einheimische Volkslieder und Volkslieder aus anderen Ländern)
und Musik von hohem künstlerischen Wert.
Integrieren von Spielen, Bewegung, Instrumentenspielen, Lesen und Schreiben von Musik mit
Singen.
Sequenzielle Prozesse, die der natürlichen Lernentwicklung eines Kindes folgen:

auditiv
geschrieben - bildlich - abstrakt
Gelesen

Welche Arten von Musik und Instrumenten werden im Unterricht verwendet?

Lieder von hohem künstlerischen Wert, sowohl Volkslieder als auch komponierte, werden im Kodály-Unterricht verwendet.
Lieder, die sich impentatonische Skalawerden auf dem Anfängerniveau betont. Laut
Kodaly: „Niemand möchte bei der Pentatonik Halt machen. Aber in der Tat, die Anfänge müssen dort gemacht werden;
einerseits ist die biogenetische Entwicklung des Kindes auf diese Weise natürlich und andererseits,
das ist, was von einer rationalen pädagogischen Sequenz gefordert wird." Andere Lieder, die verwendet werden können
einschließlich Gesänge, Tanzlieder,Wiegenlieder, Wiegenlieder, Lieder für Kreisspiele und Geschichten
Lieder.

Welche Musikinstrumente werden verwendet?

DerStimmeist das wichtigste Musikinstrument dieser Methode. In seinen Worten: "Singen verbunden
Mit Bewegungen und Aktionen ist viel älter und gleichzeitig komplexer.
Phänomen als ein einfaches Lied.
einschließlichXylophoneundRecorder.

Wie sieht eine typische Stunde aus und welche Schlüsselkonzepte werden gelernt?

Obwohl die Kodaly-Methode einer festen Reihenfolge folgt, werden die Materialien, die im Musikunterricht verwendet werden, angepasst.

Die Konzepte variieren je nach Alter des Schülers. Die gefolgte Reihenfolge kann sein
vereinfacht als: hören - singen - verstehen - lesen und schreiben - erschaffen.

Durch die Anwendung dieser Methode unter der Anleitung eines zertifizierten Kodály-Lehrers können die Schüler entwickeln
Hörfähigkeiten
improvisieren, singen, tanzen, analysieren, Musik lesen und schreiben.

Zoltan Kodaly Zitate:

Nur Kunst von intrinsic Wert ist für Kinder geeignet! Alles andere ist schädlich.

„Wir sollten Musik auf die gleiche Weise lesen, wie ein gebildeter Erwachsener ein Buch liest: in Stille,
aber den Klang vorstellen.

Einem Kind ein Instrument beizubringen, ohne ihm zuvor eine Vorbereitungsausbildung zu geben und ohne
Das Entwickeln von Singen, Lesen und Diktieren auf höchstem Niveau zusammen mit dem Spielen ist dazu
auf Sand bauen.

Lehre Musik und Gesang in der Schule so, dass es keine Qual, sondern Freude für die ist.
Schüler; wecke in ihm den Durst nach feinerer Musik, einen Durst, der ein Leben lang anhält.
Die Orff-Methode ist eine Möglichkeit, Kindern Musik näherzubringen, die ihren Verstand einbezieht und
Körper durch eine Mischung aus Singen, Tanzen, Schauspielern und dem Einsatz von Percussion-Instrumenten
(d.h. Xylophone, Metallophone, Glockenspiele). Die Lektionen werden mit einem Element von
spielen hilft den Kindern, auf ihrem eigenen Verständnisniveau zu lernen.

Was ist Orff-Schulwerk?

Auch bekannt als die Orff-Methode, Orff-Ansatz oder Musik für Kinder; es ist eine Art von
Einführung und Unterricht von Kindern in die Musik auf einem Niveau, das sie leicht nachvollziehen können.
Musikalische Konzepte werden durch Singen, Sprechen, Tanzen, Bewegung, Drama und die
spielen von Schlaginstrumenten. Improvisation, Komposition und das natürliche Gefühl eines Kindes
des Spiels sind ermutigt.
Wer hat den Orff-Ansatz geschaffen?
Dieser Ansatz zur Musikpädagogik wurde entwickelt vonCarl Orff, ein deutscher Komponist
Dirigent und Pädagoge, dessen berühmteste Komposition das Oratorium "Carmina Burana" ist.
Es wurde in den 1920er und 1930er Jahren entworfen, während er als Musikdirektor diente von
dieGünther-Schule; eine Schule für Musik, Tanz und Gymnastik, die er in München mitbegründet hat.
Seine Ideen basierten auf seinem Glauben an die Bedeutung von Rhythmus und Bewegung. Orff teilte
diese Ideen in einem Buch mit dem Titel Orff-Schulwerk, das später überarbeitet und dann angepasst wurde.
Englisch als Musik für Kinder.
Welche Musikarten und Instrumente werden typischerweise verwendet?
Volksmusik und von den Kindern selbst komponierte Musik werden hauptsächlich im Orff verwendet.
KlasseXylophone(Sopran, Alt, Bass)Metallophone(Sopran, Alt,
Bass),Glockenspiele(Sopran und Alt)Castagnetten, Glocken, Maracas, Dreiecke, Becken(Finger,
abgestürzt oder ausgesetzt)Tamburine, Tamtam, Gongs, Bongos, Stahlfässer undConga
Trommelnsind nur einige der Schlaginstrumente, die im Orff-Klassenzimmer verwendet werden. Andere
Instrumente (sowohl gestimmt als auch ungestimmt), die verwendet werden können, umfassen:

-ein Tipp

Wie sieht eine typische Unterrichtsstunde aus?

Obwohl Orff-Lehrer viele Bücher als Rahmen verwenden, gibt es keinen standardisierten Orff.
Curriculum. Orff-Lehrer entwerfen ihre eigenen Unterrichtspläne und passen sie an die Größe der
Klasse und das Alter der Schüler. Zum Beispiel könnte ein Lehrer ein Gedicht oder eine Geschichte wählen, um
Im Klassenlesen werden die Schüler dann gebeten, sich zu beteiligen, indem sie Instrumente auswählen, um einen ...
Charakter oder ein Wort in der Geschichte oder dem Gedicht. Während der Lehrer die Geschichte oder das Gedicht erneut liest,
Die Schüler fügen Soundeffekte hinzu, indem sie die Instrumente spielen, die sie ausgewählt haben. Der Lehrer fügt dann hinzu.
Begleitung durch das Spielen von Orff-Instrumenten. Im Laufe der Stunde werden die Schüler gebeten
Orff-Instrumente zu spielen oder andere Instrumente hinzuzufügen. Um die gesamte Klasse einzubeziehen, andere
werden gebeten, die Geschichte nachzuspielen.

Was ist mit Liedern und Notation?

Im Orff-Klassenzimmer agiert die Lehrerin wie eine Dirigentin, die ihren eifrigen
Orchester. Wenn der Lehrer ein Lied auswählt, werden einige Schüler als Instrumentalisten ausgewählt.
während der Rest der Klasse mitsingt. Teile können notiert sein oder nicht. Falls notiert, sollte es
Sei einfach genug, damit die Schüler es verstehen. Der Lehrer bietet den Schülern dann einen
Kopie der Notizen und/oder erstellt ein Plakat.

Was sind die gelernten Schlüsselkonzepte?

Mit dem Orff-Ansatz lernen die Schüler über Rhythmus, Melodie, Harmonie, Klangfarbe, Form und
andererElemente der Musik. Die Schüler lernen diese Konzepte durch Sprechen, Singen und Singen.
Tanzen, Bewegung, Schauspiel und Musikinstrumente spielen. Diese erlernten Konzepte werden
Sprungbretter für weitere kreative Bestrebungen wie Improvisation oder das Komponieren eigener Stücke
Musik.
Beispiel vereinfachtes Format
Dies ist ein sehr einfaches Lehrplanformat, das für kleine Kinder verwendet werden kann:
Gedicht.

Hinweis: Es ist wichtig, dass die Schüler den richtigen Rhythmus beibehalten und das richtige Spielen mit Schlägeln lernen.

Technik.
Carl Orff Zitate
Hier sind einige Zitate von Carl Orff, um Ihnen ein besseres Verständnis seiner Philosophie zu geben:

Erfahrung zuerst, dann intellektualisieren.

Seit Anbeginn der Zeit mochten Kinder es nicht zu lernen. Sie spielen viel lieber.
und wenn du ihre Interessen im Herzen hast, wirst du ihnen erlauben, während sie spielen zu lernen; sie werden finden
Was sie gemeistert haben, ist Kinderspiel.

Elementare Musik ist niemals nur Musik. Sie ist mit Bewegung, Tanz und Sprache verbunden, und so
Es ist eine Form von Musik, an der man teilnehmen muss, in der man nicht als Zuhörer involviert ist.
aber als Mitdarsteller.

Die Suzuki-Methode ist ein Ansatz zur Musikpädagogik, der in Japan eingeführt wurde und
später in den Vereinigten Staaten in den 1960er Jahren angekommen. Obwohl diese Methode ursprünglich
entwickelt für dieVioline, es ist jetzt auch auf andere Instrumente anwendbar, einschließlich
derKlavier, FlöteundGitarre.
Was ist die Suzuki-Methode?
Die Suzuki-Methode, auch bekannt als der "Muttersprache-Ansatz", ist eine Lehrmethode.
Musik, die die Bedeutung des Einflusses und der Beteiligung der Eltern betont. Eltern und
Lehrer arbeiten zusammen, um ein gemeinsames Ziel zu erreichen. Von den Eltern wird erwartet, dass sie den Unterricht besuchen.

und als fürsorgliche Lehrer zu Hause dienen.

Mit dieser Methode lernen die Schülerinnen und Schüler:

Wer hat diese Methode entwickelt?

Die Suzuki-Methode wurde von einem erfolgreichen japanischen Geiger und Pädagogen entwickelt.
nannte Dr. Shinichi Suzuki. Er wurde am 17. (oder 18.) Oktober 1898 in Nagoya, Japan, geboren und
starb am 26. Januar 1998 in Matsumoto, Japan. Suzuki spielte für den Kaiserhof von
Japan und bildete das Suzuki-Quartett mit seinen Geschwistern. Er wurde auch Präsident der
Teikoku Musikschule gegründet und das Tokyo String Orchestra gegründet. Für seine vielen Beiträge,
Der Kaiser von Japan ernannte Suzuki zum Ordens des Nationalen Schatzes.
Was ist die Philosophie hinter dieser Methode?
Diese Methode basierte auf Suzukis Beobachtungen von Kindern, als er in Deutschland war. Er
beobachtete, dass Kinder ihre Muttersprache ohne Schwierigkeiten lernen können. Er stellte fest
dass Kinder, die in deutschen Haushalten geboren werden, natürlich lernen, Deutsch zu sprechen
Sprache. In ähnlicher Weise würden Kinder, die in einem japanischen Haushalt geboren werden,
Natürlich passen sie ihre Muttersprache an. Er kam zu dem Schluss, dass alle Kinder musikalisch entwickeln können.
Die Fähigkeit und die Umgebung des Kindes können seine/ihre Entwicklung stark beeinflussen.

Was sind die grundlegenden Elemente der Suzuki-Methode?

Die grundlegenden Elemente der Suzuki-Methode sind:

nicht nur der Musiklehrer, der als Pädagoge fungiert; die Eltern oder Erziehungsberechtigten des Kindes
spielen ebenfalls eine wichtige Rolle in der musikalischen Entwicklung des Kindes.

Musik lesen.

Wie sieht eine typische Unterrichtsstunde aus?

Die Suzuki-Methode folgt einer festen Reihenfolge und jedes Instrument hat sein jeweiliges
Repertoire; beginnend mit einfachen und dann fortschreitend zu schwierigeren Stücken. Verwendung von
"Talent Education Movement" beginnen Kinder im Alter von 2 oder 3 Jahren mit dem Unterricht. Suzuki-Schüler
sind zum ersten Mal großen klassischen Aufnahmen und Musikstücken ausgesetzt, die sie schließlich
Lernen. Hintergrundmusik wird ständig gespielt, während die Kinder in der Schule sind, um sie einzutauchen.
sie in der Musik. Der Glaube dahinter ist, dass Kinder lernen werden, gutes musikalisches Talent zu entwickeln.
Ohren; in der Lage, Veränderungen zu erkennen inPitch, Timing, Ton usw. Die Schüler lernen durch Beobachtung; sie
Lernen als Gruppe. Soziale Interaktion und Kooperation werden unter den Schülern gefördert.

Zitate von Shinichi Suzuki

Um Ihnen ein besseres Verständnis dieser Methode zu vermitteln, hier einige Zitate von ihrem Schöpfer;
Dr. Shinichi Suzuki:

Charakter zuerst, Fähigkeit zweitens.

Musik zu unterrichten ist nicht mein Hauptzweck. Ich möchte gute Bürger, edle Menschen schaffen. Wenn
Ein Kind hört von der Geburt an schöne Musik und lernt, sie selbst zu spielen, es entwickelt sich.
Sensibilität, Disziplin und Ausdauer. Er bekommt ein schönes Herz.
Musikalische Fähigkeiten sind kein angeborenes Talent, sondern eine Fähigkeit, die entwickelt werden kann. Jedes Kind, das
richtig ausgebildete können musikalische Fähigkeiten entwickeln, genau wie alle Kinder die Fähigkeit zu sprechen entwickeln
ihre Muttersprache. Das Potenzial jedes Kindes ist unbegrenzt.

DIE WICHTIGKEIT DES MUSIKUNTERRICHTS

Vor ein paar Jahren stieß ich auf einen großartigen Artikel über die Bedeutung der Musikbildung. Kürzlich
Ich habe es wiederentdeckt, begraben in meinen Archiven, und dachte, ich poste es, damit andere es genießen können.

Da Musik- und Kunstprogramme an Schulen in den gesamten Vereinigten Staaten gestrichen werden, denke ich, dass dies großartig ist.

Erinnerung, dass Musik mehr ist als ein unterhaltsames Hobby oder ein emotionaler Ausdruck.
WARUM MUSIK UNTERRICHTEN?

VON DR. TIM LAUTZENHEISER

MUSIK IST EINE WISSENSCHAFT.

Es ist genau, spezifisch; und es erfordert exakte Akustik. Eine Partitur des Dirigenten ist eine Karte, ein Diagramm, das

zeigt Frequenzen, Intensitäten, Volumenänderungen, Melodie und Harmonie gleichzeitig und mit dem
die genaueste Kontrolle der Zeit.

MUSIK IST MATHEMATISCH.

Es basiert rhythmisch auf den Unterteilungen der Zeit in Brüche, die gemacht werden müssen.
sofort, nicht auf Papier ausgearbeitet.

MUSIK IST EINE FREMDSPRACHE.

Die meisten Begriffe sind auf Italienisch, Deutsch oder Französisch; und die Notation ist sicherlich nicht Englisch, sondern eine

hochentwickelte Art von Kurzschrift, die Symbole verwendet, um Ideen darzustellen. Die Semantik der Musik ist
die vollständigste und universellste Sprache.

MUSIK IST GESCHICHTE.

Musik spiegelt normalerweise die Umgebung und die Zeiten ihrer Entstehung wider, oft sogar das Land und/oder Rasse.
Gefühl.

MUSIK IST KÖRPERERZIEHUNG.

Es erfordert eine fantastische Koordination der Finger, Hände, Arme, Lippen, Wangen und Gesichtsmuskeln, zusätzlich zu
außergewöhnliche Kontrolle über das Zwerchfell, die Rückenmuskulatur, die Bauchmuskulatur und die Brustmuskulatur, die sofort reagieren

zum Klang, den das Ohr hört und der Verstand interpretiert.

MUSIK IST ALL DIESE DINGE, ABER AM WICHTIGSTEN IST MUSIK KUNST.

Es ermöglicht einem Menschen, all diese trockenen, technisch langweiligen (aber schwierigen) Techniken zu nutzen und anzuwenden.

um Emotionen zu erzeugen. Das ist etwas, das die Wissenschaft nicht duplizieren kann; Humanismus, Gefühl, Emotion, nennen Sie es

Es ist, was du willst.

 WARUM WIRD MUSIK UNTERRICHTET?

Nicht, weil wir erwarten, dass unsere Schüler Musik als Hauptfach wählen. Nicht, weil wir erwarten, dass sie alle spielen oder singen.

ihr Leben. Nicht damit sie sich entspannen können. Nicht damit sie Spaß haben können. Sondern damit sie menschlich sein werden. Damit sie

Schönheit erkennen. Sie werden also sensitiv sein. Sie werden also näher an einem unendlichen Jenseits dieser Welt sein. So
Sie werden etwas haben, an dem sie sich festhalten können. So werden sie mehr Liebe, mehr Mitgefühl, mehr Sanftheit haben.

mehr gut-- kurz gesagt, mehr Leben. Welchen Wert hat es, ein wohlhabendes Leben zu führen, es sei denn, du
Weißt du, wie man lebt?

Foto mit freundlicher Genehmigung von:heilender Traum

Questions: Have you studied music? If so, do you agree with this perspective? If not,
Was denkst du, was hättest du gerne? Wie sind deine Erfahrungen?

Musikteilnahme bietet eine einzigartige Gelegenheit

für die Vorbereitung auf die Lese- und Schreibfähigkeit. Ob die Kinder sind

singen, spielen oder zuhören, leiten Lehrer sie

auf neue Weise zuzuhören und zu hören, welche Übungen
deren auditive Diskriminierung. Musikinstrumente spielen und
Bewegung in den Unterricht einzubauen, lehrt Kinder
über sequenzielles Lernen, das wesentlich ist in
Leseverständnis.

Platon sagte einmal, dass Musik "ein wirkungsvolleres Instrument als jedes andere für die Bildung ist".
Sie werden viele Lehrer von kleinen Kindern finden, die ihm zustimmen würden. Jüngste Forschungen
hat herausgefunden, dass Musik beide Seiten des Gehirns nutzt, ein Fakt, der sie in allen Bereichen wertvoll macht
Entwicklungsbereiche. Musik beeinflusst das Wachstum des Gehirns eines Kindes akademisch,
emotional, körperlich und geistig.
Musik ist akademisch. Für manche Menschen ist dies der Hauptgrund, Musikunterricht anzubieten.
zu ihren Kindern. Eine aktuelle Studie von der Universität Kalifornien hat herausgefunden, dass Musik trainiert
das Gehirn für höhere Denkformen. Zweitklässler, die Musikunterricht hatten
hat 27 % besser in proportionaler Mathematik und Bruchteilen abgeschnitten als Kinder, die keinen Unterricht erhielten
Spezielle Anweisung. Forschungen zeigen, dass musikalisches Training das Gehirn eines jungen Menschen dauerhaft vernetzt.
Kopf für verbesserte Leistung.
Musik ist körperlich. Musik kann als Sport beschrieben werden. Singen lernen und den Rhythmus halten.
entwickelt Koordination. Die Luft- und Windkraft, die notwendig ist, um eine Flöte, Trompete oder ...
Das Saxophon fördert einen gesunden Körper.

Musik ist emotional. Musik ist eine Kunstform. Wir sind emotionale Wesen und jedes Kind benötigt
ein künstlerischer Ausdrucksweg. Musik kann das Ausdrucksmedium Ihres Kindes sein.
Musik ist für das Leben. Die meisten Menschen können mit 70 oder 80 Jahren kein Fußball spielen, aber
Sie können singen. Und sie können Klavier oder ein anderes Instrument spielen. Musik ist ein Geschenk, das man
Geben Sie Ihrem Kind etwas, das ihr ganzes Leben lang hält.

Die in diesem Artikel enthaltenen Informationen zu den Löhnen sind allgemeiner Natur und können je nach Wohnort variieren.

Denken Sie über eine Karriere in der Musikpädagogik nach und möchten Sie Ihre Optionen und die Vorbereitungen dafür kennenlernen? Hier ist ein Leitfaden, der Ihnen hilft, Ihren Weg zu planen.
einen Karriereweg einschlagen.

Studio Lehrer - Sie haben die Möglichkeit, Ihr eigenes Studio zu eröffnen, zu franchisieren oder als einer der Studio Lehrer zu arbeiten bei
eine bereits etablierte Schule. Ein Wissen in Musik und Performance ist erforderlich sowie gute Lehrfähigkeiten. Ein Abschluss ist
Nicht immer erforderlich für diese Position, aber Sie müssen ausgezeichnete Qualifikationen in beiden Bereichen Musik und Lehre haben. Verdienen
Die Möglichkeiten variieren je nach Standort und Qualifikationen, wobei einige bis zu 100 Dollar pro Stunde verdienen.
Frühkindliche Musikpädagoge - Abgesehen von Wissen in Musik und Aufführung, Musikpädagogen für junge
Kinder müssen auch geduldig, verständnisvoll und kreativ sein. Ein Wissen über die Musiklehrpläne Ihres Bundesstaates oder
Das Land ist ebenfalls entscheidend. Das Gehalt variiert je nach Standort und Qualifikationen, wobei einige bis zu 60 $ pro Stunde verdienen.
Schulmusikpädagoge - Ein Hintergrund in Musik und Performance ist immer erforderlich. Sie müssen sympathisch, motiviert und ...
ein kontinuierlicher Lernender. Ein Lehrzertifikat und ein Bachelor-Abschluss in Musikpädagogik sind ebenfalls erforderlich. Einige verdienen so viel
bis zu 70.000 $ pro Jahr, abhängig von Ihrem Standort und Ihren Qualifikationen.
Musikberater/-supervisor - Sie müssen umfassende Kenntnisse in Musik, Unterricht und den aktuellen Trends in beiden Bereichen haben.
Sie müssen ein guter Entscheider und Berater sein. Ein fortgeschrittener Musikabschluss und ein guter Hintergrund im Unterricht sind erforderlich.
Einige Musikberater/-supervisoren verdienen bis zu 70.000 Dollar pro Jahr, wiederum abhängig von Qualifikationen und Standort.
Musikprofessor - Neben all den oben genannten Qualifikationen ist ein Doktortitel oder dessen Äquivalent erforderlich.
Je nach Standort und beruflichem Hintergrund kann man bis zu 150.000 $ pro Jahr verdienen.
Universitätsmusikschuladministrator - Ein umfassender Hintergrund in Musik und Lehre ist erforderlich. Sie müssen über
Führungskompetenzen und ein guter Hintergrund als Musikprofessor sind unerlässlich. Die Gehälter können bis zu 180.000 Dollar pro Jahr betragen, abhängig von
Qualifikationen und Standort.